دسته: موسیقی

  • معرفی ساز تام تام

    معرفی ساز تام تام

    در این قسمت از وبلاگ آنبین، قصد داریم یک ساز کوبه‌ای جالب را به شما معرفی کنیم. این ساز بیشتر در موسیقی کلاسیک استفاده می‌شود و نام آن تام‌تام است. در ادامه، ویژگی‌های این ساز را با هم مرور خواهیم کرد.

    معرفی ساز تام تام

    تام‌تام یک ساز کوبه‌ای است که در ارکسترهای موسیقی کلاسیک به کار می‌رود. در زبان چینی به آن «گُنگ» می‌گویند که منظور سنجی است که با چکش نواخته می‌شود. این ساز در پایان سده بیستم به مجموعه سازهای موسیقی غربی اضافه شد.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، با ثروتنمدترین افراد فعال در حوزه موسیقی جهان آشنا شوید را از دست ندهید.

    مهم‌ترین فرق تام‌تام با گنگ این است که تام‌تام نت معین و قابل تشخیصی ندارد. ویژگی‌های صوتی آن نیز با گنگ متفاوت است.

    صدای تام‌تام می‌تواند گستره‌ای از حالت‌های گوناگون داشته باشد: از شکوهمند و قدرتمند تا ترسناک و غرّش‌گونه، و همچنین درخشان، عجیب و ناآشنا. اما صدای گنگ را معمولاً فقط با واژه‌هایی مانند موقر، جدی، بلندمرتبه و باوقار توصیف می‌کنند.

    زمانی که صدای یک گنگ با اندازه استاندارد با نیرویی یکسان نواخته شود، زودتر از تام‌تام محو می‌شود. در مقابل، صدای تام‌تام می‌تواند تا چند دقیقه در فضای سالن و در گوش شنوندگان طنین‌انداز باشد.

    اشتراک تام تام و گنگ

    سازهای تام‌تام و گنگ از برخی جهات شبیه به هم هستند. در هر دو، اگر اندازه ساز بزرگ‌تر باشد، صدای آن بم‌تر می‌شود. وزن ساز هم در این موضوع نقش دارد؛ ساز سنگین‌تر معمولاً صدای کلفت‌تر و بم‌تری تولید می‌کند.

    تام‌تام طیف وسیع‌تری از نواها و رنگ‌های صوتی را می‌تواند ایجاد کند، چون با استفاده از مالت‌های گوناگون می‌توان صداهای متنوعی از آن بیرون آورد. اما در مقابل، نواختن ملودی‌های مشخص معمولاً تنها روی ساز گنگ امکان‌پذیر است.

    از تام‌تام اغلب برای اضافه کردن یک رنگ صوتی ویژه به صدای کلی ارکستر یا برای ایجاد تأکید روی بخش‌های خاصی از موسیقی استفاده می‌شود. صدای این ساز بسیار مشخص و برجسته است و به همین دلیل باید با احتیاط و حساب‌شده به کار گرفته شود.

    ترومپت‌ها و ترومبون‌ها به طور ویژه‌ای با تام‌تام هماهنگ می‌شوند و وقتی با هم نواخته می‌شوند، رنگ صدا نافذتر و فلزی‌تر می‌شود، هرچند که گاهی می‌تواند حال و هوایی هشداردهنده یا ترسناک نیز ایجاد کند. همچنین، نواهای آرام پیانو می‌توانند با سازهای بادی برنجی مانند هورن‌ها ترکیب شوند و صدایی خوشایند و دلنشین پدید آورند.

    شمایل کلی

    ساز تام تام شکلی گرد و کمی برآمده دارد، مانند یک صفحه گرد که وسط آن به آرامی بیرون زده است. لبه‌های آن نازک و به سمت بالا و بیرون خم شده‌اند. این ساز معمولاً از برنز ساخته می‌شود؛ یا با چکش‌کاری ورق برنز شکل می‌گیرد یا با ریختن آلیاژ مخصوص برنز در قالب ساخته می‌شود. بهترین و مرغوب‌ترین تام‌تام‌ها از همان کشورهایی می‌آیند که این ساز برای اولین بار در آنجا پدید آمده است.

    ساز تام‌تام
    این ساز در کشورهایی مانند چین، ژاپن، میانمار و جاوا ساخته و استفاده می‌شود. برای آویزان کردن آن، معمولاً دو سوراخ در لبه‌ی ساز ایجاد می‌کنند. از این سوراخ‌ها طناب ضخیم یا سیم عبور داده می‌شود تا ساز را بتوان آویزان کرد. این سوراخ‌ها باید در قسمت‌هایی از ساز ایجاد شوند که هنگام نواختن، لرزش و حرکت نکنند.

    ساز تام‌تام معمولاً از برنز و به روش ریخته‌گری ساخته می‌شود و بیشتر در گروه‌های موسیقی ارکستری به کار می‌رود. این ساز نسبت به وزنش، صدای بم و پایه‌ی بزرگی تولید می‌کند.

    برای اینکه صدای تام‌تام به کیفیت مناسب و مورد نیاز ارکستر برسد، باید اندازه‌ی مشخصی داشته باشد که معمولاً حدود ۷۰ سانتی‌متر است. به همین دلیل، یک یا دو عدد از این سازها را روی پایه‌های فلزی یا آلومینیومی مخصوصی می‌آویزند. این پایه‌ها اغلب چرخ دارند تا جابه‌جایی آن‌ها آسان باشد.

    برای نواختن تام‌تام از چکش‌های مخصوصی استفاده می‌شود که ساختار آن‌ها به این صورت است:

    در صورت علاقه‌مندی، مطلب آشنایی با موسیقی مازندرانی را از دست ندهید.

    جنس سر مالت‌ها در ساز تام تام (Tam-tam)

    مواد به کار رفته: نمد فشرده، چوب و فلز؛
    اندازه: حدود ۶ تا ۱۵ سانتی‌متر قطر؛
    روی سر چکش‌های تام‌تام معمولاً از نمد یا مواد مصنوعی پوشیده شده است.

    جنس دسته‌ی مالت‌ها در ساز تام تام   (Tam-tam)؛

    طول: حدود ۲۸ تا ۳۵ سانتی‌متر؛
    این ساز معمولاً به شکل یک صفحه گرد، دایره‌ای یا الماسی است.
    از انواع دیگر مالت‌ها نیز برای نواختن آن استفاده می‌شود؛ مانند مالت‌های درام بیس، تیمپانی، سیمبال، چوب‌های درام، مضراب مثلث، براش‌ها، و همچنین مالت‌های زایلوفون، گلاکن‌اشپیل، ماریمبا و ویبرافون. گاهی از سوپربال‌ها و حتی دست‌ها نیز برای نواختن بهره می‌برند.

