دسته: آموزش های هنری

  • بیوگرافی علی مولایی

    بیوگرافی علی مولایی

    علی مولایی که خواننده، نوازنده و آهنگساز است، در سال ۱۳۶۰ در تهران به دنیا آمد. او با اجرای ترانه‌ی «شب سولانی» مورد توجه قرار گرفت و این آهنگ در میان بسیاری از مردم شنیده شد. در ادامه می‌توانید با مطالعه‌ی این نوشته در وبلاگ آنبین، اطلاعات بیشتری درباره‌ی زندگی و فعالیت‌های این هنرمند به دست آورید.

    بیو گرافی علی مولایی

    علی مولایی در سال ۱۳۶۰ به دنیا آمده است. او با وجود اینکه به شکل حرفه‌ای به موسیقی می‌پردازد، اما رشته تحصیلی‌اش چیز دیگری بوده و در مهندسی مکانیک فارغ‌التحصیل شده است. در دنیای موسیقی، سبک پاپ را برای کار خود برگزیده است.

    او از ده سالگی، یعنی از سال ۱۳۷۰، نواختن پیانو را شروع کرد، اما کار هنری خود را به صورت جدی و حرفه‌ای از سال ۱۳۷۹ آغاز نمود. پس از آن، به سمت آهنگسازی رفت و از سال ۱۳۸۴ یادگیری آهنگسازی، ضبط صدا و میکس را به طور جدی دنبال کرد.

    زندگی‌نامه علی مولایی

    علی مولایی، هنرمندی است که با عشق به موسیقی اصیل ایرانی و صدای گرم و دلنشینش شناخته می‌شود. او سال‌هاست که در زمینه خوانندگی و تدریس آواز فعالیت می‌کند و علاقه‌مندان بسیاری دارد.

    زندگی هنری او با آموختن ردیف‌های آوازی و گوشه‌های موسیقی ایرانی آغاز شد. او نزد استادان بزرگی شاگردی کرد و سال‌ها به یادگیری و تمرین پرداخت تا بتواند این هنر اصیل را به خوبی اجرا کند.

    علی مولایی علاوه بر اجرای کنسرت‌های مختلف در داخل و خارج از ایران، به آموزش آواز به جوانان علاقه‌مند نیز همت گمارده است. او معتقد است که انتقال درست و اصولی این هنر به نسل‌های بعد، بسیار اهمیت دارد.

    از این هنرمند آثار صوتی و تصویری متعددی منتشر شده که گوشه‌هایی از گنجینه موسیقی ایرانی را به مخاطبان عرضه می‌کند. او در اجراهایش سعی می‌کند پیوندی عمیق بین شعر کهن فارسی و نواهای اصیل برقرار کند.

    علی مولایی با تواضع و صبوری، هنر خود را همچنان پی می‌گیرد و در راه گسترش موسیقی اصیل ایرانی می‌کوشد.

    آلبوم های مولایی

    او اولین آلبوم خود را که بدون کلام بود با نام «بیداری» منتشر کرد. این آلبوم در سال ۱۳۸۶ به بازار آمد.
    علی مولایی در آلبوم‌های بسیاری از خوانندگان به عنوان تنظیم‌کننده یا میکس‌مستر همکاری کرده است.
    او اکنون به صورت تخصصی در زمینه تنظیم موسیقی پاپ و میکس فعالیت می‌کند.
    ساخت موسیقی متن دو سریال «گنج‌های پنهان و درختان دیر زیست» و فیلم سینمایی «تونل» (بهزاد رسول‌زاده) از کارهای اوست.
    برخی از تک‌آهنگ‌های او عبارتند از: زلف، وسطای پاییزه، برف، من‌حسودم، شب‌طولانی، چهارشنبه‌سوری، این بار، ضربان، دل‌فروش، ماه، مریم، لاک سرخ و دست به قلبم نزن.

  • سازهای ابداعی استاد شجریان

    سازهای ابداعی استاد شجریان

    استاد شجریان یکی از بزرگان موسیقی ایران است که شهرت او در سراسر جهان پیچیده است. این هنرمند گرانقدر همواره برای پیشبرد و بهبود موسیقی اصیل ایرانی کوشید و یکی از دستاوردهای ارزشمند او، اختراع چند ساز جدید بوده است. در ادامه این نوشته از وبلاگ آنبین، شما را با سازهایی که استاد شجریان ابداع کرده است، بیشتر آشنا می‌کنیم.

    اگر سوالاتی دارید، مقاله سبک نیو ایج، سبکی با کاربردهای درمانی! به شما کمک خواهد کرد.

    ساز های ابداعی استاد شجریان

    در طول سال‌ها، دهه‌ها و سده‌های گذشته، سازهای ایرانی که تعدادشان اندک نیست، به دست استادان و هنرمندان در دوره‌های گوناگون تاریخی تکمیل و بهبود یافته‌اند. در شکل ظاهری و روش نواختن بسیاری از این سازها دگرگونی‌هایی پدید آمده است.

    برای یادگیری پیشرفته، به ساز زهی چیست؟ مراجعه کنید.

    در مقابل، برخی سازهای دیگر از گذشته تا امروز به همان شکل اولیه خود باقی مانده‌اند و ظاهر و هویت ایرانی و کهن خود را حفظ کرده‌اند. مانند سازهایی که به موسیقی محلی و فولکلور تعلق دارند و معمولاً فاقد فواصل ربع‌پرده هستند. دلیل دست‌نخورده ماندن این سازها شاید این باشد که در روزگاران گذشته، توسط هنرمندان همان دوره به کمال رسیده‌اند و چون کمبود یا ناتوانی آشکاری در آنها دیده نمی‌شده، نیازی به تغییر در ساختار یا شیوه نوازندگی‌شان احساس نشده است.

    مقاله سیما بینا، نخستین زنی که در تالار وحدت کنسرت اجرا کرد منبع بسیار خوبی برای یادگیری بیشتر است.

