دسته: موسیقی

  • زندگینامه یوهان سباستیان باخ

    باخ نامی شناخته شده در تاریخ موسیقی است. او یکی از بزرگ‌ترین آهنگسازان به شمار می‌رود. در این نوشته از وبلاگ آنبین، بیشتر درباره زندگی و آثار این هنرمند برجسته خواهید خواند.

    یوهان سباستیان باخ

    یوهان سباستیان باخ در ۳۱ مارس سال ۱۶۸۵ در شهر آیزناخ آلمان چشم به جهان گشود. او از خانواده‌ای اهل موسیقی بود و از همان جوانی وارد این دنیا شد. پدرش، یوهان آمبروزیوس باخ، در شهر خود نوازنده بود و گفته می‌شود که نواختن ویولون را به یوهان کوچک آموخت.

    باخ در هفت سالگی به مدرسه رفت. در آنجا علاوه بر درس‌های معمول مانند زبان لاتین، آموزش‌های مذهبی نیز دید. اعتقادات مذهبی او بعدها بر کارهای موسیقایش تأثیر زیادی گذاشت.

    برای درک عمیق‌تر این موضوع، مطلب سینتی سایزر ساز تولید کننده صداهای عجیب را بخوانید.

    وقتی ده ساله بود، هر دو والدینش را از دست داد و یتیم شد. برادر بزرگش به نام یوهان کریستوف که در کلیسای اردورف نوازنده بود، سرپرستی او را بر عهده گرفت. این برادر، درس‌های مهمی در موسیقی به باخ آموخت و او را در یک مدرسه محلی ثبت نام کرد. باخ تا پانزده سالگی در خانه برادرش زندگی کرد.

    زندگی یوهان سباستیان باخ برخلاف موسیقی عمیق و هنرمندانه‌اش، روال آرام و بدون جنجالی داشت. برخلاف آهنگساز هم‌دوره‌اش، هندل، او کمتر سفر می‌کرد و در طول عمرش بیشتر به عنوان نوازنده چیره‌دست ارگ شناخته می‌شد تا به عنوان آهنگساز.

    مقاله آشنایی با انواع ساز ساکسیفون حاوی اطلاعات جامعی است.

    در آغاز قرن هجدهم، او جایگاه خود را در دنیای موسیقی تثبیت کرد و در قالب‌های گوناگون به آفرینش اثر پرداخت. در این دوره قطعات مشهوری مانند “توکاتا و فوگ در مینور” را خلق کرد.

    از دیگر کارهای معروف او می‌توان به “مس در سی مینور”، “کنسرتوهای براندنبورگ” و “تمرین کلاویه‌ها” اشاره کرد. امروزه او را یکی از بزرگترین آهنگسازان تاریخ موسیقی غرب می‌دانند.

    خاندان باخ

    خانواده باخ، با استعداد و شناخت عمیقی که از موسیقی داشتند، سبکی را بنیان گذاشتند که از یک سو به موسیقی مجلل و دیرینه دربارها پیوند می‌خورد و از سوی دیگر، نماد جنبش نوگرایی مذهبی و بر پایه آموزه‌های «مارتین لوتر» بود.
    پیشرفت و پسرفت افراد این خانواده به‌طور مستقیم به اوضاع جامعه گره خورده بود. با رشد چشمگیر و سریع موسیقی در دربارها، شهرها و کلیساها در پایان سده شانزدهم، کار و نام‌آوری آنان نیز به اوج خود رسید و هرگاه از اهمیت مراکز موسیقی مانند ارکسترهای سلطنتی کاسته می‌شد، دامنه فعالیت آنان نیز محدودتر می‌گشت.
    اعضای خاندان باخ همواره به آموزش یکدیگر می‌پرداختند و استعدادهای تازه را در میان خود پرورش می‌دادند.
    یوهان سباستیان باخ

    ازدواج و فرزندان سباستین باخ

    در سال ۱۷۰۷، او به عنوان نوازنده ارگ در کلیسای “سنت بلاسیوس کیرشه” در شهر مول هاوزن مشغول به کار شد. چهار ماه پس از سکونت در این شهر، با ماریا باربارا که دخترپسرعموی پدرش بود، ازدواج کرد و آنها صاحب هفت فرزند شدند. از این هفت فرزند، چهار نفر به سن بزرگسالی رسیدند و همه آنها به آهنگسازان سبک روکوکو در دوره باروک تبدیل شدند.
    او دو ازدواج خوشایند داشت و در مجموع صاحب بیست فرزند شد. همسر اول او در سال ۱۷۲۰ فوت کرد. بیشتر فرزندان او مدت کوتاهی پس از تولد یا در طی دو سال اول زندگی از دنیا رفتند و آنهایی که زنده ماندند، اغلب به موسیقیدان‌های بزرگی تبدیل شدند.
    باخ پس از کمتر از یک سال زندگی در مول‌هاوزن، این شهر را ترک کرد و به وایمار رفت. در همین شهر بود که دو فرزند بااستعداد او در موسیقی، به نام‌های ویلهلم فریدمان و کارل فیلیپ امانوئل، متولد شدند.

    روزهای پایانی عمر باخ

    باخ در سال ۱۷۴۹ و در واپسین روزهای زندگی، بینایی خود را به دلیل بیماری آب مروارید از دست داد و نابینا شد. این وضعیت باعث شد دیگر نتواند اثری جدید خلق کند. پزشکان به او پیشنهاد عمل جراحی دادند.

    پس از عمل، چشمان او به مدت شش ماه بسته بود. پیش از آنکه پزشک معالجش او را ویزیت کند، باخ خودش چشم‌هایش را باز کرد و توانست خانواده‌اش را ببیند. این رویداد چنان شادی و هیجان شدیدی در او ایجاد کرد که دچار حمله قلبی شد. او به دنبال این حادثه، ده روز در بستر بیماری ماند و سرانجام در ۲۸ ژوئیه‌ی ۱۷۵۰ و در سن ۶۵ سالگی درگذشت. او بیش از ۱۰۰۰ اثر موسیقایی بی‌نظیر از خود به جای گذاشت.

    باخ در حاشیه‌های تفسیر آبراهام کالوف از انجیل لوتری، یادداشت‌های شخصی و جالبی نوشته است. در یکی از این یادداشت‌ها آمده است:
    هر جا که موسیقی روحانی حضور دارد، خداوند، رحمت و برکاتش را به بندگانش به طور ویژه‌ای هدیه می‌دهد.

    برای یادگیری پیشرفته، به آشنایی با مهفوم موسیقی فولکور مراجعه کنید.

  • بیوگرافی گوستاو ماهلر ،عاشق دلشکسته دنیای موسیقی

    بیوگرافی گوستاو ماهلر ،عاشق دلشکسته دنیای موسیقی

    بیوگرافی گوستاو ماهلر عاشق دلشکسته دنیای موسیقی

    گوستاو ماهلر، آهنگساز و رهبر ارکستر بزرگ، از چهره‌های درخشان اواخر دوره رمانتیک در موسیقی به شمار می‌رود. او در شهر کالیشته واقع در جمهوری چک چشم به جهان گشود. در طول زندگی‌اش، آثار ماهلر توجه چندانی از سوی موسیقیدانان سرشناس وین را به خود جلب نکرد. موسیقی او پلی است میان سبک رمانتیک، موسیقی کلاسیک و جریان نوین موسیقی وین. برای آگاهی بیشتر، ادامه این نوشته را دنبال کنید.

