دسته: موسیقی

  • آشنایی با سبک موسیقی آر اند بی

    آشنایی با سبک موسیقی آر اند بی

    آر اند بی، یکی از سبک‌های موسیقی است که ریشه در ریتم اند بلوز دارد و در غرب شکل گرفته است. در این نوشته از وبلاگ آنبین می‌خواهیم شما را بیشتر با این نوع موسیقی آشنا کنیم. تا پایان این مطلب با ما همراه بمانید.

    برای اطلاعات بیشتر، به مقاله آشنایی با استاد محمد نوری، خالق ترانه های ماندگار ایرانی مراجعه کنید.

    در صورت علاقه‌مندی، مطلب آشنایی با اصطلاح پُلی فونی و مقدار مناسب آن در پیانو را از دست ندهید.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه نانو گیتار ،کوچکترین گیتار جهان.

    سبک موسیقی آر اند بی

    این سبک موسیقی که در دهه ۱۹۹۰ به وجود آمد، تلفیقی از سبک‌های سول، فانک و هیپ هاپ است.
    در حقیقت، این سبک یکی از گونه‌های محبوب و پرطرفدار موسیقی به شمار می‌رود که از ژانرهایی مانند جاز، بلوز و گاسپل نیز تأثیر پذیرفته است.
    جالب است بدانید که R&B در دهه‌های بعدی از موسیقی راک فاصله گرفت. موسیقی R&B امروزی معمولاً با سازهایی مانند کیبورد، سینتی‌سایزر، خطوط بیس قوی و ریتم‌های منظم درامز شناخته می‌شود و از این نظر، شباهت بیشتری به موسیقی هیپ هاپ دارد تا راک.
    آهنگ‌های R&B امروزی اغلب در رده‌های برتر جدول‌های موسیقی قرار می‌گیرند و این سبک را به یکی از پرفروش‌ترین و موفق‌ترین ژانرها در صنعت موسیقی مدرن تبدیل کرده‌اند.
    از چهره‌های مشهور و موفق این سبک می‌توان به مایکل جکسون، استیوی واندر، ویتنی هیوستون، ماریا کری و بیانسه اشاره کرد.

    مقاله سازهای ابداعی استاد شجریان منبع بسیار خوبی برای یادگیری بیشتر است.

    شاخصه های اصلی سبک موسیقی آر اند بی (R&B) 

    موسیقی آر‌اند‌بی ویژگی‌های خاص خودش را دارد و از نظر آهنگ و ریتم با بقیه سبک‌های موسیقی فرق می‌کند.
    این سبک به میزان زیادی از موسیقی سول و رپ تأثیر گرفته است.
    چیزهایی که آر‌اند‌بی را از دیگر سبک‌ها جدا می‌کند عبارت‌اند از: گروو (حسی ریتمیک و جذاب) و تیمبر (کیفیت خاص صدا). خواننده‌ها و نوازنده‌های این سبک معمولاً بین حالت‌های صوتی نرم، یکدست، تند و پرسروصدا در رفت‌وآمد هستند.
    خوانندگان آر‌اند‌بی اغلب صدای گرم و پُری دارند.
    در بعضی آهنگ‌های این سبک، تکنیک «سؤال و جواب» به کار می‌رود؛ یعنی بخش‌هایی از شعر، ریتم یا نت‌ها تکرار می‌شوند. همچنین، درآمیختن زیاد سازها با هم، تشخیص صدای هر ساز را در لحظه سخت می‌کند.

    سبک موسیقی آر اند بی

    تاریخچه موسیقی آر اند بی

    این سبک موسیقی در واقع از موسیقی پربار و گوناگون سیاهپوستان آمریکایی الهام گرفته شده که در دهه‌های چهل و پنجاه میلادی به وجود آمد.
    نام “ریتم اند بلوز” که بعدها به R&B شناخته شد، اولین بار توسط فردی به نام جری وکسلر در سال ۱۹۴۸ در یک آگهی تبلیغاتی در یکی از مجله‌های موسیقی آمریکا مطرح شد.
    او می‌خواست از این عبارت به جای “موسیقی نژادی” استفاده کند که به آثار تولیدشده توسط جامعه سیاهپوستان آمریکا اشاره داشت.
    جری وکسلر معتقد بود این اصطلاح پس از جنگ جهانی دوم توهین‌آمیز و ناپسند به شمار می‌رفت.
    در آغاز دهه ۱۹۵۰، این واژه سبک‌های دیگری مانند جامپ بلوز و گونه‌های اولیه راک اند رول را نیز شامل می‌شد. اما آنچه امروز بیشتر از همه به عنوان آر اند بی شناخته می‌شود، شامل سبک‌های اولیه ریتم اند بلوز، دو-واپ و آر اند بی نیواورلئان است.

    توصیه می‌کنیم حتماً مقاله اعلام نتیجه مسابقه یلدایی آنبین را مطالعه کنید.

    برای گسترش دانش خود، به مقاله آشنایی با ساز شنگ ،ساز سنتی چینی سر بزنید.

    تغییر گستره استفاده از اصطلاح R&B

    با ظهور موسیقی هیپ هاپ در دهه ۱۹۹۰، دیگر از عنوان R&B برای توصیف انواع گسترده‌ای از موسیقی سیاهان آمریکا استفاده نشد.
    اگرچه این سبک در کنار هیپ هاپ به رشد خود ادامه داد، اما گاهی تأثیر آن در قالب سبک‌های تلفیقی مانند New Jack Swing دیده می‌شد.
    ریتم اند بلوز، سول و فانک، با الهام از موسیقی آمریکا، باعث پدید آمدن سبک‌های دیگری مانند بریتیش ریتم اند بلوز، لاتین سول و آفروبیت شدند.
    همچنین آراندبی تأثیر چشمگیری بر موسیقی پاپ و دیسکو گذاشت.
    جالب است که واژه‌ی ریتم اند بلوز و مخفف آن R&B، هر دو برای اولین بار در اواخر دهه ۱۹۴۰ توسط بازاریابان موسیقی برای اشاره به آثار هنرمندان سیاهپوست آمریکا ابداع شد.
    این واژه جایگزین عبارت “موسیقی نژادی” شد که پیش از آن برای توصیف موسیقی محبوب سیاهان به کار می‌رفت. اما به مرور زمان، شکل مخفف آن بیشتر برای اشاره به سبک مدرن آراندبی مورد استفاده قرار گرفت.
    علاوه بر این، امروزه دیگر به طور گسترده پذیرفته نیست که آراندبی شامل سول و فانک می‌شود، بلکه بیشتر به عنوان سبکی مستقل شناخته می‌شود.
    نکته قابل توجه، سردرگمی‌ای است که نمودارهای مجله بیلبورد در طول تاریخ برای شنوندگان به وجود آورده‌اند.
    در هر صورت، امروزه R&B معمولاً به سبک مدرن آن اشاره دارد و کمتر به نمونه‌های اولیه‌اش در دهه‌های آغازینش مربوط می‌شود.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، بیوگرافی استفان لارنس شوارتز آهنگساز برجسته آمریکایی را از دست ندهید.

    در اینجا می‌توانید اطلاعات کامل‌تری درباره بیوگرافی لیلی افشار بیابید.

    برای درک عمیق‌تر این موضوع، مطلب موسیقی کانتری چیست ؟ را بخوانید.

