دسته: موسیقی

  • یافته‌های علمی درباره فواید موسیقی بی کلام

    یافته‌های علمی درباره فواید موسیقی بی کلام

    خیلی از مردم شنیدن موسیقی بی‌کلام را بسیار دوست دارند. اما جالب است بدانید که فواید این نوع موسیقی فقط به لذت بردن ختم نمی‌شود. در این نوشته از وبلاگ آنبین می‌خواهیم به شما بگوییم که موسیقی بی‌کلام چگونه روی احساسات، افکار و حتی بدن شما اثر می‌گذارد.

    برای یادگیری پیشرفته، به مهارت خود را در نوازندگی پیانو بالا ببرید مراجعه کنید.

    فواید موسیقی بی کلام

    بهبود سلامت روانی

    تحقیقات جدید نشان می‌دهد که بین سلامت روان و گوش دادن به موسیقی کلاسیک رابطه مستقیمی وجود دارد. کسانی که به موسیقی‌های بدون کلام گوش می‌دهند، معمولاً استرس، نگرانی و احساس افسردگی کمتری دارند. همچنین این افراد توانایی بیشتری در تحمل و کنترل درد از خود نشان می‌دهند. به عنوان نمونه، در یک مطالعه مشخص شد اگر بیماران قبل از عمل جراحی به موسیقی بی‌کلام گوش دهند، پس از عمل، درد و اضطراب کمتری را احساس می‌کنند.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه  راه های تقویت صدای ساز ویلون .

    کاهش فشار خون

    بین فشار خون و استرس ارتباط مستقیمی وجود دارد. یکی از مزایای گوش دادن به موسیقی کلاسیک، کاهش فشار خون و در نتیجه، کم شدن هورمون‌های استرس است.
    در این زمینه پژوهشی انجام شده که در آن ۶۰ نفر از افراد دارای فشار خون بالا، که مشکل قلبی نداشتند، انتخاب شدند. از نیمی از این افراد خواسته شد به مدت شش هفته به موسیقی کلاسیک گوش دهند و نیم دیگر در سکوت و آرامش به مدت ۳۰ دقیقه بنشینند.
    در پایان تحقیق، مشخص شد آن دسته که به موسیقی بدون کلام گوش داده بودند، فشار خون کمتری نسبت به گروهی که در سکوت بودند داشتند. همچنین موسیقی موتزارت و اشتراوس در کاهش فشار خون، تأثیر بیشتری نسبت به موسیقی پاپ نشان داد.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، حتماً میکروفن‌ دینامیک چیست؟ را بخوانید.

    مقاله تفاوت پیانو، ارگ و کیبرد حاوی اطلاعات جامعی است.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، حتماً تاثیر موسیقی بر جنین و نوزاد را بخوانید.

    در اینجا می‌توانید اطلاعات کامل‌تری درباره بیوگرافی استاد داوود آزاد بیابید.

    خواب بهتر

    یکی از مزایای خوب موسیقی بی‌کلام، بهتر کردن خواب است. محققان در یک مطالعه، دو گروه از دانش‌آموزان را بررسی کردند: یک گروه قبل از خواب به کتاب صوتی گوش می‌دادند و گروه دیگر به موسیقی بی‌کلام. نتیجه این آزمایش نشان داد آن‌هایی که حدود ۴۵ دقیقه پیش از خوابیدن موسیقی بی‌کلام شنیده بودند، زودتر خوابشان می‌برد، شب‌ها کمتر بیدار می‌شدند و پس از بیدار شدن نیز سرحال‌تر و پرانرژی‌تر بودند.

    بهبود عملکرد شناختی مغز

    پژوهشگران فرانسه به این نتیجه رسیده‌اند که وقتی در زمان تدریس به دانش‌آموزان، موسیقی کلاسیک به آرامی در کلاس پخش شود، عملکرد درسی آن‌ها بهتر می‌شود و نمرات بالاتری کسب می‌کنند. به نظر می‌رسد ریتم و ساختار موسیقی کلاسیک، باعث فعال‌تر شدن مغز شده و به یادگیری کمک می‌کند.

  • بیوگرافی هنگامه اخوان

    بیوگرافی هنگامه اخوان

    هنگامه اخوان از خوانندگان باسابقه موسیقی اصیل ایرانی و از هنرمندان زن مطرح کشور است. او فعالیت هنری خود را سال‌ها قبل از انقلاب آغاز کرد و تا امروز همچنان در زمینه موسیقی فعال می‌باشد. در این نوشته از وبلاگ آنبین، زندگی‌نامه این هنرمند را مرور می‌کنیم.