    کودکی

    گوستاو مالر در یک خانواده یهودی آلمانی‌زبان به دنیا آمد. او دومین فرزند از میان چهارده فرزند خانواده بود. از این چهارده کودک، تنها شش نفر پس از تولد زنده ماندند.
    مالر کودکی خود را در ایگلاو، یک شهر کوچک در موراویا، سپری کرد. وقتی شش ساله بود، پدر و مادرش برای او معلم پیانو گرفتند. در پانزده سالگی، وارد کنسرواتوار موسیقی وین شد و در آنجا نزد استادانی مانند فرانتز کرن، رابرت فوخ و جولیوس اپستین، آهنگسازی، هارمونی و نواختن پیانو را فراگرفت.
    سپس در دانشگاه وین پذیرفته شد و زیر نظر آهنگساز آلمانی، آنتون بروکنر، آموزش دید. در این سال‌ها، مالر برای اولین بار با قطعه‌ای به نام “آواز سوگ” در یک مسابقه آهنگسازی شرکت کرد، اما هیئت داوران به ریاست یوهانس برامس، اثر او را شایسته دریافت جایزه ندانستند.
    زمانی که در شهر کاسل زندگی می‌کرد، عشق نافرجام او به یکی از خوانندگان اپرا، منجر به ساخت یکی از شاهکارهایش به نام چرخه آوازهای “یاری رهسپار” (Lieder eines fahrenden Gesellen) شد و بعدها انگیزه‌ای برای خلق نخستین سمفونی او گردید.
    به گفته نزدیکانش، مالر از اختلال افسردگی-شیدایی رنج می‌برد. گاهی پرانرژی بود و گاهی حتی میلی به صحبت با عزیزانش نداشت. این حالت‌ها در بسیاری از آثارش آشکار است.
    تغییرات ناگهانی و غیرمنتظره در موسیقی او، نمونه‌ای است که کمتر در آثار آهنگسازان پیش از او دیده می‌شود. او رهبر ارکستری بسیار سخت‌گیر و کمال‌گرا بود. تقریباً هیچ یک از نوازندگان ارکسترهایی که زیر نظر او کار می‌کردند، خاطره خوشی از او ندارند.
    اگر نوازنده یا خواننده‌ای نقصی داشت که قابل اصلاح نبود، به سادگی او را اخراج می‌کرد. با این حال، حامی بی‌قید و شرط آهنگسازان جوان و نوآوری مانند آرنولد شوئنبرگ و آنتون وبرن بود. این دو، مالر را تا پایان عمر به عنوان الگویی بزرگ می‌ستودند.

    در اینجا می‌توانید اطلاعات کامل‌تری درباره منظور از اورتور در موسیقی چیست؟ بیابید.

    گوستاو ماهلر، آهنگساز و رهبر ارکستر سرشناس، در هفتم ژوئیه سال ۱۸۶۰ در منطقه‌ای بوهمی که امروزه بخشی از جمهوری چک است، چشم به جهان گشود. خانواده او از پیشینه یهودی برخوردار بودند. استعداد موسیقایی او از سال‌های نخست زندگی آشکار شد و تحصیلات خود را در کنسرواتوار وین دنبال کرد.

    ماهلر بیشتر عمر حرفه‌ای خود را به عنوان رهبر ارکستر در سالن‌های اپرای مهم اروپا گذراند و در این زمینه به شهرت و مهارت بسیاری دست یافت. با این حال، اشتیاق اصلی او آهنگسازی بود. سمفونی‌ها و قطعات آوازی او، که اغلب رنگ و بوی فلسفی و عاطفی عمیقی دارند، از آثار برجسته دوره رمانتیک محسوب می‌شوند.

    موسیقی او در زمان حیاتش با استقبال همگانی روبرو نشد، اما در دهه‌های پس از مرگش، به ویژه از نیمه دوم سده بیستم، مورد تحسین و توجه بسیار قرار گرفت. گوستاو ماهلر در ۱۸ مه ۱۹۱۱ در وین درگذشت و میراثی ماندگار از خود در جهان موسیقی کلاسیک به جای گذاشت.

    مرگ

    بر اساس روایت آلما، همسر مالر، آخرین کلمه‌ای که او در لحظهٔ مرگ بر زبان آورد، «موتزارتِ من» بود. پیکر او در کنار قبر دخترش در گورستان گرینزینگِ وین به خاک سپرده شد. مطابق با خواستهٔ نهایی او، مراسم تدفین بسیار ساده و بی‌سر و صدا برگزار شد و بر سنگ قبرش تنها این نام حک شد: «گوستاو مالر».

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه تنها شاهکار شناخته شده‌ی تاریخ اپرا  اثر کیست ؟.

    برای گسترش دانش خود، به مقاله نحوه تشخیص سازدهنی مناسب برای خرید سر بزنید.

    برای گسترش دانش خود، مقاله آشنایی با اجزای اصلی تشکیل دهنده ی ساز درام را مطالعه کنید.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه ساز درام کیت چیست ؟.

    دوست صمیمی او، برونو والتر، گزارش می‌دهد که مالر در هجدهم ماه مه ۱۹۱۱ از دنیا رفت. شب بعد، هنگامی که تابوت او را به سمت گورستان گرینزینگ می‌بردند، ناگهان توفان شدیدی همراه با بادهای خروشان آغاز شد و بارانی سیل‌آسا بارید؛ چنان که ادامهٔ مراسم خاکسپاری تقریباً غیرممکن به نظر می‌رسید.

    اطلاعات جامع‌تری در مورد این موضوع را در ساز گوژنگ ساز سنتی چین و آسیای شرقی پیدا کنید.

    مقاله آشنایی با ساز گلوکن اشپیل، بلز ارکستری منبع بسیار خوبی برای یادگیری بیشتر است.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، حتماً تفاوت‌های آواز سنتی و آواز پاپ را بخوانید.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، نکات جالب درمورد کالیمبا را از دست ندهید.

    برای گسترش دانش خود، به مقاله علی‌نقی وزیری، پدر موسیقی‌ جدید ایران‌ پس‌ از انقلاب‌ مشروطه‌ سر بزنید.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه آشنایی با مفهوم پاساژ در موسیقی.

    توصیه می‌کنیم حتماً مقاله نحوه نگهداری از ساز کالیمبا را مطالعه کنید.

  • اولین برنده نشانه طلایی موسیقی ایران کیست؟

    اولین برنده نشانه طلایی موسیقی ایران کیست؟

    در دنیای موسیقی، همواره هنرمندان ایرانی جایگاه درخشانی داشته‌اند. اخیراً یکی از هموطنان ما موفق به دریافت جایزه‌ای معتبر به نام «نشان طلایی» شده است. برای آگاهی از جزئیات بیشتر این رویداد، می‌توانید ادامه مطلب را در وبلاگ آنبین مطالعه کنید.