  • تکنیک تریل در موسیقی چیست؟

    تکنیک تریل در موسیقی چیست؟

    علامت تریل که در موسیقی با نماد «tr» نشان داده می‌شود، یک تکنیک تزئینی است. وقتی این علامت روی یک نت قرار می‌گیرد، نوازنده باید آن نت و نت بالایی‌اش را به صورت پشت سر هم و با سرعت نسبتاً زیاد و در مدت زمان همان نت اصلی بنوازد. در ادامه این مطلب از وبلاگ آنبین، بیشتر با این تکنیک موسیقایی آشنا خواهید شد.

    تکنیک تریل در موسیقی چیست؟

    نت‌های تریل باید بسیار سریع نواخته شوند. گاهی اوقات این نت‌ها با سرعت یک نت زینت یا یک تک‌نای ترومولو اجرا می‌شوند. در چنین مواقعی، صدای تریل شبیه به ویبراتو به گوش می‌رسد.
    اگر قصد داشته باشیم نت بالایی تریل را عوض کنیم، از علامت‌های تغییردهنده مانند بمل (b) استفاده کرده و آن را در بالای علامت تریل قرار می‌دهیم.
    گاهی نیز خط موج‌داری بعد از نشانهٔ تریل مشاهده می‌شود که تا شروع نت بعدی ادامه پیدا می‌کند.

    نکاتی در مورد تریل

    نشانهٔ شروع تِریل

    امروزه تِریل از خودِ نتِ اصلی شروع می‌شود، ولی در قدیم (تا دورهٔ آهنگسازانی مثل هایدن و موتسارت) معمول بود که تِریل از نتِ بالاتر آغاز شود.
    اگر آهنگساز امروزی بخواهد تِریل از نتِ بالاتر شروع شود، یک نتِ کوچک و کوتاه را دقیقاً قبل از نتِ اصلی قطعه قرار می‌دهد.

    برای یادگیری پیشرفته، به آشنایی با دیجیریدو ،یک ساز بادی چوبی مراجعه کنید.

    نشانهٔ پایان تِریل

    توصیه می‌شود به مطالعه مقاله چند نکته مهم که باید پیش از خرید ساز هنگ درام بدانید ادامه دهید.

    در بیشتر موارد، تِریل روی نتِ اصلی تمام می‌شود. گاهی در انتهای تِریل، یک حرکت تزیینی کوچک به نام «گروپِتو» وجود دارد که نت اصلی را به نتی که بعد از آن می‌آید، متصل می‌کند.

    تعداد نُت‌های تِریل

    اگر سوالاتی دارید، مقاله شهرام ناظری ، شوالیه آواز ایران به شما کمک خواهد کرد.

    اینکه چه تعداد نتِ اصلی و نتِ بالایی در اجرای یک تِریل به کار رود، به سلیقهٔ نوازنده و درک او از حس و حال قطعه بستگی دارد. طبیعتاً برای یک نتِ کشیده و بلند در یک قطعهٔ آرام، باید تعداد نُت‌های بیشتری در تِریل نواخته شود تا برای یک نتِ کوتاه در قطعهای تند و سریع.

    تکنیک تریل در موسیقی چیست؟

    تکنیک تریل در موسیقی یکی از روش‌های تزئین ملودی است. در این حالت، نوازنده به سرعت و پشت سر هم بین دو نت اصلی و نت بالاییِ کناری آن حرکت می‌کند. این کار باعث ایجاد یک لرزش زیبا و سریع در صدا می‌شود.

    هدف از اجرای تریل، افزودن زیبایی، هیجان و تنوع به قطعه موسیقی است. این تکنیک در سازهای مختلف مانند پیانو، ویولن و حتی آواز قابل اجراست و حال و هوای خاصی به موسیقی می‌بخشد.

    اجرای تریل چگونه است؟

    وقتی مشغول یادگیری تریل هستید، بیشتر از اینکه به فکر سریع نواختن باشید، باید با تمرکز و دقت این کار را انجام دهید.
    به جای اجرای نت‌ها با سرعت بالا، سعی کنید آن‌ها را آرام و کشیده بنوازید و بعد از اینکه کاملاً مسلط شدید، به تدریج سرعت خود را بیشتر کنید.
    تریل‌ها در واقع شکلی از بیان هنری و نشان‌دهنده‌ی مهارت در نوازندگی هستند. بعضی از نوازندگان فقط وقتی در نت‌نویسی علامت تریل وجود دارد، آن را اجرا می‌کنند؛ اما برخی دیگر، قطعات خود را با تریل‌ها زیباتر می‌کنند و توانایی‌های خود را به نمایش می‌گذارند.
    موسیقیدانان دوره‌ی باروک با درک عمیقی که از فضای موسیقی خود داشتند، کمترین فرصت را با کمک تریل‌ها به بداهه‌نوازی اختصاص می‌دادند.

    شیوه‌ی اجرای تریل در سازها

    پیانو:
    در ساز پیانو، اگرچه می‌توانید تریل را با هر دو انگشت دلخواهی اجرا کنید، اما بهتر است این کار را با انگشتان قوی‌تر خود (معمولاً انگشت دوم و سوم) انجام دهید. به سرعت بین دو نت رفت و برگشت کنید و در پایان، تریل را روی نت اصلی به پایان برسانید.

    سازهای زهی و بادی چوبی:
    وقتی روی این سازها تریل می‌زنید، باید انگشت شما روی نت پایینی تریل قرار بگیرد و بعد با سرعت، نت بالایی را اجرا کنید؛ چه روی دسته‌ی سازهای زهی و چه روی کلیدهای سازهای بادی. بهتر است در ابتدا تریل را آرام شروع کنید و بیشتر روی درست و دقیق نواختن آن تمرکز داشته باشید.

    سازهای دارای فرت (مانند گیتار و بیس):
    برای نواختن تریل روی سازهای فرت‌دار مثل گیتار یا بیس الکتریک، معمولاً از دو تکنیک همرآن (فشردن ناگهانی سیم) و پول‌آف (برداشتن سریع انگشت) استفاده می‌شود. به این شکل که ابتدا یک نت را با انگشت اشاره روی دسته نگه می‌دارید و بعد با انگشت دیگر (مثلاً انگشت وسط یا حلقه) روی فرت بالاتر ضربه می‌زنید تا تریل یک پرده بالاتر از نت اصلی شنیده شود.

    در تمام این روش‌ها، نکته‌ی مهم این است که تمرین را آرام و با دقت شروع کنید و به مرور زمان سرعت خود را بیشتر کنید.

  • النی کاریندرو ، یکی از نوازندگان برجسته پیانو

    النی کاریندرو ، یکی از نوازندگان برجسته پیانو

    النی کارایندرو، یک نوازنده پیانو و آهنگساز اهل یونان است. او در روستای کوهستانی تیچیو، که در ناحیه روملی در قلب یونان قرار دارد، متولد شد. در ادامه این نوشته از وبلاگ آنبین، اطلاعات بیشتری درباره این هنرمند کسب خواهید کرد.

    بیوگرافی النی کارایندر

    کارایندر در سال ۱۹۴۱ به دنیا آمد. دوران کودکی او در دل طبیعت گذشت و با آواهای گوناگون آن خو گرفت. این تجربه تأثیر زیادی بر شکل‌گیری دنیای موسیقی او گذاشت. خودش در این باره می‌گوید: “من هنوز هم خاطره ی صدا هایی که در کودکی شنیده ام در ذهنم دارم: صدای باد، صدای باران روی سنگفرشها، آواز بلبل ،سکوت برف . بعضی وقتها طنین صدای فلوتها وکلارینت های که در فستیوالهای روستایی میدان دهکده نواخته میشدند درکوههای اطراف می پیچید.”

    برای مطالعه بیشتر، به دانستی های جالب در مورد سیم های سنتور سری سر بزنید.