    کودکی و آغاز مسیر موسیقی

    هنگامه اخوان در سی‌ویکم خردادماه سال ۱۳۴۳ در روستای کلاشم پایین از توابع شهرستان صومعه‌سرا در استان گیلان به دنیا آمد. او کوچک‌ترین عضو خانواده بود. پدر، مادر و برادرش همگی صدای خوش و گیرایی داشتند، اما تنها هنگامه بود که به صورت جدی و حرفه‌ای به سمت موسیقی رفت. این پدرش بود که او را با دنیای نغمه‌ها و آواز آشنا کرد. وقتی هنگامه تنها ده سال داشت، پدرش آواز دشتی را به او یاد داد و نام قمرالملوک وزیری را به او شناساند.علاوه بر این، هنگامه تا پایان دوره دبستان همراه برادرش در گروه‌های سرود مدرسه فعالیت می‌کرد و آواز می‌خواند. پس از چندی برای دیدار با خواهر بزرگ‌ترش به تهران رفت و با مشاهده امکانات گسترده‌تر آموزش موسیقی در پایتخت، تصمیم گرفت برای ادامه راه در تهران بماند. او در آزمون خوانندگی رادیو شرکت کرد و نمونه‌ای ضبط کرد که در آن یکی از ساخته‌های علی تجویدی و چندین ملودی که پدرش به او آموخته بود، اجرا شده بود.هیئت داوران رادیو شامل مرتضی حنانه، علی تجویدی، حبیب‌الله بدیعی، جواد معروفی و فلاح بودند. سه نفر از آنان کار او را تأیید کردند، اما دو نفر دیگر خواستار آزمون مجدد شدند. در این آزمون دوم، به دلیل آشنایی نداشتن با ردیف‌های موسیقی، پذیرفته نشد. اما این شکست او را ناامید نکرد. هنگامه در دوره‌های فشرده آموزشی ثبت‌نام کرد و ردیف‌های موسیقی را فراگرفت تا اینکه پس از چند هفته در آزمون بعدی موفق به قبولی شد.

    مسیر آموزش هنگامه اخوان

    شورای رادیو، افرادی که در آزمون پذیرفته شده بودند را برای یادگیری آواز نزد استاد ادیب خوانساری فرستاد. او به مدت ده سال، زیر نظر این استاد، ردیف‌های آوازی و روش‌های خواندن را فراگرفت. همچنین نوازنده‌ای به نام ابراهیم سرخوش که تار می‌نواخت، در بیشتر کلاس‌ها حاضر می‌شد و با هنرجوها هم‌نوازی می‌کرد. هنگامه اخوان گفته که استاد ادیب خوانساری شاگردان بسیار زیادی داشت، ولی در حال حاضر فقط اوست که به عنوان یادگار و نماینده‌ی هنر آن استاد بزرگ باقی مانده است.

    فعالیت در رادیو

    هنگامه اخوان کار خود در رادیو را از سال ۱۳۵۴ شروع کرد و نخستین آثارش مربوط به قمرالملوک وزیری بود. اولین تصنیف او نیز از برنامه گل‌های زنده رادیو پخش شد. هوشنگ ابتهاج، هنگامه اخوان را به محمدرضا لطفی معرفی کرد و این آغازی برای پیوستن او به گروه شیدا شد. ابتهاج عقیده داشت که حضور اخوان در رادیو باعث شد تا از فضای کافه‌ها فاصله بگیرد و برخلاف بسیاری از خوانندگان آن دوره، مسیر هنری متفاوتی را دنبال کند. او در همان دوران با دو گروه سرشناس دیگر، یعنی گروه سماعی و گروه عارف، نیز همکاری داشت.

    فعالیت‌های هنری هنگامه اخوان پس از انقلاب

    پس از انقلاب، هنگامه اخوان در وزارت فرهنگ و ارشاد و همچنین در شورای موسیقی عضو بود و دیدگاه‌های کارشناسی خود را درباره موسیقی بانوان ارائه می‌داد.

    او در چهارمین گردهمایی عمومی کانون خوانندگان خانه موسیقی به ریاست این کانون برگزیده شد.

    در سال ۱۳۶۳، سازمان صدا و سیما از او به عنوان یک متخصص آرشیو دعوت کرد تا در انجمن حفظ و گسترش موسیقی ایرانی همکاری خود را آغاز کند.

    هنگامه اخوان از سال ۱۳۶۶ تا ۱۳۷۰ به عنوان مدرس آواز در این انجمن فعالیت کرد، اما پس از آن استعفا داد و تدریس خصوصی را دنبال کرد.

    از سال ۱۳۷۰، او با راهبری گروه موسیقی «بهار»، کنسرت‌های متعددی برای بانوان برگزار کرد.

  • هر آنچه باید درباره سیم های پیانو بدانید!

    هر آنچه باید درباره سیم های پیانو بدانید!

    پیانو در دسته سازهایی قرار می‌گیرد که با ضربه زدن به سیم‌های فلزی خود صدا تولید می‌کند. این سیم‌ها درون محفظه چوبی ساز جای گرفته‌اند و چکش‌های کوچک با برخورد به آن‌ها، صدای پیانو را به وجود می‌آورند. در این نوشته از وبلاگ آنبین، نگاهی دقیق‌تر به این سیم‌ها و ویژگی‌های آن‌ها خواهیم داشت.

    اگر سوالاتی دارید، مقاله مفهوم آنسامبل در موسیقی به شما کمک خواهد کرد.

    برای درک عمیق‌تر این موضوع، مطلب با کاسه تبتی یا مرتعش آشنا شوید را بخوانید.