    یک سوپربال دارای دسته‌ای چوبی یا از جنس خیزران است که درازای آن همانند مالت‌های ماریمبا یا ویبرافون است. سر آن یک گوی لاستیکی دارد و در اندازه‌های گوناگون یافت می‌شود. مالت‌های نرم، زیرصداهای پایین را (بسته به اندازه تام‌تام) کمتر تولید می‌کنند، اما برای ایجاد اثرهای صوتی ویژه مناسب‌ترند. گاهی این ساز با چیزهای دیگری نیز سایش داده می‌شود؛ مانند یک لیوان، لوله‌های مقوایی، ویبراتور برقی یا زنجیرها.

    تام‌تام یا با ضربه زدن نواخته می‌شود یا با سایش و تماس ایجاد صدا می‌کند. معمولاً دقیقاً مرکز صفحه زده نمی‌شود، بلکه در فاصله‌ای حدود یک کف دست (نسبت به اندازه صفحه) از مرکز، نواخته می‌شود؛ زیرا در این نقطه است که پرحجم‌ترین و بم‌ترین صداها تولید می‌گردد.

    دقت در نواختن

    محل مناسب ضربه زدن به هر ساز با ساز دیگر فرق می‌کند و نوازنده سازهای کوبه‌ای باید با آزمون و خطا آن نقطه را پیدا کند. حتی اگر چند سانتیمتر از جای درست فاصله بگیرد، کیفیت صدا به طور کامل تغییر می‌کند.

    تام‌تام، درست مثل گنگ، در مرکز خود بیشترین لرزش و در لبه‌ها کمترین لرزش را دارد. به همین خاطر است که آن را از لبه‌اش آویزان می‌کنند. صدای آن دارای اجزای فرعی بسیاری است که با نت اصلی هماهنگ نیستند.

    معمولاً برای نواختن تام‌تام از چکش‌های مخصوص و گوناگونی استفاده می‌شود. هرچه ساز بزرگ‌تر و سنگین‌تر باشد و چکش‌ها نیز بزرگ‌تر باشند، نوازنده باید نیروی بیشتری برای ایجاد یک صدای کامل و غنی وارد کند.

    همچنین، در تام‌تام‌های بزرگ‌تر، صدا زمان بیشتری نیاز دارد تا به طور کامل گسترش یابد و زیر و بم کلی آن نیز پایین‌تر است. از طرفی، قطع کردن صدای (دمپ کردن) یک تام‌تام بزرگ کار دشوارتری است.

    در واقع، برای قطع کردن صدای سازهای بسیار بزرگ در حجم‌های صوتی بالا، گاهی به دو نوازنده نیاز است. قضاوت درباره کیفیت صدای پیانو نیز دشوار است و کنترل میزان شدت و نرمی صدا (سطح دینامیک) در آن بسیار مشکل است.

    توصیه می‌شود به مطالعه مقاله پدر موسیقی ایران کیست؟ ادامه دهید.

    مشخصه‌های صدایی ساز تام تام  (Tam-tam)؛

    صدای ساز تام‌تام می‌تواند فلزی، تیز، درخشان، زمزمه‌گونه، وزوزدار، قدرتمند، باشکوه، هشداردهنده، ترسناک و غرش‌آمیز باشد.
    از آنجا که تام‌تام تعداد زیادی فرکانس ناهماهنگ ایجاد می‌کند، صدایش حالتی شبیه به نویز دارد. به همین خاطر است که نت مشخص و ثابتی از آن شنیده نمی‌شود.
    این ساز به راحتی می‌تواند صدایی بلندتر از کل ارکستر تولید کند. کیفیت صدا بسته به نوع چکش، نقطه‌ای که ضربه زده می‌شود، جنس ساز و البته اندازه آن تغییر می‌کند.

  • معرفی سازسنج

    معرفی سازسنج

    سنج سازی است که برای بسیاری از مردم، صدای آن یادآور مراسم مذهبی و نواهای روح‌نواز آیینی است. اگر اطلاعات زیادی درباره موسیقی ندارید، احتمالاً این صدا را در فضای معنوی محرم شنیده‌اید. در این نوشته از وبلاگ آنبین، می‌خواهیم شما را بیشتر با ساز سنج آشنا کنیم.

    اگر سوالاتی دارید، مقاله ماجرای آهنگ یکشنبه غم انگیز چیست؟ به شما کمک خواهد کرد.

    برای گسترش دانش خود، به مقاله محبوب ترین سازهای سنتی ایرانی کدامند ؟ سر بزنید.

    اطلاعات جامع‌تری در مورد این موضوع را در آیا پهلوان آواز ایران را می شناسید؟ پیدا کنید.

    معرفی سازسنج

    سنج یک ساز ضربه‌ای است که از دو صفحه گرد برنجی ساخته شده و با برخورد دادن آن‌ها به هم صدا تولید می‌شود. به نظر می‌رسد این ساز در دوران قدیم نیز همین کاربرد را داشته است.

    در جنوب ایران، سنج‌ها را از فلز بسیار محکمی به نام «هفت‌جوش» می‌سازند. مراسم سوگواری در استان بوشهر، که هر سال به یادبود شهادت امام حسین(ع) برگزار می‌شود، همواره با نوای سنج و ساز دیگری به نام «دمام» همراه است.

    اگر سوالاتی دارید، مقاله ۱۰ ساز محبوب غربی را بشناسید! به شما کمک خواهد کرد.

    در گذشته، مردم نواحی خلیج فارس باور داشتند که چون سنج از فلز ساخته شده و «اجنه» از فلز می‌ترسند، نواختن آن در کنار نوازندگان دمام، آن‌ها را از حضور ارواح و شیاطین حفظ می‌کند و به نوازنده اجازه می‌دهد با قلبی پاک به اجرای موسیقی بپردازد.

    در جنوب ایران، معمولاً در مراسم سنج و دمام، هفت عدد سنج به کار می‌رود. سه سنج که صدای زیباتری دارند در جلوی گروه و چهار سنج دیگر در پشت سر نواخته می‌شوند.

    برای گسترش دانش خود، مقاله چرا هنگ درام گران است؟ را مطالعه کنید.

    همان‌طور که اشاره شد، سنج یک صفحه مدور فلزی و برنجی است که قطر آن بین ۲۰ تا ۶۰ سانتیمتر متغیر است. معمولاً در مرکز قسمت بیرونی سنج، یک دسته یا حلقه برای نگه‌داشتن آن تعبیه شده است.

    برای درک عمیق‌تر این موضوع، مطلب آشنایی با استاد کیوان ساکت را بخوانید.