    در این میان، سازهای قدیمی دیگری نیز هستند که به تدریج به فراموشی سپرده شده‌اند و تقریباً از رواج افتاده و ناپدید گشته‌اند. امروز نامی از آنها برده نمی‌شود، یا اگر هم باشد، تنها به دلیل تلاش و پشتکار هنرمندان موسیقی مقامی و محلی است که آنها را زنده نگه داشته‌اند.

    در اینجا می‌توانید اطلاعات کامل‌تری درباره کوک فیثاغورثی چیست؟ بیابید.

    مقاله ساز کوبه ای چیست؟ حاوی اطلاعات جامعی است.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه کوک سنتور در دستگاه های مختلف.

    همچنین در دهه‌های اخیر، برخی از موسیقی‌دانان، نوازندگان و خوانندگان، با تکیه بر دانش و درک خود از موسیقی ایرانی، دست به ساخت سازهای تازه‌ای زده‌اند. با این حال، تعداد بسیار کمی از این سازهای نوظهور در حال حاضر در اجراهای زنده یا تولید آثار موسیقایی امروزی جایگاه و کاربرد عملی پیدا کرده‌اند.

    سازهای ابداعی استاد شجریان

    «صراحی»، «شاه‌صراحی»، «صراحی آلتو»، «بم‌صراحی»، «شهرآشوب»، «شهرآشوب آلتو»، «بم‌ساز»، «شهنواز»، «شه‌بانگ»، «کرشمه»، «باربد»، «تندر»، «ساغر»، «سبو سوپرانو»، «دل و دل آلتو»، «دل و دل سوپرانو» و «پرهیب» نام سازهایی هستند که برای نخستین بار به دست استاد محمدرضا شجریان ساخته و معرفی شدند.

    نمایشگاه

    نخستین نمایشگاه سازهای ساخته شده توسط محمدرضا شجریان در اردیبهشت‌ماه سال ۱۳۹۰ و نمایشگاه دوم در شهریور ۱۳۹۲ با تلاش مجموعه فرهنگی هنری «دل‌آواز» در خانه هنرمندان برپا شد. این رویدادها مورد استقبال نوازندگان و کارشناسان موسیقی قرار گرفتند، هرچند که نقدهایی نیز به همراه داشتند.

    در این نمایشگاه‌ها، شجریان بیش از ده ساز سنتور را همراه با ۱۴ یا ۱۶ ساز دیگر معرفی کرد. در میان سازهای ابداعی او، سنتور جایگاه ویژه‌ای دارد که دلیل آن، تخصص و تسلط عمیق این هنرمند در شناخت و نواختن این ساز زهی است.

  • نانو گیتار ،کوچکترین گیتار جهان

    نانو گیتار ،کوچکترین گیتار جهان

    همواره انسان‌ها در پی ابداع چیزهای تازه بوده‌اند تا ابزار و وسایل نوینی به جهان ارائه دهند. سازهای موسیقی از دیرباز جزو سرگرمی‌های مردم به شمار می‌روند و بسیاری از افراد در خانه‌های خود از این سازها بهره می‌برند. با این حال، همین سازهایی که ساده به نظر می‌رسند، گاهی می‌توانند بسیار شگفت‌انگیز باشند. در ادامه این نوشته در وبلاگ آنبین، می‌خواهیم شما را با نانو گیتار، کوچک‌ترین گیتار دنیا آشنا کنیم.

    اگر سوالاتی دارید، مقاله آشنایی با استاد حسین دهلوی به شما کمک خواهد کرد.

    در اینجا می‌توانید اطلاعات کامل‌تری درباره تفاوت موسیقی اصیل ایرانی و موسیقی غربی بیابید.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، حتماً آشنایی با انواع سازهای بادی را بخوانید.

    نانو گیتار ،کوچکترین گیتار جهان

    گیتار یکی از پرطرفدارترین سازها در سراسر جهان است. جالب است بدانید که کوچکترین نمونه این ساز، فقط ۱۰ میکرون اندازه دارد.

    توصیه می‌کنیم این مطلب گام در موسیقی چیست؟ را حتماً بخوانید.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه آشنایی با یکی از مفاخر موسیقی سنتی ایرانی، نصرالله ناصح پور.

    نانو گیتار

    این گیتار الکتریکی با قطری تنها پنجاه نانومتر، از جنس سیلیکون ساخته شده و یکی از شگفت‌انگیزترین ابزارهایی است که تاکنون تولید شده است.
    جهان موسیقی هرگز وسیله‌ای به این ریزی ندیده و به احتمال زیاد بار دیگر شاهد ساخت چنین دستگاه کوچکی نخواهد بود.
    پژوهشگران یک دانشگاه در آمریکا این گیتار را ساختند که اندازه‌اش به کوچکی یک سلول بدن انسان است.
    جالب اینجاست که از زمان ساخت آن سال‌ها می‌گذرد. در سال ۱۹۹۷، «داستین دبلیو کار» در دانشگاه کورنل آن را طراحی کرد و در همان دانشگاه به نمایش درآورد.
    علیرغم ابعاد میکروسکوپی، این گیتار یک نمونه کامل و دقیق از گیتار واقعی بود و شش سیم داشت. قطر هر سیم فقط ۵۰ نانومتر بود، یعنی تقریباً به اندازه ۱۰۰ اتم کنار هم!
    ممکن است فکر کنید این گیتار صرفاً یک کار تزئینی است و نمی‌توان از آن انتظار نواختن هیچ نُتی را داشت، اما واقعیت چیز دیگری است! هرچند در سال اول ساخت، امکان نواختن آن فراهم نبود، اما در نمونه جدیدتری که در سال ۲۰۰۳ ساخته شد، این امر ممکن گردید.
    در آن زمان، با کمک لیزر، سیم‌های گیتار را به لرزش درآوردند تا صدایی با فرکانس ۴۰ مگاهرتز تولید شود. این محدوده فرکانسی خارج از طیف شنوایی انسان است، بنابراین در عمل صدای این گیتار کوچک برای ما قابل شنیدن نیست. البته صدایی که این گیتار ایجاد می‌کند، تنها با استفاده از دستگاه‌های بسیار پیشرفته قابل تشخیص و شنیدن است.