    او در زمان تحصیل در دانشگاه، آهنگسازی را آغاز کرد و آثارش به زودی در سراسر جهان شنیده شد. کارایندر آهنگساز موسیقی متن بسیاری از فیلم‌های تئو آنگلوپولوس، کارگردان یونانی هم‌میهنش، بوده است. همچنین او آهنگسازی فیلم “بمب یک عاشقانه” را نیز بر عهده داشته است.

    موسیقی‌های النی کارایندر از نواهای مردمی مناطق مختلف و نیز موسیقی کلاسیک و جاز الهام گرفته است. او با خلق فضاهای صوتی منحصر به فرد، آثار فراوانی را آفریده که یکی از ماندگارترین‌های آن، موسیقی متن فیلم “دشت گریان” است. علاوه بر موسیقی، او در زمینه تاریخ و باستان‌شناسی نیز دارای مدرک استادی است.

    فعالیت‌های هنری

    النی کاریندرو

    این آهنگساز نامدار در هشت سالگی به همراه خانواده‌اش به شهر آتن رفت و در یک مدرسه هنری، نواختن پیانو و اصول موسیقی را فراگرفت. او در کنار موسیقی، در کلاس‌های تاریخ و باستان‌شناسی هم حاضر می‌شد.

    در دوران حکومت نظامیان در یونان، از سال ۱۹۶۷ تا ۱۹۷۴، او در پاریس زندگی می‌کرد و در آنجا به مطالعه رشته موسیقی‌شناسی قومی و سازبندی ارکستر مشغول شد. در همین زمان، با نوازندگان سبک جاز همکاری می‌کرد و به صورت بداهه به اجرای موسیقی می‌پرداخت.

    پس از آن، ساخت آهنگ‌های مردم‌پسند را آغاز کرد. النی کارایندرو پس از بازگشت به یونان، در مرکز فرهنگی اورا (ORA)، انجمنی برای نوازندگان موسیقی سنتی بنیان گذاشت و همکاری خود را با گروه موسیقی ملی رادیو آغاز کرد.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، حتماً مرصع خوانی چیست ؟ را بخوانید.

    در سال ۱۹۷۶، سبک EMC را کشف کرد و درباره آن گفت:
    “من دنیای مورد علاقه ی خود را یافتم. فی البداهه نواختن صرفا بر تکیه بر احساسم بدون ایده وبرنامه قبلی.”

    در همین سال‌ها، او فعالیت هنری خود را در زمینه سینما و تئاتر نیز شروع کرد.

     فیلم کریستوفر، نقطه شروعی برای کار در عرصه سینما

    موسیقی که النی کارایندرو برای فیلم کریستوفر در سال ۱۹۷۹ ساخت، آغاز راه او برای فعالیت در دنیای سینما به شمار می‌رود. او در ابتدا مطمئن نبود که آیا قطعاتش واقعاً می‌توانند همراه خوبی برای فیلم باشند یا نه.

    به گفته او، حرکت دوربین برایش از فیلمنامه مهم‌تر است. البته این درست است که موسیقی باید در خدمت روایت داستان باشد، اما مفاهیم و درونمایه‌های داستان، آن‌طور که باید در فیلمنامه به وضوح دیده نمی‌شوند. موسیقی و تصویر در کنار هم قرار می‌گیرند تا چیزی را بیان کنند که بیانش با واژه‌ها ممکن نیست. گاهی با خواندن فیلمنامه، چیزی دستگیرم نمی‌شود. به قول هارولد پینتر: معنای واقعی پشت کلمات است.

    منتقدان سینما و روزنامه‌نگاران بر این باور بودند که ساخته‌های النی کارایندرو فراتر از قواعد معمول موسیقی فیلم است. موسیقی او فقط فیلم را همراهی یا زیباتر نمی‌کند، بلکه با تصویر در گفت‌وگو و گاه در تقابل قرار می‌گیرد.

    در این مقاله سوالات رایج در مورد سیم سنتور و زمان تعویض آن اطلاعات مفیدی آمده است.

    در بیست و یکمین دورهٔ جوایز جهانی موسیقی متن، النی کارایندرو، آهنگساز یونانی، جایزه یک عمر دستاورد هنری را دریافت کرد. این مراسم به صورت حضوری برنامه‌ریزی شده بود و برای اولین بار در ساختمان اپرای شهر گنت برگزار شد.

    همکاری در فیلم پیمان معادی

    النی کاریندرو و پیمان معادی

    در سال ۱۳۹۶، پیمان معادی برای فیلمی به نام “بمب؛ یک عاشقانه” موسیقی ساخت. کار او مورد توجه قرار گرفت و در سی و ششمین جشنواره فیلم فجر، در بخشی که به انتخاب بهترین موسیقی متن اختصاص داشت، نامزد دریافت جایزه سیمرغ بلورین شد.

  • تبریک مدیریت آنبین به مناسبت فرا رسیدن سال ۱۴۰۱

    تبریک مدیریت آنبین به مناسبت فرا رسیدن سال ۱۴۰۱

    تبریک سال نو
    زمستان بار سفر می‌بندد و با سخاوت تمام، دانه‌های نهفته در دل خاک را به بهار می‌سپارد. بهار با آوازهای شاد و دلنشین از راه می‌رسد و همه را به جشن سبزی و گل و ریحان دعوت می‌کند. بیایید با شادی از او استقبال کنیم و با عشق و محبت، دل‌هایمان را به گرمای خورشید پرفروغ بسپاریم و با نوای دلنشین موسیقی، به دشت‌های پر از شقایق و ماهور قدم بگذاریم.

    دانه های دل ما هم جوانه خواهد زد
    گر ببارد صفا و مهرو محبت چو ابر بهار
    سال نو مبارک
    نسیم دارا، مدیریت آنبین

    اگر سوالاتی دارید، مقاله تفاوت سبک موسیقی راک و متال به شما کمک خواهد کرد.

    تبریک سال نو
    نوروز زمانی است که تاریکی و سرمای زمستان جای خود را به نور و گرمای بهار می‌دهد و همه‌ی طبیعت دوباره بیدار و سرزنده می‌شود. گیاهان لباس سبز بهاری بر تن می‌کنند و درختان با شکوفه‌هایشان خود را می‌آرایند. نوروز نماد نبرد خوبی با بدی و ویرانی است و در پایان، امید به پیروزی نیکی را به ارمغان می‌آورد. نوروز یادگار پرارزشی از دانش و فرهنگ غنی پیشینیان ماست.

    برای یادگیری پیشرفته، به بیوگرافی استاد لوریس هایکازی مراجعه کنید.

    برای یادگیری پیشرفته، به معرفی موسیقی نظامی مراجعه کنید.

    انتخاب نوروز (که اولین روز بهار و زمان برابر شدن روز و شب است) نشان از هوش و آگاهی بزرگان ما دارد. آنها از جمله مردمانی بودند که آغاز سال را با زمان اعتدال بهاری جشن می‌گرفتند. آنها از حرکت ستارگان و تغییرات طبیعت آگاه بودند و آیین‌های نوروزی مانند خانه‌تکانی، پوشیدن لباس نو، دید و بازدید، چیدن سفره‌ی هفت‌سین، کاشتن سبزه و گل‌کاری، همگی نشان‌دهنده‌ی فرهنگ غنی و پربار ما هستند. نوروز داستان زیبایی است که در آن طبیعت، احساسات و جامعه همه با هم مشارکت دارند.