    تعداد سیم های پیانو چه‌قدر است؟

    تعداد سیم‌های داخل پیانو بر اساس نوع و مدل آن متفاوت است، ولی معمولاً حدود ۲۳۰ سیم دارد. برای نت‌های زیر و میانی، سه سیم در نظر گرفته می‌شود. برای نت‌های بم، از دو سیم استفاده می‌شود و برای کم‌بسامدترین و بم‌ترین نت‌ها، فقط یک سیم به کار رفته است.

    توصیه می‌کنیم این مطلب دلیل شباهت ربنای استاد شجریان و آواز ام کلثوم را حتماً بخوانید.

    مقاله ۱۰ حقیقت جالب در مورد فلوت منبع بسیار خوبی برای یادگیری بیشتر است.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه ساز کولک تلفیقی از تنبک و کاخون.

    توصیه می‌کنیم حتماً مقاله سبک موسیقی مینیمال به چه سبکی گفته می شود؟ را مطالعه کنید.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، حتماً مهمترین پیانیست زنده در جهان را بخوانید.

    طول و ضخامت سیم‌ها چگونه است؟

    سیم‌های پیانو برای تولید نت‌های زیرتر، کوتاه‌تر و نازک‌تر می‌شوند. در مقابل، سیم‌های مربوط به نت‌های بم، طول بیشتری دارند و ضخیم‌تر هستند. ضخامت این سیم‌ها به تدریج از حدود ۱.۵ میلی‌متر برای پایین‌ترین نت‌ها، تا ۰.۲ میلی‌متر برای بالا ترین نت‌ها کاهش می‌یابد.

    چرا بعضی کلید‌ها بیشتر از یک سیم دارند؟

    همانطور که قبلاً گفتیم، برای هر نت در بخشهای پایین و بالای پیانو، سه سیم در نظر گرفته شده است. دلیل این کار، بلندتر شدن صدا و بهتر شدن کیفیت آن است. اگرچه یک چکش به هر سه سیم یک نت ضربه میزند، اما محل برخورد چکش با هر سیم کمی فرق دارد. به همین دلیل، این سه سیم دقیقاً به یک شکل مرتعش نمیشوند.

    اگر سوالاتی دارید، مقاله ژانر موسیقی به چه معناست ؟ به شما کمک خواهد کرد.

    جنس سیم‌های پیانو چیست؟

    سیم‌های پیانو معمولاً از جنس فولاد محکم یا مس ساخته می‌شوند. این جنس‌ها باعث می‌شوند سیم‌ها مقاوم و بادوام باشند، بتوانند کشش زیادی را تحمل کنند و صدایی شفاف و رسا تولید کنند.

    توصیه می‌کنیم این مطلب ساز سیمبالوم ، سنتور ملی مجارستان را حتماً بخوانید.

    کشش سیم‌های پیانو چه‌قدر است؟

    برای اینکه هر سیم پیانو بتواند صدای مورد نظر را به صورت قوی و پایدار ایجاد کند، باید تحت کشش بسیار زیادی قرار بگیرد. به همین دلیل، فشار درونی بین سیم‌ها بسیار بالاست. هر سیم فشاری حدود ۷۰ تا ۹۰ کیلوگرم را تحمل می‌کند و در نتیجه، مجموع فشاری که تمام سیم‌های پیانو وارد می‌کنند، نزدیک به ۱۶ هزار کیلوگرم می‌رسد.

    در اینجا می‌توانید اطلاعات کامل‌تری درباره اولین برنده نشانه طلایی موسیقی ایران کیست؟ بیابید.

    در این مقاله بیوگرافی منوچهر چشم آذر اطلاعات مفیدی آمده است.

    برای یادگیری پیشرفته، به مفهوم رزونانس در موسیقی مراجعه کنید.

  • بهترین سن یادگیری گیتار برای کودکان

    بهترین سن یادگیری گیتار برای کودکان

    گیتار از محبوب‌ترین سازها در سراسر جهان است و هیچ محدودیت سنی برای یادگیری آن وجود ندارد. شما در هر مرحله از زندگی می‌توانید نواختن گیتار را آغاز کنید و از آن لذت ببرید؛ اما اگر این ساز در سال‌های مناسب شروع شود، مزایای بیشتری مانند بهبود مهارت‌های خواندن، تقویت درک ریاضی و افزایش اعتماد به نفس را به همراه خواهد داشت. در این نوشته از وبلاگ آنبین، به بررسی بهترین سن برای شروع یادگیری گیتار در کودکان می‌پردازیم.

    برای اطلاعات بیشتر، به مقاله آشنایی با اصطلاح تحول مقام به دستگاه مراجعه کنید.