    توصیه می‌کنیم این مطلب گام در موسیقی چگونه نامگذاری می گردد ؟ را حتماً بخوانید.

  • اعلام نتیجه مسابقه یلدایی آنبین

    اعلام نتیجه مسابقه یلدایی آنبین

    آنبین برای جشن گرفتن شب یلدا با هنرجویان گرامی خود، یک مسابقه برگزار کرد تا دوستان عزیز این آموزشگاه در آن شرکت کنند و نتیجه آن به یادگاری از یلدای سال ۹۹ تبدیل شود. در این مسابقه قرار بود به نفر اول، یک ترم کلاس آموزشی رایگان اهدا شود. امروز بر اساس آنچه قبلاً اعلام شده بود، نتیجه مسابقه شب یلدای آموزشگاه الهام مشخص گردید.

    توصیه می‌کنیم این مطلب مصاحبه کیمیانیوز با فرهاد بادپا مدرس و موزیسین را حتماً بخوانید.

    مقاله خلیفه میرزا آغه غوثی، پدر دف ایران منبع بسیار خوبی برای یادگیری بیشتر است.

    اعلام نتیجه مسابقه یلدایی آنبین

    در ابتدا، انتخاب راه هنری نیازمند عشق و آرمان‌های بلند است و در دنیای موسیقی همه پیروز محسوب می‌شوند. به همین دلیل، هر ۳۸ هنرجوی گرامی که با فرستادن ویدئو در این رقابت شرکت کردند، یک جلسه شهریه به عنوان هدیه دریافت می‌کنند و نیازی به پرداخت آن ندارند. نام همه این عزیزان با دفتر آموزشگاه تأیید شده است.

    در اینجا می‌توانید اطلاعات کامل‌تری درباره چرا هنگ درام گران است؟ بیابید.

    همچنین، رقابت بسیار نزدیک و فشرده بود و داوران بر پایه «مهارت در اجرا، روان بودن نواختن و همچنین هماهنگی با موضوع مسابقه»، نفرات برتر را برگزیدند. (ویدئوهای همه برگزیدگان در پست مربوط به اعلام جایزه‌ها در صفحه اینستاگرام قرار داده شده است.)

    در صورت علاقه‌مندی، مطلب ماجرای آهنگ یکشنبه غم انگیز چیست؟ را از دست ندهید.

    برای گسترش دانش خود، مقاله آشنایی با استاد کیوان ساکت را مطالعه کنید.

    افراد منتخب

    * خانم نهال رامشنی
    * خانم النا اسکندریان
    * خانم دنیا طاهری
    * خانم السانا زحمتکش
    * آقای رادوین بخشی

    در صورت علاقه‌مندی، مطلب جیمی هندریکس، بهترین نوازنده‌ی تاریخ را از دست ندهید.

    برای اطلاعات بیشتر، به مقاله آیا پدر سمفونی ایران را می شناسید؟ مراجعه کنید.

    توصیه می‌کنیم حتماً مقاله عصمت‌الدوله نخستین پیانیست زن ایرانی را مطالعه کنید.

    نفر اول مسابقه

    برنده مسابقه «خانم السانا زحمتکش» می‌باشند. برای این هنرجوی گرامی آرزوی پیروزی و پیشرفت داریم و ایشان یک ترم به صورت کاملاً رایگان در آموزشگاه الهام شرکت خواهند کرد.

    برای همه هنرجویان عزیز موفقیت‌های روزافزون آرزو می‌کنیم.

    اطلاعات جامع‌تری در مورد این موضوع را در  استاد حسین تهرانی، پدر معاصر ساز تنبک پیدا کنید.

  • موسیقی بی کلام چیست؟

    موسیقی بی کلام چیست؟

    موسیقی، هنر درهم آمیختن آواها و سکوت است. این هنر با چینش حساب شده یا احساسی صداها، ریتمی پدید می‌آورد و نواهایی را به گوش شنونده می‌رساند. در این قسمت از وبلاگ آنبین، شما را با گونه‌ای جذاب از موسیقی آشنا می‌کنیم که به آن موسیقی بی‌کلام می‌گویند.

    برای گسترش دانش خود، مقاله بهترین آموزشگاه برای آموزش کالیمبا را مطالعه کنید.

    مقاله آرپژ به چه معناست؟ حاوی اطلاعات جامعی است.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه آشنایی با اصطلاح میزان در موسیقی.

    در اینجا می‌توانید اطلاعات کامل‌تری درباره با گام دیاتونیک آشنا شوید بیابید.

    موسیقی بی کلام

    موسیقی بی‌کلام یا سازی، قطعه‌ای است که فقط برای سازها ساخته یا تنظیم شده و در آن از خواننده یا صدای انسانی استفاده نمی‌شود. در این نوع موسیقی تنها از سازهای مختلف یا گاهی صداهای طبیعی بهره برده می‌شود.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، حتماً نکات مهم در نظافت گیتار الکتریک را بخوانید.

    توصیه می‌کنیم حتماً مقاله نحوه اجرای تحریر در آواز را مطالعه کنید.

    مقاله ابداع‌گر سنفونی و چهارنوازی برای سازهای زهی کیست؟ منبع بسیار خوبی برای یادگیری بیشتر است.

    در این مقاله گام فا مینور چیست؟ اطلاعات مفیدی آمده است.

    مقاله مجید انتظامی آهنگساز فیلم های به یاد ماندنی منبع بسیار خوبی برای یادگیری بیشتر است.

    روانشناسان اغلب گوش دادن به این سبک موسیقی را به همه افراد، با هر نوع روحیه‌ای، پیشنهاد می‌کنند. مهم نیست که فرد در لحظه عصبانی، هیجان‌زده، تحت استرس، نگران یا در هر حالت روحی دیگری باشد؛ گوش دادن به موسیقی بی‌کلام می‌تواند برایش مفید باشد. حتی اگر به طور مرتب به این موسیقی گوش داده شود، ممکن است بر روحیه فرد اثر بگذارد و آن را بهبود بخشد.

