دسته: موسیقی

  • سبک اکاپلا ، صدا سازی با دهان

    سبک اکاپلا ، صدا سازی با دهان

    این روزها، خلق موسیقی بدون ساز و تنها با بهره‌گیری از صدای طبیعی حنجره و تارهای صوتی، به پدیده‌ای پرطرفدار در عرصه هنر تبدیل شده است. در این نوشته از وبلاگ آنبین، قصد داریم درباره این شیوه هنری که در دنیای موسیقی با نام سبک آکاپلا شناخته می‌شود، گفت‌وگو کنیم. همراه ما بمانید.

    سبک اکاپلا در موسیقی

    آکاپلا نوعی موسیقی است که در آن یک یا چند نفر فقط با استفاده از صدای خود و بدون هیچ سازی آواز می‌خوانند. نام آن از عبارت ایتالیایی “A cappella” گرفته شده که به معنای «به شیوه‌ی کلیسا» است.

    مقاله اعلام نتیجه مسابقه یلدایی آنبین حاوی اطلاعات جامعی است.

    اطلاعات جامع‌تری در مورد این موضوع را در نانو گیتار ،کوچکترین گیتار جهان پیدا کنید.

    در این سبک موسیقی، قطعه‌ها تنها با کمک حنجره، دهان و تکنیک‌های تولید صدا اجرا می‌شوند و هیچ ساز دیگری به کار نمی‌رود.

    توصیه می‌کنیم این مطلب سازهای ابداعی استاد شجریان را حتماً بخوانید.

    بسیاری از مردم این شیوه را با موسیقی کلیساهای مسیحی، مانند آوازهای گریگوریان و مادریگال می‌شناسند. اما خاستگاه اصلی آن به آیین‌های نیایشی یهودیان بازمی‌گردد. پس از مسیحیان، مسلمانان نیز در مراسم عبادی خود از این روش اجرا بهره برده‌اند.

    سبک اکاپلا ، صدا سازی با دهان

    تاریخچه سبک آکاپلا

    در دوره نوزایی هنری، شمار زیادی از ترانه‌های غیرمذهبی و عامه‌پسند به همین شیوه اجرا می‌شدند. اما آنچه امروزه در دنیای موسیقی به نام آکاپلا شناخته می‌شود، جدا از پیشینه مذهبی‌اش، در واقع گونه‌ای از موسیقی مردمی است که سرچشمه آن به سبکی از موسیقی پاپ آمریکایی به نام «دوو واپ» بازمی‌گردد.
    این سبک امروزی (که تلفظ نام آن شبیه تلفظ واژه دوغاب در فارسی است) از پرطرفدارترین گونه‌های موسیقی پاپ در آمریکا از دهه ۱۹۲۰ تا ۱۹۵۰ و حتی آغاز دهه ۱۹۶۰ به شمار می‌رفته است. نفوذ آن در صنعت موسیقی چنان چشمگیر بوده که تا به امروز نیز ردپایی از این تأثیر در موسیقی پاپ نوین دیده می‌شود.
    دوو واپ سبکی است که توسط سیاه‌پوستان آمریکا پدید آمد و برجسته‌ترین ویژگی آن، بهره‌گیری از ساختار آکوردی و هارمونی ساده و تکرارشونده، ملودی‌های برگرفته از موسیقی سول و ریتم‌اند‌بلوز، استفاده از آوازهای بی‌معنای هارمونیک بر پایه ریتم‌های ساده و همراهی آوازی گروهی است.

    دوو واپ

    به کار بردن هجاهایی مانند «دوو واپ» در این سبک موسیقی بسیار رایج است. برای نمونه، در خیلی از آهنگ‌ها می‌توان اینگونه هجاها را شنید؛ مثل «دو، واپ، واپ» یا «شل لا، شل لا، شل لا، لا». این نوع موسیقی، یک موسیقی شهری است که در کلان‌شهرهایی مانند نیویورک، شیکاگو، بالتیمور، دیترویت و لس‌آنجلس رشد کرد و به اوج رسید.

    پس از آنکه سیاهپوستان آمریکایی سبک آکاپلا را رواج دادند، کم‌کم این سبک در بین آمریکایی‌های ایتالیایی‌تبار نیز محبوبیت پیدا کرد و استقبال زیادی از آن شد؛ تا جایی که باعث معرفی خوانندگان سرشناس بسیاری با اصالت ایتالیایی به دنیای موسیقی گردید.

    جالب است که خیلی از مردم، حتی بدون اینکه شناخت دقیقی از این سبک داشته باشند، قبلاً آن را تجربه کرده‌اند. مثلاً در بخش اول فیلم «راکی»، شخصیت اصلی هنگام عبور از خیابان‌های محله‌های کم‌بضاعت نیویورک، به گروهی موسیقی برمی‌خورد که بدون ساز در حال خواندن هستند.

    اما در این گروه، همه به صورت معمول آواز نمی‌خوانند. برخی از اعضا با تولید صداهای بم و هجاهای بی‌معنا، در واقع بخش بم موسیقی را ایجاد می‌کنند. در حقیقت، در این سبک معمولاً یک نفر به عنوان تک‌خوان اصلی می‌خواند و دیگران با دست زدن، پا کوبیدن یا حتی با دهانشان، صداهایی مانند سنج یا طبل تولید می‌کنند.

    وازندگان و خوانندگان این سبک از موسیقی

    در سبک آکاپلا، همه چیز به صدای خواننده وابسته است. گاهی حتی خواننده می‌چرخد و با تمام توان می‌خواند تا هنر خود را به نمایش بگذارد. در حقیقت، هنرمندان این سبک، موسیقی را به خوبی می‌شناسند و در آن مهارت دارند.
    اما آن‌ها لزوماً نت‌های موسیقی را به شکل کلاسیک آموزش نمی‌بینند. هر خواننده با توجه به توانایی صدای خود، نت‌های مختلف را تمرین می‌کند تا هنگام اجرا بتواند بخشی از آهنگ را تنها با استفاده از حنجره‌اش به خوبی ادا کند.
    بنابراین، تاریخچه رشد این سبک به زمانی بازمی‌گردد که موسیقیدانان می‌خواستند روشی را جایگزین استفاده از سازهای موسیقی کنند.
    به همین خاطر امروزه برای رواج و شناخته‌شدن آن در میان مردم، تلاش زیادی می‌شود و تاکنون توانسته است علاقه‌مندان بسیاری را در سراسر جهان به سوی خود جلب کند.
     
