دسته: آموزش های هنری

  • آشنایی با فواصل موسیقی ایرانی

    آشنایی با فواصل موسیقی ایرانی

    موسیقی سنتی ایران، علاوه بر جذابیت عمیقی که برای ما ایرانیان دارد، برای شنوندگان از دیگر فرهنگ‌ها نیز بسیار ارزشمند و شنیدنی است. راز این همه زیبایی و گیرایی در موسیقی ایرانی به عوامل بسیاری مربوط می‌شود. یکی از این عوامل، اجرای دقیق و درست فواصل میان نتهاست که نقش مهمی در شکل‌گیری و گسترش این موسیقی داشته است. در این نوشته از وبلاگ آنبین، قصد داریم نگاهی به این فواصل در موسیقی ایرانی بیندازیم. امیدواریم همراهی کنید.

    در موسیقی، صداها در سطوح گوناگون زیر و بم قرار می‌گیرند. همانطور که می‌دانیم، هرچه نت‌ها بالاتر روند، صدای آنها زیرتر و هرچه پایین‌تر بیایند، بم‌تر می‌شوند.
    از این تعریف می‌توان دریافت که میان هر دو نت، یک فاصله وجود دارد. بدیهی است که هرچه این دو نت از نظر زیر و بمی از هم دورتر باشند، فاصله میان آنها نیز بزرگ‌تر خواهد بود.

    فاصله موسیقی چیست؟

    در موسیقی ایرانی، درک امروزی ما از فاصله‌های موسیقی با گذشته کمی تفاوت پیدا کرده است. امروزه منظور از فاصله، میزان تفاوت در زیر و بمی (فرکانس) بین دو نت موسیقی است. این تفاوت دقیقاً همان چیزی است که بین دو صدای مختلف در موسیقی وجود دارد و گوش انسان توانایی درک آن را دارد. به عنوان نمونه، گوش ما می‌تواند تفاوت بین نت «دو» و نت «ر» را به خوبی تشخیص دهد.

    به زبان ساده‌تر، در موسیقی به میزان بالا یا پایین بودن (زیر یا بم بودن) دو نت نسبت به هم، فاصله یا اینتروال گفته می‌شود. هر فاصله همیشه از دو نت تشکیل می‌شود و می‌تواند روی خطوط حامل به سمت بالا یا پایین حرکت کند. برای محاسبه فاصله بین دو نت، کافی است تعداد نت‌های بین نت اول و نت دوم را بشماریم.

    از طرفی، تشخیص دستگاه مربوط به یک قطعه موسیقی سنتی ایرانی، همیشه برای دوستداران این سبک موسیقی، موضوعی بسیار جذاب و در عین حال چالش‌برانگیز بوده است. این مهارت به دلیل کاربردهای گسترده‌اش در آموزش و ساختن آهنگ، از ارزش بالایی برخوردار است.

    برای مطالعه بیشتر، به کلاویه در پیانو چیست ؟ سری سر بزنید.

    توصیه می‌شود به مطالعه مقاله آشنایی با برخی از انواع پیکاپ های گیتار الکتریک و باس ادامه دهید.

    انجام این کار تنها با گوش دادن به یک قطعه، بسیار سخت است و معمولاً تنها استادان بسیار باتجربه موسیقی یا کسانی که سال‌ها به این موسیقی گوش داده‌اند و ساختار همه دستگاه‌ها را به خوبی می‌شناسند، می‌توانند دستگاه آن قطعه را به درستی تشخیص دهند.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، حتماً ویژگی های پیش درآمد در موسیقی سنتی چیست؟ را بخوانید.

    اندازه گیری فاصله:

    برای محاسبه فاصله بین دو نت موسیقی، باید تمام نت‌های موجود در آن محدوده را بشمارید. سپس عدد به دست آمده را به صورت پشت‌سرهم و مرتب بیان کنید.

    فواصل موسیقی ایرانی را بشناسید!

    فواصل در موسیقی ایرانی به فاصله‌های میان نتها گفته می‌شود که بر اساس ریزپرده‌ها مشخص می‌گردند. برای نشان دادن این فواصل از علامت‌های تغییردهنده و سرکلید استفاده می‌شود. این علامت‌ها با نام‌های سری و کرن شناخته می‌شوند.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه آشنایی با علامت دیز، هشتگ نت ها.

    چرا فواصل موسیقی در موسیقی سنتی ایرانی اهمیت دارند؟

    اهمیت فاصله‌های موسیقی به این دلیل است که بر احساس شما هنگام شنیدن پشت سر همِ نتها تأثیر می‌گذارند. همچنین، این فاصله‌ها احساس شما را هنگام شنیدن همزمانِ نتها نیز تحت تأثیر قرار می‌دهند. به عنوان نمونه، اگر فرکانس بین دو نت تغییر نکند و نسبت آن‌ها ثابت باقی بماند، مسلماً احساس شما نیز تغییری نخواهد کرد.
     
     

    توصیه می‌شود به مطالعه مقاله قمرالملوک وزیری، ام کلثوم ایران ادامه دهید.

    برای یادگیری پیشرفته، به نخستین خواننده مرد در رادیو ملی ایران که بود؟ مراجعه کنید.

  • آشنایی با اصطلاح تحول مقام به دستگاه

    آشنایی با اصطلاح تحول مقام به دستگاه

    مقام و دستگاه دو واژه کلیدی در موسیقی ایرانی هستند. اگر می‌خواهید موسیقی سنتی را یاد بگیرید، خوب است ابتدا با معنی این دو اصطلاح آشنا شوید. در این نوشته از وبلاگ آنبین، پس از بیان تعریف کوتاهی از هرکدام، تغییر و تحول مقام به دستگاه را برای شما شرح می‌دهیم. تا پایان این مطلب با ما همراه بمانید.

    مقام در موسیقی ایرانی

    مقام یک روش دسته‌بندی در موسیقی است که در زمان‌های گوناگون، از گذشته تا امروز، برای طبقه‌بندی موسیقی ایرانی، ترکی، عربی و گونه‌های نزدیک به آن‌ها (مانند موسیقی آذربایجانی و کردی) استفاده شده و هنوز هم کاربرد دارد.

    ویژگی‌ها و گروه‌بندی مقام‌ها در طول زمان یکسان نبوده و در بین موسیقی ایرانی، ترکی و عربی نیز به طور کامل یکسان نیست، هرچند نقاط مشترک فراوانی میان آن‌ها دیده می‌شود. بر اساس منابع معتبر، تعداد مقام‌های اصلی در موسیقی ایرانی دوازده، در موسیقی ترکی سیزده و در موسیقی عربی تا چهارده عدد ثبت شده است.