    اولین برنده نشانه طلایی موسیقی ایران کیست؟

    سیدعبدالحسین مختاباد، خواننده و آهنگساز ایرانی، موفق شد در رقابت‌های سال ۲۰۲۰ جایزه جهانی موسیقی، مدال طلا را برای قطعه «از شرم در حجاب» به دست آورد. این اولین باری بود که یک هنرمند ایرانی در این مسابقات برنده جایزه طلا می‌شود.

    پایگاه اینترنتی جایزه جهانی موسیقی با انتشار فهرست کامل برندگان سال ۲۰۲۰، نام و عکس عبدالحسین مختاباد را نیز در بین ۹ برنده اصلی مدال طلا قرار داد. در میان برندگان طلای این دوره، موزیسین‌هایی از کشورهای آلمان، آمریکا، صربستان، ایتالیا، انگلیس و چین نیز حضور دارند.

    جایزه جهانی موسیقی از سال ۲۰۱۱ کار خود را آغاز کرده و در همین زمان کوتاه توانسته به عنوان یک نهاد معتبر بین‌المللی برای معرفی موزیسین‌های مستقل شناخته شود.

    تصنیف «از شرم در حجاب»، روی شعری از حافظ با آهنگسازی و خوانندگی مختاباد در آلبوم «سایه دوست» منتشر شده است.

    در اینجا می‌توانید اطلاعات کامل‌تری درباره آهنگساز جنگ ستارگان کیست ؟ بیابید.

    جایزه جهانی موسیقی هر سال به ۹ هنرمند مدال طلا، به ۱۰۰ هنرمند مدال نقره و به ۵۰ نفر مدال برنز اهدا می‌کند.

    برای گسترش دانش خود، به مقاله زندگینامه حسین گل‌گلاب،شاعر ترانه ای ایران سر بزنید.

    این جایزه دارای ۱۲ داور است که برخی از آن‌ها از برندگان جایزه‌های معتبری مانند گرمی و امی هستند و برخی دیگر نیز موزیسین‌های سرشناسی در کشور خود محسوب می‌شوند که در سال‌های گذشته موفق به دریافت مدال طلای این رقابت شده‌اند.

    برای درک عمیق‌تر این موضوع، مطلب تاثیر موسیقی بر درک ریاضی را بخوانید.

    بیوگرافی سیدعبدالحسین مختاباد

    سید عبدالحسین مختاباد امریی در اول فروردین سال ۱۳۴۵ در شهر ساری به دنیا آمد. او آهنگساز و خواننده موسیقی سنتی ایرانی است. وی در دوره چهارم شورای شهر تهران (از سال ۱۳۹۲ تا ۱۳۹۶) به عنوان عضو اصلاح‌طلب فعالیت داشت و همچنین سابقه ریاست دانشکده هنر و معماری دانشگاه آزاد اسلامی واحد تهران را در کارنامه خود دارد. از مشهورترین کارهای هنری او می‌توان به آهنگ‌های «تمنای وصال» و «شبانگاهان» اشاره کرد. مختاباد بنیان‌گذار گروه موسیقی رودکی است و به عنوان خواننده نیز در این گروه فعالیت می‌کند.

  • با کاسه تبتی یا مرتعش آشنا شوید

    با کاسه تبتی یا مرتعش آشنا شوید

    شاید تا به حال دیده باشید که شخصی با ضربه زدن به یک کاسه و چرخاندن میله‌ای روی لبه آن، صدایی آرام و زیبا ایجاد می‌کند. آیا می‌دانید این ابزار که به نام کاسه تبتی شناخته می‌شود، چیست و چه فایده‌ای دارد؟ در ادامه این مطلب از وبلاگ آنبین، اطلاعات بیشتری در این زمینه بخوانید.

    کاسه تبتی

    موسیقی در قاره آسیا بسیار گوناگون و متنوع است و این گوناگونی در سازهایی که نواخته می‌شوند نیز دیده می‌شود. همچنین، آیین‌ها و مراسم خاصی که در این مناطق برگزار می‌گردند، بر این تنوع می‌افزایند. در بین کشورهای آسیایی، منطقه تبت سبک موسیقی ویژه‌ای برای خود دارد. کاسه تبتی یکی از ابزارهای تولید صدا در این منطقه است که گفته می‌شود ویژگی‌های درمانی نیز دارد.

    برای گسترش دانش خود، به مقاله مراحل کوک کردن سنتور سر بزنید.

    برای درک عمیق‌تر این موضوع، مطلب بهترین آموزشگاه آموزش هنگ ‌درام را بخوانید.

    مقاله ژانر موسیقی به چه معناست ؟ منبع بسیار خوبی برای یادگیری بیشتر است.

    برای گسترش دانش خود، مقاله چگونه از تکرار آهنگ در ذهنمان جلوگیری کنیم؟ را مطالعه کنید.

    کاسه‌های لرزان یا کاسه‌های تبتی از روش‌های مؤثر برای پاکسازی فضا از انرژی‌های ناسالم و منفی در سطح متافیزیک شناخته می‌شوند. این کاسه‌ها از آمیخته شدن هفت فلز اصلی ساخته می‌شوند که شامل این موارد است: مس، قلع، آهن، سرب، روی، نقره و طلا.

    مقاله ترانه مادر من در فیلم خواهران غریب از که بود؟ منبع بسیار خوبی برای یادگیری بیشتر است.

     خواص درمانی کاسه آواز خوان

    کاسه‌های تبتی که به آن‌ها کاسه آوازخوان هم می‌گویند، در روش‌هایی مانند آوا درمانی، مراقبه و یوگا کاربرد دارند. این کاسه‌ها به سرعت استرس و تنش‌های جسمی را کاهش می‌دهند. شنیدن صدای آن‌ها می‌تواند به افزایش خلاقیت، روشن‌اندیشی و آرامش ذهن کمک کند. حتی اگر کاسه را نزدیک نقطه‌ای از بدن که درد دارد قرار دهید، به مرور زمان درد آن قسمت کمتر می‌شود.

    کاسه آوازخوان که با نام کاسه مرتعش نیز شناخته می‌شود، صدایی اسرارآمیز و جادویی تولید می‌کند که شبیه یک زنگ موسیقایی است. داستان‌های قدیمی می‌گویند در ساخت برخی کاسه‌های تبتی کهن، از مواد تشکیل‌دهنده شهاب‌سنگ‌ها نیز استفاده می‌شده است.

    در صورت علاقه‌مندی، مطلب سبک موسیقی مینیمال به چه سبکی گفته می شود؟ را از دست ندهید.

    اندازه این کاسه‌ها معمولاً بین ۳ تا ۲۰ سانتی‌متر است، اما در بعضی معابد کاسه‌هایی با دهانه‌ای به قطر یک متر نیز وجود دارد. کاسه‌هایی که امروزه ساخته می‌شوند، اغلب از مس و قلع درست می‌شوند. جالب است بدانید مس استخراج‌شده از معادن نپال در هیچ جای دیگر دنیا پیدا نمی‌شود و ویژگی‌های منحصر به فردی دارد.

    حروف و نشانه‌هایی که روی کاسه‌های تبتی حک می‌شوند، معمولاً مانترا یا نمادهای مقدسی هستند که در مراسم ذکر و نیایش به کار می‌روند.

    در اینجا می‌توانید اطلاعات کامل‌تری درباره انواع سازهای زهی از نظر شیوهٔ نواختن بیابید.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، بیوگرافی منوچهر چشم آذر را از دست ندهید.