    نوروز که قرن‌هاست در میان همه‌ی جشن‌های جهان می‌درخشد، به این دلیل ویژه است که یک جشن ساختگی یا تحمیلی نیست؛ بلکه جشن جهانی است و روز شادی زمین، آسمان و خورشید است. زمانی برای شکفتن، رویش و هیجان آغازهای تازه. بیشتر جشن‌های دیگر، مردم را از کار و زندگی در فضای باز به داخل سالن‌ها، رستوران‌ها و خانه‌ها می‌کشانند.

  • برای یادگیری موسیقی باید استعداد آن را داشته باشیم؟

    برای یادگیری موسیقی باید استعداد آن را داشته باشیم؟

    خیلی از مردم فکر می‌کنند که برای یادگیری موسیقی، حتماً باید استعداد ذاتی داشته باشند. اما تحقیقات نشان می‌دهد که اگرچه استعداد می‌تواند به پیشرفت کمک کند، اما داشتن آن ضروری نیست. برخی از پژوهشگران باور دارند استعداد یک امر ذاتی است، در حالی که گروه دیگری معتقدند استعداد را می‌توان با تمرین و تلاش به دست آورد. در این نوشته از وبلاگ آنبین، بیشتر به این موضوع پرداخته‌ایم. تا پایان این مطلب با ما همراه باشید تا ببینیم آیا برای نواختن موسیقی واقعاً به استعداد نیاز داریم یا نه.

    در اینجا می‌توانید اطلاعات کامل‌تری درباره نکات مهم در مورد مضراب سنتور که باید بدانید بیابید.

    برای یادگیری موسیقی باید استعداد آن را داشته باشیم؟

    برای پاسخ به این پرسش، باید ابتدا به درک درستی از مفهوم استعداد و نقش آن در یادگیری برسیم. در ادامه، این موضوع را با هم بررسی خواهیم کرد.

    استعداد چیست ؟

    استعداد به این معنی است که فرد بتواند تشخیص دهد اطلاعاتی که با آنها روبرو می‌شود، چقدر می‌توانند مفید و کاربردی باشند. یک فرد بااستعداد، توانایی این را دارد که فرصت‌های طلایی و موقعیت‌های ارزشمند زندگی را به خوبی ببیند و از آنها برای رشد توانایی‌های فکری، اجتماعی، عاطفی یا جسمی خود استفاده کند. این کار را هم می‌تواند برای پیشرفت شخصی خود انجام دهد و هم برای کمک به یک گروه.

    تعریف استعداد از نگاه محققان

    هنوز هم بسیاری از کارشناسان و روانشناسان مشهور در این باره با هم اختلاف نظر دارند. بعضی از آن‌ها معتقدند استعداد یک ویژگی درونی و ذاتی است که در نهاد انسان قرار دارد و نه می‌توان آن را از بین برد و نه می‌توان آن را خلق کرد.
    اما عده‌ای دیگر بر این باورند که هرچند استعداد امری واقعی است، ولی اگر در وجود ما نباشد، می‌توانیم آن را در خودمان پرورش دهیم و ایجاد کنیم.
    حال سوال اصلی اینجاست که:

    مقاله بهترین آموزشگاه ویولنسل در شرق تهران منبع بسیار خوبی برای یادگیری بیشتر است.

    آیا استعداد ذاتی است یا اکتسابی؟

    همه ما با استعدادهایی به دنیا می‌آییم، اما پیدا کردن و تقویت آن استعدادها چیزی است که باید یاد بگیریم.
    می‌توان گفت استعداد، یک توانایی طبیعی است که مقدار و نوع آن در هرکس متفاوت است. هیچ دو نفری دقیقاً شبیه هم نیستند. همچنین، نوع استعداد افراد هم فرق می‌کند؛ بعضی در کارهای فکری قوی هستند، بعضی در کارهای عملی، و برخی دیگر در زمینه‌های دیگر. حتی میزان این توانایی‌ها هم در افراد مختلف، کم یا زیاد است.
    اما پیدا کردن این استعدادهای پنهان، نیاز به دانش و تجربه دارد. بعضی از استعدادها را به راحتی می‌توان دید، اما برخی دیگر هنوز پنهان هستند و شکوفا نشده‌اند. شاید حتی خود فرد هم از وجود آن‌ها خبر نداشته باشد. برای کشف این استعدادهای نهفته، باید از ابزارهای مختلف مانند آزمون‌های روانشناسی و کمک افراد متخصص استفاده کرد.
    راه دیگر برای شناخت استعدادهای درونی، این است که به کارهایی که در گذشته انجام داده‌اید و موفقیت‌هایی که در زمینه‌های خاص به دست آورده‌اید، توجه کنید.

    برای یادگیری موسیقی باید استعداد آن را داشته باشیم؟

    نقش استعداد در فراگیری موسیقی

    بر پایه پژوهش‌های انجام شده، توانایی یادگیری موسیقی به دلایل گوناگونی وابسته است. شرایط زندگی، مقدار زمانی که به تمرین اختصاص داده می‌شود و حتی ویژگی‌های ارثی، از جمله عواملی هستند که تحقیقات آن‌ها در یادگیری موسیقی مؤثر می‌دانند.
    همچنین انتخاب یک آموزشگاه مناسب و مربیان باتجربه نیز از مواردی است که به رشد و بروز استعدادهای افراد کمک شایانی می‌کند.

    آیا ژن‌ها روی استعداد یادگیری موسیقی تاثیر دارند؟

    ژن‌ها تا حدی در میزان خلاقیت ذهنی ما نقش دارند. اگرچه محیطی که در آن بزرگ شده‌ایم نیز در شکل‌گیری خلاقیت مؤثر است، اما نباید تأثیر ژن‌هایی که از پدر و مادر خود دریافت کرده‌ایم را نادیده بگیریم.
    بر اساس یک پژوهش تازه، به طور میانگین حدود ۳۰ درصد از خلاقیت یک نوازنده — منظور توانایی در آهنگسازی و نواختن ساز — به ژن‌های او وابسته است. با توجه به این یافته، اکنون می‌توان با قاطعیت بیشتری گفت که ژن‌های مرتبط با خلاقیت واقعی هستند.

    ۷۰ درصد را فراموش نکنید

    خبر خوشحال‌کننده این است که حتی اگر از نظر ژنتیکی استعداد خلاقیت بالایی نداشته باشیم، باز هم حدود ۷۰ درصد از موفقیت ما در یادگیری موسیقی، به تلاش و تمرین خودمان بستگی دارد.

    تحقیقات نشان داده‌اند که برخی ژن‌ها از راه‌های خاصی در بدن بر توانایی یادگیری موسیقی اثر می‌گذارند. به همین خاطر است که بعضی افراد خیلی سریع یک آهنگ جدید را یاد می‌گیرند، در حالی که دیگران باید زمان زیادی بگذارند تا حتی چند نت را به خاطر بسپارند. البته این پژوهش محدودیت‌هایی هم دارد.

    برخی افراد با استعداد ذاتی بیشتری متولد می‌شوند، اما بدون تمرین و پشتکار، این استعداد به ثمر نمی‌رسد. یادگیری موسیقی مثال خوبی برای توضیح این موضوع است.

    به عنوان نمونه، پژوهشی روی نوازندگان بریتانیایی نشان داد که نوازندگان موفق نه تنها بیشتر از نوازندگان معمولی تمرین می‌کنند، بلکه سرعت پیشرفتشان نیز بیشتر است.

    مقاله نحوه گرفتن صحیح مضراب سنتور منبع بسیار خوبی برای یادگیری بیشتر است.

    یک نظریه معروف می‌گوید برای اینکه در کاری متخصص شوید، باید حدود ۱۰ هزار ساعت وقت صرف تمرین کنید. اما اگر از نظر ژنتیکی استعداد آن کار را داشته باشید، قطعاً زودتر از دیگران به نتیجه خواهید رسید.