    دستگاه  در موسیقی ایرانی

    در سده‌های گذشته، واژه «دستگاه» جایگزین اصطلاح «مقام» شده است. این کلمه به محل قرارگیری انگشتان دست نوازنده روی دسته ساز اشاره دارد (ترکیبی از دست + گاه). هر پرده از ساز، نمایانگر یکی از فواصل یا گام‌های موسیقیایی است. (در موسیقی قدیم ایران، «گاه» به معنای پرده ساز به کار می‌رفته است.) موسیقی سنتی ایرانی را در قالب هفت دستگاه دسته‌بندی می‌کنند که بازمانده مقام‌های دوازده‌گانه دوران گذشته محسوب می‌شود.

    تحول مقام به دستگاه

    تغییر از سیستم مقامی به سیستم دستگاهی، عنوانی است که برای بیان دگرگونی‌های رخ‌داده در شیوهٔ طبقه‌بندی و آموزش موسیقی اصیل ایرانی به کار می‌رود. در این تحول، روش قدیمی دسته‌بندی بر پایهٔ مقام‌ها، با روش جدیدی که بر مبنای دستگاه‌ها است، جایگزین شد.

    برای گسترش دانش خود، به مقاله ساز ها و زیرشاخه های سبک نیو ایج سر بزنید.

    برای یادگیری پیشرفته، به خانه اپرای سیدنی، یکی از مهم‌ترین مراکز هنرهای نمایشی مراجعه کنید.

    از سدهٔ چهارم تا نهم هجری، موسیقی نظری ایران از رونق خوبی برخوردار بود و از چارچوبی ادواری برای توصیف موسیقی با استفاده از مقام‌ها بهره می‌برد. در این سیستم، دوازده مقام اصلی تعریف شده بود که نام‌های آن‌ها عبارت بود از: عشاق؛ نوا؛ بوسلیک؛ راست؛ عراق؛ اصفهان؛ زیر افکند؛ بزرگ؛ زنگوله؛ رهاوی؛ سینی و حجازی.

    در صورت علاقه‌مندی، مطلب بهترین آموزشگاه آموزش تنبک را از دست ندهید.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، بیوگرافی پرویز منصوری از پیشگامان توسعه آموزش نوین موسیقی علمی را از دست ندهید.

    در صورت علاقه‌مندی، مطلب گیتار Slite چیست ؟ را از دست ندهید.

    برای مطالعه بیشتر، به ویژگی های پیش درآمد در موسیقی سنتی چیست؟ سری سر بزنید.

    برای گسترش دانش خود، مقاله بیوگرافی مژگان شجریان را مطالعه کنید.

    برای درک عمیق‌تر این موضوع، مطلب قمرالملوک وزیری، ام کلثوم ایران را بخوانید.

    اما در سدهٔ نهم هجری، با پیروی حکمرانان ایرانی از افراد متعصب و بانفوذی که با موسیقی مخالف بودند، پیشرفت علمی این هنر در ایران متوقف شد. در همین دوره، دگرگونی‌ها و جابجایی‌های بسیاری در ساختار موسیقی ایران روی داد.

    شروع جدایی موسیقی ایران از نظام مبتنی بر مقام‌ها دقیقاً

    زمان دقیقی برای جدا شدن موسیقی ایران از سیستم مقامی وجود ندارد، اما به نظر می‌رسد این تغییر در دوره تیموریان (از قرن هشتم تا دهم هجری) آغاز شده باشد. در این فرآیند، به تدریج مقام‌ها کنار رفتند و دستگاه‌های موسیقی جای آن‌ها را گرفتند. همچنین، روش جدیدی برای دسته‌بندی و آموزش موسیقی پدید آمد که بعدها به نام «ردیف» شناخته شد.

    در این سیستم معمولاً هفت دستگاه اصلی معرفی می‌شوند: همایون، ماهور، شور، سه‌گاه، چهارگاه، راست‌پنجگاه و نوا. علاوه بر این‌ها، آوازهای فرعی دیگری نیز وجود دارند که در منابع مختلف، فهرست متفاوتی از آن‌ها دیده می‌شود. این آوازها معمولاً شامل مواردی مانند دشتی، ابوعطا، بیات ترک، افشاری، شوشتری و بیات اصفهان هستند.

    در اینجا می‌توانید اطلاعات کامل‌تری درباره آشنایی با علامت دیز، هشتگ نت ها بیابید.

    با وجود اهمیت این تحول از مقام به دستگاه، که یکی از پرسش‌های اساسی در تاریخ موسیقی ایران به شمار می‌رود، تحقیقات چندانی درباره آن انجام نشده است. یکی از نقدهای مطرح شده این است که در این تغییر، تمرکز از موسیقی به عنوان یک دانش نظری برداشته شد و بیشتر به جنبه اجرایی و هنری آن توجه شد. در نتیجه، این نظام نتوانسته نظریه روشن و جامعی درباره موسیقی ارائه دهد.

  • پیتر سلیمانی پور را بیشتر بشناسید

    پیتر سلیمانی پور را بیشتر بشناسید

    پیتر سلیمانی پور در سال ۱۳۴۷ در تهران به دنیا آمد. او از ده سالگی و بدون معلم، به یادگیری سازهایی مانند سازهای بادی، گیتار، گیتار بیس، سازهای کوبه‌ای و همچنین روش ساختن آهنگ پرداخت. در ادامه این نوشته از وبلاگ آنبین، بیشتر با این هنرمند نام‌آشنا همراه شوید.

    پیتر سلیمانی‌ پور

    او از سال‌های نوجوانی قدم به دنیای موسیقی گذاشت. ابتدا نواختن پیانو را نزد خانم کارمن اوسوریو آموخت و پس از آن، بدون آموزش رسمی، به کمک تجربه شخصی گیتار نواختن را شروع کرد. در همان دوران که در دانشگاه تهران دانشکده هنرهای زیبا مشغول تحصیل در رشته نقاشی بود، نزد احسان سامعی به یادگیری فلوت پرداخت.

    از شروع دهه هفتاد، همزمان با کار حرفه‌ای خود در زمینه گرافیک، به شکل خودآموز و تجربی نوازندگی ساز ساکسوفون را آغاز کرد. سپس در سال ۱۳۷۱ در یک پروژه مشترک با «محراب مقدسیان» و «علی فروردین» به سراغ موسیقی جاز رفت و پس از آن در کنسرت‌های زیادی به اجرای برنامه پرداخت.

    برای یادگیری پیشرفته، به سبک نیو ایج، سبکی با کاربردهای درمانی! مراجعه کنید.