    این کاسه‌ها همچنین برای ایجاد هماهنگی و سازگاری میان افراد، اشیاء و به ویژه سنگ‌ها و چوب‌های موجود در محیط زندگی نیز استفاده می‌شوند.

    برای اطلاعات بیشتر، به مقاله مفهوم آواز ابوعطا در موسیقی مراجعه کنید.

  • ساز کولک تلفیقی از تنبک و کاخون

    ساز کولک تلفیقی از تنبک و کاخون

    علاقه‌مندان به موسیقی با پیشرفت در این هنر، توانسته‌اند سازهای تازه‌ای خلق کنند. در هر منطقه‌ای، با توجه به سبک موسیقی رایج، سازهای مخصوص و جدیدی ساخته و ابداع شده است. در این قسمت از وبلاگ آنبین، شما را با ساز کولک آشنا می‌کنیم.

    مقاله سی‌تار از سازهای زهی زخمه‌ای موسیقی هندی منبع بسیار خوبی برای یادگیری بیشتر است.

    آشنایی با ساز کولک

    در ایران، هنرمندان بزرگ موسیقی مانند محمدرضا شجریان و حسین علیزاده، با توجه به نیاز به رنگ‌های صوتی تازه در موسیقی ایرانی، دست به نوآوری زده و سازهای جدیدی را خلق کرده‌اند. یکی از این سازهای ابداعی، “کولک” نام دارد که توسط مجید آذری‌پور طراحی و ساخته شده است. به گفته سازنده، این ساز ترکیبی از ساز ایرانی تنبک و ساز غربی کاخن است.

    برای اطلاعات بیشتر، به مقاله آشنایی با استاد احمد عبادی، مبدع روش کوک نوین برای سه‌تار مراجعه کنید.

    آذری‌پور با ساخت این ساز قصد داشته صدایی جدید به موسیقی ایران بیافزاید. همچنین کوشیده است تا حرمت و جایگاه ساز را نگه دارد. ساز “کولک” در واقع تلفیقی از سازهای “تنبک” و “کاخون” کلمبیایی است.

    مقاله مصاحبه آموزشگاه الهام با سینا صالحی، مدرس ویولن حاوی اطلاعات جامعی است.

    آذری‌پور درباره شیوه نواختن ساز کاخون نقدی دارد؛ چرا که نوازندگان برای نواختن این ساز کوبه‌ای معمولاً روی آن می‌نشینند که در فرهنگ ما می‌تواند به معنای کم‌ارزش کردن موسیقی تلقی شود.

    او با ترکیب ویژگی‌های تنبک و کاخون، ساز را طوری طراحی کرده که روی دوش و کول نوازنده قرار می‌گیرد و به همین دلیل نام “کولک” را برای آن انتخاب کرده است.

    مراسم رونمایی و اجرا با این ساز در روز جمعه ۶ دی ۱۳۹۸، ساعت ۱۵ در فرهنگسرای سرو برگزار شد.

    توصیه می‌کنیم حتماً مقاله آشنایی با دیوان،ساز کردی را مطالعه کنید.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه آهنگ های ساده برای نواختن گیتار.

    معرفی مجید آذری‌پور و انگیزه ساخت ساز کولک

    مجید آذری‌پور در سال ۱۳۳۹ در اصفهان چشم به جهان گشود. خانواده‌اش اهل هنر و موسیقی بودند و از همان سنین کم، او با دنیای موسیقی آشنا شد. آموزش تنبک را نزد استادانی چون پورابوطالب، جمشید محبی و شادروان ناصر فرهنگ‌فر گذراند و در سال ۱۳۵۶ توانست در مسابقات موسیقی دانش‌آموزی استان اصفهان مقام اول را به دست آورد.

    او در کنار یادگیری موسیقی، به نجاری نیز روی آورد. پس از پایان تحصیلات دانشگاهی، علاقه عمیقش به چوب باعث شد تا این حرفه را به طور جدی ادامه دهد.

    مجید آذری‌پور درباره انگیزه‌اش می‌گوید: از کودکی تنبک می‌زدم و در خانواده‌ای بزرگ شدم که همه با موسیقی مانوس بودند. همیشه احساس می‌کردم ساز تنبک محدودیت‌هایی دارد. همچنین در سال‌های اخیر ساز کاخون میان نوازندگان ایرانی رواج زیادی پیدا کرده بود و من دلم می‌خواست به جای آن، یک ساز اصیل ایرانی جایگزین شود.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه آخرین سازی که در ارکستر سمفونی مورد استفاده قرار گرفت.

    این علاقه‌مندی به چوب و موسیقی، دست به دست هم داد. او در سال ۱۳۶۱ و با راه‌اندازی یک کارگاه کوچک در حیاط خانه پدری، کار ساخت ساز را آغاز کرد و نخستین سازهایی که ساخت، تنبک و سنتور بودند.

    تلاش برای ارتقای سطح سازهای جدید

    تلاش چشمگیر آذری‌پور برای بهتر کردن سازهای موسیقی ایرانی و ساختن سازهای نو، از سال ۱۳۸۴ و با اختراع دف قابل کوک شروع شد. پیشرفت کار او به جایی رسید که امکان استفاده از هوای فشرده را برای همه سازها فراهم کرد. اکنون با راهنمایی استاد حسین علیزاده، نمونه این ساز برای تار نیز ساخته شده است.
    تازه‌ترین اختراع آذری‌پور ساز «کولک» است که می‌تواند به جای تنبک و کاخن به کار رود و به تنهایی جایگزین خوبی برای بسیاری از سازهای کوبه‌ای باشد.
    او می‌گوید در فرآیند ساخت، کیفیت ساز برایش از هر چیزی مهم‌تر است. به همین خاطر، دستگاهی برای درست کردن کمان چوبی دف و دستگاهی برای تراش دادن آن را اختراع و ثبت کرده است؛ زیرا کمان دف باید هم بسیار سبک و هم بسیار محکم باشد.
    آذری‌پور در مورد طراحی کولک می‌گوید:
    برای راحتی نوازنده هنگام اجرا، سعی کردم طوری باشد که روی شانه قرار گیرد و هر دو دست به راحتی بتوانند بنوازند، بدون اینکه نیاز باشد ساز را بگیرد.
    همچنین تلاش کردم از همه بخش‌های ساز، چه پوست و چه چوب آن، صدای زیبایی مطابق سلیقه نوازنده و نحوه اجرایش به گوش برسد. علاوه بر این، دوست داشتم به جای اینکه جوانان ما کاخن بنوازند، با یک ساز جدید ایرانی کار کنند.
    این ساز توانایی‌های بسیاری دارد و باید در دنیای موسیقی شناخته شود. البته می‌توان آن را چیزی بین کاخن و تنبک دانست، اما دقیقاً کاخن یا تنبک نیست؛ چون در میان سازهای کوبه‌ای هم تنوع بسیار است. این ساز شکل ذوزنقه دارد و قسمت بالای آن صدایی متفاوت از قسمت پوست یا کناره‌هایش تولید می‌کند.

