دسته: موسیقی

  • آموزش موسیقی به نابینایان چگونه است؟

    آموزش موسیقی به نابینایان چگونه است؟

    موسیقی می‌تواند نقش بسیار مهمی در زندگی افراد نابینا داشته باشد. معمولاً این کودکان به خاطر داشتن حس شنوایی قوی، توانایی خوبی در یادگیری موسیقی از خود نشان می‌دهند. همچنین موسیقی مانند یک درمان روحی عمل می‌کند و به فرد کمک می‌کند تا احساساتش را بهتر بیان کند و آرامش یابد. علاوه بر این، موسیقی می‌تواند راهی برای ساختن یک آینده شغلی مطمئن برای کودک نابینا باشد. در طول تاریخ، نوازندگان و آهنگسازان نابینای بزرگی مانند دایان شور، کوین کرن، مارکوس رابرتز، استوی واندر، جاستین کافلین، ریچل فلاورز و ری چارلز زندگی کرده‌اند. حال سوال اینجاست که آموزش موسیقی به افراد نابینا چه روش‌ها و قواعدی دارد و چگونه باید انجام شود؟ پاسخ کامل این پرسش را در ادامه این مطلب در وبلاگ آنبین مطالعه خواهید کرد.

    آموزش موسیقی به نابینایان چگونه است؟

    آموزش موسیقی به افراد نابینا عمدتاً از طریق دو حس شنوایی و لامسه انجام می‌شود. به همین دلیل، معلمان موسیقی باید از شیوه‌هایی بهره ببرند که بر این دو حس تمرکز دارند. برخی از مربیان، روش «آموزش سینه به سینه» یا گوشی را به کار می‌گیرند. در این روش، هنرجو لازم نیست نت‌ها را ببیند و بخواند، بلکه با خوب گوش دادن و تقلید دقیق از استاد، به تدریج نواختن ساز را یاد می‌گیرد.

    در مقابل، بسیاری از اساتید ترجیح می‌دهند از سیستم نت‌نویسی برای آموزش استفاده کنند. خوشبختانه امروزه نت‌های به خط بریل برای هنرجویان نابینا موجود است. همچنین هنرجویان می‌توانند از نرم‌افزارهایی مانند گودفیل (Goodfeel) که نت‌های موسیقی را به بریل ترجمه می‌کند، استفاده کنند. علاوه بر این، نوعی نت‌های برجسته از جنس چوب نیز ساخته شده که هنرجو با لمس کردن آن‌ها می‌تواند شکل نت‌ها را در ذهن خود ثبت کند.

    آموزش موسیقی به نابینایان از طریق صدا و لمس

    وقتی می‌خواهیم موسیقی را به افراد نابینا آموزش دهیم، معمولاً از ابزارهایی کمک می‌گیریم که با لمس کردن بهتر درک می‌شوند. مثلاً سازهایی مثل کاباسا یا بلز برای این کار مناسب هستند.
    روش‌های دیگری هم وجود دارد که بیشتر بر شنیدن تمرکز دارند؛ مثلاً معلم سازهای مختلف را می‌نوازد و هنرجو باید بتواند فقط با گوش دادن، نام هر ساز را تشخیص دهد. این روش به او کمک می‌کند تا بدون دیدن، سازها را از روی صدا بشناسد.
    همچنین گاهی برای کمک بیشتر به هنرجویان نابینا، روی قسمت‌های مختلف ساز نوارهای رنگی و درخشان می‌چسبانند تا جای دقیق تماس دست با ساز بهتر دیده شود.

    فواید کلاس موسیقی برای نابینایان

    والدین با اطمینان بیشتری به آینده فرزند خود نگاه می‌کنند.

    فرد نابینا به توانایی‌های خود بیشتر باور پیدا می‌کند.

    فرد بیشتر در فعالیت‌های اجتماعی شرکت می‌کند و در جامعه حضور فعال و موثری دارد.

    کیفیت ارتباط با دیگران به شکل محسوسی بهتر می‌شود.

    ارتباطاتی که با استفاده از حالت‌های بدن و صورت برقرار می‌شود، تقویت و پربارتر می‌گردد.

    احساس نگرانی و دلشوره به میزان زیادی کم شده یا به طور کامل از بین می‌رود.

    آموزش موسیقی به نابینایان در آنبین

    آموزشگاه موسیقی آنبین، مجهزترین مرکز آموزش موسیقی در شرق تهران است که به شکل ویژه به آموزش موسیقی به هنرجویان نابینا می‌پردازد. برای بهره‌مندی از خدمات آموزشی ما، می‌توانید به صورت رایگان با ما تماس بگیرید و از راهنمایی کارشناسان ما استفاده کنید.

  • بیوگرافی اسماعیل واثقی

    بیوگرافی اسماعیل واثقی

    اسماعیل واثقی هنرمندی است که در نواختن سنتور و تنبک مهارت دارد. او همچنین آهنگ‌سازی می‌کند و گاهی رهبری گروه‌های موسیقی را بر عهده می‌گیرد. فعالیت‌های هنری او مرزهای ایران را درنوردیده و در سطح بین‌المللی شناخته شده است. در این نوشته از وبلاگ آنبین، نگاهی به زندگی و کارهای این موسیقیدان خواهیم داشت.