    معرفی سازسنج

    صدای سنج‌ها بسته به خاصیت آن‌ها تفاوت می‌کند. این خاصیت‌ها عبارتند از:

    قطر سنج
    ضخامت سنج
    شکل سنج
    نوع فلز و آلیاژی که برای ساخت سنج استفاده می‌شود.
    صفحه‌های سنج معمولاً روی یک پایه نصب می‌شوند. این پایه از یک میله فلزی تشکیل شده که داخل یک لوله عمودی حرکت می‌کند و به یک پدال متصل است. پدال روی زمین قرار می‌گیرد. نوازنده با پای خود پدال را فشار می‌دهد و در نتیجه، صفحه بالایی به سمت پایین حرکت کرده و با صفحه زیرین برخورد می‌کند.

    ساختار سنج

    به طور کلی سنج‌ها را می‌توان از نظر نوع ساخت به دو گروه اصلی تقسیم کرد: سنج‌های کاست و سنج‌های شیت. سنج‌های شیت با پرس کردن ورق‌های فلزی ساخته می‌شوند. این نوع سنج معمولاً قیمت کم‌تری دارد، اما در مقایسه با سنج‌های کاست، عمر کوتاه‌تری هم دارد و بیشتر مناسب نوآموزان است.
    سنج‌های کاست با ریختن فلز گداخته در قالب تولید می‌شوند. این سنج‌ها کیفیت صدای بهتری دارند و بادوام‌تر هستند. البته قیمت آن‌ها نیز معمولاً بالاتر است.
    در خانواده سازهای کوبه‌ای، سنج در دسته‌ی ایدیوفون‌ها (سازهای خودصدا) با زیروبم نامشخص قرار می‌گیرد و صدای آن از برخورد دو قسمت ساز با یکدیگر ایجاد می‌شود.

  • معرفی ساز دودوک ، ساز سخت ارمنی

    معرفی ساز دودوک ، ساز سخت ارمنی

    هر فرهنگ نواها و سازهای مخصوص به خود را دارد. شاید همین موضوع یکی از دلایل گوناگونی موسیقی و سازها در جهان باشد. سازهای بادی یا هواصداها (آیروفون‌ها) نیز انواع مختلفی دارند که بستگی به جنس زبانه، تعداد لوله‌های صوتی و دیگر ویژگی‌هایشان دارد. یکی از این سازهای بادی، ساز دودوک است که در ادامه در وبلاگ آنبین با آن و خصوصیاتش بیشتر آشنا خواهیم شد.

    ساز دودوک

    ساز دودوک که با نام تزیراناپوق نیز شناخته می‌شود، مهم‌ترین و اصیل‌ترین ساز در میان سازهای سنتی مردم ارمنی به حساب می‌آید.
    بر اساس پژوهش‌های موسیقی‌شناسان ارمنی و با توجه به یافته‌های تاریخی و باستان‌شناسی، پیشینه این ساز به ۱۲۰۰ سال پیش از میلاد بازمی‌گردد و تاریخ موسیقی دودوک ارمنی به دوره پادشاهی تیگران بزرگ در سرزمین کوهستانی ارمنستان مرتبط است. با این حال، پژوهشگران غربی قدمت آن را حدود ۱۵۰۰ سال برآورد می‌کنند.
    سازمان یونسکو نیز در سال ۲۰۰۵ میلادی، دودوک را به عنوان یک شاهکار از میراث معنوی و شفاهی بشریت به رسمیت شناخت.
    سازهای بادی یا هواصداها بر پایه ویژگی‌هایی مانند نوع زبانه، تعداد لوله‌های صوتی و موارد دیگر، دسته‌بندی می‌شوند. دودوک یکی از این سازهای بادی است که در ادامه به معرفی آن و ویژگی‌هایش می‌پردازیم.

    معرفی ساز دودوک

    معرفی ساز دودوک

    دودوک در دسته سازهای بادی جای می‌گیرد. این ساز دارای یک زبانه دو تکه است و تنها یک لوله برای تولید صدا دارد. دودوک سازی با اصالت ارمنی است که بسیار شبیه به ساز بالابان در آذربایجان می‌باشد. به آن نی سنتی ارمنی هم گفته می‌شود. مشهورترین نوازنده این ساز در جهان جیوان گاسپاریان است.

    برای یادگیری پیشرفته، به مهارت خود را در نوازندگی پیانو بالا ببرید مراجعه کنید.

    دودوک و بالابان بسیار به هم شبیه هستند. بالابان متعلق به منطقه آذربایجان شرقی است و در کردستان با نام نرمه نای شناخته می‌شود. اما دودوک ساز شناخته شده و مخصوص فرهنگ ارمنی است. بعضی افراد این دو ساز را یکسان می‌دانند، اما با کمی توجه به صدای آن‌ها، به راحتی می‌توان تفاوت آهنگ و طنین صوتیشان را تشخیص داد.

    دودوک سازی است که آن را “غمگین‌ترین ساز دنیا” می‌دانند و روز به روز کاربردش گسترده‌تر می‌شود. در همین سال‌های اخیر، ترانه‌های زیادی به زبان‌های مختلف (مانند انگلیسی و فارسی) منتشر شده‌اند که در آن‌ها از صدای دودوک استفاده شده است. همچنین در موسیقی متن بسیاری از فیلم‌ها، از این ساز برای ایجاد حس شرقی و عرفانی بهره برده‌اند.

    توصیه می‌شود به مطالعه مقاله  راه های تقویت صدای ساز ویلون  ادامه دهید.

    نحوه‌ی نواختن ساز دودوک

    نواختن و به صدا درآوردن ساز دودوک تا حدی سخت است و نوازنده باید با تمام نیروی خود در آن بدمد تا ساز صدای مورد نظر را ایجاد کند.
    بر روی دهانهٔ دودوک یک قمیش نصب می‌شود. قمیش‌های گوناگونی وجود دارند که می‌توان از آنها روی این ساز استفاده کرد و هر کدام صدای خاص خود را دارند.
    به همین خاطر، حتی نوازندگان با تجربه نیز معمولاً چندین قمیش مختلف را به همراه دارند تا بسته به حس و فضای قطعه، بتوانند قمیش مناسب را انتخاب و صدای دلخواه را تولید کنند. یادگیری ساز دودوک به طور کلی کار آسانی نیست و نیاز به تمرین دارد.

    توصیه می‌کنیم این مطلب میکروفن‌ دینامیک چیست؟ را حتماً بخوانید.

  • بیوگرافی استاد شهرام ناظری

    بیوگرافی استاد شهرام ناظری

    موسیقی سنتی ایران با نام بزرگان و استادان بسیاری گره خورده است. اگر بخواهیم یکی از این چهره‌های ماندگار را نام ببریم، بدون شک استاد شهرام ناظری گزینه‌ای شاخص و برجسته است. در این نوشته از وبلاگ آنبین، با زندگی و آثار این هنرمند نام‌آشنا بیشتر آشنا می‌شویم.