    بهترین سن یادگیری گیتار برای کودکان چه زمانی است؟

    یادگیری پیانو در سنین خیلی پایین

    خیلی از پدر و مادرها فکر می‌کنند هرچه بچه در سن کم‌تری شروع به یادگیری گیتار کند، بهتر است. اما این فکر همیشه درست نیست. بچه باید از نظر جسمی به اندازه کافی بزرگ شده باشد تا بتواند حتی کوچک‌ترین سایز گیتار را در دست بگیرد و کنترل کند. وقتی گیتار را در آغوش می‌گیرد، باید بدون اینکه مجبور باشد دستش را کاملاً صاف کند، به راحتی به قسمت‌های پایینی ساز برسد؛ در واقع آرنجش باید فقط کمی خم باشد. کوچک‌ترین گیتار معمولاً سایز ۱۴ است که ارتفاع آن حدود ۷۶ سانتی‌متر است. همچنین، انگشتان کودک باید قدرت کافی داشته باشند تا بتوانند سیم‌ها را فشار دهند و صدای آن را دربیاورند. با این شرایط، بیشتر بچه‌های ۴ تا ۵ ساله یا کوچک‌تر، هنوز برای یادگیری گیتار آماده نیستند؛ مگر اینکه از نظر ژنتیکی جثه بزرگ‌تری داشته باشند.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه جایزه گرمی چیست؟.

    توصیه می‌کنیم حتماً مقاله مفهوم آنسامبل در موسیقی را مطالعه کنید.

    مقاله ۱۰ حقیقت جالب در مورد فلوت منبع بسیار خوبی برای یادگیری بیشتر است.

    گذشته از آمادگی بدنی، آمادگی ذهنی هم بسیار مهم است. یادگیری گیتار برای کودکان خردسال می‌تواند سخت باشد و این سختی ممکن است باعث شود به طور کلی از گیتار زدن زده شوند. کودک باید در سنی باشد که بتواند تمرکز و حواس کافی برای یادگیری این ساز داشته باشد و حداقل نیم ساعت در هفته با انگیزه در کلاس حاضر شود. برای کودکان زیر ۵ سال، بهتر است ابتدا گیتارهای اسباب‌بازی تهیه کنید تا کم‌کم با این ساز آشنا شوند.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه کرم گوش در موسیقی به چه معناست ؟.

    برای یادگیری پیشرفته، به موسیقی بی کلام چیست؟ مراجعه کنید.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه پیتر سلیمانی پور را بیشتر بشناسید.

    مقاله مفهوم رزونانس در موسیقی حاوی اطلاعات جامعی است.

    یادگیری پیانو در سن مناسب

    با در نظر گرفتن همه مواردی که اشاره کردیم، مناسب‌ترین زمان برای شروع آموزش گیتار به کودکان، بین ۷ تا ۹ سالگی است. در این دوره، بیشتر بچه‌ها از نظر فیزیکی توانایی لازم برای نگهداری و نواختن گیتار را پیدا می‌کنند. علاوه بر این، با رفتن به مدرسه، چیزهایی مانند نظم، تمرکز و مدیریت زمان را نیز می‌آموزند که باعث می‌شود بهتر بتوانند در کلاس‌های موسیقی شرکت کنند و از آن استفاده ببرند.

    برای یادگیری پیشرفته، به بیوگرافی احمد ابراهیمی ،ردیف‌دان و مدرس آواز مراجعه کنید.

  • نحوه نشستن پشت درام در ۳ مرحله

    نحوه نشستن پشت درام در ۳ مرحله

    یکی از چیزهای مهمی که نوازندگان درام باید از ابتدا یاد بگیرند، روش درست نشستن پشت ساز است. اگر حالت بدن شما درست باشد، هم با تسلط و دقت بیشتری می‌نوازید و هم از آسیب‌های بدنی در امان می‌مانید. اما اگر اشتباه بنشینید، هم نوازندگی‌تان تحت تأثیر قرار می‌گیرد و هم ممکن است به سلامتی‌تان آسیب برسد. در این مقاله از وبلاگ آنبین، به شما نشان می‌دهیم چطور باید پشت این ساز کوبه‌ای پرطرفدار بنشینید.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، آشنایی با انواع سازهای بادی را از دست ندهید.

    1. ارتفاع صندلی را تنظیم کنید

    برای شروع نواختن درام، ابتدا باید صندلی خود را به ارتفاع مناسب تنظیم کنید. ارتفاع صندلی برای هر فرد با توجه به قد او فرق می‌کند؛ اما مهم است که زاویه زانوهای شما بین ۹۰ تا ۱۱۰ درجه باشد. همچنین، ران‌های شما باید تقریباً موازی با زمین قرار گیرند و پاشنه‌های پا در امتداد زانوها باشند. فاصله صندلی از طبل‌ها و سنج‌ها هم اهمیت دارد؛ چون باید بتوانید بدون این که نیاز باشد زیاد بدن خود را جابهجا کنید، به راحتی به همه قسمت‌های درام دسترسی داشته باشید. بهتر است هنگام تنظیم صندلی، در حالت معمول پشت درام بنشینید و پاهایتان را روی پدال‌ها قرار دهید تا ارتفاع را به طور دقیق و مناسب تنظیم کنید.

    2. پشت‌تان را صاف کنید

    خیلی از درام‌نوازها برای صاف نشستن پشت درام، بیش از حد کمر خود را سفت می‌کنند؛ اما این روش درستی نیست. حالت صحیح نشستن پشت درام، در واقع از لگن آغاز می‌شود. نوازنده باید لگن خود را کمی به سمت جلو بچرخاند تا پشتش به حالت طبیعی عقب برود و انحنای معمولی ستون فقراتش حفظ شود. این حالت، یک وضعیت صاف، راحت و بدون فشار است که در طول تمرین نگهداشتن آن آسان‌تر خواهد بود. با درست نشستن پشت درام، می‌توانید بالاتنه‌تان را راحت‌تر بچرخانید و همچنین خطر آسیب دیدن کمرتان کاهش پیدا می‌کند.