    اگر سوالاتی دارید، مقاله نحوه نگهداری صحیح از پیانو به شما کمک خواهد کرد.

    توصیه می‌کنیم این مطلب مصاحبه آموزشگاه الهام با ماهر پورعبیات، مدرس گیتار را حتماً بخوانید.

    مزیت موسیقی بی سازی نسبت به موسیقی با کلام چیست؟

    موسیقی بی‌کلام، اثری است که آهنگساز بدون استفاده از صدای خواننده یا شعر می‌سازد. این نوع موسیقی فرصتی به مغز می‌دهد تا در سطوح عمیق‌تر خود به گردش درآید. در نتیجه، پس از مدتی بسیاری از افکار مزاحم از ذهن پاک می‌شوند و در نهایت به آرامش ذهنی و کنترل بهتری دست پیدا می‌کنید.
    به همین دلیل است که موسیقی بی‌کلام در کارهایی مثل ورزش، مراقبه، یوگا، ماساژ و موارد مشابه بسیار کاربرد دارد.
    در مقابل، موسیقی با کلام، حس و مفهوم مشخصی را به طور مستقیم به شنونده منتقل می‌کند و تقریباً اجازه نمی‌دهد پیامی جز آنچه در متن خوانده می‌شود دریافت شود. این نوع موسیقی امکان تصویرسازی ذهنی را محدود کرده و در نتیجه، خلاقیت و آزادی عمل مغز را کاهش می‌دهد.
    بر اساس آزمایشی که به تازگی توسط کارول اسمیت و لری موریس در دانشگاه تنسی انجام شد، دانشجویانی که در زمان امتحانات به موسیقی با کلام گوش داده بودند، در مقایسه با آنهایی که در همین مدت موسیقی بی‌کلام شنیده بودند، عملکرد ضعیف‌تری داشتند.

    برای گسترش دانش خود، به مقاله ریورب چیست؟ سر بزنید.

  • کرم گوش در موسیقی به چه معناست ؟

    کرم گوش در موسیقی به چه معناست ؟

    آیا تا به حال برایتان پیش آمده که آهنگی را بشنوید و سپس مدتی طولانی آن را بی‌اختیار در ذهن خود تکرار کنید؟ در دنیای علم برای این تجربه رایج، نامی خاص در نظر گرفته شده است. به این حالت “کرم گوش” می‌گویند. در ادامه این مطلب، بیشتر با این پدیده آشنا خواهیم شد.

    برای اطلاعات بیشتر، به مقاله معرفی سازسنج مراجعه کنید.

    کرم گوش چیست؟

    کرم گوش، ملودی چسبنده یا سندروم آهنگ گیرنده، نام‌هایی هستند که پژوهشگران برای توصیف پدیده تکرار بی‌اختیار یک آهنگ در ذهن استفاده می‌کنند. اغلب مردم این حالت را به صورت ناخواسته تجربه کرده‌اند؛ وقتی که یک قطعه موسیقی مدام در فکرشان تکرار می‌شود و نمی‌توانند از شر آن خلاص شوند. در چنین مواقعی، آهنگی که حتی مدت‌ها پیش شنیده‌اند، بی‌وقفه در ذهنشان پخش می‌شود.

    توصیه می‌شود به مطالعه مقاله آشنایی با دیوان،ساز کردی ادامه دهید.

    عبارت «کرم گوش» در واقع از یک واژه آلمانی با همین معنی گرفته شده است. در دنیای موسیقی آلمان، این اصطلاح برای آهنگ‌هایی به کار می‌رود که ضرب‌آهنگ تند و بخش‌های تکرارشونده زیادی دارند. این تکرارها گاهی در عین جذاب بودن، می‌توانند آزاردهنده هم بشوند.

    در این مقاله معرفی ساز دودوک ، ساز سخت ارمنی اطلاعات مفیدی آمده است.

    توصیه می‌شود به مطالعه مقاله بهترین آموزشگاه سنتور در شرق تهران ادامه دهید.

    در تعریف جهانی، کرم گوش به بخش‌های کوتاهی از یک آهنگ یا ترانه گفته می‌شود که به طور ناخودآگاه در ذهن فرد جای می‌گیرد. در این حالت، شخص احساس می‌کند که آن موسیقی را می‌شنود، در حالی که در واقعیت هیچ صدایی از بیرون پخش نمی‌شود.

    توصیه می‌کنیم حتماً مقاله معرفی ساز تام تام را مطالعه کنید.

    کرم گوش در موسیقی به چه معناست ؟

    کرم گوش در دنیای موسیقی به چه مفهومی اشاره دارد؟

    برای گسترش دانش خود، مقاله آشنایی با دستگاه راست‌پنج‌گاه  را مطالعه کنید.

    در این مقاله فرت گیتار چیست؟ اطلاعات مفیدی آمده است.

    اگر سوالاتی دارید، مقاله ساز ترومپت ،ساز سپاهیان روم به شما کمک خواهد کرد.

    کرم گوش به آن لحن یا آهنگ کوتاهی گفته می‌شود که ناگهان در ذهن شما گیر می‌کند و بارها و بارها، حتی شاید بدون خواست خودتان، در فکرتان تکرار می‌شود. این اتفاق معمولاً با شنیدن یک قطعه موسیقی جذاب یا به یاد آوردن بخشی از یک ملودی رخ می‌دهد. گاهی اوقات فقط یک جمله یا حتی قسمتی از ترانه به صورت مداوم در ذهن شما می‌چرخد.

    این پدیده بسیار رایج است و تقریباً برای همه افراد پیش آمده است. کرم گوش می‌تواند خوشایند باشد یا گاهی آزاردهنده، به ویژه وقتی که نتوانید آن را از سرتان بیرون کنید. دلیل علمی این موضوع این است که مغز ما علاقه دارد الگوها را کامل کند؛ بنابراین وقتی بخشی از یک آهنگ آشنا را به یاد می‌آورید، مغزتان سعی می‌کند آن را به صورت مداوم تکرار کند تا گویی آن را به پایان برساند.