    نتیجه :

    به نظر می‌رسد حتی اگر کسی از ابتدا استعداد ذاتی برای موسیقی نداشته باشد، باز هم این امکان وجود دارد که به یک موسیقیدان، نوازنده یا خواننده شناخته‌شده تبدیل شود. البته برای رسیدن به این جایگاه، لازم است که سخت‌کوشی و تمرین بسیار زیاد را در اولویت قرار دهد و این تمرین‌ها را با علاقه‌ی واقعی و پشتکار ادامه دهد.

  •  مدت زمان یادگیری انواع ساز‌ها

     مدت زمان یادگیری انواع ساز‌ها

    یکی از پرسش‌های رایج برای کسانی که می‌خواهد نواختن یک ساز را یاد بگیرند، این است که چقدر زمان می‌برد تا بتوانند آن را به خوبی بنوازند.
    مدت زمان یادگیری ساز به عوامل مختلفی مانند استعداد فردی، مقدار زمانی که برای تمرین می‌گذارید، روش آموزش و موارد دیگر بستگی دارد.
    با این حال، اگر بخواهیم یک پاسخ کلی و تقریبی ارائه دهیم، می‌توان از تجربه‌های قبلی دیگران کمک گرفت.
    در ادامه این مطلب از وبلاگ آنبین، می‌توانید درباره مدت زمان لازم برای یادگیری سازهای مختلف مطالعه کنید.

     مدت زمان یادگیری انواع ساز‌های زهی

    سازهای زهی، که به آن‌ها کوردوفون هم می‌گویند، سازهایی هستند که صدای آن‌ها از لرزش سیم‌ها به وجود می‌آید.
    این لرزش ممکن است با زخمه زدن یا استفاده از مضراب ایجاد شود، مثل تار و سنتور؛ یا با کشیدن آرشه روی سیم‌ها، مانند ویولن و کمانچه.
    برخی از سازهای زهی عبارتند از: تار، سه‌تار، سنتور، عود، قانون، قیچک، رباب، کمانچه، دوتار، تنبور، قوپوز، باغلاما، ویولن، ویولن‌سل، گیتار، گیتار الکتریک و چنگ.

    کسی که می‌خواهد یک ساز زهی را یاد بگیرد و بنوازد، باید صبر و اراده زیادی داشته باشد.
    یادگیری این سازها معمولاً زمان‌بر است و نیازمند تمرین مداوم و تلاش پیوسته است. علاوه بر این، نوازنده باید چابکی و هماهنگی خوبی بین دست‌ها و ذهن خود داشته باشد.
    به طور معمول، اگر شخصی هر روز به طور منظم تمرین کند، حدود ۱۰ تا ۲۴ ماه طول می‌کشد تا دوره ابتدایی نوازندگی را با موفقیت به پایان برساند.
    (این زمان تقریبی است و برای کودکان خردسال، به دلیل میزان تمرین کمتر، ممکن است مدت بیشتری نیاز باشد.)

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه آشنایی با استاد حسین دهلوی.

     مدت زمان یادگیری انواع ساز‌ها

    مدت زمان یادگیری ساز‌های بادی یا آیروفون‌ها

    سازهای بادی یا سازهای هواصدا، نوعی از سازهای موسیقی هستند که صدای آنها از لرزش هوا درون ساز به وجود می‌آید.
    این سازها تنوع زیادی دارند و معمولاً به دو گروه اصلی کوچک و بزرگ تقسیم می‌شوند.

    سازهای کوچک، اندازه‌ی کم‌تری دارند و جابه‌جایی آنها آسان‌تر است.
    از جمله این سازها می‌توان به انواع فلوت، کلارینت، نی و همچنین سازهای بادی محلی مانند نی انبان، کرنا، سرنا، بالابان، دودوک، گارمون و غیره اشاره کرد.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه مخترع گیتار کیست؟.

    در مقابل، سازهای بزرگ، ابعاد بیشتری دارند و حملشان سخت‌تر است.
    مانند باسون، ساکسیفون، هورن، ترومبون، ترومپت و نمونه‌های مشابه.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه تاریخچه ساز ساکسفون.

    یادگیری سازهای بادی معمولاً سرعت خوبی دارد و به طور میانگین، بین ۱۲ تا ۲۴ ماه طول می‌کشد تا هنرجو دوره مقدماتی را به پایان برساند.
    (این زمان تقریبی است و برای کودکان خردسال، با توجه به میزان تمرین کمتر، ممکن است مدت بیشتری نیاز باشد.)

    مدت زمان یادگیری انواع ساز‌های کوبه‌ای

    سازهای کوبه‌ای یا پرکاشن، به سازهایی گفته می‌شود که با ضربه زدن به آن‌ها به وسیله دست یا چوب، صدا تولید می‌کنند.
    از سازهای کوبه‌ای ایرانی می‌توان به تمبک، دف، دهل، دمام، نقاره و مانند این‌ها اشاره کرد. سازهای کوبه‌ای غربی نیز شامل درامز، تومبا، تمپو، هنگ درام، کاخن و موارد دیگر هستند.
    یادگیری سازهای کوبه‌ای در مقایسه با بسیاری از سازهای دیگر ساده‌تر است. اگر نوازنده درک خوبی از ریتم داشته باشد، معمولاً پس از حدود یک سال می‌تواند پیشرفت چشمگیری داشته باشد.
    (البته این زمان تقریبی است و برای کودکان خردسال، با توجه به میزان تمرین کمتر، ممکن است زمان بیشتری برای یادگیری نیاز باشد.)

    در اینجا می‌توانید اطلاعات کامل‌تری درباره بیو گرافی امین بانی بیابید.

    در اینجا می‌توانید اطلاعات کامل‌تری درباره متن آهنگ ” آخ تو شب یلدای منی” بیابید.

     مدت زمان یادگیری خودصدا‌ها یا ایدیوفون‌ها

    سازهای خودصدا، ابزارهایی هستند که به طور مستقل توانایی تولید صدا را دارند. جنس این سازها معمولاً سفت، محکم و انعطاف‌ناپذیر است، اما در عین حال قابلیت لرزش و تولید صدا را دارند.

    از جمله خودصداهای رایج در ایران می‌توان به چاک، کرب، سنج و قارقارک اشاره کرد.

    یادگیری نواختن این سازها بسیار آسان است و معمولاً با یک دوره آموزشی کوتاه، هر فردی می‌تواند نواختن آن را بیاموزد.

    برای گسترش دانش خود، به مقاله آشنایی با ساز توبا سر بزنید.

    مدت زمان یادگیری سازهای کلاویه‌ای

    سازهای کلاویه‌دار مثل ارگ، پیانو، آکاردئون و ملودیکا معمولاً یادگیری آسانی در ابتدا دارند. یک نوازنده خیلی زود می‌تواند آهنگ‌های ساده و بدون پیچیدگی را بنوازد. البته باید بداند که برای حرفه‌ای شدن، راه بسیار طولانی و پرفراز و نشیبی در پیش دارد.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه تفاوت موسیقی اصیل ایرانی و موسیقی غربی.

    در اینجا می‌توانید اطلاعات کامل‌تری درباره آشنایی با انواع سازهای بادی بیابید.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه تفاوت گیتار آکوستیک و کلاسیک.