     

  • دوتار ،سازی با فقط دو تار

    دوتار ،سازی با فقط دو تار

    گیتار، تار، سه‌تار و دیگر سازهایی که سیم دارند، در دسته‌ی سازهای مضرابی قرار می‌گیرند. اما شاید ندانید که در میان این سازها، سازی به نام دوتار نیز وجود دارد. دوتار تنها دو سیم دارد و معمولاً با ناخن نواخته می‌شود. در این نوشته از وبلاگ آنبین، بیشتر با ساز دوتار آشنا خواهیم شد.

    برای گسترش دانش خود، به مقاله اردشیر کامکار ،رونق دهنده هنر کمانچه نوازی معاصر سر بزنید.

    دوتار ،سازی با فقط دو تار

    دوتار یک ساز ایرانی است که با زخمه زدن به سیم‌هایش صدا تولید می‌کند. همان‌طور که از نامش پیداست، این ساز دو سیم دارد. نوازندگان معمولاً به جای مضراب، با ناخن‌های خود به سیم‌ها زخمه می‌زنند. شکل کاسهٔ دوتار شبیه گلابی است و دسته‌ای بلند دارد. روی دستهٔ آن معمولاً بین ۱۷ تا ۲۰ دستان (پرده) بسته می‌شود.

    البته در بعضی مناطق جنوب ایران، دوتارهای محلی وجود دارند که بدون دستان هستند. رویهٔ کاسهٔ ساز از چوب ساخته شده است. این ساز به خاطر داشتن دو سیم، دوتار نام گرفته است. این دو سیم معمولاً با فاصله‌های صوتی متفاوت نسبت به هم کوک می‌شوند.

    دوتار ،سازی با فقط دو تار

    دوتار، یک ساز موسیقی است که تنها دو سیم دارد.

    تاریخچه

    دوتار یکی از سازهای بسیار مهم و اصیل در موسیقی محلی خراسان شمالی به شمار می‌رود. هنر دوتارنوازی و بخشی‌گری در این منطقه، به عنوان گنجینه‌ای ارزشمند از میراث فرهنگی ایران، در فهرست جهانی یونسکو ثبت شده است.

    برای یادگیری پیشرفته، به روش صحیح مضراب زدن در سه تار مراجعه کنید.

    دوتار در نوشته‌های قدیمی مربوط به موسیقی ایران، گاهی با نام‌های تنبور یا تمبور نیز معرفی شده و از سازهای رایج در ایران باستان محسوب می‌شود که هنوز هم در برخی مناطق کشور نواخته می‌شود. این ساز تاریخچه‌ای چند هزار ساله دارد و در دسته سازهای زهی‌ای قرار می‌گیرد که با زخمه زدن انگشتان دست به سیم‌های آن به صدا درمی‌آید.

    امروزه دوتار در مناطق شمال و شرق خراسان، نواحی ترکمن‌نشین و منطقه کتول در استان گلستان و همچنین بخش‌های شرقی استان مازندران رواج دارد. به این ترتیب می‌توان گفت قلمرو اصلی رایج‌شدن و نواختن دوتار، شمال شرق ایران است.

    برای مطالعه بیشتر، به تاریخچه ساخت اولین پیانو سری سر بزنید.

    ساختمان ساز

    دوتار کاسه‌ای به شکل گلابی و دسته‌ای بلند دارد که روی آن دو سیم (یا تار) قرار گرفته است. دسته‌ی ساز حدود ۶۰ سانتی‌متر و طول کلی آن نزدیک به یک متر است. بخش گلابی‌شکل دوتار را معمولاً از چوب درخت شاه‌توت می‌سازند و دسته‌ی آن از چوب زردآلو یا گردو ساخته می‌شود. در گذشته به جای سیم از رشته‌های ابریشم در این ساز استفاده می‌کردند.

    تکنیک نواختن

    نواختن دوتار به این شکل است که ابتدا سیم‌ها را بدون مضراب می‌کِشند و سپس با حرکاتی به سمت پایین و بالا، تقریباً از همه انگشتان دست برای نوازندگی استفاده می‌کنند.

    سرشناس‌ترین نوازندگان پیشین دوتار

    از نوازندگان نامدار و قدیمی ساز دوتار می‌توان این افراد را نام برد: حاج قربان سلیمانی، استاد نظرمحمد سلیمانی، عباسقلی رنجبر، نظرلی محجوبی، محمدحسین یگانه و الیاقلی یگانه. همچنین در میان نوازندگان امروزی نیز می‌توان از دکتر مجید تکه، علیرضا سلیمانی و عثمان محمدپرست یاد کرد.

  • اردشیر کامکار ،رونق دهنده هنر کمانچه نوازی معاصر

    اردشیر کامکار ،رونق دهنده هنر کمانچه نوازی معاصر

    اردشیر کامکار از استادان نامدار موسیقی ایران است که با مهارت بی‌نظیر خود، جایگاه ساز کمانچه را دگرگون کرد. در این بخش از وبلاگ آنبین، بیشتر با این هنرمند آشنا می‌شویم که نقش چشمگیری در رونق بخشیدن به کمانچه‌نوازی امروزی داشته است.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، بیوگرافی منوچهر چشم آذر را از دست ندهید.

    اردشیر کامکار ،رونق دهنده هنر کمانچه نوازی معاصر

    اردشیر کامکار، نوازنده چیره‌دست کمانچه، قیچک و ویولن، در بیست و هشتم آبان ماه سال ۱۳۴۱ در یک خانواده اهل موسیقی و سنندجی چشم به جهان گشود. خانواده کامکارها نقش بسیار مهمی در موسیقی سنتی ایران ایفا کرده‌اند.
    او یکی از اعضای گروه موسیقی کامکارهاست. اردشیر از سنین کم، نواختن ویولن را نزد پدرش آموخت. پس از مدتی، به عنوان نوازنده کمانچه و ویولن به ارکستر فرهنگ و هنر سنندج پیوست.
    اردشیر کامکار نامی شناخته‌شده در میان نوازندگان کمانچه است. او هنرمندی است که سهم بسیار بزرگی در پیشرفت و رواج کمانچه‌نوازی امروزی و همچنین آموزش و پرورش نوازندگان جوان و بااستعداد داشته است.

    اگر سوالاتی دارید، مقاله ساز زهی چیست؟ به شما کمک خواهد کرد.

    مقاله کوک سنتور در دستگاه های مختلف حاوی اطلاعات جامعی است.

    توصیه می‌کنیم این مطلب آرشه یا کمانه چیست؟ را حتماً بخوانید.

    شفافیت و رسایی در کمانچه نوازی وی

    دلیل اصلی که اردشیر کامکار را به این مسیر کشاند تا صدای کمانچه را از قالب سنتی‌اش خارج کند و وضوح و رسایی ویژه‌ای به آن ببخشد، شاید به انتخاب نخست او یعنی ساز ویولن مربوط باشد. ویولن سازی جهانی با روش‌های مشخص آموزشی بود. سازی که به مرور زمان، بر تکنیک‌های پیشین آن در زمینه‌هایی مانند کیفیت صدا و شیوه‌ی بیان نتها افزوده می‌شد.