    تحقیقات علمی

    تحقیقات نشان می‌دهد تقریباً ۹۰ درصد افراد، دست کم هفته‌ای یک بار این حالت را تجربه می‌کنند. شاید ما خیلی ساده از این موضوع بگذریم و دیگر به آن فکر نکنیم، اما روانشناسان آن را نادیده نگرفته‌اند!
    دلایل علمی وجود دارد که توضیح می‌دهد چرا گاهی نمی‌توانیم از تکرار مداوم یک آهنگ در ذهن خود جلوگیری کنیم. گروهی از پژوهشگران انجمن روانشناسی آمریکا با انجام یک مطالعه گسترده، توانسته‌اند دلیل علمی این پدیده را کشف کنند.
    در سده نوزدهم، روانشناس آلمانی «هرمان ابینگهاوس» که به خاطر پژوهش‌هایش درباره حافظه شناخته می‌شود، مفهومی به نام «بازیابی غیرارادی حافظه» را مطرح کرد. پدیده کرم گوش را می‌توان نمونه‌ای از همین بازیابی غیرارادی دانست. البته خود ترانه هم باید ویژگی‌های خاصی داشته باشد تا در ذهن باقی بماند.
    روانشناسان به این آهنگ‌های تکرارشونده ذهنی، «کرم گوش» می‌گویند. بر پایه پژوهشی که در سال ۲۰۰۹ انجام شد، مشخص شده که این کرم‌های گوش می‌توانند از چند دقیقه تا چند ساعت طول بکشند و در موارد کمی نیز آزاردهنده شوند.

    ویژگی های مشترک آهنگ هایی که به کرم گوش تبدیل می شوند

    براساس گزارش سایت انگجت، پژوهشگران آهنگ‌های معروفی که اغلب به عنوان «کرم گوش» شناخته می‌شوند (ترانه‌هایی که مدام در ذهن تکرار می‌شوند) را با ترانه‌های پُرخواننده‌ای که کمتر در ذهن می‌مانند مقایسه کردند. هدف آن‌ها این بود که بفهمند چه چیز باعث می‌شود یک آهنگ به شکلی وسوسه‌انگیز در ذهن بچرخد.

    مقاله آخرین سازی که در ارکستر سمفونی مورد استفاده قرار گرفت منبع بسیار خوبی برای یادگیری بیشتر است.

    در این مقاله کاربرد پدال در پیانو چیست ؟ اطلاعات مفیدی آمده است.

    برای درک عمیق‌تر این موضوع، مطلب چه افرادی از کاپو استفاده می‌کنند؟ را بخوانید.

    برای مطالعه بیشتر، به سی‌تار از سازهای زهی زخمه‌ای موسیقی هندی سری سر بزنید.

    توصیه می‌کنیم این مطلب زندگی شخصی استاد محمدرضا شجریان را حتماً بخوانید.

    برای یادگیری پیشرفته، به آشنایی با دستگاه نوا در موسیقی مراجعه کنید.

    بر پایه یافته‌های این محققان، موسیقی‌هایی که به کرم گوش تبدیل می‌شوند چند ویژگی کلیدی دارند: معمولاً سرعت اجرای نسبتاً بالایی دارند، از یک الگوی ملودیک آشنا پیروی می‌کنند و در عین حال دارای فواصل یا تکرار‌های غیرمنتظره و غیرعادی هستند.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، بالاترین عمل پرستش در کلیسای غرب با فرم مس را از دست ندهید.

  • جایزه گرمی چیست؟

    جایزه گرمی چیست؟

    یکی از معتبرترین نشان‌های موفقیت در دنیای موسیقی، جایزه گرمی است. این جایزه هر سال در مراسمی ویژه به بهترین‌های صنعت موسیقی تقدیم می‌شود. در این نوشته، بیشتر درباره این افتخار مهم موسیقی خواهید خواند.

    جایزهٔ گرمی

    جایزه گرمی که در ابتدا با نام جایزه گرامافون شناخته می‌شد، یک عنوان افتخاری است که از سوی آکادمی ملی علوم و هنرهای ضبط آمریکا اهدا می‌شود. این جایزه برای قدردانی از دستاوردهای برجسته در صنعت موسیقی، به ویژه در بخش آثار انگلیسی‌زبان، در نظر گرفته شده است.

    این رویداد از سال ۱۹۵۹ آغاز به کار کرده و اخیراً شصت و یکمین دوره آن برگزار شده است. هر سال مراسمی با اجرای زنده هنرمندان سرشناس و اهدای جوایز در بخش‌های پرطرفدار برگزار می‌گردد.

    در میان سه رویداد بزرگ جهانی موسیقی، جایزه گرمی به عنوان مهم‌ترین آن‌ها شناخته می‌شود. بسیاری از کارشناسان ارزش این جایزه را هم‌تراز با جایزه اسکار در دنیای سینما و جایزه امی در صنعت تلویزیون می‌دانند.

    جایزه گرمی (Grammy) معتبرترین عنوان در عرصه موسیقی است که هر سال در ماه فوریه (بهمن یا اسفند) توسط آکادمی ملی علوم و هنرهای ضبط آمریکا به برترین‌های رشته‌های گوناگون موسیقی اعطا می‌شود. این جایزه به صورت یک تندیس طلایی و دست‌ساز از یک گرامافون، به یادبود به برندگان تقدیم می‌گردد که توسط شرکت بیلینگز آرت ورکز ساخته شده‌است.

    در اینجا می‌توانید اطلاعات کامل‌تری درباره تاثیر موسیقی بر درک ریاضی بیابید.

    در اینجا می‌توانید اطلاعات کامل‌تری درباره آهنگساز جنگ ستارگان کیست ؟ بیابید.

    جایزه گرمی چیست؟

    بخش های اصلی

    مراسم اهدای جوایز گرمی در چهار دسته اصلی برگزار می‌شود: آلبوم سال، ضبط سال، ترانه سال و بهترین هنرمند جدید. علاوه بر این، پنج جایزه ویژه نیز وجود دارد که شامل جایزه اسطوره، جایزه یک عمر دستاورد هنری، جایزه امنا، جایزه تالار مشاهیر گرمی و بهترین هنرمند موزیکار سال می‌شود.