    پیتر سلیمانی پور

    پیتر سلیمانی پور

     گروه آتین

    از سال ۱۳۷۳ خورشیدی، با پیوستن به گروه آتین و حضور روی صحنه، وارد دنیای حرفه‌ای موسیقی شد. او اولین فردی بود که پس از انقلاب، در یک اجرای رسمی در فرهنگسرای بهمن، سازهای درامز، گیتار بیس و ساکسوفون را نواخت و از این سازها در کنار گروه آتین استفاده کرد.

    توصیه می‌شود به مطالعه مقاله اعلام نتیجه مسابقه یلدایی آنبین ادامه دهید.

    در صورت علاقه‌مندی، مطلب چگونه از تکرار آهنگ در ذهنمان جلوگیری کنیم؟ را از دست ندهید.

    پرسیکو کوارتت

    در همان سال، او به همراه علی فروردین، مهراب مقدسیان و عین‌الله کیوان‌شکوه، گروهی به نام «پرسیکو کوارتت» را راه‌اندازی کرد. این گروه به صورت پنهانی و در فضایی زیرزمینی، ترانه‌های مشهور سبک جاز را اجرا می‌کرد. پس از مدتی، گروه بزرگ‌تری به نام «پرسیکو هگزتت» شکل گرفت که تنها آثار ساخته‌شده توسط خود سلیمانی‌پور را به صحنه می‌برد.

    در سال ۱۳۸۴، او «آنسامبل پیتر سلیمانی‌پور» را با همکاری هنرمندانی مانند ماهان میرعرب، پیتر آکوپ، حبیب مفتاح بوشهری، آرش پژند مقدم، دارا دارایی، آیدا نصرت، امین طاهری و میثم مروستی تشکیل داد. این گروه نیز تنها به اجرای آثار اصلی پیتر سلیمانی‌پور می‌پرداخت.

    توصیه می‌شود به مطالعه مقاله کوک فیثاغورثی چیست؟ ادامه دهید.

    سلیمانی‌پور در کنسرت‌های بسیاری از هنرمندان و گروه‌های موسیقی به عنوان نوازنده همکاری داشته است. از جمله این همکاری‌ها می‌توان به همراهی با بابک امینی، گروه‌های «آبرنگ» و «نایما» به همراه حمزه یگانه، ماهان میرعرب، دارا دارایی و امین طاهری، گروه «دارکوب» زیر نظر همایون نصیری، گروه «رومی» به سرپرستی پدرام درخشانی و گروه «فیه‌مافیه» به رهبری سعید نایب محمدی اشاره کرد.

    علاوه بر اجرای زنده، او در ضبط آثار استودیویی بسیاری از هنرمندان نام‌آشنا نیز حضور داشته است. کیوان جهانشاهی، بابک بیات، کریستف رضاعی، پیمان یزدانیان و بهزاد میرخانی از جمله کسانی هستند که سلیمانی‌پور با آنان همکاری کرده است.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، مفهوم آواز ابوعطا در موسیقی را از دست ندهید.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه نانو گیتار ،کوچکترین گیتار جهان.

    مقاله سیما بینا، نخستین زنی که در تالار وحدت کنسرت اجرا کرد حاوی اطلاعات جامعی است.

    توصیه می‌کنیم حتماً مقاله سازهای ابداعی استاد شجریان را مطالعه کنید.

    پیتر سلیمانی‌پور در دهه نود خورشیدی بسیار پرکار بود. برگزاری سخنرانی در دانشکده موسیقی دانشگاه هنر تهران، اجراهای متعدد روی صحنه، ساختن موسیقی برای فیلم و خلق بیش از ۱۵۰ قطعه موسیقی و ضبط تعدادی از آن‌ها، بخشی از فعالیت‌های گسترده او در این دوره است.

    دلیل فوت پیتر سلیمانی پور

    پیتر سلیمانی‌پور در پنجاه‌سالگی و به دلیل گسترش بیماری، در بیمارستان توس چشم از جهان فروبست. او سال‌ها قبل به سرطان مبتلا شده بود، اما با دنبال کردن روند درمان توانست بر بیماری غلبه کند و بار دیگر به دنیای موسیقی بازگردد.

    متأسفانه مدتی پیش بیماری دوباره به سراغش آمد و در سه ماه گذشته حال او رو به وخامت گذاشت. پیتر سلیمانی‌پور برای درمان به بیمارستان منتقل شد. به گفته نزدیکانش، او دقایقی پیش از مرگ، آخرین نغمه زندگی خود را بر تخت بیمارستان نواخت و سپس درگذشت.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، حتماً ترانه مادر من در فیلم خواهران غریب از که بود؟ را بخوانید.

  • بیوگرافی احمد ابراهیمی ،ردیف‌دان و مدرس آواز

    بیوگرافی احمد ابراهیمی ،ردیف‌دان و مدرس آواز

    احمد ابراهیمی، استاد آواز، مدرس خوانندگی و خواننده پیشکسوت، در سال ۱۳۰۵ در منطقه اورامانات کردستان به دنیا آمد. از آنجایی که بیشتر افراد خانواده‌اش با موسیقی آشنا بودند و به آن می‌پرداختند، او نیز با حمایت و تشویق اطرافیانش به سوی موسیقی جذب شد و آموختن این هنر را آغاز کرد. برای آشنایی بیشتر با این استاد بزرگ، می‌توانید مطلب وبلاگ آنبین را مطالعه کنید.

    احمد ابراهیمی

    احمد ابراهیمی
    احمد ابراهیمی در حدود دوازده سالگی به تهران آمد. او در سال ۱۳۲۷ به دلیل داشتن صدای زیبا، با استادان نامدار موسیقی ایران مانند ابوالحسن صبا، مرتضی محجوبی، حسین تهرانی، غلامحسین بنان و ادیب خوانساری آشنا شد و از آموزش همه این هنرمندان بزرگ بهره برد.

    پس از پنج سال یادگیری نزد این استادان، نخستین برنامه رادیویی خود را به همراه محمود ذوالفنون در رادیو تهران اجرا کرد که مورد تشویق و استقبال شنوندگان قرار گرفت.

    یک سال پس از اجرای برنامه‌های گوناگون در رادیو، در سال ۱۳۳۳ به ارکستر مرتضی‌خان محجوبی (استاد پیانو) که با همکاری محمد میرنقیبی اداره می‌شد، پیوست. رشد و شکوفایی هنری او از همین دوره آغاز شد و همکاری‌اش با این ارکستر تا سال ۱۳۳۵ ادامه یافت.

    در اینجا می‌توانید اطلاعات کامل‌تری درباره با اصطلاح فرم سونات آشنا شوید بیابید.