    توصیه می‌شود به مطالعه مقاله قمرالملوک وزیری، ام کلثوم ایران ادامه دهید.

    برای گسترش دانش خود، به مقاله سبک موسیقی مینیمال به چه سبکی گفته می شود؟ سر بزنید.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، ژانر موسیقی به چه معناست ؟ را از دست ندهید.

    در مقابل، کمانچه دست‌کم در ایران چنین رشدی را تجربه نکرده بود. هرچند توجه به این ساز نسبت به گذشته بیشتر شده بود، اما تغییر چشمگیری در آن ایجاد نشده بود.

    اردشیر کامکار با افزودن ویژگی‌های جدید به کمانچه، باعث شد تا شمار زیادی از علاقه‌مندان، به ویژه جوانان، به این ساز جذب شوند. صدای شفاف‌تر، کیفیت طنینی هم‌تراز با ویولن و وضعیت‌های جدید دست چپ، همگی باعث شدند تا قطعات بیشتری به عنوان مجموعه‌ای قابل اجرا برای این ساز انتخاب یا حتی تصنیف شوند.

    توصیه می‌کنیم حتماً مقاله درخت آوازه خوان در انگلیس را مطالعه کنید.

    کامکار را می‌توان نخستین نوازنده‌ای دانست که قطعات ابوالحسن صبا – که بیشتر برای ویولن نوشته شده بودند – و دیگر قطعات ویولن را با قابلیت‌هایی که خود در کمانچه کشف کرده بود، به شکلی درست اجرا کرد.

    توصیه می‌شود به مطالعه مقاله ویژگی های پیش درآمد در موسیقی سنتی چیست؟ ادامه دهید.

    برای درک عمیق‌تر این موضوع، مطلب آشنایی با علامت دیز، هشتگ نت ها را بخوانید.

    اگر سوالاتی دارید، مقاله آرمونیکا یا هارمونیکای شیشه ای ، ساز بدنام و کشنده! به شما کمک خواهد کرد.

    از ویژگی‌های برجسته‌ی نوازندگی او در کمانچه، می‌توان به استفاده از وضعیت‌های دست چپ در جایگاه‌های هفتم به بالا و نیز اجرای نواهای هارمونیک اشاره کرد. این تکنیک‌ها پیش از این ویژه‌ی ساز ویولن بودند و اجرای آن‌ها بر روی کمانچه تقریباً دشوار به شمار می‌رفت.

    در این مقاله ساز کوبه ای چیست؟ اطلاعات مفیدی آمده است.

  • روش صحیح مضراب زدن در سه تار

    شیوه درست مضراب زدن روی سه‌تار نکته بسیار مهمی است. این کار هم روی نحوه نواختن و سلامت دست شما تأثیر دارد و هم روی کیفیت صدایی که از ساز بیرون می‌آید. به همین دلیل، در این قسمت از وبلاگ آنبین، نکات کلیدی درباره روش صحیح مضراب زدن در سه‌تار را با شما به اشتراک می‌گذاریم.

    روش صحیح مضراب زدن در سه تار

    به طور خلاصه، اولین نکته کلیدی این است که هنگام مضراب زدن، باید انگشت کوچک، انگشت حلقه و شست شما روی صفحه ساز ثابت بمانند.
    دوم اینکه دست خود را به شکل جمع‌شده روی ساز قرار دهید. انگشت وسط و انگشت اشاره با هم بالا می‌روند و سپس با هم پایین می‌آیند. بعد از برگشت، انگشت اشاره به سیم ضربه می‌زند و از روی آن عبور می‌کند. انگشت وسط در جای اول خود باقی می‌ماند.
    بعد از قرار دادن دست راست روی کاسه ساز و چیدن انگشتان به روشی که گفته شد، ایجاد آرامش و جلوگیری از هرگونه گرفتگی در دست راست (از جمله در ناحیه شانه، بازو و ساعد) از اصول ابتدایی مضراب زدن است.
    برخلاف تصور برخی هنرجویان، برای مضراب زدن نیازی به اعمال هیچ نیرو یا فشاری نیست (چرا که در غیر این صورت، نوازنده‌ای که یک ساعت سه‌تار می‌نوازد باید با خستگی عضلات روبرو شود، در حالی که در واقعیت اینگونه نیست).
    اعمال هرگونه نیروی اضافی و فشار در حین مضراب زدن، نه تنها باعث سفت شدن دست راست می‌شود، بلکه بر کیفیت صدای ساز نیز تاثیر منفی خواهد گذاشت.

    نکات مهم در شیوه مضراب زدن

    درست‌ترین روش برای زدن مضراب سه‌تار، استفاده از وزن و سنگینی انگشت اشاره (انگشت سبابه) است. برای رسیدن به این روش درست، باید چند نکته را رعایت کنید.

    ۱ – در نواختن سه‌تار، وقتی مضراب از پایین به سمت بالا حرکت می‌کند، به آن «مضراب راست» می‌گویند و وقتی حرکت از بالا به سمت پایین است، به آن «مضراب چپ» گفته می‌شود.

    ۲ – ناخن انگشت اشاره بهتر است حدود ۳ تا ۴ میلی‌متر طول داشته باشد، به شکل گرد باشد و لبه‌های تیز یا زاویه‌دار نداشته باشد.

    ۳ – انگشتان دیگر ( مخصوصا سوم و چهارم ) کاملا بدون ناخن بوده ، در غیر این صورت امکان قرارگرفتن نوک انگشتان با صفحه سه تار میسر نخواهد بود.

    ۴ – برخی از هنرجویان به اشتباه با نوک ناخن به سیم‌ها ضربه می‌زنند. جای درست برخورد ناخن با سیم‌ها، لبه سمت چپ ناخن است. در این حالت، لبه ناخن به آرامی با سیم تماس پیدا می‌کند و باعث کشیده شدن یا آسیب دیدن سیم نخواهد شد.

    ۵ – برای اینکه از وزن انگشت به بهترین شکل استفاده کنید، هنگام ضربه زدن باید انگشت را کاملاً باز کنید (به طوری که بندهای آن کاملاً صاف و کشیده شود). در این حالت، انگشت بیشترین وزن را دارد و وقتی به سیم برخورد کند، صدایی رسا، عمیق و پرحجم ایجاد می‌کند، بدون اینکه باعث سفتی یا فشار در دست شود.