    توصیه می‌کنیم حتماً مقاله ساز های بادی به چه ساز هایی گفته میشود؟ را مطالعه کنید.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، حتماً نادر گلچین، خواننده ای که استاد خاصی نداشت  را بخوانید.

    3. دست‌هایتان را در حالت صحیح نگه دارید

    وقتی درام می‌نوازید، باید تمام قسمت‌های دست، از بازو و آرنج گرفته تا مچ، کاملاً ریلکس و بدون فشار باشند. مچ‌هایتان باید به نرمی حرکت کنند تا بازوها هم به همراه آن‌ها به جریان بیفتند. آرنج‌ها نیز باید در کنار بدن، شل و رها باشند و با زاویه‌ای حدود ۹۰ تا ۱۱۰ درجه خم شوند. نباید آن‌ها را از بدن دور کنید یا به سمت بالا بکشید. همچنین پشت دست‌هایتان باید هم‌سطح با زمین باشد و انگشت وسط در راستای دست قرار گیرد. با رعایت این اصول، کنترل و تسلط بهتری روی حرکات دست‌هایتان پیدا خواهید کرد.

  • بررسی موسیقی کارتون پلنگ صورتی

    بررسی موسیقی کارتون پلنگ صورتی

    یکی از معروف‌ترین و به یاد ماندنی‌ترین آهنگ‌های کارتونی در سراسر جهان، موسیقی کارتون **پلنگ صورتی** است. حتی پس از گذشت چندین دهه، تنها با پخش چند نت اول این ملودی، خیلی از مردم بلافاصله آن را تشخیص می‌دهند و به خاطر می‌آورند. در این نوشته از وبلاگ آنبین، نگاهی به این قطعه موسیقی می‌اندازیم و افرادی که در ساخت آن نقش داشتند را معرفی می‌کنیم.

    چه کسی موسیقی کارتون پلنگ صورتی را ساخت؟

    موسیقی معروف کارتون پلنگ صورتی که یک قطعه جاز به یاد ماندنی است، ساخته «هنری مانچینی» است. او یک موسیقیدان آمریکایی با اصالت ایتالیایی بود که در زمینه آهنگسازی، رهبری ارکستر، تنظیم موسیقی و نوازندگی پیانو و فلوت فعالیت داشت. هنری مانچینی در ۱۶ آوریل ۱۹۲۴ در شهر میپل هایتس ایالت اوهایو متولد شد و سال‌های کودکی خود را در غرب شهر آلیکیپا در پنسیلوانیا سپری کرد. او زمانی که تنها هشت سال داشت، نواختن فلوت پیکولو را شروع کرد. به گفته خودش، علاقه به موسیقی وقتی در سال ۱۹۳۵ با شنیدن آهنگ‌های رودولف جی. کوپ در فیلم جنگ‌های صلیبی در دلش بیدار شد. در دوازده سالگی نزد ماکس ادکینز رفت تا پیانو و اصول تنظیم موسیقی برای ارکستر را بیاموزد. پس از اتمام تحصیل در دبیرستان آلیکیپا در سال ۱۹۴۲، به مدرسه موسیقی جولیارد رفت. نام هنری مانچینی در میان برترین آهنگسازان تاریخ سینما ثبت شده است. او در طول زندگی حرفه‌ای خود موفق به دریافت چهار جایزه اسکار، یک جایزه گلدن گلوب و بیست جایزه گرمی شد و پس از درگذشتش نیز در سال ۱۹۹۵، جایزه یک عمر دستاورد هنری گرمی را دریافت کرد.

    چه کسی موسیقی کارتون پلنگ صورتی را نواخت؟

    موسیقی معروف کارتون پلنگ صورتی، شامل یک بخش تکنواز ساکسیفون تنور است که توسط «پلاس جانسون» اجرا شده است. او در سال ۱۹۳۱ در شهر دونالدسونویل، در ایالت لوئیزیانای آمریکا به دنیا آمد. جانسون نواختن ساکسیفون آلتو و سپس ساکسیفون تنور را بدون معلم و به صورت خودآموز فرا گرفت. او برای مدت بیست سال به عنوان نوازنده در استودیوهای ضبط فعالیت داشت و هر روز دست‌کم دو قطعه ضبط می‌کرد.

    در پایان دهه ۱۹۵۰ و آغاز دهه ۱۹۶۰، او به عضوی ثابت در گروه موسیقی هنری مانچینی تبدیل شد و به همین دلیل در سال ۱۹۶۳ توانست تکنوازی موسیقی کارتون پلنگ صورتی را بر عهده بگیرد. جانسون در مورد ضبط این قطعه گفته است:
    «فکر می‌کنم ما فقط دو بار ضبط کردیم. وقتی کارمان تمام شد، همه ما را تشویق کردند؛ حتی نوازندگان زهی! این خیلی چیزها رو نشون میده؛ آن‌ها هیچ‌وقت برای هیچ‌کس دست نمی‌زدند!»