    بیوگرافی استاد شهرام ناظری

    شهرام ناظری، خواننده، موسیقی‌دان و آهنگساز موسیقی اصیل ایرانی، در سال ۱۳۲۹ در شهر کرمانشاه در یک خانواده فرهنگی، اهل ادب و علاقه‌مند به موسیقی به دنیا آمد. او تا امروز بیش از ۴۰ آلبوم موسیقی ارائه کرده است.

    ایشان از همان دوران خردسالی، همانند بسیاری از خوانندگان که صدای خوب در خانواده‌شان ارثی است، استعداد آوازخوانی را از پدر و مادر خود به ارث برد. پدرش که صدای نرم و دلنشینی داشت و از شیوه خوانندگان قدیم و به ویژه از سبک استاد بزرگی مانند شیخ داوودی بهره برده بود، آموزش فرزندش را بر عهده گرفت.

    پایه‌گذار اصلی این خانواده هنرمند، استاد حاجی خان ناظری (پرویز خان پورناظری) بود که بسیاری از موسیقی‌دانان کرمانشاه را با نت و موسیقی اصیل ایرانی آموزش داد و خود از شاگردان استادانی مانند درویش خان و کلنل وزیری به شمار می‌رفت.

    شهرام ناظری از شروع دهه پنجاه خورشیدی در سطح ملی ایران به عنوان هنرمندی شناخته شد. اولین آلبوم‌های او به صورت مشترک با محمدرضا شجریان و با درون‌مایه‌های میهنی و آرمان‌هایی مانند آزادی‌خواهی، در پایان دهه پنجاه توسط کانون چاووش منتشر گردید.

    بیوگرافی استاد شهرام ناظری

    زندگی‌نامه استاد شهرام ناظری

    استاد شهرام ناظری، خواننده و آهنگساز نام‌آشنا، در سال ۱۳۲۸ در شهر کرمانشاه چشم به جهان گشود. خانواده‌ای اهل فرهنگ و هنر داشت و از کودکی با موسیقی اصیل ایرانی و اشعار بزرگان ادب پارسی آشنا شد. صدای گرم و دلنشین او از همان آغاز، توجه بسیاری را به خود جلب کرد.

    او نزد استادان بزرگی مانند عبدالله دوامی، محمود کریمی و محمدرضا شجریان به آموختن ردیف‌های آوازی و نکته‌های ظریف موسیقی پرداخت. شهرام ناظری با پشتکار فراوان، راه خود را در تلفیق شعرهای ناب فارسی، به ویژه اشعار مولانا، با موسیقی سنتی ادامه داد و سبک ویژه و منحصر به فردی را پدید آورد.

    از استاد ناظری آثار ماندگار بسیاری به یادگار مانده است که در میان آن‌ها می‌توان به آلبوم‌های “گل صدبرگ”، “آتش در نیستان” و “سفر به دیگر سو” اشاره کرد. او در معرفی موسیقی ایرانی به جهانیان نیز کوشش‌های فراوانی انجام داده و کنسرت‌های بسیاری در سراسر جهان برگزار کرده است.

    استاد شهرام ناظری با صدای توانمند و عشق عمیق به فرهنگ ایران، همواره پیام‌آور صلح و دوستی بوده و جایگاه والایی در قلب دوستداران موسیقی اصیل دارد.

    خردسالی شهرام ناظری

    شهرام ناظری از همان سال‌های کودکی با دنیای شعر و موسیقی آشنا شد. مادرش علاقه او را به شعر و آواز پرورش داد و پدرش که صدای نرم و زیبایی داشت، با آواز ایرانی آشنایی داشت و ساز سه‌تار نیز می‌نواخت.

    او در هفت‌سالگی نخستین اجرای هنری خود را در رادیو کرمانشاه انجام داد و در آن برنامه با تار درویشی، که از نوازندگان نامدار کرمانشاه در آن دوران بود، همراهی کرد.

    سپس وقتی یازده ساله شد، چند برنامه دیگر را نیز در رادیو تلویزیون ایران خواند و آوازهای ایرانی اجرا کرد.

    فعالیت حرفه ای شهرام ناظری

    ایشان در سال ۱۳۴۵ به تهران رفتند تا از دانش استادانی مانند عبدالله دوامی، نورعلی خان برومند، عبدالعلی وزیری، محمود کریمی و محمدرضا شجریان بهره ببرند. در کنار این آموزش‌ها، نواختن سه‌تار را نیز نزد اساتید احمد عبادی، جلال ذوالفنون و محمود هاشمی آموختند.

    در سال ۱۳۵۴ و با توصیه نورعلی خان برومند، در رادیو تلویزیون ایران مشغول به کار شدند. نخستین اجرای ایشان با گروه شیدا به سرپرستی محمدرضا لطفی انجام شد که در آن مثنوی مولوی و ترانه‌ای از شیخ بهایی را خواندند. پس از آن، همکاری خود را با گروه عارف به سرپرستی حسین علیزاده و پرویز مشکاتیان ادامه دادند.

    ایشان در سال ۱۳۵۵ در اولین مسابقه موسیقی سنتی ایران با نام باربد شرکت کردند و موفق شدند رتبه اول رشته آواز را کسب کنند. یک سال بعد، همراه با گروه سماعی به سرپرستی اصغر بهاری و حسن ناهید برای اجرای کنسرت در جشنواره توس انتخاب شدند.

    از سال ۱۳۵۷ تا ۱۳۶۰، استاد ناظری در آلبوم‌های چاووش با شماره‌های ۲، ۳، ۴، ۷ و ۸ به خوانندگی پرداختند. این آثار با همکاری گروه‌های شیدا و عارف در کانون چاووش و زیر نظر محمدرضا لطفی، حسین علیزاده و پرویز مشکاتیان تولید شدند.

    نزدیک به سی سال قبل، دکتر داریوش صفوت، بنیان‌گذار مرکز اشاعه و حفظ موسیقی سنتی، ویژگی منحصر به فرد صدای ایشان را که حالتی حماسی داشت، شناسایی و بیان کرد که:
    در صدای ناظری لنگرها، دندانه‌ها و آکسن‌های خاصی وجود دارد که به آن حس حماسی بخشیده‌است. این لحن حماسی قرن‌ها پیش در آواز ایرانی وجود داشته اما به دلیل مسائل تاریخی کمرنگ شده و به تدریج از بین رفته‌است. خود شهرام ناظری در این باره می‌گوید:یک حرکت یک حماسه در اجرا و خواندنم هست آن هم بخاطر فرهنگ کرد بودنم است

  • کنسرت شاهنامه خوانی استاد شهرام ناظری در کشور مراکش

    کنسرت شاهنامه خوانی استاد شهرام ناظری در کشور مراکش

    پیشینه هنری ایران سرشار از گنجینه‌های ارزشمند است و سروده‌های شاعران کهن نیز در این گنج‌خانه هنری همواره تابان و جاودان مانده‌اند. بسیاری از خوانندگان از این اشعار در کارهای موسیقایی خود بهره برده‌اند. استاد شهرام ناظری نیز با به‌کارگیری اشعار شاهنامه و مولوی، جایگاهی ویژه و ماندگار در این زمینه به دست آورده است. برای آگاهی بیشتر، ادامه این نوشته را در وبلاگ آنبین دنبال کنید.