    برخلاف تصور بعضی هنرجویان، صدای قوی در سه‌تار ربطی به محکم زدن مضراب ندارد. کلید ایجاد صدای پرحجم، انتقال درست وزن انگشت از طریق ناخن به سیم‌هاست. واضح است که اگر انگشت ارتفاع کمی داشته باشد، نیروی کافی ایجاد نمی‌شود و صداها توخالی و کم‌جان خواهند بود. هنرجویان باید توجه کنند که از ضربه زدن با ارتفاع کم جداً پرهیز نمایند.

    ۶ – هنگام مضراب زدن، انگشت باید کاملاً باز باشد. توجه کنید که برای ایجاد سنگینی و وزن بیشتر، حتماً انگشت از بند سوم (جایی که انگشت به کف دست می‌رسد) خم شود. در این حالت بند دوم هم کاملاً خم می‌شود، اما بند اول اصلاً نباید خم شود. پس از اینکه لبه چپ ناخن به سیم برخورد کرد، نوک انگشت باید به انتهای شست برسد و آن را لمس کند.

    ۷ – دقت شود هنگام حرکت انگشت اول ، انگشت دوم که در فضا آزاد میباشد همراه با  انگشت اول و به موازات آن حرکت داشته باشد. هنرجویانی که انگشت دوم آنان حرکت نداشته باشد در آینده دچار انقباض و سفتی دست  و در مضراب زدن با مشکل مواجه خواهند شد.

    ۸ – هنرجوها باید حدود سه تا چهار جلسه، تمرین‌ها را فقط با مضراب راست و به آرامی انجام دهند. از تند زدن و پشت سر هم مضراب زدن خودداری کنند، چون در این حالت انگشت فرصت کافی برای باز شدن کامل پیدا نمی‌کند. پس از این مرحله، می‌توانند سراغ مضراب چپ بروند.

    ۹ – برای اجرای مضراب چپ، حرکت از انتهای انگشت شست شروع می‌شود (همان نقطه‌ای که مضراب راست تمام شده است). سپس نیمه چپ ناخن به سیم برخورد می‌کند و با باز شدن کامل بندهای انگشت، حرکت به پایان می‌رسد.

  • تاریخچه ساخت اولین پیانو

    تاریخچه ساخت اولین پیانو

    پیانو یکی از پرطرفدارترین سازهاست و بسیاری از مردم آن را سازی باشکوه و چالش‌برانگیز می‌دانند. داستان ساخت پیانو هم بسیار خواندنی است؛ از اینکه نخستین پیانو چگونه پدید آمد و پس از آن چه تحولاتی را پشت سر گذاشت. در ادامه می‌توانید تاریخچه ساخت نخستین پیانو را در وبلاگ آنبین بخوانید. با ما همراه بمانید.

    در صورت علاقه‌مندی، مطلب ۱۰ ساز محبوب غربی را بشناسید! را از دست ندهید.

    تاریخچه ساخت اولین پیانو

    بارتولومئو کریستوفری، که یک سازنده ساز اهل ایتالیا بود، در سال ۱۷۰۷ میلادی پیانو را ساخت. پیانو در واقع نسخه پیشرفته‌تری از ساز قدیمی‌تری به نام هارپسیکورد است. هارپسیکورد از نظر ظاهری خیلی شبیه پیانو بود، اما صدای آن همیشه یکنواخت و کم قدرت بود و برای کنسرت‌های بزرگ مناسب نبود.

    کریستوفری سعی کرد روش تولید صدا در هارپسیکورد را تغییر دهد و در نهایت توانست اختراع جدیدش، یعنی پیانو، را به ثبت برساند. نام «پیانو» در واقع از یک عبارت ایتالیایی بلند گرفته شده است: «gravicembalo col piano e forte». معنی این عبارت می‌شود: هارپسیکوردی که می‌تواند صدای نرم و صدای قوی تولید کند.

    در هارپسیکورد، وقتی کلیدها را فشار می‌دهید، یک وسیله کوچک شبیه مضراب به سیم‌ها ضربه می‌زند و صدا ایجاد می‌کند. اما در این ساز، مهم نیست چقدر محکم کلید را فشار دهید؛ صدا همیشه با یک شدت ثابت بیرون می‌آید و قوی یا ضعیف نمی‌شود.

    توصیه می‌کنیم حتماً مقاله ناشر نخستین آلبوم راک اند رول انگلیسی ایران که بود؟ را مطالعه کنید.

    تاریخچه ساخت اولین پیانو

    ارتقای هارپسیکورد

    در واقع نوازندگان و سازندگان ساز به دنبال بهبود هارپسیکورد و رفع این محدودیت بودند. با اختراع پیانو و استفاده از سیستم چکشی برای تولید صدا، نقطه ضعف هارپسیکورد و سازهای مشابه برطرف شد.

    توصیه می‌شود به مطالعه مقاله آشنایی با بانو سیمین آقارضی ادامه دهید.

    شاید بارتولومئو کریستافوری، کسی که پیانو را اختراع کرد، هرگز تصور نمی‌کرد روزی این ساز به محبوب‌ترین ساز دنیا تبدیل شود. این ساز تقریباً برای یک دهه ناشناخته ماند و کسی با آن آشنا نبود تا اینکه در سال ۱۷۱۱ یک نویسنده مقاله‌ای درباره آن نوشت. این اتفاق به تدریج باعث شد افراد زیادی در سراسر جهان کم‌کم با پیانو آشنا شوند.

    اگرچه کریستافوری به عنوان مخترع پیانو شناخته می‌شود، اما باید بدانیم که در آن سال‌ها بسیاری از سازندگان ساز در تلاش بودند تا مکانیسم چکش را به هارپسیکورد اضافه کنند. اسکروتر، نوازنده ارگ اهل آلمان، یکی از کسانی بود که تقریباً همزمان با کریستافوری به فکر ایجاد سیستم چکشی برای هارپسیکورد افتاد.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه آیا پهلوان آواز ایران را می شناسید؟.

    او ادعا می‌کرد که با شنیدن نوازندگی هبن‌استریت روی ساز دولسیمر (ساز زهی‌ای شبیه به سنتور) به فکر ساخت مکانیسم چکش برای هارپسیکورد افتاده است. او امید داشت از حکومت وقت کمک مالی دریافت کند و ادعای خود را نیز به پادشاه ارائه داد. اگرچه با استقبال روبرو نشد و نتوانست پیانویی به نام خود بسازد، اما حدود سال ۱۷۲۴ پیانوهایی با مکانیسم پیشنهادی او ساخته شدند.

    برای اطلاعات بیشتر، به مقاله محبوب ترین سازهای سنتی ایرانی کدامند ؟ مراجعه کنید.

    توصیه می‌شود به مطالعه مقاله شباهت ها و تفاوت های ساز قانون و سنتور ادامه دهید.