    همچنین در مراسم جایزه موسیقی جهانی هر سال، به ۹ هنرمند نشان طلا، به ۱۰۰ نفر نشان نقره و به ۵۰ نفر نشان برنز اهدا می‌گردد.

    برای مطالعه بیشتر، به زندگینامه حسین گل‌گلاب،شاعر ترانه ای ایران سری سر بزنید.

    حضور هنرمندان ایرانی

    از ایران، سینا علم به خاطر نوازندگی در آلبوم «کمانه‌رو» و احمد میرمعصومی برای آهنگسازی آلبوم «نوازش لحظه‌ها»، جزو آن دسته از صد هنرمندی هستند که موفق به دریافت نشان نقره شدند. همچنین حامد حافظی برای تکنوازی سنتور در آلبوم «از برگ‌ها» و شاهین یوسف‌زمانی برای آهنگسازی قطعه «صبح»، در فهرست پنجاه نفری قرار گرفتند که نشان برنز را کسب کردند.

    جایزه جهانی موسیقی دوازده داور دارد. بعضی از این داوران از برندگان جایزه‌های معتبری مانند گرمی و امی هستند و برخی دیگر از موسیقی‌دانان سرشناس کشور خود محسوب می‌شوند که در سال‌های گذشته خودشان نشان طلای این رقابت را دریافت کرده‌اند.

  • تاریخچه گرامافون

    تاریخچه گرامافون

    یکی از ابزارهای قدیمی برای گوش دادن به موسیقی، گرامافون است. با پیشرفت فناوری و آمدن دستگاه‌های جدیدتر، امروزه گرامافون بیشتر برای تزئین و یادآوری گذشته استفاده می‌شود. در این نوشته از وبلاگ آنبین، می‌توانید با داستان پیدایش و تاریخچه گرامافون آشنا شوید.

    گرامافون

    گرامافون که در زبان فرانسوی با نام‌های گرامافون یا فونوگراف و در انگلیسی با نام فونوگراف شناخته می‌شود، پراستفاده‌ترین وسیله برای شنیدن صدای ضبط‌شده از سال‌های ۱۸۷۰ تا ۱۹۸۰ میلادی بود. این دستگاه در اواخر دوران پادشاهی ناصرالدین شاه قاجار به ایران وارد شد و در آن زمان مردم آن را با نام‌های «حافظ الصوت» یا «حبس الصوت» می‌شناختند و می‌نوشتند.

    برای یادگیری پیشرفته، به بهترین کلاس آواز در شرق تهران مراجعه کنید.

    گرامافون را توماس ادیسون اختراع کرد. یک دستگاه گرامافون در مقایسه با دستگاه‌های پیشرفته و مدرن امروزی، تفاوت‌های زیادی دارد. با این حال، اصل اصلی کار آنها یکی است؛ یعنی روش ضبط صدا همان روشی است که از زمان ادیسون وجود داشته است.

    هر صدایی، چه از دهان انسان تولید شود و چه از سازهای موسیقی، در هوا لرزش‌هایی ایجاد می‌کند. برای ضبط صدا، باید بتوان این لرزش‌ها را روی یک سطح ثبت و نگهداری کرد.

    مقاله داستان جالب خلق تنصیف سپیده حاوی اطلاعات جامعی است.

    تاریخچه گرامافون

    تاریخچه  گرامافون

    همزمان با اختراع ادیسون، بل و تایتنر نیز وسیله‌ای ساختند که نام آن را گرامافون گذاشتند.
    از آنجا که نخستین گرامافون به عنوان دستگاهی برای پخش موسیقی مورد استقبال عمومی قرار نگرفت، ادیسون شروع به ساخت استوانه‌های مومی برای آن کرد و به این ترتیب توانست این دستگاه را به وسیله‌ای محبوب برای شنیدن موسیقی تبدیل کند.
    او در سال‌های بعد دستگاه ضبط صدای خود را بهتر کرد تا جایی که در سال ۱۸۹۶ شرکت خود را برای تولید فونوگراف راه‌اندازی کرد. این دستگاه ساده که با استوانه مومی کار می‌کرد، می‌توانست صداهایی به مدت دو تا چهار دقیقه ضبط کند.
    فروش و تولید دستگاه‌ها، استوانه‌ها و صفحه‌های فونوگراف در کارخانه ادیسون در سال ۱۹۲۹ و به دلیل رکود اقتصادی متوقف شد. در نخستین نمونه‌های این دستگاه، موسیقی با چرخاندن دستی و بدون نیاز به هیچ وسیله راه‌انداز دیگری پخش می‌شد.
    در سال ۱۸۹۶ ادیسون گرامافون بهبودیافته خود را معرفی کرد که دارای یک موتور فنری و یک تنظیم‌کننده مرکزی بود. تا سال ۱۸۹۸ بسیاری از شرکت‌ها به ساخت گرامافون روی آورده بودند.
    در آغاز قرن بیستم، گرامافون به دستگاهی سکه‌ای برای رستوران‌ها، کافه‌ها، هتل‌ها و جاهای مشابه تبدیل شده بود. پس از کوک کردن موتور به کمک یک دسته و انداختن سکه در قسمت راست دستگاه، گرامافون شروع به کار می‌کرد.
    نخستین مدل‌های گرامافون دارای یک تقویت‌کننده صوتی داخلی بودند که در طرح‌ها، اندازه‌ها و شکل‌های گوناگون و از مواد مختلفی مانند فلز، چوب، شیشه یا حتی کاغذ ساخته می‌شدند.

    در این مقاله رابطه تغذیه و صداسازی اطلاعات مفیدی آمده است.

  • زندگی کوتاه جرج گرشوین ،پیانیست مشهور آمریکایی

    زندگی کوتاه جرج گرشوین ،پیانیست مشهور آمریکایی

    جرج گرشوین از مشهورترین نوازندگان پیانو در تاریخ موسیقی آمریکاست. او با اینکه عمر طولانی نداشت، به موفقیت و محبوبیت چشمگیری دست یافت. در این نوشته از وبلاگ آنبین، بیشتر با زندگی و کارهای این هنرمند برجسته آشنا خواهید شد.