    توصیه می‌شود به مطالعه مقاله کنترپوآن به مثابه روشنگری کلاسیک ادامه دهید.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، بیوگرافی منوچهر چشم آذر را از دست ندهید.

    ابراهیمی از سال ۱۳۴۲ تا پایان سال ۱۳۵۴ رییس دفتر اداره کل فعالیت‌های هنری بود و سپس از سال ۱۳۵۴ تا پایان سال ۱۳۵۸ مدیر امور اداری سازمان ملی فولکلور ایران شد. او در فروردین ۱۳۵۹ پس از بیست و چهار سال کار هنری و مدیریت پیوسته، با درخواست خود بازنشسته شد.

    اگر سوالاتی دارید، مقاله ژانر موسیقی به چه معناست ؟ به شما کمک خواهد کرد.

    پس از انقلاب، بیشتر وقت او به آموزش ردیف‌های آوازی به شاگردان و دوستداران موسیقی آوازی گذشت.

    در سال‌های پس از دهه هشتاد، نهادهای عمومی و فرهنگی از این خواننده پیشکسوت تقدیر کردند که از جمله آن‌ها، مراسم تجلیل از استاد ابراهیمی و استاد فریدون حافظی در خانه موسیقی بود.

    درگذشت احمد ابراهیمی

    احمد ابراهیمی، هنرمند نامدار موسیقی آوازی ایران، در تیرماه سال ۱۳۹۲ و در ۸۷ سالگی، در بیمارستان فرمانیه تهران چشم از جهان فروبست.

    برای گسترش دانش خود، به مقاله فوگ فرمی مهم و بنیادی در موسیقی باروک سر بزنید.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، سبک موسیقی مینیمال به چه سبکی گفته می شود؟ را از دست ندهید.

  • مفهوم آواز ابوعطا در موسیقی

    مفهوم آواز ابوعطا در موسیقی

    شاید عبارت «آواز ابوعطا» به گوشتان خورده باشد، اما شاید دقیقاً ندانید که در دنیای موسیقی چه معنایی دارد. به همین خاطر، در این نوشته می‌خواهیم شما را بیشتر با این مفهوم آشنا کنیم. امیدواریم مطالب برایتان مفید باشد.

    آواز ابوعطا

    آواز ابوعطا یکی از چهار آواز اصلی در دستگاه شور موسیقی ایرانی است. سه آواز دیگر افشاری، دشتی و بیات ترک هستند. این آواز را با نام‌های دیگری مثل سارنج (صلحی) و دستان عرب نیز می‌شناسند.

    اگر سوالاتی دارید، مقاله ضرب آهنگ یا ریتم چیست؟ به شما کمک خواهد کرد.

    در موسیقی ایرانی، واژه «آواز» به مجموعه‌ای از گوشه‌های موسیقی گفته می‌شود که معمولاً با هم و جدا از یک دستگاه اجرا می‌شوند. این کلمه علاوه بر این معنا، در دو جای دیگر هم استفاده می‌شود: یکی به عنوان قالب یا فرمِ اجرای آواز، و دیگری به عنوان نوع خاصی از آواز که وزن و متر ثابتی ندارد.

    در این مقاله قانون ۱۰ هزار ساعته نوازندگان چیست ؟ اطلاعات مفیدی آمده است.

    توصیه می‌کنیم حتماً مقاله گام فا مینور چیست؟ را مطالعه کنید.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، حتماً مجید انتظامی آهنگساز فیلم های به یاد ماندنی را بخوانید.

    ابوعطا

    نام ابوعطا از عبارت “ابو ایتام” گرفته شده و به معنی پدر یتیمان است. برخی از طایفه‌های ایل قشقایی نیز با نام ایل ایتام شناخته می‌شوند. ابوعطا را مانند “سارنگ” ثبت کرده‌اند که به معنای پرنده‌ای خوش‌آواز است.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه با گام دیاتونیک آشنا شوید.

    این آواز در سیستم دسته‌بندی ردیف موسیقی ایرانی جای دارد. نت محوری آن، درجه چهارم گام شور است و محدوده ملودیک آن تا درجه هشتم این گام گسترش می‌یابد. در واقع گام ابوعطا همان گام شور است، اما نت‌های تأکید (درجه دوم شور) و نت محوری ابوعطا (درجه چهارم شور) هستند که ملودی این آواز را از شور متمایز می‌کنند.

    ابوعطا آوازی است غمگین و درون‌نگر؛ البته شدت غم آن در مقایسه با آواز دشتی کمتر است. در گوشه حجاز که اوج ابوعطا به شمار می‌رود، این حس غم به دلیل نزدیکی به فضای آواز دشتی به بالاترین حد خود می‌رسد.

    در اینجا می‌توانید اطلاعات کامل‌تری درباره ساز هارپجی چیست؟ بیابید.

    احساسی که این آواز به شنونده منتقل می‌کند، او را از دنیای بیرون به دنیای درون خود می‌کشاند. به راستی زمان مناسب برای شنیدن این آواز، هنگام غروب آفتاب یا در ساعات پایانی شب است.

  • چگونه از تکرار آهنگ در ذهنمان جلوگیری کنیم؟

    چگونه از تکرار آهنگ در ذهنمان جلوگیری کنیم؟

    همانطور که قبلاً توضیح دادیم، اصطلاحاتی مثل کرم گوش، آهنگ گیر یا سندروم موسیقی چسبنده، نام‌هایی هستند که محققان برای پدیدهٔ تکرار بی‌اختیار یک آهنگ در ذهن استفاده می‌کنند. تقریباً همهٔ افراد، هفته‌ای یک یا دو بار این حالت را احساس می‌کنند. این اتفاق گاهی می‌تواند لذت‌بخش و آرامش‌دهنده باشد، اما گاهی نیز به یک مشکل آزاردهنده تبدیل می‌شود. در این نوشته از وبلاگ آنبین، قصد داریم راه‌های مفید برای رهایی از کرم گوش را با شما به اشتراک بگذاریم و ببینیم چطور می‌توانیم از چرخهٔ بی‌پایان یک آهنگ در ذهن جلوگیری کنیم. در ادامه با ما همراه باشید.

    چگونه از تکرار آهنگ در ذهنمان جلوگیری کنیم؟

    از آنجا که علت اصلی این اتفاق هنوز به طور دقیق مشخص نیست، نمی‌توان روشی قطعی برای جلوگیری از آن معرفی کرد. با این حال، تحقیقات و بررسی‌هایی که بر اساس تجربیات شخصی و گروهی انجام شده، نشان می‌دهند با رعایت برخی نکات می‌توان این تکرار آزاردهندهٔ ذهنی را متوقف کرد.
    اگر آهنگی مدام در ذهنتان تکرار می‌شود و می‌خواهید از شر آن خلاص شوید، این راهکارها را امتحان کنید:

    در صورت علاقه‌مندی، مطلب با پدر سمفونی جهان آشنا شوید را از دست ندهید.