    موسیقی عرفانی و اصیل ایرانی

    از سال ۱۳۶۴ به بعد، شهرام ناظری با همکاری گروه‌های موسیقی ایرانی، آثار ارزشمندی را در زمینه موسیقی عرفانی و اصیل ایران ارائه کرد. از برجسته‌ترین این کارها می‌توان به آلبوم «شورانگیز» با همراهی حسین علیزاده، «گل صدبرگ» و «آتش در نیستان» با همکاری جلال ذوالفنون و همچنین مجموعه‌های «یادگار دوست»، «ساقی‌نامه ۱» و «ساقی‌نامه ۲» با آهنگسازی کامبیز روشن‌روان اشاره کرد.

    برای یادگیری پیشرفته، به خانه اپرای گوانگژو ، محلی با شکوه برای اجراهای اپرا مراجعه کنید.

    شایان ذکر است که آلبوم «گل صدبرگ» شناخته‌شده‌ترین اثر شهرام ناظری به شمار می‌رود و بسیاری از مردم، او را با تصنیف «اندک اندک» با شعر مولانا که در همین آلبوم اجرا شده است، می‌شناسند.

    در صورت علاقه‌مندی، مطلب بیوگرافی مهرداد بران را از دست ندهید.

    شاهنامه‌خوانی به روایت استاد شهرام ناظری، هنری اصیل و باشکوه است. او با صدای رسا و دلنشین خود، داستان‌های پهلوانی و افسانه‌های کهن ایران را زنده می‌کند. در اجراهایش، حماسه‌های ملی و درس‌های زندگی‌ای که در این اشعار نهفته است، با حال و هوایی تاثیرگذار بیان می‌شود. استاد ناظری با تسلط بر موسیقی اصیل ایرانی، فضایی جذاب و پرشور می‌آفریند و شنوندگان را به دنیای رزم و مهر، پیروزی و شکست، و حکمت‌های گذشتگان می‌برد. این هنر، تنها خواندن شعر نیست؛ بلکه روایتی است همراه با آواز و نوا، که عشق به میهن و فرهنگ دیرینه‌ی آن را در دل‌ها برمی‌انگیزد.

    کنسرت شاهنامه خوانی استاد شهرام ناظری در کشور مراکش

    در سال ۱۳۹۰، شهرام ناظری آلبومی با عنوان «امیرکبیر» ارائه کرد که آهنگ‌های آن را پژمان طاهری ساخته بود. بیشتر ترانه‌های این آلبوم در قالب شعر نو سروده شده بودند. پس از آن، با گذشت حدود شش سال، کنسرتی از شهرام ناظری و لوریس چکناوریان منتشر شد که پیش‌تر به تعویق افتاده بود.
    این کنسرت در واقع ضبط شده‌ی اجرای ارکستر بزرگ کومیتاس ارمنستان در سال ۱۳۸۴ است که تحت رهبری لوریس چکناوریان برگزار شد. بیشتر قطعات این اجرا به زبان کردی، که زبان مادری شهرام ناظری است، خوانده شده‌اند.

    شور رومی

    از کارهای شناخته‌شده دیگر این هنرمند که بر پایه سروده‌های مولانا ساخته شده، می‌توان به آلبوم مولویه اشاره کرد. این آلبوم در کشورهای دیگر با نام “شور رومی” معروف است. این اثر همچنین در سال ۲۰۰۷ میلادی (۱۳۸۶ خورشیدی) نامزد دریافت جایزه گرمی در آمریکا شد. دیپاک چوپرا، فیلسوف هندی-آمریکایی، نیز در این آلبوم همکاری داشته است.

    مقاله تنظیم در آهنگسازی چیست؟ منبع بسیار خوبی برای یادگیری بیشتر است.

  • آشنایی با کلید سل

    آشنایی با کلید سل

    کلید سل یکی از مهم‌ترین و پراستفاده‌ترین نمادها در موسیقی است. بیشتر آهنگ‌ها با کمک این کلید نواخته می‌شوند. اگر دوست دارید بیشتر با کلید سل آشنا شوید، پیشنهاد می‌کنیم ادامه این مطلب را در وبلاگ آموزشگاه موسیقی الهام مطالعه کنید.

    آشنایی با کلید سل

    همانطور که می‌دانید، ساختمان موسیقی بر پایه‌ی نت‌ها بنا شده است. این نت‌ها هفت نام دارند:
    سی، لا، سل، فا، می، ر، دو
    برای خواندن درست این نام‌ها، آن‌ها را از سمت چپ به راست بخوانید.
    چگونگی چیدن این نت‌ها در کنار هم و فاصله‌های بین آن‌ها، اساس و شالوده‌ی ساخت یک آهنگ را می‌سازد. همانطور که پیش از این هم گفته شد، برای نوشتن و خواندن نت‌ها از مجموعه‌ای خطوط استفاده می‌شود که پنج خط موازی هستند و به آن‌ها خطوط حامل می‌گویند.
    نت‌های موسیقی روی این خطوط حامل قرار می‌گیرند. با این روش به سادگی می‌توان منظور آهنگساز را دریافت و نت‌های هر قطعه را نواخت.

    برای یادگیری پیشرفته، به آرشه یا کمانه چیست؟ مراجعه کنید.

    کلید ها

    نت‌های موسیقی به شکل نشانه‌هایی رمزی روی خطوط حامل نوشته می‌شوند. بدیهی است که برای خواندن این نشانه‌های رمزی، به یک کلید نیاز داریم. کلیدها مشخص می‌کنند که هر علامت روی خطوط حامل، نمایانگر کدام نت است و با کمک کلید است که می‌توان معنی نشانه‌های نت‌ها را فهمید.

    در موسیقی از چندین کلید گوناگون استفاده می‌شود. در واقع با توجه به محدوده‌ی صدایی که برای هر ساز مورد نیاز است، کلیدهای مختلف باعث می‌شوند همه‌ی نت‌ها، چه بم و چه زیر، در محدوده‌ی پنج خط حامل جای بگیرند. این کار هم از نظر دیداری تشخیص نت‌ها را آسان‌تر می‌کند و هم اجرای قطعه را برای نوازنده ساده‌تر می‌نماید.