    جرج گرشوین آهنگسار و پیانیست برجسته آمریکایی

    جرج گرشوین (George Gershwin) آهنگساز و نوازنده پیانوی آمریکایی در ۲۶ سپتامبر سال ۱۸۹۸ متولد شد.
    او دومین فرزند از بین چهار فرزند یک خانواده یهودی مهاجر از روسیه بود که به ایالات متحده آمریکا کوچ کرده بودند.
    گرشوین بیشتر آهنگ‌هایش را برای نمایش‌های موزیکال برادوی می‌ساخت، اما قطعاتش برای ارکستر و پیانو هم بسیار معروف هستند. او در این آثار، فرم و اجرای موسیقی کلاسیک را با نگاه و روش موسیقی محبوب و جاز ترکیب می‌کرد. گرشوین در هر دو سبک موسیقی کلاسیک و مردمی قرن بیستم آثاری ماندگار خلق کرده است.
    جورج گرشوین قرار بود مانند آرزوی مادرش، معلمی عادی در یک مدرسه معمولی شود، اما او از کودکی جذب دنیای جذاب موسیقی شد و تمام عمر خود را به آن اختصاص داد.

    زندگی کوتاه جرج گرشوین ،پیانیست مشهور آمریکایی

     نخستین گرایش او به موسیقی

    علاقه‌اش به موسیقی از ده‌سالگی شکل گرفت. یک روز بیرون از مدرسه دولتی ایستاده بود که صدای هومورسکِ دوژاک را شنید؛ نوایی که از پنجره‌ای باز می‌آمد و یک ویولونیست جوان از گروه موسیقی مدرسه آن را می‌نواخت. این لحظه جرقه‌ای بود که او را به سمت یادگیری پیانو کشاند.

    در پانزده‌سالگی، دبیرستان را ترک کرد تا به عنوان پیانیست در نمایش‌ها کار کند. پس از سه سال همکاری با ناشران موسیقی در این نقش، آن کار را رها کرد و به سراغ ترانه‌سازی رفت. در این مسیر خیلی زود به موفقیت رسید.

    او به همراه برادرش آیرا، برخی از زیباترین و ماندگارترین ترانه‌های محبوب و قطعات ارکسترال آمریکا را خلق کرد. در بیست‌سالگی، اولین نمایش موزیکال کامل خود را برای برادوی نوشت با عنوان “لا لا لوسی‌ل”.

    در سال ۱۹۲۰ ترانه‌ی “سوانی” او محبوبیتی فوق‌العاده پیدا کرد و میلیون‌ها نسخه از اجرای این اثر با صدای ال جولسن به فروش رفت. در دهه‌های ۱۹۲۰ و ۱۹۳۰ میلادی، او به همراه برادرش بی‌وقفه نمایش‌های موزیکال درخشان و موفقی را خلق کرد که از میان آن‌ها می‌توان به “فانی فِیس”، “لیدی بی گود” و “آوْف دی آی سینگ” اشاره کرد.

    شهرت

    آثار جرج و آیرا گرشوین چنان ارزشمند هستند که در کتابخانه معروف جفرسون، اتاقی به نام آن‌ها اختصاص یافته و نمایشگاهی همیشگی از کارهای این دو برادر در آن برپاست. امروزه وقتی نام گرشوین در جمع‌های موسیقی برده می‌شود، دوران طلایی موسیقی آمریکا در دهه‌های ۱۹۲۰ و ۱۹۳۰ را در ذهن زنده می‌کند.
    گرشوین در سفرهای پیاپی خود به اروپا، شاهد اجرای قطعاتش در آن دیار بود و با آهنگسازان نامداری مانند آلبان برگ، استراوینسکی و موریس راول ملاقات کرد.
    موسیقی جرج و آیرا گرشوین سال‌هاست که با فرهنگ مردمان اصیل آمریکا پیوند خورده است. امروزه طرفداران موسیقی این دو برادر، حتی خارج از مرزهای آمریکا نیز بسیارند. برای مثال، آن شروع نرم و خوش‌آهنگ کلارینت در قطعه “راپسودی آبی” یا صدای هورن (که به جای بوق تاکسی شنیده می‌شود) در آغاز آهنگ “یک آمریکایی در پاریس”، برای تقریباً هر علاقه‌مند به موسیقی کلاسیک در سراسر جهان آشناست.
    گرشوین سال‌های پایانی زندگی خود را در هالیوود سپری کرد. در آنجا روی ساخت موسیقی برای چند فیلم کار کرد و در وقت‌های آزاد با آرنولد شونبرگ تنیس بازی می‌کرد.

    پایان زندگی

    در فصل بهار سال ۱۹۳۷، او دچار سرگیجه‌های شدیدی شد و هنگام نواختن قطعاتش، حرکاتش کند و پراشتباه گردید. روزی از حال رفت و پس از انتقال به بیمارستان، پزشکان تشخیص دادند که یک تومور در مغز او رشد کرده است.

    جراح معروفی که برای عمل به او پیشنهاد شده بود، در آن زمان قابل دسترسی نبود. به همین دلیل، تیم پزشکی به صورت فوری عمل جراحی را انجام دادند. متأسفانه این عمل نتیجه‌بخش نبود و او در سن سی‌وهشت سالگی چشم از جهان فروبست.

  • چه سازهایی در موسیقی جاز نواخته می‌شوند؟

    چه سازهایی در موسیقی جاز نواخته می‌شوند؟

    جاز یکی از سبک‌های مشهور موسیقی در جهان است. در این سبک، از سازهای گوناگونی برای نواختن استفاده می‌شود. در این نوشته از وبلاگ آنبین، فهرستی از سازهای رایج در موسیقی جاز را با هم مرور می‌کنیم.