    آهنگ را کامل گوش کنید:

    اغلب ترانه‌هایی که در ذهن ما تکرار می‌شوند، در واقع تنها بخش کوچکی از یک آهنگ هستند؛ مانند بخش گوش‌نوازِ ترجیع یا حتی چند سطر از آن.
    اگر با پدیده‌ی زیگزاگ آشنا باشید، می‌دانید که ذهن ما عادت دارد مسائل را حل کند و دوست دارد کارهای ناتمام را به پایان برساند. بنابراین، اگر آن قطعهٔ موسیقی را کامل به یاد آورید و در ذهن تمامش کنید، معمولاً از شر تکرارِ آن راحت می‌شوید.
    اما اگر نتوانید بخش فراموش‌شدهٔ ملودی یا ترانه را به خاطر بیاورید، ذهن در یک چرخهٔ تکراری گیر می‌افتد و مدام همان بخشِ محدود را مرور می‌کند.

    جدول حل کنید:

    چگونه از تکرار آهنگ در ذهنمان جلوگیری کنیم؟

    اگر به این موضوع علاقه دارید، بیوگرافی استاد فرهنگ شریف را از دست ندهید.

    حل جدول کلمات متقاطع یا هر نوع سرگرمی دیگری که با کلمات سر و کار دارد، می‌تواند به شما کمک کند آن آهنگ تکرارشونده از ذهنتان خارج شود. وقتی به کلمات فکر می‌کنید، در واقع همان بخشی از مغز که مشغول ترانه بود را با کاری دیگر مشغول می‌کنید.
    پس خوب تمرکز کنید؛ زیرا مغز در هر لحظه فقط می‌تواند روی یک یا دو کار تمرکز کند. اگر این روش مؤثر نبود و احساس ناامیدی کردید، کمی دست بکشید؛ چون معمولاً وقتی با یک آهنگ مزاحم مقابله می‌کنید، بیشتر در ذهن می‌ماند و قوی‌تر می‌شود.

    آدامس بجوید:

    برای خیلی از افراد، آدامس جویدن باعث می‌شود نتوانند آهنگی که در ذهنشان تکرار می‌شود را به وضوح بشنوند. این کار حتی ممکن است باعث شود کلاً آن آهنگ را فراموش کنند. پژوهش‌های چند سال پیش روانشناسان نشان داده که جویدن آدامس می‌تواند به کسانی که مدام یک ملودی در ذهنشان گیر می‌کند کمک کند.

    از دید علم، توضیح این پدیده این گونه است: هنگام جویدن آدامس، مغز ما تا حدی گمراه می‌شود. با فعال شدن فرآیندی به نام “تکانه‌های زیرآوایی”، مغز بین عمل جویدن و عمل خواندن یا مرور ذهنی آهنگ دچار تعارض می‌شود و در نتیجه، چرخه تکرار آن آهنگ در ذهن متوقف می‌گردد.

    تکالیف ناتمام را تکمیل کنید:

    ترانه‌های گروهی و بخش‌های همخوانی شده، بیشتر در ذهن ما می‌مانند. اغلب فقط یک یا دو بیت از آن‌ها را به خاطر می‌سپاریم، اما ابیات بعدی را فراموش می‌کنیم و آهنگ را نیمه‌کاره به یاد می‌آوریم. افکار و خاطرات ناتمام، تمایل بیشتری دارند که دوباره به ذهن ما برگردند. به همین دلیل است که این افبار بارها و بارها در ذهن ما تکرار می‌شوند.

    مقاله آشنایی با اصطلاح مایه در موسیقی حاوی اطلاعات جامعی است.

    توصیه می‌شود به مطالعه مقاله آشنایی با تاریخچه موسیقی هرمزگان ادامه دهید.

    اطلاعات جامع‌تری در مورد این موضوع را در تعریف ارکستراسیون یا سازآرایی پیدا کنید.

    بررسی‌ها نشان می‌دهد افرادی که به اختلال وسواس فکری-عملی مبتلا هستند، بیشتر در معرض تجربه «کرم گوش» قرار می‌گیرند و رنج و مشکل بیشتری از آن می‌برند. همچنین احتمال بهبودی از این اختلال روانی در آن‌ها کمتر است.

    برای مطالعه بیشتر، به با یانی ،موسیقدان زنده جهان آشنا شوید سری سر بزنید.

    مغز خود را درگیر کنید  :

    راه حل دیگری که دانشمندان برای رهایی از آهنگ تکراری که در ذهن گیر می‌کند پیشنهاد می‌دهند، این است که ذهن خود را با یک چالش دیگر مشغول کنید. مثلاً می‌توانید یک بازی فکری مانند سودوکو یا یک مسئله ریاضی پیچیده را حل کنید. این کار باعث می‌شود مغز شما کاملاً روی آن فعالیت متمرکز شود و دیگر فرصتی برای بازپخش آهنگ به صورت تکراری پیدا نکند.

    با یک فعالیت آرامش‌بخش شفاهی، حواستان را پرت کنید:

    این کار آرامش‌بخش، وقتی که ذهنتان درگیر یک ملودی تکرارشونده است و شما را عصبی یا بی‌قرار کرده، بیشترین تأثیر را دارد. کارهایی که بخش‌های مربوط به شنیدن و صحبت کردن در مغزتان را فعال می‌کنند، می‌توانند به شما کمک کنند. این کارها شامل این موارد می‌شوند:
    یک شعر یا متن حفظ شده را با صدای بلند بخوانید.
    با فرد دیگری گفت‌وگو کنید.
    مدیتیشن یا تمرکز ذهنی انجام دهید.
    دعا کنید.
    مطالعه کتاب داشته باشید.
    به تماشای تلویزیون بپردازید.
    یک بازی تصویری که دارای دیالوگ یا نوشته است، انجام دهید.

    برای گسترش دانش خود، مقاله بهترین سن برای شروع موسیقی را مطالعه کنید.

    مقاله چه سازهایی در سبک راک مورد استفاده قرار می گیرد؟ منبع بسیار خوبی برای یادگیری بیشتر است.

    برای گسترش دانش خود، به مقاله بیوگرافی استاد حسن کسایی سر بزنید.

    آهنگ موردنظر را با ساز بنوازید:

    چگونه از تکرار آهنگ در ذهنمان جلوگیری کنیم؟

    اگر نواختن ساز بلد هستید، تلاش کنید این ملودی را خودتان اجرا کنید. درگیر شدن با قطعه و تمرین روی آن، برای بسیاری از موزیسین‌ها این مسئله را برطرف کرده است. برای آنکه چرخه پخش مکرر آهنگ در ذهنتان متوقف شود، سعی کنید آن را به شیوه‌ای دیگر بنوازید.