    تاریخچه ساخت اولین پیانو

    تولید مکانیسم اسکروتر

    پس از آن، سیلبرمن که در آن دوران استاد بزرگی در ساخت ارگ بود، با ایجاد تغییرات کوچک و ساده‌سازی، پیانوهایی با مکانیسم اسکروتر تولید کرد. با این حال، این سیستم ساده‌شده چندان کارآمد نبود و گفته می‌شود که باخ، آهنگساز نامی، این پیانوها را نمی‌پسندید.
    به هر صورت، سیلبرمن کارگاه‌هایی برای ساخت پیانو راه انداخت که در نتیجه آن، سبک آلمانی و سبک فرانسوی در ساختن این ساز پدید آمد. او در کار خود از هر دو مکانیسم اکشن کریستوفری و اسکروتر استفاده می‌کرد.
    پیش از ساخته شدن پیانو، سازی قدیمی‌تر به نام هارپسیکورد مورد استفاده قرار می‌گرفت.
    مهم‌ترین تفاوت پیانو با سازهای مشابه پیش از خود این بود که در آن سازهای قدیمی، حجم صدای تولیدشده با فشردن یک کلید، بدون توجه به نیرویی که به کلید وارد می‌شد، همیشه ثابت و یکسان بود.

  • آواز یا آهنگ دشتی چیست؟

    آواز یا آهنگ دشتی چیست؟

    آوازهای محلی منطقه اران را می‌توان به شیوه‌های مختلفی دسته‌بندی کرد. یکی از این دسته‌بندی‌ها، آواز دشتی نام دارد. آواز دشتی در واقع از دستگاه شور سرچشمه می‌گیرد. در ادامه این نوشته، بیشتر با این سبک آواز آشنا خواهیم شد.

    آواز یا آهنگ دشتی چیست؟

    آواز دشتی یکی از مقام‌های موسیقی سنتی ایران است و زیرمجموعه‌ای از دستگاه شور به شمار می‌آید. نام این آواز به احتمال زیاد از منطقه دشتستان گرفته شده که امروزه بخشی از استان بوشهر است و همسایه استان فارس می‌باشد. با این حال، برخی از بخش‌های این آواز، شباهت زیادی به موسیقی مناطق شمال ایران به ویژه موسیقی گیلان دارد.

    آواز دشتی تنها آوازی است که نت اصلی دانگ آغازین آن ثابت نیست و می‌تواند تغییر کند. به این صورت که اگر چهار نت آغازین آن فا، سل، لا و سی بمل باشند، نت لا که نت اصلی است، به لا کرن (یعنی حدود ربع پرده پایین‌تر) تبدیل می‌شود. این آواز با وجود حس غم و اندوهی که دارد، در عین حال بسیار نازک‌بافت و ظریف است.

    آواز دشتی روایتگر سادگی و بی‌پیرایگی است؛ آوازی که با دشت‌ها، کوه‌ها و جنگل‌های سرسبز ایران هم‌آواست، زیبا و بی‌پایان. آواز دشتی یعنی زندگی یک چوپان، به همان سادگی و بی‌آلایشی.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، شباهت ها و تفاوت های ساز قانون و سنتور را از دست ندهید.

    آواز یا آهنگ دشتی چیست؟

    آواز چوپانی ایران

    آواز دشتی را می‌توان آواز چوپانی ایران دانست، همان‌طور که در یونان باستان نیز آواز چوپانی رواج داشت و فرانسویان به آن «آواز چوپانی» می‌گویند.
    این آواز، غم و اندوه روزگار، ناله‌ها و شکوه‌های عاشقانه را با زبانی نرم و احساسی بیان می‌کند. گوشه‌های زیبایی مانند بیدگانی، دیلمان، چوپانی، غم‌انگیز، مثنوی، گیلکی و گوچه‌باغی بخشی از آواز دشتی هستند.
    بسیاری از تصنیف‌ها و آثار به‌یادماندنی موسیقی ایرانی در این آواز اجرا شده‌اند و آهنگسازان فراوانی کارهای خود را در قالب دشتی ساخته‌اند. سرود «ای ایران» ساخته استاد روح‌الله خالقی نمونه‌ای از این آثار ماندگار در آواز دشتی است.
    همچنین استاد ابوالحسن صبا نغمه «دیلمان» را با الهام از طبیعت زیبای منطقه دیلمان آفریدند و این نغمه زیبا به عنوان یک گوشه در آواز دشتی به مجموعه‌های موسیقی ایرانی افزوده شد.

    برای یادگیری پیشرفته، به آشنایی با بانو سیمین آقارضی مراجعه کنید.

    در صورت علاقه‌مندی، مطلب ناشر نخستین آلبوم راک اند رول انگلیسی ایران که بود؟ را از دست ندهید.

  • اُرف چیست؟

    اُرف چیست؟

    در آموزش موسیقی به کودکان، معمولاً از سازهای ویژه‌ای استفاده می‌شود تا بچه‌ها بتوانند به سادگی با دنیای موسیقی ارتباط برقرار کنند و اصول آن را بهتر و آسان‌تر بیاموزند. یکی از مهم‌ترین و پرکاربردترین سازها در این زمینه، ساز ارف است. در این نوشته از وبلاگ آنبین، می‌خواهیم بیشتر با ساز ارف و ویژگی‌های آن آشنا شویم.

    اُرف چیست؟

    ارف در واقع نام کارل اُرف، آهنگساز و مربی موسیقی آلمانی است. او روش آموزشی بسیار مؤثری برای یادگیری موسیقی به کودکان ابداع کرد و به همین دلیل، کلاس‌های موسیقی کودک اغلب به نام او شناخته می‌شوند. امروزه در ایران تقریباً همه کلاس‌های موسیقی کودک را —حتی آن‌هایی که دقیقاً از روش ارف پیروی نمی‌کنند— با نام «ارف» می‌شناسند. این روش در سراسر جهان نیز تدریس می‌شود.

    ارف روشی برای آموزش موسیقی به کودکان است که اهمیت زیادی دارد، زیرا کودکان به سادگی با آن ارتباط برقرار می‌کنند و یادگیری موسیقی را برای آن‌ها جذاب‌تر و آسان‌تر می‌سازد. در حقیقت، ارف موسیقی ویژه کودکان است که از سنین کم آغاز می‌شود تا آن‌ها نیز بتوانند موسیقی را بیاموزند.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه گام در موسیقی چیست؟.

    اگر سوالاتی دارید، مقاله آشنایی با یکی از مفاخر موسیقی سنتی ایرانی، نصرالله ناصح پور به شما کمک خواهد کرد.

    شیوه نواختن در روش ارف میان بزرگسالان و حتی هنرجویان بالای ده سال چندان شناخته شده نیست. دلیل آن این است که این شیوه، برای آموزش سازهای موسیقی به کودکان زیر ده سال طراحی شده است. به همین خاطر، می‌توان ارف را بهترین راه برای شروع موسیقی در کودکان دانست.