  • تفاوت های کمانچه آذری و ایرانی

    تفاوت های کمانچه آذری و ایرانی

    ساز کمانچه یکی از سازهای قدیمی است که درباره‌ی خاستگاه و تاریخچه‌ی آن نظرات متفاوتی وجود دارد. پس از آن که جمهوری آذربایجان نسبت به ثبت جهانی کمانچه به نام ایران در یونسکو اعتراض کرد، مقرر شد این ساز آرشه‌ای، که هم در موسیقی محلی و هم در موسیقی کلاسیک کاربرد دارد، به صورت مشترک به نام ایران و جمهوری آذربایجان به ثبت برسد. با این حال، میان کمانچه‌ی ایرانی و کمانچه‌ی آذری تفاوت‌هایی وجود دارد که در ادامه در وبلاگ آنبین می‌توانید درباره‌ی آن‌ها بخوانید.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، حتماً رهبر ارکستر، پدر بیان موسیقی را بخوانید.

    توصیه می‌کنیم حتماً مقاله نخستین زنی که رهبر ارکستر ایران شد که بود را مطالعه کنید.

    کمانچه ایرانی و آذری

    با وجود شباهت‌های ظاهری، کمانچه آذری از نظر جنس صدا و ساختار درونی با کمانچه ایرانی تفاوت‌هایی دارد. از نگاه بیرونی، هر دو ساز شبیه به هم به نظر می‌رسند، اما هر کدام زیبایی و گیرایی خاص خود را دارند. آنچه اهمیت دارد، مهارت نوازنده در نواختن و کیفیت صدایی است که از ساز بیرون می‌آید.

    جنس سیم‌ها، نحوه در دست گرفتن ساز، نوع پوست روی کاسه و کوک این دو کمانچه باعث شده که صدای کمانچه ایرانی با گروه‌های موسیقی ایرانی هماهنگی بیشتری داشته باشد. به این صورت که کمانچه ایرانی صدایی نرم و تو دماغی دارد که برای قطعات موسیقی ایرانی مناسب است.

    در مقابل، ارکسترهای آذربایجانی معمولاً به صدایی رسا و شفاف نیاز دارند. قطعاتی که در موسیقی آذربایجانی نواخته می‌شوند، علاوه بر نرمی و لطافت، به سرعت و چابکی نیز نیاز دارند؛ در حالی که در موسیقی ایرانی تأکید بیشتر بر روی عمق و آرامش موسیقی است.

    تفاوت هایی که کمانچه آذری را از ایرانی متمایز می کند

    تفاوت در ساختمان کمانچه که به همراه روش نواختن متفاوت آن، در نهایت باعث می‌شود صدای کمانچه آذری به طور کلی با کمانچه ایرانی فرق داشته باشد. در اصل، کاسهٔ کمانچه‌های آذری شکل و ساختاری کاملاً متفاوت از کمانچه‌های ایرانی دارد. این کاسه‌ها کمی بزرگ‌تر و پهن‌تر هستند و دهانهٔ آنها نیز گشادتر است.

    تفاوت های کمانچه آذری و ایرانی

    تفاوت در شیوه ی نوازندگی کمانچه ی آذری با کمانچه ی ایرانی

    نوازندگان آذری با کمانچه، صدایی از این ساز بیرون می‌کشند که با آهنگ‌ها و گویش محلی آذربایجان هماهنگ است. گاهی اوقات آرشه را از فاصله‌ای دورتر روی سیم‌ها می‌کشند و نوع تحریرها و روش نواختنشان نیز کاملاً منطبق با گویش و فضای موسیقی آذری است.

    با این همه، در هر دو سبک نواختن، اصل و هویت کمانچه یکسان باقی می‌ماند و در هر دو نوع موسیقی، حال‌وهوای خاص و شادابی منحصربه‌فردی که ریشه در فرهنگشان دارد، به‌شکلی زیبا و دلنشین خود را نشان می‌دهد.

    کمانچه ایرانی در دو نوع ساخته می‌شود: یکی با کاسه‌ای پشت‌بسته و گرد، و دیگری با کاسه‌ای پشت‌باز و مخروطی‌شکل. صدای این ساز و کیفیت طنین آن کاملاً ایرانی است و با موسیقی سرزمین ایران همخوانی دارد؛ هم از نظر تحریرها و تزئینات صوتی و هم از نظر احساسی که در نوازندگی القا می‌کند.

    کمانچه آذری

    با آمدن ویولن، تقریباً همه کسانی که کمانچه می‌نواختند، جذب این ساز تازه و جذاب شدند و کمانچه را کنار گذاشتند. اما آن‌ها نتوانستند ویولن را به شکل درست و اصولی بنوازند. در عوض، همان روش قدیمی نواختن کمانچه را روی ویولن اجرا کردند. تنها فرقش این بود که کمانچه را به صورت عمودی روی زمین می‌گذاشتند، اما ویولن را به صورت افقی زیر چانه قرار می‌دادند! نامی که ناصرالدین شاه برای ویولن انتخاب کرد و آن را “کمانچه فرنگی” نامید، به خوبی نشان‌دهنده شرایط آن دوران بود!

    آیا از نظر کوک هم این دو ساز متفاوت هستند؟

    یک تفاوت مهم دیگر بین این دو کمانچه، نحوه کوک کردن سیم‌های آن‌هاست. کمانچه ایرانی با تنظیم می، لا، ر، می کوک می‌شود. در مقابل، کمانچه آذری با کوک سل، دو، سل، دو تنظیم می‌شود. این تفاوت در کوک باعث می‌شود صدای کمانچه آذری، حدود یک و نیم پرده از کمانچه ایرانی زیرتر باشد.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه آشنایی با سبک آلترنتیو راک.

  • آیا یادگیری پیانو با ارگ امکان پذیر است؟

    آیا یادگیری پیانو با ارگ امکان پذیر است؟

    یکی از پرسش‌هایی که معمولاً هنرجویان پیانو مطرح می‌کنند این است که آیا می‌توان با ارگ یا کیبرد، نواختن پیانو را یاد گرفت. در این نوشته از وبلاگ آنبین می‌خواهیم به این پرسش پاسخ دهیم. پس پیشنهاد می‌کنیم تا پایان این مطلب با ما همراه باشید.

    یادگیری پیانو با ارگ امکان پذیر است؟

    پیانو یک ساز با کلاویه‌های سفید و سیاه است. این شباهت ظاهری با ساز ارگ ممکن است این پرسش را به وجود آورد که آیا می‌توان نواختن پیانو را با تمرین روی ارگ یاد گرفت؟
    در پاسخ باید گفت با وجود اینکه هر دو ساز دارای کلاویه‌هایی به رنگ سفید و سیاه هستند، اما از نظر ساختاری با یکدیگر تفاوت‌های اساسی دارند. به همین دلیل، استفاده از ارگ به‌جای پیانو برای آموزش، اصلاً پیشنهاد نمی‌شود.

    تاثیرات منفی آموزش پیانو با ارگ (کیبورد)

    کلیدهای کیبورد نسبت به کلیدهای پیانو بسیار سبک‌تر هستند. این سبکی باعث می‌شود انگشتان هنرجو به شکل درستی تقویت نشود و فرم طبیعی خود را از دست بدهند. به این حالت می‌گویند انگشتان، “کیبوردی” شده‌اند و این یکی از بزرگ‌ترین مشکلات نواختن کیبورد است.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه رازهایی از زندگی شخصی بتهوون ، نابغه ناشنوا.

    برای درک عمیق‌تر این موضوع، مطلب آیا آموزش ویولنسل یا چلو سخت است؟ را بخوانید.

    اطلاعات جامع‌تری در مورد این موضوع را در ماجرای نی نوازی که از ملکه انگلیس گردنبند گرفت پیدا کنید.