    از موسیقی درمانی استفاده کنید:

    آهنگ جدیدی را انتخاب کن که از گوش دادن به آن خوشت می‌آید، تا جای آهنگ قبلی را در ذهنت بگیرد. بهتر است آهنگی را برگزینی که اثر آرامش‌بخش داشته باشد، اما خودش هم در فکرت تکرار نشود. هر فرد موسیقی آرامش‌بخش مخصوص به خود را دارد، هرچند بعضی آهنگ‌ها هستند که مورد علاقهٔ بیشتر افرادند.

  • ترانه مادر من در فیلم خواهران غریب از که بود؟

    ترانه مادر من در فیلم خواهران غریب از که بود؟

    یکی از فیلم‌های به یاد ماندنی و دوست‌داشتنی سینمای ایران، فیلم «خواهران غریب» است. قطعۀ موسیقی کوتاهی از این فیلم، تا همیشه در خاطرها باقی مانده است. در این نوشته از وبلاگ آنبین، با آهنگساز این ترانۀ ماندگار آشنا می‌شویم.

    فیلم خواهران غریب

    فیلم ایرانی «خواهران غریب» به کارگردانی کیومرث پوراحمد ساخته شده است. این فیلم از روی کتابی به همین نام نوشته اریش کستنر اقتباس شده و در سال ۱۳۷۴ اکران گردید. کیومرث پوراحمد برای کارگردانی این اثر، در چهاردهمین دوره جشنواره بین‌المللی فیلم فجر جایزه بهترین کارگردانی را دریافت کرد.
    افسانه بایگان نیز برای بازی در این فیلم، در همان دوره جشنواره دیپلم افتخار کسب نمود. از نکات برجسته این فیلم، ترانه‌ها و سرودهایی است که در آن اجرا شده است.

    اگر سوالاتی دارید، مقاله کاربرد پدال در پیانو چیست ؟ به شما کمک خواهد کرد.

    برای مطالعه بیشتر، به ویژگی های پیش درآمد در موسیقی سنتی چیست؟ سری سر بزنید.

    خلاصه ای از داستان فیلم

    در جشن مدرسه، نرگس و نسرین همدیگر را می‌بینند. آنها خیلی شبیه هم هستند و بعد متوجه می‌شوند که خواهران دوقلو هستند. پدرشان که آهنگساز است، سال‌ها پیش از مادرشان که خیاط است، جدا شده بود. اما پدر و مادر این موضوع را از آنها پنهان کرده بودند. حالا این دو دختر با هم تلاش می‌کنند تا خانواده را دوباره کنار هم بیاورند. پس از سال‌ها دوری، پدر و مادر دوباره زندگی مشترک خود را از سر می‌گیرند.

    برای گسترش دانش خود، به مقاله ساز پن فلوت ،سازدهنی سرخ‌پوستان سر بزنید.

    مقاله آشنایی با دستگاه راست‌پنج‌گاه  منبع بسیار خوبی برای یادگیری بیشتر است.

    مادر من مادر من تو یاری و یاور من

    مادر من، مادر من تو یاری و یاور من

    این ترانه ماندگار، با اینکه طول چندانی ندارد، در فیلم بسیار زیبا و به یاد ماندنی «خواهران غریب» از سینمای ایران، با اجرای زنده‌یاد استاد خسرو شکیبایی ضبط و پخش شد و یادگاری بی‌همتا در تاریخ سینمای کشورمان بر جای گذاشت.

    برای درک عمیق‌تر این موضوع، مطلب قمرالملوک وزیری، ام کلثوم ایران را بخوانید.

    با همه‌ی محبوبیت این قطعه‌ی کوتاه، شاید بسیاری ندانند که خالق این اثر دلنشین چه کسی است. در حقیقت، موسیقی متن فیلم خواهران غریب، ساخته‌ی استاد ناصر چشم‌آذر است که با صدای منحصر به فرد استاد خسرو شکیبایی، جلوه‌ی ویژه‌ای به این فیلم بخشید.

    مقاله آشنایی با دستگاه نوا در موسیقی منبع بسیار خوبی برای یادگیری بیشتر است.

    ناصر چشم‌آذر در یکی از بخش‌های برنامه‌ی خندوانه، قسمتی از شعر ترانه‌ی «مادر من» را که برای فیلم سینمایی «خواهران غریب» ساخته بود، روی صحنه خواند.
     

    وفات استاد ناصر چشم آذز

    توجه داشته باشید؛ «ناصر چشم‌آذر» آهنگساز و نوازنده پیشکسوت موسیقی کشورمان، صبح روز جمعه چهاردهم اردیبهشت ماه سال ۱۳۹۷ در سن ۶۸ سالگی دار فانی را وداع گفت.
    روحشان شاد یادشان گرامی

    مقاله آواز یا آهنگ دشتی چیست؟ منبع بسیار خوبی برای یادگیری بیشتر است.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، حتماً روش های بهبود صدای تو دماغی را بخوانید.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، حتماً دوتار ،سازی با فقط دو تار را بخوانید.

    در صورت علاقه‌مندی، مطلب آشنایی با علامت دیز، هشتگ نت ها را از دست ندهید.

    برای گسترش دانش خود، مقاله سبک اکاپلا ، صدا سازی با دهان را مطالعه کنید.

    مقاله اُرف چیست؟ منبع بسیار خوبی برای یادگیری بیشتر است.

  • آشنایی با یکی از مفاخر موسیقی سنتی ایرانی، نصرالله ناصح پور

    آشنایی با یکی از مفاخر موسیقی سنتی ایرانی، نصرالله ناصح پور

    نصرالله ناصح‌پور یکی از چهره‌های برجسته در زمینه موسیقی سنتی ایران محسوب می‌شود. آشنایی با چنین استادان بزرگی که گنجینه‌های ارزشمند موسیقی کشورمان هستند، بسیار اهمیت دارد. راه و تجربه‌های آنان می‌تواند مانند چراغی روشنگر، مسیر هنرجویان و علاقه‌مندان به موسیقی را روشن کند. به همین دلیل، در این نوشته از وبلاگ آموزشگاه موسیقی الهام تصمیم داریم شما را بیشتر با این استاد نام‌آشنا، نصرالله ناصح‌پور، آشنا کنیم. تا پایان این مطلب با ما همراه باشید.