    چه سازهایی در موسیقی جاز نواخته می‌شوند؟

    جَز (به انگلیسی Jazz) یک سبک موسیقی است که در اواخر سده نوزدهم و اوایل سده بیستم میلادی توسط سیاه‌پوستان آمریکا پدید آمد. یکی از ویژگی‌های بارز موسیقی جَز، استفاده از نُت‌های غمگین است که در زبان تخصصی موسیقی به آن‌ها Blue Notes می‌گویند. همچنین، این سبک موسیقی دارای ویژگی‌هایی مانند ضرب‌های نامنظم و کشیده، تغییرات زیاد در شدت صدا، گفتگوی بین سازها، وجود چند ریتم همزمان و به ویژه بداهه‌نوازی است. به همین دلایل، جَز را نخستین شکل هنری می‌دانند که در ایالات متحده آمریکا شکل گرفته است.

    در این سبک، سازهای بادی مانند ترومپت و ساکسیفون نقش اصلی را ایفا می‌کنند و در آغاز، تنها از این گونه سازها استفاده می‌شد. اما رفته‌رفته سازهای دیگری نیز به آن افزوده شد و امروزه در یک گروه جَز، سازهایی مانند پیانو و گیتار نیز در کنار سازهای بادی دیده می‌شوند.

    سازهایی در موسیقی جاز

    ترومپت

    ترومپت بیش از هر ساز دیگری با موسیقی جاز عجین شده است. از همان روزهای آغازین پیدایش موسیقی جاز تا به حال، این ساز همواره نقش محوری و اساسی در این سبک موسیقی ایفا کرده است. ترومپت در دسته سازهای بادی برنجی جای می‌گیرد.

    کرنت

    کرنت خیلی شبیه به ساز ترومپت است، ولی صدای نرم‌تر و ملایم‌تری دارد. در واقع کرنت یک ساز بادی برنجی است و اگر کسی به صورت حرفه‌ای آن را بنوازد، می‌تواند صدایی شبیه به خواندن و آواز از آن تولید کند.

    ساکسوفون

    ساکسوفون یکی از پرحرارت‌ترین سازها در موسیقی جاز به شمار می‌رود. از آنجا که صدایش بسیار نرم و قابل تغییر است، از همان روزهای اول شکل‌گیری جاز تا به امروز، نقش مهمی در این سبک موسیقی ایفا کرده است. این ساز تنها قادر است در هر لحظه یک نت را بنوازد. از ساکسوفون معمولاً برای نواختن ملودی یا بخش اصلی قطعه استفاده می‌شود و گاهی نیز به صورت تکنوازی به کار می‌رود.

    ترومبون

    ترومبون یکی از سازهای بادی است که جنس آن از برنج می‌باشد، درست مانند ترومپت. این ساز از اولین روزهای شکل‌گیری موسیقی جاز در این سبک حضور داشته است. در سبک سویینگ، ترومبون نقشی کلیدی و ضروری ایفا می‌کرد، اما با پیدایش سبک بی‌باپ، کاربرد آن به مرور کمتر شد.

    در گروه‌های جاز، معمولاً سازهایی مانند ترومپت، ساکسوفون، ترومبون و کلارینت نقش اصلی را در نواختن خط ملودی دارند. در مقابل، سازهایی مثل پیانو، گیتار و درامز بیشتر وظیفه همراهی و ایجاد ریتم را بر عهده می‌گیرند.

    پیانو در جاز

    پیانو در بخش ریتم موسیقی جاز یک ساز همه‌کاره محسوب می‌شود. به دلیل توانایی بالا در نواختن ملودی و هارمونی، از همان روزهای اول پیدایش سبک جاز، این ساز یکی از ارکان اصلی آن بوده است. پیانو همراه با گیتار، وظیفه همراهی و پشتیبانی از گروه‌های جاز را بر عهده دارند.

    هماهنگی بین گیتار و پیانو در موسیقی جاز بسیار مهم است. یک نوازنده برای اینکه حس واقعی جاز را به شنونده منتقل کند، باید راه‌های هماهنگ کردن این دو ساز را به خوبی بلد باشد. کار اصلی نوازنده پیانو این است که آکوردها را به شکلی پویا و ریتمیک اجرا کند.

    گیتار

    در روزهای نخستین پیدایش موسیقی جاز، نوازندگان بیشتر گیتارهای آکوستیک می‌نواختند. اما با گذشت زمان و پیشرفت فناوری، گیتار الکتریک جایگاه مهمی در این سبک موسیقی پیدا کرد. امروزه در گروه‌های جاز، اغلب شاهد نواختن گیتار الکتریک هستیم. بسیاری از گیتاریست‌های جاز، گیتارهای هالوبادی را ترجیح می‌دهند، زیرا صدای شفاف و واضحی تولید می‌کنند.

    درامز

    درام‌ست نقش حیاتی در بخش ریتم موسیقی جاز دارد و مانند نیروی محرکه‌ای است که گروه را پیش می‌برد. درام‌ست در جاز معمولاً از تعداد سازهای کمتری نسبت به دیگر سبک‌ها تشکیل شده است. طبل اسنیر با چوب‌های مخصوص نواخته می‌شود و صدایی تیز و مشخص تولید می‌کند. در کناره‌های این مجموعه معمولاً یک سنج کرش قرار دارد که برای تأکید بر لحظه‌های اوج به کار می‌رود و یک سنج راید که به طور مداوم نواخته می‌شود تا بافت و رنگ صوتی کلی را غنی‌تر کند.

    کنترباس (دوبل باس)

    در روزهای نخستین شکل‌گیری موسیقی جاز در شهر نیواورلئان، گروه‌های موسیقی متشکل از سیاهپوستان در اجراهای خود از ساکسوفون باس بهره می‌بردند. اما زمانی که جاز به کافه‌ها و باشگاه‌های شبانه راه یافت، ساکسوفون باس به تدریج کنار گذاشته شد و کنترباس جای آن را گرفت. در سبک جاز، نوازندگان دیگر از آرشه برای نواختن کنترباس استفاده نمی‌کنند، بلکه آن را با روشی به نام پیتزیکاتو (کندن سیم‌ها با انگشت) می‌نوازند.