    در صورت علاقه‌مندی، مطلب گام در موسیقی چگونه نامگذاری می گردد ؟ را از دست ندهید.

    برای گسترش دانش خود، به مقاله کاخن از کجا می آید؟ سر بزنید.

    اطلاعات جامع‌تری در مورد این موضوع را در نکات مهمی که باید در مورد کاخن بدانید پیدا کنید.

    بهترین روش برای تعلیم موسیقی به کودکان

    ارف، روشی عالی و دلپذیر برای آموزش موسیقی به کودکان است. پژوهش‌ها نشان می‌دهند که موسیقی بر روح و روان انسان تأثیر می‌گذارد. گوش دادن به موسیقی می‌تواند به آرامش ذهن و کاهش نگرانی‌ها کمک کند. برای بهره‌مندی از فواید فراوان موسیقی، بهتر است یادگیری آن از سال‌های کودکی آغاز شود.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، بیوگرافی جیمزمارشال هندریکس را از دست ندهید.

    آموزش ارف ویژه کودکانی طراحی شده که به دلیل سن کم، نمی‌توانند از درس‌های تخصصی موسیقی استفاده کامل ببرند. یادگیری موسیقی از حدود دو تا سه‌سالگی شروع می‌شود و تا پنج سالگی، کودکان می‌توانند سازهای ساده را بیاموزند. آموزش نواختن سازهای جدی‌تر معمولاً از پنج سالگی به بعد نتایج بهتری دارد.

    ارف دارای دوره های متنوع است

    اُرف چیست؟
    این دوره‌ها شامل آموزش خواندن نت‌های موسیقی، درک و اجرای ریتم و نواختن سازهای بلز و فلوت ریکوردر است. در این کلاس‌ها، کودکان اصول اولیه و پایه‌ای که برای نواختن یک ساز لازم است را یاد می‌گیرند. گاهی علاوه بر این دو ساز، طبلک نیز به کودکان آموزش داده می‌شود تا احساس ریتم در آن‌ها تقویت شود.

  • روش های بهبود صدای تو دماغی

    روش های بهبود صدای تو دماغی

    اگر به خوانندگی علاقه دارید، ممکن است صدای تودماغی یکی از چالش‌هایی باشد که پیش روی شماست. این ویژگی صوتی گاهی می‌تواند مانعی برای پیشرفت یا حتی شروع کار خوانندگی به نظر برسد. با این حال، خوب است بدانید که این حالت صدا دلایل مشخصی دارد و برطرف کردن آن کاملاً امکان‌پذیر است. تنها لازم است ابتدا ریشه این مسئله را بشناسید و سپس راهکارهای اصلاح آن را به کار بگیرید. در ادامه این نوشته از وبلاگ آنبین، با شیوه‌های کاهش و بهبود صدای تودماغی بیشتر آشنا خواهید شد.

    نحوه اصلاح صدای تو دماغی

    گفتار تو دماغی که در جامعه با همین نام شناخته می‌شود، یک نوع اختلال در صحبت کردن است. در این حالت، هوا به جای خروج از دهان، از راه بینی خارج می‌شود. این نوع صدا معمولاً ناخوشایند تلقی می‌شود. در موسیقی سبک کانتری این صدا پذیرفته شده است، اما در سبک‌هایی مانند پاپ، کر، رپ و دیگر آوازهای امروزی معمولاً قابل قبول نیست.

    تکلم تو دماغی در واقع به مشکل در تشدید یا عبور هوا از بینی هنگام حرف زدن گفته می‌شود. متخصصان گفتاردرمانی برای اشاره به این حالت از اصطلاح “صدای خیشومی” استفاده می‌کنند. این مشکل ممکن است به دلیل انسداد یا گرفتگی بینی ایجاد شود. در چنین شرایطی، تلفظ حروفی که نیاز به عبور هوا از بینی دارند، با مشکل روبه‌رو می‌شود.

    خوانندگانی که صدای تو دماغی دارند، معمولاً به راحتی با گروه‌های کر هماهنگ می‌شوند، اما صدایشان ممکن است کم‌جلوه یا خاموش به نظر برسد. صدای تو دماغی زمانی ایجاد می‌شود که کام نرم — که یک بافت نرم در سقف دهان است — به اندازه کافی بالا نرود. برای تولید صدایی شفاف و رسا، این بخش باید به سمت بالا کشیده شود. اگر کام نرم بالا نرود، صدا تو دماغی می‌شود. این صدا در نتیجه هوایی است که به علت محدودیت فضای پشت گلو، از مسیر بینی خارج می‌شود.

    صدای تودماغی چگونه است

    صدای تودماغی یا هیپونازال، شبیه حالتی است که انگار چیزی راه بینی را بسته است. برای اینکه این صدا را بهتر بشناسید، می‌توانید با دست بینی خود را بگیرید و حرف بزنید. در این حالت، ممکن است یک یا چند مورد از این نشانه‌ها را داشته باشید:

    کیپ شدن بینی
    سختی در نفس کشیدن از راه بینی
    آبریزش زیاد بینی
    درد گلو و سرفه
    کم شدن یا از دست دادن حس بویایی و چشایی
    خر و پف
    سینوزیت

    علل تکلم تو دماغی :

    دلیل تو دماغی صحبت کردن معمولاً به بسته شدن مسیر هوای بینی مربوط می‌شود. این دلایل عبارتند از:
    ۱- مشکلات ساختاری مانند بزرگ شدن لوزه سوم، پولیپ بینی و کج بودن دیواره بینی
    ۲- کلفت شدن پوشش داخلی بینی به دلیل بیماری‌های طولانی مدت
    ۳- تورم پوشش داخلی بینی در اثر حساسیت یا آلرژی
    ۴- آسیب و ضربه به بینی

    برای رفع تو دماغی صحبت کردن، باید علت ایجاد آن را برطرف کرد. این کار ممکن است با درمان پزشکی یا در برخی موارد با عمل جراحی انجام شود.

    سه قسمت اصلی که در ساختن صدا نقش دارند:
    ۱- شش‌ها و دیافراگم
    ۲- حنجره
    ۳- حفره‌های تشدیدکننده صدا

    حفره‌های گلو، بینی و دهان علاوه بر اینکه مسیر عبور هوا و محل تولید بیشتر صداها هستند، باعث تقویت صدایی که از آنها می‌گذرد شده و روی بلندی و کیفیت آن تأثیر می‌گذارند.