    نصرالله ناصح پور

    نصرالله ناصح‌پور، ردیف‌دان، خواننده و آموزگار آواز، در دوم آبان‌ماه سال ۱۳۱۹ در محله قدیمی اونچی میدان (محله آردفروشان) شهر اردبیل چشم به جهان گشود. او از اعضای هیئت مدیره کانون خوانندگان سنتی در خانه موسیقی ایران است.

    از کودکی در خانواده‌ای بزرگ شد که به موسیقی عشق می‌ورزیدند. در آن زمان، موسیقی سنتی و غنی آذربایجان تنها توسط شمار اندکی از استادان بزرگ آموزش داده و فراگرفته می‌شد. صدای اصیل و جدی موسیقی در جامعه به وضوح شنیده می‌شد و به همین دلیل، رشد و گسترش موسیقی محلی و بومی، مانع از رواج موسیقی بی‌محتوا و سطحی می‌شد.

    نصرالله ناصح‌پور پرورده نسلی است که هر یک پیشگام موسیقی ایران به شمار می‌روند؛ استادانی مانند محمود کریمی، علی‌اکبر شهنازی و در نهایت، عبدالله دوامی. هر یک از این بزرگان در پاسداری و گسترش موسیقی ایرانی کوشش فراوان کردند و نامشان در تاریخ فرهنگ و هنر این سرزمین ماندگار شده است.

    توصیه می‌شود به مطالعه مقاله با گام دیاتونیک آشنا شوید ادامه دهید.

    توصیه می‌کنیم این مطلب مجید انتظامی آهنگساز فیلم های به یاد ماندنی را حتماً بخوانید.

    پدرش آقا شکور نوازنده ساز گارمان (قارمون) بود و مادرش حوریه خانم، افزون بر خانه‌داری و تربیت فرزندان، ساز قاوال (دایره آذری) می‌نواخت.

    علاوه بر این محیط هنری، صدای خوش نیز میراثی بود که ناصح‌پور از خانواده پدری به ارث برد: «پدرم صدای خوبی داشت و در برخی محافل خصوصی گارمان می‌نواخت و آواز می‌خواند. همچنین پسرعمه‌ام آقا قدرت صدای رسایی داشت و مقام‌های آذری را به زیبایی اجرا می‌کرد و همین امر سبب علاقه‌مندی بنده به آواز شد.»

    آشنایی با یکی از مفاخر موسیقی سنتی ایرانی، نصرالله ناصح پور

    عزیمت به تهران

    نصرالله ناصح‌پور پس از رفتن به تهران، بیشتر وقت خود را صرف یادگیری موسیقی سنتی ایرانی کرد. پس از آشنایی با استاد محمود کریمی، وارد هنرستان آزاد موسیقی ملی شد و تحصیل خود را آغاز کرد.
    در هنرستان، با شرکت در کلاس‌های استاد علی‌اکبر شهنازی، با نکات و ریزه‌کاری‌های شفاهی موسیقی آشنا شد. این آشنایی راه را برای حضور او در محفل هنری استاد امیر قاسمی هموار کرد، جایی که توانست روح و حس موسیقایی استاد سعید هرمزی و دیگر استادان حاضر در هنرستان را از نزدیک درک کند.
    او پس از تشکیل کلاس‌های مرکز حفظ و اشاعه موسیقی، از راهنمایی‌ها و آموزش‌های ارزشمند استاد نورعلی برومند نیز بهره‌مند شد.
    ناصح‌پور از جلسات شناخت موسیقی و شعر و همچنین چگونگی پیوند این دو، فواید بسیاری کسب کرد. سپس برای یادگیری ردیف عالی موسیقی سنتی و آموزش تصنیف‌های این موسیقی، نزد استاد عبدالله دوامی به شاگردی پرداخت.

    تأثیرگذار بر موسیقی آوازی درکانون چاووش

    نصرالله ناصح‌پور یکی از چهره‌های مهم و اثرگذار در عرصهٔ آواز ایرانی و از اعضای کانون چاووش است. او به همراه استادانی مانند محمدرضا شجریان و شهرام ناظری سال‌ها در این کانون به آموزش موسیقی مشغول بود، با این ویژگی که ناصح‌پور بیشتر بر رشد و پرورش شاگردان تمرکز داشت، در حالی که شجریان و ناظری عمدتاً به ضبط آلبوم و برگزاری کنسرت می‌پرداختند.

    از کارهای شنیدنی ناصح‌پور می‌توان به اجرای تصنیف «ز من نگارم» ساختهٔ درویش‌خان اشاره کرد که در آلبوم مشترک او با محمدرضا لطفی منتشر شد. این تصنیف، قابلیت‌ها و ویژگی‌های منحصر به فرد صدای او را به خوبی نشان می‌دهد.

    در این مقاله گام فا مینور چیست؟ اطلاعات مفیدی آمده است.

    همچنین دو صفحهٔ گرامافون در کتاب «موسیقی آوازی ایران» و اجرای چند تصنیف از عارف در آلبوم «یادوارهٔ استاد برومند» به سرپرستی محمدرضا لطفی، از دیگر آثار برجستهٔ این استاد ردیف‌دان به شمار می‌آیند.

  • گام در موسیقی چیست؟

    گام در موسیقی چیست؟

    اگر قصد دارید پا به دنیای موسیقی بگذارید، خوب است بدانید که علاوه بر داشتن استعداد، اصطلاحات و نکات کلیدی دیگری هم هست که آشنایی با آنها به شما کمک می‌کند. یکی از موضوعات مهم و پایه‌ای که در ابتدای راه باید آن را فرا بگیرید، مفهوم گام است. گام در موسیقی مانند یک راهنما عمل می‌کند و به شما کمک می‌کند تا درست بنوازید یا درست بخوانید. به همین دلیل، در این نوشته از وبلاگ آموزشگاه موسیقی الهام، می‌خواهیم شما را با معنای کلی گام در موسیقی آشنا کنیم. تا پایان این مطلب همراه ما بمانید.

    در صورت علاقه‌مندی، مطلب نکات مهم در مورد پدال پیانو را از دست ندهید.

    گام در موسیقی چیست؟

    برای هر کسی که موسیقی کار می‌کند، چه در حال یادگیری نواختن ساز باشد و چه بخواهد آهنگ بسازد، یادگیری و درک گام‌های موسیقی یک پایه ضروری و مهم است.

    تعریف گام :

    در موسیقی غربی به مجموعه‌ای از نتها که پشت سر هم قرار می‌گیرند، «گام» می‌گویند. در موسیقی ایرانی نیز مفهوم مشابهی وجود دارد که با نام «داستان» شناخته می‌شود. گام در زبان فرانسه «gamme» نامیده می‌شود و در واقع، دنباله‌ای از نت‌های موسیقی است که بر اساس زیر و بمیِ آن‌ها به ترتیب چیده شده‌اند. محدوده صوتی یک گام کامل معمولاً برابر با دوازده نیم‌پرده یا یک اکتاو در نظر گرفته می‌شود.