    از طرف دیگر، صدای کیبورد با صدای پیانو فرق دارد و به کیفیت و غنای صدای پیانو نمی‌رسد. این تفاوت، بر درک موسیقی و تربیت گوش هنرجو تأثیر نامطلوبی می‌گذارد.

    حتی نحوه نشستن پشت پیانو هم با کیبورد کاملاً متفاوت است و این تفاوت نیز خود به‌تنهایی می‌تواند چالش‌هایی برای نوازنده به وجود آورد.

    آیا می‌توان نواختن پیانو را با ارگ یاد گرفت؟

    یادگیری اصول اولیه نواختن پیانو روی یک ارگ کاملاً ممکن است. چرا که کلیدهای این دو ساز شبیه به هم هستند. اگر نواختن ملودی‌های ساده را روی ارگ تمرین کنید، این مهارت به طور مستقیم به پیانو منتقل می‌شود.

    با این حال، باید به یک تفاوت بزرگ توجه داشت. صدای پیانو با فشردن کلیدها ایجاد می‌شود، در حالی که صدای ارگ با کشیدن هوا تولید می‌گردد. این تفاوت باعث می‌شود احساس و قدرت مورد نیاز برای نواختن این دو ساز با یکدیگر فرق داشته باشد. همچنین، تکنیک‌های پیشرفته‌تری مانند استفاده از پدال‌ها در پیانو، روی ارگ قابل تمرین نیستند.

    در نتیجه، می‌توان از ارگ به عنوان یک نقطه شروع برای آشنایی با صفحه کلید استفاده کرد، اما برای تسلط واقعی بر نواختن پیانو، در نهایت تمرین روی خودِ پیانو ضروری است.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، حتماً بیوگرافی کارن همایونفر را بخوانید.

    توصیه می‌شود به مطالعه مقاله آشنایی با متد آموزش ویولن به سبک سوزوکی ادامه دهید.

    برای اطلاعات بیشتر، به مقاله ساز سرخپوستی یا ساز پن فلوت با نوایی حزین و رویایی مراجعه کنید.

    تکنینک ها خاص

    خیلی از تکنیک‌های مخصوص پیانو را نمی‌توان با کیبورد اجرا کرد.
    کیبورد برخلاف پیانو پدال ندارد و حتی اگر به بعضی مدل‌ها بتوان پدال اضافه کرد، باز هم عملکرد پدال پیانو به طور کامل شبیه‌سازی نمی‌شود.
    بهتر است بدانید که بیشتر مربیان باتجربهٔ پیانو، استفاده از ارگ برای آموزش پیانو را توصیه نمی‌کنند و آن را روش درستی نمی‌دانند. تنها در یک حالت می‌توانید با کیبورد شروع کنید: وقتی که هدف اصلی شما، یادگیری خودِ کیبورد یا ارگ باشد.
    اگر مشکل مالی برای خرید ساز ندارید، پیشنهاد می‌کنیم حتماً همان پیانو را تهیه کنید.
    همچنین اگر در ابتدای راه هستید و ممکن است بعداً نظرتان عوض شود، می‌توانید از برخی فروشگاه‌ها به صورت قسطی خرید کنید تا هزینهٔ بالا، مانع شروع یادگیری شما نشود.

  • بیوگرافی بانو فخری ملک ‌پور

    بیوگرافی بانو فخری ملک ‌پور

    بانو فخرالسادات ملک‌پور که با نام فخری ملک‌پور شناخته می‌شود، یک نوازنده، آهنگساز و هنرمند موسیقی اهل ایران است. او از زنان سرشناس و برجسته در عرصه موسیقی و نوازندگی به شمار می‌رود. در ادامه این نوشته از وبلاگ آنبین، با فعالیت‌های هنری فخری ملک‌پور بیشتر آشنا خواهید شد.

    اطلاعات جامع‌تری در مورد این موضوع را در معرفی ساز دودوک ، ساز سخت ارمنی پیدا کنید.

    بیوگرافی فخری ملک ‌پور

    ایشان در اول مهرماه سال ۱۳۱۴ در تهران به دنیا آمد. پدرش، سیدذبیح‌الله ملک‌پور، با هنرمندان زیادی رفت‌وآمد داشت و به همین دلیل، او از ۹ سالگی فراگیری پیانو را نزد استاد مرتضی محجوبی شروع کرد. به مدت دوازده سال، ردیف‌های سازی و آوازی موسیقی ایرانی و همچنین نحوه نواختن و سبک هنری مرتضی محجوبی را آموخت.

    توصیه می‌شود به مطالعه مقاله آشنایی با دستگاه نوا در موسیقی ادامه دهید.

    او نواختن سه‌تار را نزد احمد عبادی فرا گرفت، با اصول آواز زیر نظر ادیب خوانساری آشنا شد، آموزش تمبک را نزد حسین تهرانی گذراند و مبانی آهنگسازی را نیز از علی تجویدی یاد گرفت.

    نمونه‌ای عالی برای مفهوم «مکتبداری» درموسیقی کلاسیک ایرانی

    نمونه‌ای برجسته از معنای «مکتب‌داری» در موسیقی سنتی ایران دیده می‌شود. همین ویژگی، جایگاه و ارزش ایشان را بسیار فراتر از یک نوازنده‌ی خردمند و پرشور نشان می‌دهد. از جنبه‌های گوناگون، مقام و موقعیت ایشان در موسیقی ایرانی، ویژه و متفاوت از دیگر هنرمندانی است که عمر خود را صرف مهارت در ساز خود کرده‌اند و بنا بر استعدادشان به جایگاهی دست یافته‌اند.

    ادامه مسیر هنری فخری ملک ‌پور:

    استاد ملک پور مدتی نزد فوزیه مجد، موسیقی کلاسیک را آموخت. او با هنرمندان بزرگی مانند پرویز یاحقی، محمود خوانساری، اسدالله ملک، فرهنگ شریف، رضا ورزنده، حسین کسایی، عبدالوهاب شهیدی و محمدرضا شجریان همکاری داشته است.

    او علاوه بر نوازندگی و آهنگسازی، سال‌ها به آموزش پیانو نیز پرداخته است. از ایشان به عنوان تنها شاگرد و راوی مستقیم مرتضی محجوبی یاد می‌شود.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه کاربرد پدال در پیانو چیست ؟.

    او همه آنچه را آموخته بود، در نواختن پیانوی ایرانی به سبک استاد محجوبی به کار گرفت: نرمی و لطافت نواختن سه‌تار، شیرینی ضربی‌خوانی و تنبک‌نوازی، کشش‌ها و حس زیبای آواز ایرانی و شناخت شعر؛ همه این‌ها در نوازندگی پرشور و احساس خانم ملک‌پور دیده و شنیده می‌شود.

    در اصل، هنر نوازندگی پیانوی ایرانی، به شناخت ردیف‌های موسیقی و توانایی نواختن یک ساز اصیل ایرانی (به ویژه سه‌تار) بسیار وابسته است. خود استاد محجوبی نیز در جوانی همین راه را رفته و این روش را به شاگردان بااستعداد خود توصیه می‌کردند.

    او تنها شاگرد بازمانده مرتضی‌خان محجوبی (از پایه‌گذاران موسیقی ملی ایران) است که پیانو را به روش سینه‌به‌سینه و با نت‌های ابداعی محجوبی فرا گرفته است.