    جوایز موسیقی فیلم پلنگ صورتی

    موسیقی فیلم پلنگ صورتی در سال ۱۹۶۴ به شکل یک آهنگ مستقل در آمریکا عرضه شد. این قطعه موسیقی توانست جایگاه خود را در میان ۱۰ آهنگ برتر جدول بزرگسالان بیلبورد آمریکا تثبیت کند و موفق به دریافت سه جایزه گرمی شد. همچنین این اثر در سی و هفتمین مراسم اسکار، نامزد دریافت جایزه اسکار در بخش بهترین موسیقی متن شد.

  • ۳ تفاوت تحریر و ویبره در خوانندگی

    ۳ تفاوت تحریر و ویبره در خوانندگی

    تحریر و ویبره، دو روش مهم و پراستفاده در آوازخوانی هستند. تشخیص تفاوت این دو روش برای افراد معمولی یا کسانی که تازه شروع به خوانندگی کرده‌اند، کار سختی است؛ در حالی که این دو تکنیک با هم تفاوت‌های زیادی دارند. در این نوشته از وبلاگ آنبین، با ما همراه باشید تا سه تفاوت اصلی تحریر و ویبره را برای شما توضیح دهیم.

    در صورت علاقه‌مندی، مطلب بیوگرافی همایون شجریان را از دست ندهید.

    تفاوت تحریر و ویبره در خوانندگی چیست؟

    1. سبک موسیقی

    چهچهه یا تحریر، صداهایی هستند که هنگام بیرون دادن نفس تولید می‌شوند و با توقف‌های سریع توسط ماهیچه‌های گلو قطع و وصل می‌گردند. این روش آوازی، حال و هوایی شبیه به آواز پرندگان پدید می‌آورد. تحریر بیشتر در موسیقی اصیل ایرانی به کار می‌رود و در موسیقی کشورهایی مانند آذربایجان، عراق و سوریه نیز دیده می‌شود؛ اما در موسیقی پاپ کمتر از آن استفاده می‌شود. در تکنیک ویبره، خواننده روی یک نت مشخص، نوسان‌های ظریف و لرزش‌هایی ایجاد می‌کند. برخلاف تحریر، این روش در موسیقی پاپ بسیار پرکاربرد و رایج است.

    اطلاعات جامع‌تری در مورد این موضوع را در ۵ موسیقی برتر تاریخ سینمای جهان پیدا کنید.

    2. فواصل بین نت‌ها

    یک تفاوت اصلی بین تحریر و ویبره، میزان فاصله‌ای است که از نت اصلی فاصله می‌گیریم. در ویبره، حرکت فقط بین نت اصلی و نت‌های نزدیک به آن انجام می‌شود و این فاصله معمولاً از نیم‌پرده بیشتر نیست؛ چون اگر بیشتر شود، ویبره کیفیت خوبی نخواهد داشت. اما در تحریر، این محدودیت وجود ندارد و می‌توان حتی تا فاصله‌ی یک و نیم پرده بالاتر یا پایین‌تر از نت اصلی هم حرکت کرد.

    3. نحوه ایجاد

    ویبره به لرزشی آرام و پیوسته در صدا گفته می‌شود. برای ایجاد این لرزش، باید از عضله دیافراگم کمک گرفت و فشار مستقیم به حنجره وارد نکرد. کنترل نفس و نحوه دم و بازدم، مهم‌ترین عامل در ایجاد ویبره است.
    در مقابل، تحریر به معنای لرزش صدا نیست، بلکه نوعی شکستن و تقسیم صدا محسوب می‌شود. در تحریر نیز دیافراگم نقش دارد، اما وظیفه اصلی بر عهده عضلات حنجره است. هنگام اجرای تحریر، ابتدا دیافراگم هوا را به بیرون می‌فرستد و سپس عضلات حنجره با قطع و وصل کردن صدا، آن را شکل می‌دهند.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، حتماً معرفی ساز یوکللی یا اوکله له را بخوانید.

  • ۵ تا از مهم‌ترین دلایل گران بودن پیانو

    ۵ تا از مهم‌ترین دلایل گران بودن پیانو

    خیلی از افرادی که می‌خواهند تازه نواختن پیانو را شروع کنند یا قصد خرید این ساز را دارند، اغلب می‌پرسند چرا قیمت پیانو در مقایسه با سازهای دیگر اینقدر بالاست؟ در این نوشته از وبلاگ آنبین، به دلایل اصلی گران‌قیمت بودن پیانو می‌پردازیم.

    توصیه می‌کنیم این مطلب تاثیر موسیقی بر اوتیسم را حتماً بخوانید.

    دلایل گران بودن پیانو

    1. فرآیند ساخت پیچیده

    هر پیانو یک اثر هنری مهندسی‌شده محسوب می‌شود. این ساز معمولاً با استفاده از دستگاه‌های بزرگ در کارخانه‌ها ساخته می‌شود، هرچند بعضی از آن‌ها نیز به صورت دستی ساخته می‌شوند. پس از تولید، این سازهای بزرگ و حجیم باید به نقاط مختلف جهان ارسال شده و در دسترس خریداران قرار گیرند. به طور طبیعی، این فرایند هم هزینه زیادی در بر دارد و هم زمان زیادی می‌طلبد و این موضوع یکی از دلایل اصلی قیمت بالای پیانو محسوب می‌شود.