  • معرفی ساز دهل

    معرفی ساز دهل

    حتماً تا به حال نام ساز دهل به گوش‌تان خورده است، حتی اگر اطلاعات زیادی درباره سازهای مختلف نداشته باشید. ضرب‌المثل «صدای دهل از دور خوش است» سال‌هاست در میان ما ایرانیان رواج دارد و همه آن را شنیده‌ایم. در این نوشته قصد داریم شما را بیشتر با این ساز شناخته‌شده و محبوب آشنا کنیم.

    معرفی ساز دهل

    دهل یک ساز ایرانی است که با ضربه زدن به صدا درمی‌آید. این ساز از یک بدنه استوانه‌ای بزرگ تشکیل شده که دو طرف آن با پوست گاو یا گاومیش پوشیده شده است. در نوشته‌های قدیمی گاهی به نام‌هایی مانند داول، تاول یا داوول نیز از آن یاد شده است. دهل به‌ویژه در نواحی سیستان و خراسان بسیار رواج دارد و زیاد استفاده می‌شود.

    برای نواختن دهل معمولاً از دو چوب استفاده می‌کنند: یک چوب بزرگتر به نام «چوگان» و یک چوب نازک‌تر به نام «ترکه». در بعضی مواقع، به‌خصوص در فضاهای بسته، نوازندگان به جای چوب، مستقیماً با دست به این ساز ضربه می‌زنند.

    این ساز اغلب همراه با سازهای بادی مانند سرنا و کرنا نواخته می‌شود. با این حال، نوعی دهل بزرگ‌تر در شهرهای مرکزی ایران مثل یزد، اردکان و نایین وجود دارد که مخصوص مراسم سوگواری است و در آن‌ها بدون همراهی هیچ ساز آهنگین دیگری تنها دهل نواخته می‌شود.

    اندازه دهل در مناطق گوناگون ایران متفاوت است. بزرگ‌ترین نوع آن را می‌توان در مناطق کویری مانند یزد، نایین و کاشان دید که تنها در مراسم مذهبی عاشورا به کار می‌رود و برای مردم آن نواحی از احترام ویژه‌ای برخوردار است.

    دهل‌های مورد استفاده در کردستان اندازه‌ای متوسط دارند، درحالی‌که دهل بختیاری کوچک‌تر است. همچنین در منطقه‌ای مانند سیستان، عمق بدنه دهل نسبت به دیگر نقاط کشور بیشتر است.

    دهل و سرنا

    ویژگی های دهل

    این ساز در بسیاری از روستاها همراه با سرنا نواخته می‌شود. نوازنده معمولاً دهل را با یک بند که از روی شانه‌هایش می‌گذرد، به خود می‌بندد و آن را با دو چوب مخصوص به صدا درمی‌آورد.
    برخی می‌گویند نوک چوب‌های دهل با پارچه‌ای پُر و گرد پوشانده شده است. اما روش معمول نواختن آن این است که یک طرف دهل را با چوبی کلفت به نام «چنگال» و طرف دیگر را با چوبی نازک‌تر به نام «دیرک» می‌نوازند. البته در استان‌های جنوبی مانند هرمزگان، نوازندگان دهل را مستقیماً با دو دست و بدون چوب می‌نوازند.
    در مناطق سیستان و خراسان، روش نواختن متفاوت است. نوازنده به دو انگشت یک دستش، دو تکه چوب نسبتاً بلند (در اندازه حدود ده سانتیمتر) می‌بندد و با همان دست به دهل می‌کوبد. در دست دیگرش نیز یک چوب خمیده و مخصوص دارد که با آن هم ساز را می‌نوازد. این ساز، به ویژه در کنار سرنا، در جشن‌هایی مانند عروسی و مراسم شاد نقش بسیار مهمی دارد.

    جنس و مواد به کار رفته در ساختمان دهل سیستان

    بدنه ساز از چوب طبیعی و یکپارچه جنگل ساخته شده و بخشی از آن نیز از فلز تشکیل شده است.
    روی ساز را پوست بز طبیعی پوشانده است.
    مضراب یا چوب‌های نواختن آن نیز از چوب جنگلی و چوب گز تهیه شده‌اند.

  • خواص درمانی کاسه تبتی

    خواص درمانی کاسه تبتی

    خواص درمانی کاسه تبتی

    همانطور که در نوشته‌های قبلی گفتیم، کاسه تبتی یکی از سازهای قدیمی محسوب می‌شود. تبتی‌ها باور دارند که این کاسه‌ها هماهنگی بین هاله (انرژی‌های اطراف بدن) و جسم انسان ایجاد می‌کنند. این هماهنگی باعث می‌شود وضعیت سلول‌های بدن بهتر شود و به جذب انرژی‌های معنوی کمک کند. در این قسمت از وبلاگ آنبین، با فواید درمانی کاسه تبتی آشنا می‌شویم.

    آوا درمانی با استفاده از کاسه تبتی

    امروزه از کاسه‌های تبتی در مراکز مختلف طب سنتی در سراسر دنیا برای کمک به درمان بیماری‌های گوناگون استفاده می‌شود. درمانگران با بهره‌گیری از ارتعاشات تولیدشده توسط این کاسه‌ها می‌توانند به بهبود بسیاری از عارضه‌ها کمک کنند. همان‌طور که می‌دانید، عدم تعادل در فعالیت چاکراها یکی از دلایل مهم ایجاد بیماری‌ها محسوب می‌شود.

    در این روش درمانی که بر اساس چاکرا درمانی شکل گرفته، از کاسه‌های تبتی با نت‌ها و فرکانس‌های متفاوتی استفاده می‌شود. انتخاب کاسه و صدای مناسب برای درمان باید حتماً توسط یک فرد متخصص و درمانگر انجام شود. اگر کاسه نامناسبی انتخاب شود، ممکن است باعث افزایش تنش و اضطراب در فرد گردد.

    پس از انتخاب کاسه مناسب، باید تلاش کنید از نظر روحی با کاسه و ارتعاش آن ارتباط بگیرید و اجازه دهید این ارتعاش به درون شما نفوذ کند. مدت زمان هر جلسه درمانی معمولاً بین پانزده دقیقه تا دو ساعت است.

    آوا درمانی با کاسه‌های تبتی روشی باستانی برای تمدد اعصاب و بهبودی است. در این روش از کاسه‌های فلزی خاصی استفاده می‌شود که با ضربه زدن یا مالیدن چوب به لبه آن‌ها، صدایی عمیق و لرزشی آرامش‌بخش تولید می‌گردد.

    توصیه می‌کنیم حتماً مقاله خط اتصال در موسیقی چیست؟ را مطالعه کنید.

    این صدا و ارتعاش ناشی از آن، به بدن و ذهن انسان منتقل می‌شود. باور بر این است که این ارتعاشات می‌توانند به هماهنگی و تعادل انرژی درون بدن کمک کنند. بسیاری از افراد گزارش می‌دهند که پس از یک جلسه آوا درمانی، احساس آرامش عمیق، کاهش استرس و اضطراب و حتی کاهش دردهای جسمانی را تجربه کرده‌اند.

    به طور کلی، این روش به عنوان یک تکنیک مکمل برای کاهش تنش‌های روزمره، بهبود کیفیت خواب و رسیدن به حالتی از آگاهی و آرامش درونی به کار می‌رود.