    مشکلات مربوط به تشدید صدا به سه دسته اصلی تقسیم می‌شوند:
    ۱- تشدید بیش از حد از راه بینی: صدا خیلی تو دماغی است. دلیل این حالت می‌تواند وجود شکاف یا سوراخ در سقف دهان مانند شکاف کام و لب یا شکاف پنهان در زیر مخاط باشد.
    ۲- نشت هوا از بینی: خروج هوا از بینی که ممکن است با صدا یا بی‌صدا باشد. علت‌های مختلفی دارد مانند سوراخ در قسمت جلویی دندان‌ها، سوراخ در بخش میانی سقف دهان یا سوراخ در بخش پشتی سقف دهان.
    ۳- تشدید کم از راه بینی: هوای لازم برای تولید همه صداها از دهان خارج می‌شود، به جز دو صدای «م» و «ن» که در آنها هوا از بینی خارج شده و در حفره بینی تقویت می‌شود. در این حالت وقتی صدا نیاز به تشدید بیشتر در بینی دارد، به اندازه کافی تقویت نمی‌شود.

    روش های بهبود صدای تو دماغی

    در واقع، نوع درمان و داروهایی که پزشک برای شما تجویز می‌کند، به علت اصلی ایجاد این مشکل بستگی دارد.
    **درمان با دارو:** داروهای رقیق‌کننده خون، ضدحساسیت و اسپری‌های بینی کورتونی می‌توانند تورم را کم کرده و گرفتگی بینی ناشی از آلرژی، عفونت سینوس‌ها یا پولیپ را برطرف کنند. اگر عفونت سینوسی از نوع باکتریایی باشد، آنتی‌بیوتیک‌ها نیز برای درمان آن استفاده می‌شوند.

    **جراحی:** بسیاری از مشکلات ساختاری که باعث صدای تودماغی می‌شوند، با عمل جراحی بهتر می‌شوند، مانند:
    * خارج کردن لوزه‌ها یا لوزه سوم
    * جراحی برای اصلاح انحراف تیغه بینی
    * آندوسکوپی بینی برای برداشتن پولیپ
    * جراحی برای بلند کردن کام نرم کوتاه
    * عمل ترمیم شکاف کام در کودکان، معمولاً در حدود یک سالگی

    **گفتاردرمانی:** شما می‌توانید قبل یا بعد از جراحی، از گفتاردرمانی کمک بگیرید. متخصص گفتاردرمانی ابتدا میزان مشکل شما را ارزیابی می‌کند تا بهترین روش درمان را انتخاب کند. سپس به شما آموزش می‌دهد که چگونه زبان، لب‌ها و فک خود را به درستی حرکت دهید تا صداها و حروف را واضح و صحیح ادا کنید.
    معمولاً درمانگر، یک سری تمرین را برای انجام در خانه به شما می‌دهد. بهترین روش تمرین، تقلید دقیق از نحوه صحبت کردن درمانگر شماست. حتی می‌توانید با تلفظ درست حروف، آواز بخوانید یا کلمات را با حالات احساسی مختلف مثل گریه یا خنده بیان کنید. برخلاف برخی توصیه‌ها، تمرین‌های دمیدن یا مکیدن معمولاً به بستن بهتر دریچه بین حلق و بینی کمکی نمی‌کنند.

    با توجه به همه این راه‌حل‌ها، به خاطر داشته باشید که صدای هر کس منحصر به خودش است. اگر احساس می‌کنید صدایتان کمی تودماغی است، اما هیچ یک از مشکلات پزشکی گفته شده در این متن را ندارید، احتمالاً این صدا در واقع همان صدای طبیعی و ویژه شماست و نیاز به تغییر یا درمان ندارد. یادمان باشد که اغلب ما نسبت به صدای خودمان، حساسیت بیشتری داریم تا دیگران.
     
     

  • ۱۰ حقیقت جالب در مورد فلوت

    ۱۰ حقیقت جالب در مورد فلوت

    فلوت، برترین و جذاب‌ترین ساز در دسته سازهای بادی چوبی به شمار می‌رود. در ارکستر سمفونیک به راحتی می‌توان فلوت را از شکل ظاهری آن تشخیص داد، چون تنها ساز بادی‌ای است که از سمت پهلو نواخته می‌شود. در این نوشته با ده واقعیت خواندنی درباره فلوت آشنا خواهید شد.

    ۱۰ حقیقت جالب در مورد فلوت

    ۱ – فلوت، در اصل یک لوله باز است که با دمیدن در آن صدا ایجاد می‌شود (حتی یک بطری خالی نوشابه هم می‌تواند چنین کاری کند).
    ۲ – نخستین بار واژه «فلوت» در شعرهای «خانه شهرت» اثر جفری چاسر دیده شد.
    ۳ – فلوت از کهن‌ترین سازهای موسیقی است که بشر ساخته و هزاران سال است نواخته می‌شود.
    ۴ – مردمان باستان مانند سامری‌ها، مصری‌ها، یونانیان، هندی‌ها، چینی‌ها و ژاپنی‌ها همگی گونه‌های اولیه فلوت امروزی را می‌نواختند. فرهنگ‌های گوناگون اغلب فلوت مخصوص به خود را دارند و بسیاری از این سازها به طور مستقل در نقاط مختلف جهان پدید آمده‌اند.
    ۵ – در طول تاریخ، فلوت را از مواد مختلفی مانند استخوان، عاج فیل، چوب، یشم، شیشه، پلاستیک، برنج، نیکل، نقره، طلا و حتی پلاتین ساخته‌اند.

    ۶ – هر فلوت صدای منحصر به فردی دارد. چه از فلز ساخته شده باشد و چه چوب، به شدت صدایش فرق می کند. ضخامت فلز هم صدا را تغییر می دهد.

    ۷ – برخی از فلوت‌ها با دمیدن هوا به لبه یک سوراخ صدا تولید می‌کنند، مثل فلوت‌های رایج در موسیقی غربی. بعضی دیگر هم دارای یک قطعه دهنی هستند که هوا را مستقیماً به لبه سوراخ هدایت می‌کند، مانند ساز رکوردر یا اُکارینا.

    ۸ – صدای فلوت از جریان پیوسته هوایی ایجاد می‌شود که درون ساز می‌لرزد. این هوا با برخورد به دیواره‌های داخلی فلوت، هوای داخل لوله را مرتعش کرده و صدا پدید می‌آید. با باز و بسته کردن سوراخ‌های روی بدنه، طول مؤثر لوله تغییر می‌کند و در نتیجه زیر و بم صدا عوض می‌شود. همچنین با کم و زیاد کردن فشار دمش می‌توان هارمونی‌های مختلفی ایجاد کرد، حتی بدون آنکه سوراخ‌ها را بپوشانیم.

    در اینجا می‌توانید اطلاعات کامل‌تری درباره تاریخچه گرامافون بیابید.