    2. جنس

    ساختار بیشتر پیانوها از چوب زیادی تشکیل شده است. این چوب باید شرایط ویژه‌ای داشته باشد؛ مثلاً بافت یکنواخت و بدون گره باشد. پیدا کردن و آماده کردن چنین چوبی، کار بسیار دقیق و پرزحمتی است. پیانوهای با قیمت بالاتر معمولاً از چوب ماهون، چوب آبنوس و عاج طبیعی یا مصنوعی ساخته می‌شوند. در پیانوهای معمولی هم از چوب درختانی مانند افرا، کاج و بلوط استفاده می‌شود. در کل، مقدار زیاد چوب به‌کار رفته در ساخت پیانو، یکی از دلایل قیمت بالای آن است.

    3. تعداد بالای قطعات

    یک پیانو از تعداد بسیار زیادی قطعه، بیش از دوازده هزار بخش مجزا، درست شده است. این قطعات شامل کلیدهایی است که با انگشتان فشار داده می‌شوند، چکش‌های کوچک، سیم‌های فلزی و هزاران بخش ریز دیگر است. جنس این اجزا هم معمولاً از چوب، فلزهایی مثل مس و برنج، و همچنین پارچه‌ای به نام نمد است. برای اینکه یک پیانو صدای درست و زیبایی داشته باشد، باید تمام این هزاران قطعه را یک فرد متخصص و باتجربه، با دقت و تمرکز بالا، سر جای دقیق خودش نصب و تنظیم کند.

    اگر سوالاتی دارید، مقاله آیا با گزش در موسیقی یا موردنت آشنایی دارید؟ به شما کمک خواهد کرد.

    4. برند

    پیانو به طور کلی ساز پرهزینه‌ای محسوب می‌شود؛ با این حال، برند سازنده می‌تواند قیمت آن را حتی بالاتر هم ببرد. برخی از پیانوها توسط شرکت‌های معروفی مانند اشتاین وی اند سانز، بکشتاین و بوزندورفر تولید می‌شوند و بعضی از آن‌ها نیز به صورت دست‌ساز ساخته می‌شوند. این مدل‌های خاص معمولاً تا چهار برابر قیمت یک پیانوی معمولی به فروش می‌رسند.

    5. ابعاد

    پیانو از جمله سازهای بسیار بزرگ و ثابت به شمار می‌رود و ساختن آن در مقایسه با سازهای کوچک، کار سخت‌تر و زمان‌برتری است. هر چقدر که اندازه‌ی یک ساز بزرگ‌تر باشد، به طور طبیعی به مواد اولیه بیشتر و نیروی کار بیشتری برای تولید نیاز دارد. به همین علت، هر چه ابعاد پیانو بزرگ‌تر باشد، هزینه و قیمت آن نیز افزایش پیدا می‌کند.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه گام در موسیقی چیست؟.

  • فرم موسیقی توکاتا چیست؟

    فرم موسیقی توکاتا چیست؟

    توکاتا یک قالب موسیقایی است که ریشه‌های آن به سده شانزدهم میلادی بازمی‌گردد. اگر کنجکاو هستید که با ویژگی‌ها و پیشینه این سبک موسیقی بیشتر آشنا شوید، در این نوشته از وبلاگ آنبین همراه ما باشید.

    در اینجا می‌توانید اطلاعات کامل‌تری درباره تار بهتر است یا سه تار؟ بیابید.

    اطلاعات جامع‌تری در مورد این موضوع را در بهترین کلاس تار در تهران پیدا کنید.

    فرم موسیقی توکاتا

    توکاتا یک قطعه موسیقی است که نام آن از واژه ایتالیایی “toccare” گرفته شده و به معنای “لمس کردن” است. اما این نوع موسیقی چه ویژگی‌هایی دارد؟

    برای گسترش دانش خود، مقاله نکات مهم موسیقی که باید برای شروع به آن دقت نمایید را مطالعه کنید.

    توکاتا معمولاً برای سازهای کلاویه‌ای مانند ارگ یا پیانو و همچنین سازهای زهی ساخته می‌شود. این سبک موسیقی، حال و هوایی آزاد، خلاقانه و گیرا دارد. از مشخصه‌های اصلی آن می‌توان به آکوردهای غنی، هارمونی‌های پیچیده، نغمه‌های سریع و بخش‌های طولانی و چالش‌برانگیز اشاره کرد. همچنین، سرعت و دقت در حرکت انگشتان روی ساز، نقش بسیار مهمی در اجرای این قطعات دارد و نوازنده از این طریق، مهارت و تسلط خود را به نمایش می‌گذارد.

    در گذشته، توکاتا برای سازهای مختلفی نوشته می‌شد، اما به تدریج به یک قطعه تکنوازی تبدیل شد و بیشتر به سازهای کلاویه‌ای اختصاص یافت.