    اثرات کاسه های تبتی درمانگر :

    ارتعاشات این کاسه‌ها در تمام بدن پخش می‌شود و به این ترتیب، اندام‌های داخلی و تک تک سلول‌ها نوعی ماساژ آرامش‌بخش دریافت می‌کنند.
    این کار باعث باز شدن گرفتگی‌های انرژی در بدن می‌شود و جریان انرژی را در مراکز انرژی بدن (چاکراها) روان می‌سازد. این جریان آزاد انرژی، به سلامت جسم و آرامش روح و روان کمک می‌کند.
    انرژی حیاتی (چی) به آسانی در فضای اطراف بدن جریان پیدا کرده و مشکلات احتمالی موجود در هاله‌ی انرژی را، پیش از آنکه به جسم برسند، از بین می‌برد. این فرآیند به آرامش عمیق روحی و روانی منجر می‌شود.
    از آنجا که امواج و ارتعاشات این کاسه‌ها بین هاله‌ی انرژی (میدان انرژی اطراف بدن) و جسم هماهنگی ایجاد می‌کند، در نتیجه بازسازی و بهبود عملکرد سلول‌ها به طور طبیعی انجام شده و بدن مقدار زیادی انرژی معنوی دریافت می‌نماید.

    در صورت علاقه‌مندی، مطلب آشنایی با اصطلاحات موسیقی در ارکستر را از دست ندهید.

    ارتعاشات تولیدشده توسط کاسه‌های تبتی علاوه بر از بین بردن استرس، برای کاهش هیجانات و فشار خون، کنترل خشم، بهتر کردن گردش خون، ایجاد آرامش عمیق، بهبود کیفیت خواب، کاهش درد و افزایش هوشیاری ذهنی به کار می‌رود. همچنین سوخت و ساز بدن را بهبود بخشیده و در زنان باعث کاهش دردهای دوران قاعدگی می‌شود.

    برای گسترش دانش خود، مقاله بیوگرافی مرتضی حنانه ، موسیقی دان به نام ایرانی را مطالعه کنید.

  • آشنایی با ساز صندلی، کاخون یا کاخن

    آشنایی با ساز صندلی، کاخون یا کاخن

    یکی از سازهای جذاب که این روزها در میان جوانان طرفداران زیادی پیدا کرده، ساز کاخون است. این ساز شبیه یک جعبه چوبی است که نوازنده روی آن می‌نشند و با کف دست و انگشتان بر روی سطح آن ضربه می‌زند تا ریتم و صدا ایجاد کند. اگر شما هم کنجکاو شده‌اید یا به یادگیری این ساز علاقه دارید، ادامه این مطلب در وبلاگ آنبین را از دست ندهید.

    آشنایی با ساز کاخون یا کاخن

    کاخُن (که در زبان اسپانیایی Cajón نوشته می‌شود) در واقع نام یک ساز کوبه‌ای است. معنای این واژه “جعبه”، “صندوق” یا “صندوقچه” است. نوازنده برای نواختن روی این ساز می‌نشینَد و با کف دست و انگشتانش به روی صفحه جلویی و همچنین بخش‌های کناری و بالایی ساز ضربه می‌زند تا صدا ایجاد کند.

    این ساز بیشتر در موسیقی‌های آفرو-پِرویی و نیز در سبک‌های امروزی مانند فلامنکو و جاز به کار می‌رود.
    علاوه بر این، اصطلاح کاخن برای دیگر سازهای کوبه‌ای جعبه‌شکلی که در موسیقی آمریکای لاتین استفاده می‌شوند نیز به کار می‌رود؛ مانند “cajón de rumba” که در موسیقی رومبای کوبایی نواخته می‌شود و “cajón de tapeo” که مربوط به موسیقی محلی مکزیک است.

    با ساز کاخون آشنا شویم

    کاخون که گاهی به اشتباه کاخن تلفظ می‌شود، یک ساز کوبه‌ای جذاب و پرطرفدار است. این ساز در نگاه اول شبیه یک جعبه چوبی ساده به نظر می‌رسد، اما در واقع یک ساز کامل و پرصدا است.

    ریشه این ساز به کشور پرو در آمریکای جنوبی برمی‌گردد. در گذشته، بردگان آفریقایی که به آنجا برده شده بودند، برای ساختن ساز از جعبه‌های چوبی میوه استفاده می‌کردند. به مرور زمان، همین جعبه‌های ساده تبدیل به ساز کاخون امروزی شدند.

    نحوه نواختن آن بسیار ساده است: نوازنده روی ساز می‌نشیند و با کف دست و انگشتان خود بر روی صفحه جلویی آن می‌کوبد. با ضربه زدن به قسمت‌های مختلف سطح ساز، صداهای گوناگونی تولید می‌شود که از بم تا زیر را شامل می‌شود.

    امروزه کاخون در سبک‌های مختلف موسیقی از فلامنکو گرفته تا پاپ و حتی موسیقی محلی ایران جای خود را باز کرده است. این ساز به خاطر صدای گرم، حمل آسان و یادگیری نسبتاً ساده، مورد علاقه بسیاری از موسیقیدانان و علاقه‌مندان به موسیقی است.

    تاریخچه ساز کاخون :

    کاخن که در زبان اسپانیایی به معنی “جعبه” است، ساز جدیدی به شمار می‌رود و تاریخچه‌ی طولانی ندارد.
    در آغاز، کولی‌های اسپانیایی همراه با رقص و آواز و ساز همیشگی موسیقی فلامنکو، یعنی گیتار، روی جعبه‌های میوه ضرب می‌گرفتند و ریتم ایجاد می‌کردند. به تدریج این جعبه‌ها شکل یک ساز را به خود گرفتند و به کاخن امروزی تبدیل شدند.
    کاخن از پایان سده‌ی هجدهم میلادی توسط آفروپرویی‌ها (پرویی‌های آفریقایی‌تبار) مورد استفاده قرار می‌گرفت.
    امروزه این ساز در همه‌جای قاره‌ی آمریکا، فیلیپین و اسپانیا شناخته شده و نواخته می‌شود. کاخن در دوران برده‌داری در پرو رشد کرد و حدود سال ۱۸۵۰ به بیشترین محبوبیت خود رسید. بردگانی که از غرب و مرکز آفریقا به آمریکا آورده شدند، وارثان اصلی و بنیادین این ساز هستند.
    در سال‌های پایانی سده‌ی نوزدهم میلادی، نوازندگان کاخن تغییراتی در ساختمان و شیوه‌ی صدا دادن این ساز پدید آوردند. پس از پایان دوران برده‌داری، کاخن میان دیگر ساکنان آمریکای لاتین، از جمله سفیدپوستان (فرزندان استعمارگران اروپایی) نیز گسترش یافت و رواج پیدا کرد.

    ساختار ساز کاخون :

    جعبه کاخون شکلی شبیه به یک مکعب مستطیل دارد و شش وجه دارد. پنج طرف آن از لایه‌ای نازک از چوب ساخته می‌شود که ضخامت آن بین ۰.۵ تا ۲ سانتیمتر است. طرف ششم که به شکل یک مستطیل است، با یک صفحه نازک از تخته سه‌لا پوشانده می‌شود. این سطح که قسمت ضربه‌گیر یا سر کاخون است، تاپا نامیده می‌شود. سوراخ خروج صدا نیز در کنار همین صفحه تاپا قرار می‌گیرد.