    ۹ – بعضی فلوت‌ها به صورت عمودی نواخته می‌شوند، مانند فلوت پن‌پایپ یا فلوت بامبوی ژاپنی. اما نوعی که به صورت افقی در دست گرفته می‌شود، فلوت عرضی یا ترنسورس نام دارد.

    برای اطلاعات بیشتر، به مقاله چه سازهایی در موسیقی جاز نواخته می‌شوند؟ مراجعه کنید.

    مقاله زندگی کوتاه جرج گرشوین ،پیانیست مشهور آمریکایی حاوی اطلاعات جامعی است.

    ۱۰ – فلوت حتی اگر از جنس فلز ساخته شده باشد، باز هم در دسته سازهای بادی چوبی قرار می‌گیرد. این باور که فلوت سازی بادی چوبی بدون زبانه است، درست نیست.

  • مفهوم رزونانس در موسیقی

    مفهوم رزونانس در موسیقی

    پدیده تشدید صدا که به آن رزونانس نیز گفته می‌شود، در دنیای موسیقی نقش بسیار مهمی ایفا می‌کند. این اتفاق برای کسانی که علاقه‌مند به پیشرفت در هنر خوانندگی هستند، موضوعی کلیدی و بااهمیت به شمار می‌رود. در این نوشته از وبلاگ آنبین، با معنای رزونانس در موسیقی بیشتر آشنا خواهید شد.

    مفهوم رزونانس در موسیقی چیست؟

    همانطور که پیش از این اشاره شد، رزونانس صدا در واقع همان پدیده تشدید است که ممکن است از درس‌های فیزیک دوران مدرسه آن را به یاد داشته باشید. اما وقتی صحبت از صدای انسان به میان می‌آید، این پدیده اهمیت ویژه‌ای پیدا می‌کند و می‌تواند به زیباتر و رساتر شدن صدای ما کمک کند.

    رزونانس در صدای انسان عمدتاً در حفره‌های سر رخ می‌دهد. به این شکل که انرژی نوسانی صدا در این فضاها جمع می‌شود و سپس به صورت یک نیروی کوچک و تکرارشونده، باعث ایجاد نوسان‌هایی با قدرت و حجم بیشتر می‌گردد.

    توصیه می‌کنیم حتماً مقاله دانستی های جالب در مورد سیم های سنتور را مطالعه کنید.

    حتی اگر قصد استفاده حرفه‌ای از صدای خود را نداشته باشیم، بهتر است این توانایی را در خود پرورش دهیم تا صدایی جذاب‌تر و دلنشین‌تر داشته باشیم. این صدای زیبا و گیرا، ابزاری برای برقراری ارتباط مؤثرتر و دستیابی به موفقیت‌های بیشتر در زندگی خواهد بود.

    در صورت علاقه‌مندی، مطلب مرصع خوانی چیست ؟ را از دست ندهید.

    بحث رزونانس در آموزش صداسازی، به حفره‌های تشدیدکننده صدا در بدن مانند قفسه سینه، فضای دهان و سر مربوط می‌شود. یک خواننده یا سخنور با تمرین‌های مناسب می‌تواند توانایی استفاده از این فضاها را در خود تقویت کند. به طور کلی، رزونانس در فیزیک نیز به مفهوم تقویت نوسان‌ها یا بازتاب صدا اشاره دارد.

    در تعریف رزونانس آمده است :

    تشدید یا رزونانس در فیزیک به پدیده‌ای گفته می‌شود که در آن یک سیستم در فرکانس‌های خاصی با بیشترین نوسان و دامنه حرکت می‌کند. به این فرکانس‌های خاص، فرکانس تشدید می‌گویند. در این حالت، انرژی ارتعاشی در جسم جمع می‌شود و حتی یک نیروی کوچک و تکرارشونده می‌تواند باعث نوسان‌های بزرگی شود.

    هر خواننده به طور طبیعی حدود دو اکتاو محدوده صوتی دارد؛ از پایین‌ترین نتی که می‌تواند بخواند تا بالاترین آن. این دو اکتاو را می‌توان به چهار بخش تقسیم کرد؛ به طوری که هر اکتاو خود شامل دو بخش است.

    به عنوان مثال، اگر پایین‌ترین صدای یک فرد نت A (لا) روی خط پنجم کلید فا باشد و بالاترین صدایش نت E (می) بین خطوط چهارم و پنجم کلید سل، آنگاه چهار بخش صدای او به صورت زیر تقسیم‌بندی می‌شود:
    بخش اول: از نت A در کلید فا تا نت D
    بخش دوم: از نت D در کلید سل تا نت G
    بخش سوم: از نت G تا نت C
    بخش چهارم: از نت C تا بالاترین نت صدای فرد

    نکته بسیار مهم و کلیدی در خوانندگی، خارج شدن صحیح صدا از جایگاه طبیعی تشدید آن است. وقتی یک خواننده به شکل اصولی و علمی می‌خواند، در هر یک از این بخش‌ها باید لرزش را در جایگاه مخصوص به خود احساس کند.
    بخش اول: احساس لرزش در حفره‌های تنفسی سینه
    بخش دوم: احساس لرزش در لب بالا
    بخش سوم: احساس لرزش در سینوس‌های گونه
    بخش چهارم: احساس لرزش در سینوس‌های پیشانی

    ریشه واژه رزونانس از کجا آمده است ؟

    نکته جالبی درباره کلمه رزونانس یا تشدید وجود دارد: این واژه از یک کلمه لاتین به معنای “بازتاب صدا” گرفته شده است. شاید اگر با موسیقی سر و کار داشته باشید، دیوارهای آکوستیک را دیده باشید. به نظر شما دلیل استفاده از این دیوارها چیست؟ در واقع، این طراحی ویژه در سالن‌های موسیقی برای جلوگیری از بازتاب صدا و جذب انرژی و ارتعاشات آن — که همان پدیده رزونانس صوتی است — به کار می‌رود. زیرا اگر این بازتاب‌ها کنترل نشوند، می‌توانند کیفیت صدای اصلی را خراب کنند.

    چند نوع رزونانس وجود دارد؟

    پدیده تشدید یا رزونانس به شکل‌های گوناگونی دیده می‌شود. به طور کلی می‌توان آن را در چند دسته اصلی جای داد: تشدید مکانیکی، تشدید صوتی، تشدید الکترومغناطیسی، تشدید مغناطیسی هسته‌ای، تشدید چرخش الکترونی و تشدید موج کوانتومی. از میان این انواع، معمولاً تنها تشدید صوتی و مکانیکی هستند که به طور مستقیم و ملموس برای ما قابل درک و تجربه می‌باشند.

    در این مقاله سوالات رایج در مورد سیم سنتور و زمان تعویض آن اطلاعات مفیدی آمده است.