    تاریخچه‌ای از توکاتا

    سبک موسیقی توکاتا نخستین بار در دوره رنسانس و در شمال ایتالیا به وجود آمد. از ساخته‌های مهم این سبک در دهه ۱۹۵۰ میلادی، می‌توان به کارهای آهنگسازانی چون کلودیو مرولو، آندریا و جیووانی گابریلی، آدریانو بنچیری و لوزاسکو لوزاسکی اشاره کرد. هانس لئو هاسلر این قالب موسیقی را به آلمان برد و در آنجا بیش از هر جای دیگر رشد کرد تا حدود صد سال بعد در آثار یوهان سباستین باخ جای خود را پیدا کرد.

    در دوره باروک، توکاتا با آهنگساز بزرگی به نام جیرولامو فرسکوبالدی آغاز شد. در توکاتاهای این دوره، ویژگی‌هایی مانند حرکت‌های سریع و پشت سر هم سیم‌ها و نیز بخش‌های بداهه‌نمای سریع به چشم می‌خورد. از مشهورترین توکاتاهای این دوره، آثار باخ هستند؛ به ویژه توکاتای شماره ب.و. فاو ۵۶۵.

    پس از دوره باروک، از محبوبیت توکاتا کاسته شد؛ اما نمونه‌های درخشان و کمیاب از آن نیز ساخته شد. در دوره رمانتیک، رابرت شومان و فرانتس لیست هر یک قطعه‌ای برای پیانو در این سبک نوشتند. همچنین در آغاز سده بیستم، آهنگسازانی مانند پروکوفیف و آرام خاچاتوریان نیز هر کدام یک توکاتا برای پیانو تنها خلق کردند.

  • معرفی ساز رکت

    معرفی ساز رکت

    ساز رکت که به آن رگت یا سرولاس هم می‌گویند، یک ساز بادی قدیمی مربوط به دوره رنسانس است. این ساز بیشتر در سده‌های شانزدهم، هفدهم و هجدهم میلادی نواخته می‌شد. اگر دوست دارید با این ساز بیشتر آشنا شوید، در ادامه این نوشته از وبلاگ آنبین همراه ما بمانید.

    ساز رکت چیست؟

    ساز رکت یک نوع ساز بادی است که با دو تیغه کوچک صدا تولید می‌کند. این ساز از حدود پایان قرن شانزدهم شناخته شد و در اواخر قرن هفدهم، به جای سازهایی مثل باسون مورد استفاده قرار گرفت. رکت در چهار اندازه اصلی ساخته می‌شود: سوپرانو، آلتو (یا تنور)، باس و گریت باس. جالب است که هر چقدر صدای ساز زیرتر باشد، اندازه آن نیز کوچک‌تر است؛ برای مثال نوع سوپرانو تنها ۴٫۵ اینچ طول دارد. با وجود اندازه کوچک، این ساز می‌تواند محدوده وسیعی از نت‌ها را اجرا کند.

    بدنه ساز معمولاً از چوب ساخته شده و دارای ۹ سوراخ موازی است؛ البته در دوره باروک، مدل‌های ۱۰ سوراخه نیز رواج داشت. در گذشته، برای ساخت این ساز از چوب یا حتی عاج فیل استفاده می‌شد. نوازندگان رکت معمولاً با دو چالش اصلی روبرو هستند: اول اینکه طراحی کانال‌های داخلی ساز باعث می‌شود روش انگشت‌گذاری روی سوراخ‌ها غیرمعمول و پیچیده باشد. دومین مشکل نیز مربوط به خارج کردن رطوبت از داخل مسیرهای باریک ساز پس از نواختن است.

    صدای ساز رکت

    رکت صدایی بسیار لطیف، گیرا و پُردامنه دارد و معمولاً در کنار سازهای زهی به کار می‌رود. وقتی این ساز همراه با دیگر سازهای بادی یا زهی و یک هارپسیکورد نواخته شود، آهنگِ فوق‌العاده زیبا و دلنوازی پدید می‌آورد.

    تاریخچه ساز رکت

    ساز رکت توسط چه کسی اختراع شده، مشخص نیست. اولین بار نام این ساز در سال ۱۵۷۶ در نوشته‌های تاریخی آلمان در منطقه ووتمبرگ دیده شده است. سپس در سال ۱۵۹۰ نیز در فهرست اموال شهر گراتس اتریش از آن نام برده شده است.

    یکی دیگر از مدارک تاریخی که وجود این ساز را ثابت می‌کند، نقاشی‌های قدیمی از گروه‌های موسیقی در دربار مونیخ است. در این نقاشی‌ها می‌توان یک رکت را دید که همراه با سازهای دیگر در حال نواخته شدن است.

    برای مطالعه بیشتر، به آشنایی با آکوردهای چهارگانه سری سر بزنید.

    توصیه می‌شود به مطالعه مقاله آکورد چیست؟ ادامه دهید.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه بهترین کلاس دف در شرق تهران.

    در نهایت، یک فرد آلمانی به نام یوهان کریستوف دنر که سازنده ساز بود، نقش بسیار مهمی در بهتر کردن و گسترش این ساز داشت.