    معمولاً صفحه چوبی تاپا را به طور کامل به جعبه کاخون نمی‌چسبانند و فقط در چند نقطهٔ بالایی آن را متصل می‌کنند. این روش باعث می‌شود وقتی به تاپا ضربه می‌زنید، صدایی خاص و کمی زنگ‌دار همراه با لرزش از ساز شنیده شود.

    عواملی که روی کیفیت صدای کاخون مانند زیر و بمی، بلندی، طنین و شخصیت صدا تأثیر می‌گذارند، عبارتند از:
    – ابعاد و شکل جعبه کاخون
    – نوع چوب و ضخامت آن در ساخت ساز
    – اندازه و محل قرارگیری سوراخ صدا

    انواع مرسوم کاخن چیست؟

    امروزه شکل‌های گوناگونی از ساز کاخن ساخته می‌شود، اما تصویری که بیشتر افراد از یک کاخن اصلی در ذهن دارند، همان مدل پرویی آن است. این ساز شش وجه دارد و در صفحه پشت آن یک حفره برای خروج صدا تعبیه شده است. صدای کاخن معمولاً تیز و کوبشی است و بیشتر برای همراهی با دیگر سازها به کار می‌رود.
    با این حال، در بسیاری از کشورهایی که کاخن رواج پیدا کرد، تغییراتی در ساختار آن ایجاد شد تا هر منطقه نمونه مخصوص به خود را داشته باشد.
    در ادامه به چند نوع شناخته‌شده‌تر کاخن اشاره می‌کنیم، البته باید یادآوری کرد که گونه‌های دیگری از این ساز نیز وجود دارد.

    ۱ – پرویی یا آفرو‌؛ پرویی

    کاخن پرویی در حقیقت شکل دگرگون شده‌ی جعبه‌های چوبی میوه است. بردگان آفریقایی در کشور پرو از این جعبه‌ها به عنوان ساز کوبه‌ای استفاده می‌کردند. این ساز سیم یا بخش سیمی ندارد و در پشت آن یک سوراخ برای خروج صدا تعبیه شده است.

    ۲ –  فلامنکو (Flamenco Cajon)

    نوازنده اسپانیایی پاکو دلوسیا و همکار برزیلی‌اش روبم دانتاس، پس از بازگشت از سفری به پرو، گونه‌ای متفاوت از ساز کاخن را معرفی کردند.
    برای دستیابی به صدایی که با موسیقی فلامنکو هماهنگ باشد، آن‌ها سیم‌های گیتار را به پشت صفحه‌ای که نوازنده بر آن می‌کوبد، اضافه کردند.

    ۳ – کاخن اسنیر (Snare Cajon)

    امروزه معمولاً برای تولید صدای تیز و زنگ‌دار در کاخن‌ها از اسنیر استفاده می‌کنند. اگر بخواهید صدای شفاف‌تر و پرطنین‌تری داشته باشید، کاخن‌های مجهز به اسنیر انتخاب بهتری هستند. در این نوع کاخن‌ها، سیم‌های اسنیر در پشت صفحه جلویی ساز قرار گرفته‌اند. به این مدل از کاخن، نوع امروزی و مدرن نیز گفته می‌شود.

    ۴ – کاخن‌های کوچک

    کاخن‌های مسافرتی، کاخن‌های مخصوص کودکان و همچنین کاخن‌های قابل سرهم‌کردن (کیت)، گونه‌های کوچک‌تر و جمع‌وجورتری نسبت به کاخن استاندارد هستند. در چند سال گذشته، سازندگان این ساز علاوه بر مدل‌های معمول، به تولید کاخن در اندازه‌های مختلف نیز روی آورده‌اند. از جمله برای نوآموزان و کودکان، نمونه‌هایی با ابعاد کوچک‌تر طراحی و ساخته شده است.

    ۵ – کاخن الکتریک یا ترکیبی

    کاخن‌های ترکیبی این قابلیت را در اختیار شما قرار می‌دهند که هم صدای آکوستیک طبیعی و هم صدای الکتریک تولید کنید. در جدیدترین پیشرفت‌های این ساز، امکان ترکیب صدای آکوستیک با امکانات الکترونیک فراهم شده است.
    اگر شما هم اکنون یک کاخن معمولی دارید اما می‌خواهید قابلیت صدای الکتریک را نیز به آن بیفزایید، می‌توانید با اضافه کردن یک پیکاپ (اسسکوری) این ویژگی را به ساز خود اضافه کنید.

  • چرا هنگ درام گران است؟

    چرا هنگ درام گران است؟

    همانطور که در نوشته‌های قبلی گفتیم، هنگ درام سازی محبوب و منحصر به فرد است. با این حال، یکی از دلایلی که این ساز کمتر در دسترس است، هزینه زیاد آن می‌باشد. اما چرا هنگ درام قیمت بالایی دارد؟ در ادامه این بخش از وبلاگ آنبین، پاسخ این پرسش را خواهید خواند.

    چرا هنگ درام گران است؟

    ساز هنگ درام قیمت بالایی دارد. می‌توان گفت این گرانی به خاطر دشواری و طولانی بودن فرآیند ساخت آن و همچنین تعداد محدود سازندگانش در جهان است. امروزه این ساز در همه جای دنیا محبوبیت زیادی پیدا کرده، به ویژه میان جوانان، ولی با این وجود شمار کسانی که آن را می‌سازند در کل جهان به حدود دویست نفر می‌رسد.

    چرا هنگ درام قیمت بالایی دارد؟
    هنگ درام به شکل دست‌ساز و در کارگاه‌های محدود ساخته می‌شود. پیدا کردن جنس فلز و ترکیب مناسب برای ساخت آن، زمان زیادی می‌برد و شکل دادن به قطعات هم ساعت‌ها و روزها وقت نیاز دارد.
    یکی از بخش‌های دشوار ساخت هنگ درام، کوک دقیق و درست نت‌های آن است. کسانی که با دنیای موسیقی و سازسازی آشنا هستند، می‌دانند که ساختن یک هنگ درام خوب پروژه‌ای طولانی است که نیازمند دقت، مهارت و حوصله بسیار است تا ساز به صدای مطلوب برسد و هر نت به درستی شنیده شود.
    صدای هنگ درام، منحصر به فرد و آرامش‌بخش است. زیبایی این صدا به خاطر هارمونی‌های فراوانی است که در هر یک از نت‌های آن وجود دارد.
    از سوی دیگر، چون بدنه ساز یک تکه است، وقتی یک نت را می‌نوازید، نت‌های دیگر نیز به آرامی به لرزش درمی‌آیند و همین ویژگی، صدای هنگ درام را بسیار گرم و گوشنواز می‌کند.
    نواختن هنگ درام معمولاً از خریدن آن ساده‌تر است؛ البته به این بستگی دارد که بخواهید در چه سطحی بنوازید. برای تبدیل شدن به یک نوازنده حرفه‌ای و جذاب که اهل موسیقی از شنیدن آن لذت ببرند، قطعاً به تمرین زیاد، پشتکار و آگاهی خوب از موسیقی نیاز است. اما اگر نوازندگی حرفه‌ای را دنبال نمی‌کنید، از همان ابتدا می‌توانید صدای زیبایی از آن درآورید و اطرافیان خود را شگفت‌زده کنید.