    کلید سل چیست

    رایج‌ترین کلید در بین همه سازها، کلید سل نام دارد. شاید بپرسید کلید سل چیست؟ در واقع کلید سل یک نشانه است که به ما می‌گوید نتی که روی خط دوم از حامل قرار دارد، نت «سل» نامیده می‌شود.

    توصیه می‌کنیم حتماً مقاله آرمونیکا یا هارمونیکای شیشه ای ، ساز بدنام و کشنده! را مطالعه کنید.

    سایر نت‌ها نیز بر اساس این نت، به ترتیب نام‌گذاری می‌شوند.
    انواع کلیدها در موسیقی
    به این صورت که نت بالاتر از آن، نت «لا» خواهد بود و همین‌طور ادامه می‌یابد…
    و نت پایین‌تر از آن، نت «فا» است و به همین ترتیب…

    در صورت علاقه‌مندی، مطلب درخت آوازه خوان در انگلیس را از دست ندهید.

  • بیوگرافی استاد لوریس هایکازی

    بیوگرافی استاد لوریس هایکازی

    لوریس هایکازی چکناواریان در بیست و یکم مهرماه سال ۱۳۱۶ در شهر زیبای بروجرد به دنیا آمد. او یک آهنگساز، رهبر ارکستر، نویسنده و نقاش ایرانی ارمنی‌تبار است و از شخصیت‌های سرشناس فرهنگی در ایران و ارمنستان محسوب می‌شود. در ادامه این نوشته از وبلاگ آنبین، بیشتر با زندگی و آثار این هنرمند بزرگ آشنا خواهید شد.

    بیوگرافی استاد لوریس هایکازی

    از پنج سالگی، بدون اینکه پدر و مادرم مرا تشویق کنند، با وسایل ساده برای خودم یک ویولن اسباب‌بازی درست می‌کردم و به شیوهٔ خودم آن را می‌نواختم. اما از هفت سالگی، معلم ویولن گرفتم و به شکل جدی‌تری موسیقی را دنبال کردم.

    در چهارده سالگی، رهبری ارکستر کلوپ ارامنه را بر عهده گرفتم و در شانزده سالگی نیز رهبر ارکستر سمفونیک تهران شدم و آثاری از آهنگسازانی مانند بتهوون، باخ و خاچاطوریان را اجرا کردم.

    زندگی‌نامه استاد لوریس هایکازی

    لوریس هایکازی، استادی برجسته و چیره‌دست در نواختن پیانو بود. او در خانواده‌ای هنرمند و اهل موسیقی چشم به جهان گشود. از همان سال‌های نخست زندگی، عشق به موسیقی در وجودش ریشه دواند و استعداد شگفت‌انگیزش در نواختن پیانو، همه را تحت تأثیر قرار داد.

    هایکازی سال‌های بسیاری از عمر خود را صرف آموختن و سپس آموزش موسیقی کرد. او با پشتکار فراوان و عشقی عمیق به هنر، مسیر دشوار هنرمندی را با موفقیت پیمود و به درجه استادی رسید. اجراهای او سرشار از احساس، ظرافت و تسلط کامل بر این ساز بود و شنوندگان را به دنیایی از زیبایی و هماهنگی می‌برد.

    این استاد بزرگ، نه تنها یک نوازنده درخشان بود، بلکه معلمی دلسوز و راهنمایی توانا نیز به شمار می‌رفت. شاگردان بسیاری از دانش و نگاه عمیق او به موسیقی بهره بردند و راهش را ادامه دادند. او همواره بر اهمیت عشق به کار، تمرین مداوم و درک صحیح از موسیقی تأکید داشت.

    لوریس هایکازی با زندگی سراسر تلاش و خلاقیت خود، میراثی ارزشمند در دنیای موسیقی بر جای گذاشت. نام او به عنوان نمادی از تعهد، هنرمندی و عشق به موسیقی، برای همیشه در یادها خواهد ماند.

    فعالیت های حرفه ای

    لوریس چکناواریان به عنوان یک آهنگساز، تا به حال بیشتر از ۷۵ قطعه موسیقی خلق کرده است. این آثار شامل ۶ اپرا، ۵ سمفونی، یک اوراتوریو، یک رکوئیم، قطعاتی برای گروه کر، موسیقی مجلسی، موسیقی باله و همچنین قطعاتی برای پیانو و آواز است. علاوه بر این، او کنسرتوهایی برای سازهایی مانند پیانو، ویولن، گیتار، سلو و پیپا ساخته و در زمینه موسیقی فیلم نیز آثاری دارد. او بیش از ۱۰۰ اثر خود را با شرکت‌های معروف نشر موسیقی مانند آرسی‌ای، فیلیپس، اِمی و ای‌اس‌وی منتشر کرده است.

    چکناواریان رهبری بسیاری از ارکسترهای بزرگ جهان را نیز بر عهده داشته است. از جمله این ارکسترها می‌توان به ارکستر فیلارمونیک ارمنستان، فیلارمونیک سلطنتی انگلستان، فیلارمونیک سلطنتی لیورپول، ارکستر مجلسی انگلیس و ارکستر سمفونیک لندن اشاره کرد.

    در مهرماه سال ۱۳۹۸، لوریس چکناواریان به عنوان سفیر صلح ایران در سازمان ملل متحد پیشنهاد گردید.

    فعالیت ها ی اخیر

    این آهنگساز در مورد کارهای آینده‌اش گفت: در چهار ماه گذشته روی یک قطعه موسیقی بسیار ویژه تمرکز کرده‌ام. در حال حاضر نمی‌توانم نامی از آن ببرم چون هنوز کار به پایان نرسیده است. اما این قطعه نتیجه نزدیک به چهار ماه در خانه ماندن، اندیشیدن و تأمل عمیق بوده است. به باور من، این اثر یکی از ماندگارترین قطعات در طول دوران کاری من خواهد بود.

    لوریس چکناواریان درباره فعالیت‌هایش در روزهای قرنطینه بیماری کرونا بیان کرد: خدا را شکر که حالم خوب است. در طول ماه‌های گذشته کاملاً در خانه بودم و سعی کردم از منزل خارج نشوم. البته در همین مدت، به طور کامل در خانه مشغول کار و آهنگسازی بودم.

  • معرفی موسیقی نظامی

    معرفی موسیقی نظامی

    آهنگ‌سازی تنها هنر کنار هم گذاشتن نتها و ساختن یک آهنگ زیبا نیست. گاهی اوقات هدف‌های مهم‌تری هم دارد. نمونه آن را می‌توان در موسیقی نظامی دید. در این نوشته از وبلاگ آنبین، بیشتر درباره موسیقی نظامی یاد می‌گیریم.

    معرفی موسیقی نظامی

    موسیقی نظامی که در زبان انگلیسی Martial music یا Military music نامیده می‌شود، گونه‌ای از موسیقی است که با هدف برانگیختن احساسات میهندوستی، شجاعت، غرور ملی و مواردی از این دست ساخته می‌شود. واژه «Martial» در اصل به معنای جنگی و جنگنده است.