    گام می‌تواند به دو شکل باشد: یا به صورت صعودی (از نت بم به نت زیر) یا به صورت نزولی (از نت زیر به نت بم). معمولاً در یک اکتاو هفت نت اصلی جای می‌گیرد، اما این قاعده همیشگی نیست. برای مثال، در موسیقی کشورهای شرق آسیا، گام‌های پنج نتی نیز رواج دارد. علاوه بر این، آهنگسازان در دوره‌های مختلف، گام‌های شش نتی و حتی دوازده نتی را نیز خلق کرده‌اند.

    گام در موسیقی چیست؟

    گام در موسیقی کلاسیک

    در موسیقی کلاسیک، فاصله‌های بین نت‌ها بر اساس نیم‌پرده‌های یکسان تنظیم می‌شود و در این سیستم، فواصل کوچک‌تر از نیم‌پرده دیده نمی‌شود. اما در موسیقی برخی نقاط جهان مانند موسیقی سنتی ایران، ترکیه و کشورهای عربی، از فاصله‌های ریزتری مانند ربع‌پرده نیز استفاده می‌کنند.

    درجه گام :

    درجه‌های گام، در واقع همان نت‌های پشت سر هم و منظمی هستند که یک گام موسیقایی را می‌سازند.

    ریشه گام :

    پایه اصلی هر گام، مهمترین نت آن به شمار می‌رود. در واقع، نام هر گام از روی همین نت انتخاب می‌شود. به عنوان نمونه، در گام A ماژور، نت پایه و شروع‌کننده، نت A است.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، حتماً انواع پوست تنبک و مشخصات آن ها را بخوانید.

    برای گسترش دانش خود، به مقاله نکات مربوط به نگهداری پوست تنبک سر بزنید.

  • گام در موسیقی چگونه نامگذاری می گردد ؟

    گام در موسیقی چگونه نامگذاری می گردد ؟

    در نوشته‌های قبلی درباره معنای گام در موسیقی صحبت کردیم. شاید برای شما این پرسش پیش آمده باشد که نام‌گذاری گام‌ها در موسیقی به چه صورت انجام می‌شود؟ در این بخش از وبلاگ آنبین می‌خواهیم روش نام‌گذاری گام‌ها و انواع مختلف آن را برای شما توضیح دهیم. تا پایان این نوشته با ما همراه باشید.

    گام در موسیقی چگونه نامگذاری می گردد؟

    نام هر گام بر اساس نت آغازین آن انتخاب می‌شود. به طور نمونه، گام «لا» با نت لا شروع می‌گردد و با طی کردن فاصله‌های معین (پرده‌ها) به اکتاو یا نت هشتم (همان نت «لا» در جایگاه بالاتر) می‌رسد.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه میکروفن های مناسب برای ضبط صدا و ساخت استودیوی خانگی.

    بخش دوم نام یک گام، نشان‌دهنده‌ی روشی است که برای پیمودن این فاصله‌ها تا نت هشتم استفاده می‌شود. برای مثال، گام دو ماژور یا «دو بزرگ» از نت دو آغاز می‌شود و فاصله‌های آن مطابق با الگوی تعریف شده برای گام ماژور است.

    انواع گام :

    در موسیقی غربی، مجموعه‌های مختلفی از نُت‌ها وجود دارند که به آنها گام می‌گویند. در میان این گام‌ها، دو نوع از همه شناخته‌شده‌تر و پرکاربردتر هستند: گام کروماتیک و گام دیاتونیک.

    گام کروماتیک :

    در این گام سیزده صدا وجود دارد. همان‌طور که پیش از این نیز اشاره شد، نت آغازین و نت پایانی این گام یکسان هستند و فاصلهٔ بین هر نت با نت بعدی، نیم‌پرده است.
    گام دیاتونیک: این گام از هشت نت تشکیل شده است و در آن هم فاصلهٔ نیم‌پرده و هم فاصلهٔ پرده کامل دیده می‌شود. این گام، مهم‌ترین و پرکاربردترین گام در موسیقی به شمار می‌رود و خود به دو دستهٔ اصلی تقسیم می‌شود.

    گام مینور:

    در این گام، فاصله‌ی میان همه‌ی نت‌ها به اندازه‌ی یک پرده است، به جز دو جای خاص: بین نت دوم و سوم و همچنین بین نت پنجم و ششم که فاصله فقط نیم‌پرده است.
    به عنوان مثال، گام لا مینور به این شکل است: لا، سی، دو، ر، می، فا، سل، لا.
    در این گام، فاصله‌ی بین نت‌های «سی تا دو» و «می تا فا» نیم‌پرده است و مابقی نت‌ها با هم یک پرده فاصله دارند.

    گام ماژور:

    در این مرحله، فاصلهٔ همهٔ نتها با یکدیگر، یک پرده کامل است. تنها دو استثنا وجود دارد: فاصلهٔ بین نت سوم و چهارم، و همچنین فاصلهٔ بین نت هفتم و هشتم، که هر دو نیم‌پرده هستند.

    توصیه می‌کنیم حتماً مقاله نت شاهد چیست ؟ را مطالعه کنید.

    گام عربی

    این گام، همانطور که از نامش مشخص است، یک گام با ریشه‌های عربی است و در گروه گام‌های شرقی جای می‌گیرد. این گام از زیبایی خاصی برخوردار است و گویی راز و رمز بیابان‌ها و صحراهای عرب را در دل خود پنهان کرده است. امروزه این گام مورد توجه بسیاری از موزیسین‌ها قرار گرفته، تا جایی که حتی برخی موسیقیدانان غربی نیز گاه از آن در آثار خود بهره می‌برند. به عنوان مثال، جو ساتریانی در قطعه‌ی «ملودی شرقی» از این گام استفاده کرده است.

    برای گسترش دانش خود، مقاله روش های کاهش نشت صدا در استودیوی خانگی را مطالعه کنید.

    دستگاه :

    در موسیقی سنتی ایران، به جای واژه گام از اصطلاح دستگاه استفاده می‌شود. این موسیقی دارای هفت دستگاه اصلی است. هر دستگاه نیز بخش‌های کوچک‌تر و متنوعی دارد که به آنها گوشه می‌گویند.
    اسامی این هفت دستگاه به شرح زیر است:
    ۱ – شور
    ۲ – همایون
    ۳ – سه‌گاه
    ۴ – چهارگاه
    ۵ – راست‌پنجگاه
    ۶ – نوا
    ۷ – ماهور