    امتداد مسیر اساتید

    در خانه‌اش، تصویر بزرگان موسیقی ایران به چشم می‌خورد؛ مرتضی محجوبی، احمد عبادی، حسن کسایی، جلیل شهناز، ادیب خوانساری و هنرمندان نامی دیگر. روی پیانوی بزرگش، پارچه‌ای ترمه از یزد پهن شده است. خودش تعریف می‌کند که هر شب پیش از خواب، حتماً کنار سازش می‌رود و قطعه‌ای می‌نوازد.

    فخرالسادات ملک‌پور

    علاوه بر این، او زیاد علاقه‌ای به انتشار آلبوم یا اجرای کنسرت ندارد و در تمام این سال‌ها، آموزش را انتخاب کرده است. او می‌گوید: «من تدریس را بیشتر دوست دارم، چون می‌خواهم با تدریس به شیوه‌ی محجوبی، یاد استادم را زنده نگه دارم.

    شنیده شده که بانو ملک پور برای آموزش، هیچ پولی از شاگردانش دریافت نمی‌کند. او توضیح می‌دهد: «من فقط به خاطر استادم تدریس می‌کنم تا نامش باقی بماند. هدفم این است که شاگردانی پرورش دهم که نماد یادبود محجوبی باشند. هیچ وقت نمی‌خواهم از کسی پول بگیرم و به این موضوع افتخار می‌کنم که تا به حال حتی یک ریال هم بابت آموزش موسیقی دریافت نکرده‌ام. البته که من تعداد زیادی شاگرد هم قبول نمی‌کنم. فقط کسانی را می‌پذیرم که عاشق موسیقی ایرانی باشند. از سوی دیگر، دوست ندارم از راه تدریس موسیقی، درآمدی وارد زندگی‌ام شود.»

    او تا به حال هیچ کنسرتی نیز برگزار نکرده است. وقتی از او پرسیده می‌شود: «اگر شما کنسرت پیانوی ایرانی اجرا نکنید، پس چه کسی شایسته انجام این کار است؟» با حالتی همراه با شرمندگی پاسخ می‌دهد: «حتی اگر مرا مجبور کنند، کنسرت نمی‌دهم. در تنهایی خودم، بد ساز نمی‌زنم، اما دوست ندارم در حضور دیگران پیانو بنوازم. ترجیح می‌دهم در حریم شخصی خودم بمانم. حتی آلبوم‌هایی که از من منتشر شده، تنها به اصرار دوستانم بوده است.»

    آثارهنری

    از میان کارهای هنری فخری ملک‌پور می‌توان به این آثار اشاره کرد:

    مشق استاد (شامل سه لوح فشرده از نوازندگی‌های فخری ملک‌پور به همراه دست‌نوشته‌های مرتضی محجوبی)
    طرب‌انگیز
    آه باران (که با صدای محمدرضا شجریان همراه است)
    به که مانی (با خوانندگی مظفر شفیعی)
    نسیم بهاری
    آیینه خیال

    توصیه می‌کنیم حتماً مقاله معرفی سازسنج را مطالعه کنید.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه معرفی ساز تام تام.

    جوایز؛ تجلیل و تقدیرنامه ها:

    فخرالسادات ملک‌پور

    در شهریور ماه سال ۱۳۹۶، مراسمی برای پاسداشت مقام هنری فخری ملک‌پور در تالار وحدت تهران برگزار شد.
    سپس در دی ماه سال ۱۳۹۷، در چهارمین دوره جشن موسیقی ما، جایزه ویژه‌ای برای نوازندگی به او تعلق گرفت و از وی تقدیر شد.
    علاوه بر این، در بهمن ماه همان سال، در پایان سی و چهارمین جشنواره موسیقی فجر، یک بار دیگر از فخری ملک‌پور قدردانی شد.

    برای اطلاعات بیشتر، به مقاله آشنایی با دستگاه راست‌پنج‌گاه  مراجعه کنید.

  • کلید باس در موسیقی چیست؟

    کلید باس در موسیقی چیست؟

    کلید در موسیقی نشانه‌ای است که جای نُت‌ها را روی خطوط حامل مشخص می‌کند. این کلید در ابتدای خطوط حامل قرار می‌گیرد و با قرار گرفتن روی یک خط، نام و صدای نُت‌های آن خط را تعیین می‌کند. در این نوشته از وبلاگ آنبین می‌خواهیم شما را بیشتر با کلید باس آشنا کنیم، بنابراین تا پایان این مطلب همراه ما باشید.

    اطلاعات جامع‌تری در مورد این موضوع را در بیوگرافی استاد داوود آزاد پیدا کنید.

    برای درک عمیق‌تر این موضوع، مطلب تفاوت پیانو، ارگ و کیبرد را بخوانید.

    کلید در موسیقی به ما کمک می‌کند تا نُت‌ها را بشناسیم و جایشان را روی خطوط حامل تشخیص دهیم. در واقع، کلید خواندن نُت‌ها را آسان می‌کند و با قرار گرفتن آن روی خطوط حامل، می‌توانید بفهمید هر نُت چه نامی دارد و کجای حامل قرار گرفته است. این خط به عنوان یک مرجع برای شناسایی نام بقیه نُت‌ها روی خطوط و بین خطوط حامل به کار می‌رود.

    انواع کلیدها :

    در موسیقی امروزی از سه نوع کلید اصلی استفاده می‌شود: کلید سل، کلید دو و کلید فا.
    هر کدام از این کلیدها، وقتی روی یک خط از حامل قرار می‌گیرند، نام و معنی آن خط را مشخص می‌کنند.
    بعد از مشخص شدن آن خط اصلی، بقیه‌ی خطوط و فاصله‌های بین آن‌ها هم بر اساس همان خط اصلی خوانده می‌شوند.
    به کار بردن این سه کلید باعث می‌شود بتوانیم موسیقی را برای همه‌ی سازها و صداهای مختلف، حتی آن‌هایی که خیلی زیر یا خیلی بم هستند، روی کاغذ بیاوریم.
    استفاده از کلیدهای مختلف این امکان را فراهم می‌کند که نت‌ها را به راحتی در محدوده‌ی خطوط حامل بنویسیم و نیاز کمتری به کشیدن خطوط اضافه داشته باشیم.
    به همین خاطر، معمولاً برای صداهای زیر از کلید سل، برای صداهای متوسط از کلید دو و برای صداهای بم از کلید فا استفاده می‌کنند.

    تعریف کلید باس:

    تعریف کلید باس

    یکی از مهم‌ترین و پراستفاده‌ترین کلیدها در موسیقی، کلید فای باس است. در ادامه به توضیح درباره‌ی آن می‌پردازیم. توجه داشته باشید که انواع دیگری از کلید فا نیز وجود دارند، مثل باریتون یا باس پایین، اما امروزه دیگر از آن‌ها استفاده نمی‌شود یا در موارد بسیار نادر و خاص به کار می‌روند.

    کلید باس برای نت‌های بخش بم به کار میرود که در محدوده‌ی اطراف نت دوی که در وسط قرار دارد و پایین‌تر از آن هستند.

    اگر کلید فا روی خط چهارم حامل قرار بگیرد، به آن کلید باس می‌گویند. همانطور که گفته شد، این کلید تنها نوع کلید فا است که امروزه استفاده می‌شود؛ به همین دلیل معمولاً دو عبارت «کلید فا» و «کلید باس» را به یک معنا و جایگزین یکدیگر به کار می‌برند.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه تاثیر موسیقی بر جنین و نوزاد.

    اگر کلید فا روی خط پنجم قرار گیرد، به آن کلید باس پایین گفته می‌شود. خوانش نت‌ها در این کلید شبیه به کلید سل است، با این تفاوت که صداها در عمل دو اکتاو بم‌تر اجرا می‌شوند.