    سازهای رایج در موسیقی نظامی معمولاً در سه دسته اصلی جای می‌گیرند:

    اگر به این موضوع علاقه دارید، کدام انیمیشن ها بهترین موسیقی متن را داشته اند؟ را از دست ندهید.

    سازهای بادی چوبی
    سازهای بادی برنجی
    سازهای کوبه‌ای

    گاهی ممکن است آهنگسازان علاوه بر این سه گروه اصلی، از سازهای دیگری نیز برای ساختن قطعات نظامی استفاده کنند.

    هنگامی که در یک اجرای موسیقی نظامی تنها از «سازهای بادی برنجی» استفاده شود، به آن «فانفار» (Fanfara) یا «موسیقی کِلرُن» (Clarion) گفته می‌شود.

    آشنایی با موسیقی در مجموعه‌های نظامی

    برای گسترش دانش خود، مقاله جایگاه مهم موسیقی در دوران هخامنشیان را مطالعه کنید.

    موسیقی نظامی، شکلی ویژه و پرشور از هنر است که در مراسم‌ها، رژه‌ها و برنامه‌های مرتبط با نیروهای مسلح نواخته می‌شود. این نوع موسیقی معمولاً با آهنگ‌های ریتمیک، نشاط‌بخش و حماسی شناخته می‌شود که روحیه هماهنگی، انضباط و افتخار را تقویت می‌کند.

    سازهای به کار رفته در این موسیقی اغلب شامل طبل‌ها، شیپورها، سنج و دیگر سازهای بادی و کوبه‌ای هستند که صدایی رسا و پرطنین ایجاد می‌کنند. این موسیقی نه تنها برای ایجاد انگیزه و هماهنگی در حرکت گروهی سربازان کاربرد دارد، بلکه در مراسم رسمی، جشن‌های ملی و مناسبت‌های ویژه نیز حضوری برجسته دارد.

    موسیقی نظامی ریشه در تاریخ کهن دارد و در بسیاری از فرهنگ‌های جهان به عنوان نمادی از نظم، قدرت و وحدت شناخته می‌شود. این هنر، با حفظ ساختار منسجم و روحیه‌بخش خود، همچنان به عنوان بخشی زنده و پویا در فعالیت‌های مرتبط با خدمات نظامی به حیات خود ادامه می‌دهد.

     موسیقی نظامی در ایران

    موسیقی نظامی در ایران پیشینه‌ای بسیار قدیمی دارد. همیشه سرودهای رزمی باعث شادی و انرژی سربازان شده و آن‌ها را برای رسیدن به پیروزی تشویق می‌کرده‌است. زنوفن، تاریخ‌نویس یونانی، در کتاب «خصال کوروش» به سرودی اشاره می‌کند که کوروش و لشکریانش هنگام حمله به سربازان آسور می‌خواندند. همچنین در این کتاب از صدای شیپور به عنوان نشانه‌ای برای حرکت و عزیمت سپاه کوروش یاد شده است.

    بر اساس روایت این کتاب، کوروش به فرمانده سپاه دستور می‌دهد که در زمان نبرد، همراه یارانش در جلوی صفوف سپاه بایستد و هنگامی که حمله از دو طرف آغاز شد، او سرود جنگی را بخواند و آنها بی‌درنگ پاسخ او را بدهند؛ و این رویداد همان‌گونه رخ داد.

    سازهایی مانند کووس، دهل، کرنا، شیپور، سرنا و… از سازهای موسیقی نظامی بودند که در شعرهای شاعران نیز دیده می‌شوند.

    توصیه می‌کنیم این مطلب پدر پیانوی ایران کیست ؟ را حتماً بخوانید.

  • تفاوت سبک موسیقی راک و متال

    تفاوت سبک موسیقی راک و متال

    همانطور که می‌دانید، دنیای موسیقی از گونه‌های مختلفی تشکیل شده است. با این حال، برخی از این گونه‌ها به هم شبیه هستند و همین شباهت‌ها گاهی تشخیص آن‌ها را دشوار می‌کند. در این نوشته از وبلاگ آنبین، قصد داریم تفاوت‌های میان سبک‌های موسیقی راک و متال را برای شما روشن کنیم.

    تعریف سبک موسیقی

    سبک یا نوع موسیقی، یک نام قراردادی است که برای توصیف قطعه‌های موسیقی با ویژگی‌های مشترک به کار می‌رود.
    می‌توان موسیقی را به روش‌های بسیار مختلفی در سبک‌های گوناگون دسته‌بندی کرد. اما به دلیل ماهیت هنری موسیقی، این دسته‌بندی‌ها معمولاً قراردادی هستند و گاهی با بحث و اختلاف نظر همراهند. همچنین ممکن است برخی سبک‌ها با هم همپوشانی داشته باشند.

    از جمله روش‌های معمول برای طبقه‌بندی سبک‌های موسیقی، سه گروه اصلی است: موسیقی هنری، موسیقی پرطرفدار (پاپ) و موسیقی سنتی.
    معیارهای دیگر برای تفکیک سبک‌ها عبارتند از: دوره تاریخی، ریشه‌های منطقه‌ای و ملی، شیوه اجرا و نوع سازهای به کار رفته، تلفیق با دیگر سبک‌ها و کاربردهای اجتماعی موسیقی.

    برای اطلاعات بیشتر، به مقاله آیا با گزش در موسیقی یا موردنت آشنایی دارید؟ مراجعه کنید.

    اطلاعات جامع‌تری در مورد این موضوع را در تاثیر موسیقی بر اوتیسم پیدا کنید.

    موسیقی راک و متال هر دو انرژی و قدرت خاص خود را دارند، اما در چند ویژگی کلیدی با هم تفاوت دارند.

    موسیقی راک معمولاً روی ملودی‌های گیرا و ریتم‌های قابل دسترس تمرکز دارد. ساختار آهنگ‌های آن اغلب ساده‌تر است و خوانندگی نقشی مرکزی دارد. گیتار در راک مهم است، اما معمولاً نوای آن ملایم‌تر و همراه با ترانه است.

    برای یادگیری پیشرفته، به گام در موسیقی چیست؟ مراجعه کنید.

    از سوی دیگر، موسیقی متال سنگین‌تر و پرخاشگرانه‌تر است. ریف‌های گیتار در آن بسیار قوی، سریع و اغلب تکنیکی هستند. خوانندگی در متال طیف گسترده‌ای دارد، از آوازهای قدرتمند تا فریاد و غرش. سرعت و پیچیدگی در نوازندگی، به ویژه در بخش درامز و گیتار، در این سبک بسیار برجسته است.