    نوازندگان خیابانی

    امروزه ساز هنگ درام به یکی از سازهای محبوب و پرکاربرد در نمایش‌های خیابانی در سراسر جهان تبدیل شده و جایگاه ویژه‌ای در این عرصه به دست آورده است.

    صدای تاثیرگذار و آرامش‌بخش این ساز باعث شده است تا بسیاری از موسیقی‌دانان در برنامه‌های خود از آن بهره ببرند. همچنین نواهای گرم و دلنشین آن می‌تواند حالتی شبیه به خواب‌آوری ملایم در شنوندگان ایجاد کند و از همین رو در تمرینات آرامش‌بخش و یوگا نیز مورد استفاده قرار می‌گیرد.

    برای اطلاعات بیشتر، به مقاله سی‌تار از سازهای زهی زخمه‌ای موسیقی هندی مراجعه کنید.

    هنگ درام سازی برای مبتدی تا حرفه ای

    کوک ساز هنگ درام ثابت است و برخلاف بسیاری از سازهای دیگر، نمی‌توان آن را به صورت دستی تغییر داد. این ساز معمولاً بر اساس گام دیاتونیک ساخته می‌شود. هنگ درام تنها یک حالت صدایی دارد، اما شما می‌توانید گام مورد علاقه خود را انتخاب کنید تا صدای ساز مطابق سلیقه و نیاز شما باشد.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، آشنایی با دیوان،ساز کردی را از دست ندهید.

    معمولاً گام رایج برای هنگ درام، رِ مینور است. با این حال، سازندگان ماهر مدل‌های بسیار گوناگونی تولید می‌کنند تا نوازندگان بتوانند به راحتی سازی متناسب با ترجیحات خود بیابند. در حالت معمول، هنگ درام ۸ یا ۹ نت دارد. نت اصلی آن در مرکز قرار گرفته و صدایی غنی و بم تولید می‌کند. بقیه نت‌ها نیز دورتادور این نت اصلی چیده شده‌اند.

    گاهی اوقات هنگ درام‌هایی مخصوص نوازندگان حرفه‌ای ساخته می‌شوند که تا ۱۶ نت دارند. این مدل‌ها ممکن است دو نت اصلی یا بم داشته باشند و چندین نت دیگر نیز در صفحه زیرین ساز جای می‌گیرند. یکی از سازهای نزدیک به هنگ درام، تانگ درام است. این ساز از نظر ساختاری شبیه هنگ درام است، اما صدایی زیرتر و کم‌عمق‌تر دارد و اندازه آن نیز کوچکتر است.

    توصیه می‌کنیم حتماً مقاله آخرین سازی که در ارکستر سمفونی مورد استفاده قرار گرفت را مطالعه کنید.

  • آشنایی با استاد کیوان ساکت

    آشنایی با استاد کیوان ساکت

    یکی از نام‌آورترین چهره‌های دنیای موسیقی و آهنگسازی، استاد ساکت هستند. ایشان دانش‌آموخته‌ی رشته آهنگسازی از یک کشور اروپایی می‌باشند. مادر ایشان مدیریت بزرگترین دبیرستان دخترانه در شهر مشهد را بر عهده داشتند و پدرشان نیز بنیانگذار بزرگترین داروخانه در مشهد بودند و به عنوان شاعری بااستعداد شناخته می‌شدند. در این بخش از وبلاگ آنبین، بیشتر با این استاد بزرگ آشنا می‌شویم.

    آشنایی با استاد کیوان ساکت

    کیوان ساکت در سال ۱۳۴۰ در یک خانواده اهل فرهنگ و هنر در شهر مشهد به دنیا آمد. از همان کودکی، با تشویق پدر و مادرش به یادگیری موسیقی و نقاشی روی آورد. در زمینه نقاشی، نزد استادانی مانند صادق‌پور طراحی را آموخت، از پیراسته اصول طراحی را فراگرفت و در نقاشی با رنگ روغن و آبرنگ نیز شاگرد استاد دوّلّو بود.

    آغاز آموزش موسیقی او با کمک دایی‌اش، منوچهر زمانیان، در کارگاه موسیقی کودکان و نوجوانان مشهد صورت گرفت. این کارگاه را در آن زمان صدا و سیما با مدیریت مرتضی دلشب در مشهد راه‌اندازی کرده بود.

    پس از چندی، حمید متبسم — که دوست دایی او و همشهریشان بود و در آن زمان در دانشسرای هنر تهران موسیقی می‌خواند — به مشهد آمد و در همان کارگاه موسیقی به تدریس پرداخت و حدود دو تابستان پیاپی در آنجا مربی بود.

    پس از انقلاب، متبسم به مشهد بازگشت و دوستی نزدیک و صمیمی‌ای با ساکت شکل گرفت. اما پس از مدتی، متبسم دوباره به تهران و سپس به خارج از کشور رفت. از آن پس، ساکت نواختن تار را به صورت خودآموز ادامه داد و در این دوره فقط چند دیدار کوتاه با استاد حسین علیزاده داشت.

    در سال ۱۳۶۹، به دعوت پرویز مشکاتیان به گروه عارف پیوست و مسئولیت‌هایی در آن گروه بر عهده گرفت. نتیجه این همکاری، آثاری مانند افشاری مرکب، افق مهر، وطن من (با صدای ایرج بسطامی) و مقام صبر (با صدای علیرضا افتخاری) و نیز اجرای کنسرت‌های فراوانی در ایران و دیگر کشورها بود.

    کیوان ساکت در سال ۱۳۷۵ گروه موسیقی وزیری را بنیان گذاشت و با این گروه آثار بسیاری را در داخل و خارج از ایران به اجرا درآورده است.

    درک عمیق  سازسازی

    کیوان ساکت نخستین کسی بود که زحمات و هنر استاد قنبری مهر، استاد بی‌همتای سازسازی را شناخت و تلاش کرد روش ایشان در ساخت تار و سه‌تارهای تازه را گسترش دهد. او با تشویق سازندگان این سازها، توانسته این روش نوین و درست را در بسیاری از شهرهای ایران رواج دهد.

    ساکت همچنین کوشیده است نگاهی علمی‌تر به موسیقی و نوازندگی ایرانی داشته باشد و پس از استاد وزیری، در نواختن تار و ابداع تکنیک‌های نو، ابتکاراتی به وجود آورد که امروزه طرفداران زیادی پیدا کرده است.

    او به دعوت انجمن‌ها، سازمان‌ها و افراد گوناگون، در بیشتر شهرهای ایران برنامه‌های اجرایی بسیاری داشته که همواره با استقبال دوستداران و اهل فرهنگ مواجه شده است.

    شیوه مضراب‌زنی ساکت ویژه خود اوست و از توانایی‌هایش، اجرای سریع قطعات موسیقی است. او علاقه زیادی به اجرای قطعات بزرگ موسیقی کلاسیک دارد.

    علاوه بر این، ساکت تلاش کرده نگرشی علمی‌تر به موسیقی و نوازندگی ایرانی داشته باشد و پس از استاد وزیری، در نواختن تار و ابداع روش‌های نو، ابداعات و تغییراتی پدید آورد.