    در کل، راک بیشتر بر جذابیت ملودیک و ترانه‌سرایی تأکید می‌کند، در حالی که متال بر نمایش قدرت، سرعت و شدت در اجرای نوازندگی.

    تفاوت سبک موسیقی راک و متال

    با آغاز موسیقی راک، جوانان استقبال چشمگیری از آن کردند. این جوانان در واقع نسلی بودند که کودکی خود را در سال‌های جنگ جهانی دوم گذرانده بودند و طعم سختی‌ها و بی‌ثباتی آن دوران را چشیده بودند.
    به همین دلیل، نخستین گروهی که به سوی موسیقی راک جذب شدند، همین جوانان بودند و بسیاری از بنیانگذاران این سبک نیز از میان آنان برخاستند. پس از آن، راک به شاخه‌های گوناگونی تقسیم شد که سبک متال یکی از زیرشاخه‌های آن است. متال بعدها به عنوان یک سبک مستقل شناخته شد و خود نیز دارای انواع مختلفی گردید. در اصل، متال ریشه در سبک هارد راک دارد.
    پس از شکل‌گیری هارد راک در بریتانیا، در اواخر دهه ۶۰ و اوایل دهه ۷۰ میلادی، سبک متال پدید آمد. این سبک نیز مانند هارد راک بود اما از آکوردهای سنگین‌تر و شعرهایی خیال‌انگیز یا هراس‌آور بهره می‌برد که اغلب اعتراضی به شرایط حاکم بر جامعه بودند.
    گیتاریست‌های سبک متال معمولاً از سرعت اجرای بالا، نوآوری و تکنیک‌های ویژه‌ای برخوردارند که آن را از دیگر سبک‌های موسیقی متمایز می‌کند. در این سبک، گیتار نقش محوری و مرکزی دارد و نسبت به سایر سازها برجستگی بیشتری پیدا می‌کند.

    تفاوت راک و متال به زبان خیلی ساده

    ۱- در موسیقی متال، خواننده معمولاً یا با صدای بسیار زیر و بلند (جیغ) یا با صدای بسیار بم و خشن (هارش) می‌خواند. اما در موسیقی راک، این شیوه خواندن رایج نیست.

    ۲- ریتم در بیشتر سبک‌های فرعی متال، سریع‌تر از راک است و معمولاً درام‌های متال از دو پدال بیس درام (دو کیک) استفاده می‌کنند.

    ۳- در موسیقی متال، از صدای دیستورشن یا صدای خشن گیتار الکتریک، بسیار بیشتر و با شدت بالاتری نسبت به سبک راک استفاده می‌شود.

    ۴- سبک راک به عنوان سبک مادر در نظر گرفته می‌شود و متال نیز — مانند ایندی، آلترناتیو، پانک و گرانج — یکی از شاخه‌های بزرگ و مهم آن است.

    ۵- بین سبک راک و متال، یک منطقه مشترک وجود دارد که از سمت راک به آن «هارد راک» و از سمت متال به آن «هوی متال» گفته می‌شود.

  • برای دسته بندی موسیقی باید به چه مواردی دقت کنیم؟

    برای دسته بندی موسیقی باید به چه مواردی دقت کنیم؟

    دنیای موسیقی، قلمرویی زیبا و بی‌نهایت گسترده است. دانش موسیقی را می‌توان بی‌پایان دانست، چرا که هر روز ساز تازه‌ای پدید می‌آید یا شیوه‌ی نوینی از نواختن و آهنگسازی معرفی می‌شود. اما موسیقی را بر چه اساسی به گونه‌های مختلف تقسیم‌بندی می‌کنند؟ و برای گروه‌بندی آن باید به چه چیزهایی توجه داشت؟ در این نوشته از وبلاگ آنبین، به طور خلاصه به این پرسش‌ها پاسخ خواهیم داد. با ما بمانید.

    برای دسته بندی موسیقی باید به چه مواردی دقت کینم؟

    هر نوع موسیقی، قوانین و اصول ویژه‌ای برای خود دارد. همانطور که می‌دانید، موسیقی به بخش‌های گوناگونی تقسیم شده است. دلیل این تقسیم‌بندی، تفاوت در سلیقه‌ها، نگرش‌ها و همچنین فرهنگ مردم در مناطق مختلف جهان است. این تفاوت‌ها، همراه با نوع سازهای به کار رفته، در کنار هم قرار گرفتند و باعث شدند موسیقی به سبک‌ها و شاخه‌های مختلفی تبدیل شود.

    اطلاعات جامع‌تری در مورد این موضوع را در شمشال مادر سازهای بادی پیدا کنید.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه آشنایی با سبک آلترنتیو راک.

    اطلاعات جامع‌تری در مورد این موضوع را در تحریر در موسیقی به چه معناست؟ پیدا کنید.

    برای طبقه‌بندی سبک‌های موسیقی باید به چه چیزهایی توجه کنیم؟
    نکته جالب این است که بسیاری از سبک‌ها به هم بسیار شبیه هستند و تنها در جزئیات کوچکی با یکدیگر تفاوت دارند. اگر شناخت و تجربه کافی نداشته باشید، ممکن است نتوانید این سبک‌های مشابه را از هم تشخیص دهید. اما به طور کلی، تفاوت‌های اصلی بین سبک‌های موسیقی در این موارد است:

    ۱ – موضوع و محتوای شعر و موسیقی
    ۲ – نوع ملودی
    ۳ – شیوه تنظیم قطعه
    ۴ – نوع سازهای به کار رفته و نحوه چیدمان آن‌ها
    ۵ – موسیقی‌های محلی و سنتی مناطق مختلف جهان
    ۶ – پیدایش سبک‌های تازه با اختراع ابزارهای جدید موسیقی
    ۷ – سلیقه مردم و فرهنگ‌های گوناگون
    ۸ – ترکیب سبک‌ها و ایده‌های خلاقانه

    و موارد دیگر…
    همه این عوامل باعث شده‌اند که برای هر قطعه موسیقی نام ویژه‌ای انتخاب شود و آن را در گروه مشخصی قرار دهیم.

    برای اطلاعات بیشتر، به مقاله نخستین زنی که رهبر ارکستر ایران شد که بود مراجعه کنید.

    برای یادگیری پیشرفته، به چه سازهایی در سبک راک مورد استفاده قرار می گیرد؟ مراجعه کنید.

    برای اطلاعات بیشتر، به مقاله بیوگرافی استاد فرهنگ شریف مراجعه کنید.

    اگر سوالاتی دارید، مقاله آشنایی با ساز داربوکا، تنبک خارجی به شما کمک خواهد کرد.

    مقاله بیوگرافی استاد حسن کسایی منبع بسیار خوبی برای یادگیری بیشتر است.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه رهبر ارکستر، پدر بیان موسیقی.