    کودکی و شروع مسیر موسیقی اسماعیل واثقی

    اسماعیل واثقی در سال ۱۳۲۵ در شهر تبریز به دنیا آمد. او یک برادر بزرگ‌تر به نام حسین داشت که او هم در زمینه ساخت موسیقی برای فیلم‌های سینمایی ایران فعالیت می‌کرد و در اروپا زندگی می‌نمود. اسماعیل برای درس خواندن در مقطع دبستان به تهران رفت و در سال ۱۳۳۹ وارد هنرستان موسیقی ملی شد. در آنجا نواختن سنتور را نزد استادانی چون ارفع اطرایی، حسین ملک، محمد حیدری و فرامرز پایور آموخت. همچنین از محمد اسماعیلی و حسین تهرانی نیز به عنوان استادان سنتور او یاد می‌شود. او در نهایت در سال ۱۳۴۶ از هنرستان موسیقی فارغ‌التحصیل گردید.

    ورود به دانشگاه

    اسماعیل واثقی پس از اتمام دوره دبیرستان، در سال ۱۳۵۰ در دانشکده موسیقی هنرهای زیبای تهران پذیرفته شد. در دانشگاه نیز همانند گذشته، از آموزش استادان بزرگی همچون هرمز فرهت، محمدتقی مسعودیه، علیرضا مشایخی و توماس کریستین دیوید بهره برد و فنون آهنگسازی را نزد آنها فراگرفت. او در طول دوران دانشجویی، به مدت سه سال در هنرستان موسیقی ملی، دانشسرای هنر و دانشسرای عالی به تدریس مشغول بود. پس از فارغ‌التحصیلی در سال ۱۳۵۳، تصمیم گرفت برای ادامه تحصیل به خارج از ایران سفر کند. در ابتدا داریوش صفوت، استاد موسیقی سنتی و از پایه‌گذاران مرکز حفظ و اشاعه موسیقی ایران، به او پیشنهاد کرد برای تحصیل به فرانسه برود. اما اسماعیل به دلیل عدم علاقه به رشته موسیقی‌شناسی، این پیشنهاد را نپذیرفت و به جای آن راهی اتریش شد. او در آنجا نیز در آکادمی موسیقی وین تحصیل کرد و در رشته آهنگسازی فارغ‌التحصیل شد.

    کارنامه هنری اسماعیل واثقی

    اسماعیل واثقی در طول زندگی خود در اتریش، نزدیک به ۲۸۰۰ کنسرت مختلف اجرا کرده است. در ادامه به بخشی از فعالیت‌های او اشاره می‌کنیم.
    او در گروه «کلمنچیچ کنزرت» به نواختن سنتور و سازهای کوبه‌ای مشغول بود. این گروه در زمینه بازسازی موسیقی قرون وسطی فعالیت داشت و برای سال‌های متوالی با واثقی همکاری کرد. همچنین، او در چندین اجرا با یویوما، نوازنده سرشناس ویولن‌سل، همکاری کرد و در کنسرت‌های او به عنوان تک‌نواز ظاهر شد.

    در سال ۱۳۹۳، به دلیل تخصص واثقی در موسیقی قرون وسطی، از او دعوت شد تا در یک پروژه موزیکال-نمایشی در سالن کنسرت هاوس وین مشارکت کند. این فستیوال هر سال با یک موضوع ویژه برگزار می‌شد و آن سال، موضوع آن «پند و اندرز و توطئه» بود. اسماعیل واثقی با مشورت چندین استاد ادبیات، منظومه «ویس و رامین» را برای این فستیوال انتخاب کرد. او در مدت چهار تا پنج ماه برای این منظومه هشت‌هزار بیتی، موسیقی ساخت. این اجرا با استقبال چشمگیری مواجه شد و یک سال بعد در شهر مونیخ نیز به روی صحنه رفت.

    اسماعیل واثقی در سال ۱۳۸۷، به پاس ۳۳ سال فعالیت آموزشی و برگزاری کنسرت‌های آموزشی برای کودکان و نوجوانان در استان تیرول اتریش، عنوان پروفسوری را از وزارت فرهنگ این کشور دریافت کرد. همچنین در ایران، او در ۲۹ مرداد ۱۳۹۷ آلبوم ترانه‌های شیدا و عارف را به همراه ارکستر ملی ایران اجرا و رهبری کرد.

    برخی از آثار اسماعیل واثقی

    قطعه چهارمضراب برای دو سنتور و ارکستر

    اگر به این موضوع علاقه دارید، با گام دیاتونیک آشنا شوید را از دست ندهید.

    پیشدرآمد جهان پهلوان

    فانتزی برای تار و ارکستر

    سروده‌های شیدا و عارف با خوانندگی سیما مافیها

    اگر سوالاتی دارید، مقاله گام فا مینور چیست؟ به شما کمک خواهد کرد.

    آلبوم فصل ایثار با اجرای آواز سیامک علیقلی

    آلبوم کوچه و آفتاب خوبان با صدای بیژن بیژنی

    اگر سوالاتی دارید، مقاله مجید انتظامی آهنگساز فیلم های به یاد ماندنی به شما کمک خواهد کرد.

    ساخت موسیقی فیلم میعادگاه خشم به کارگردانی سعید مطلبی

    ساخت موسیقی فیلم سفر سنگ به کارگردانی مسعود کیمیایی

    ساخت موسیقی فیلم کوچه مردها به کارگردانی ایرج قادری

  • ۱۲ تا از حقایق جالب درباره درامز

    ۱۲ تا از حقایق جالب درباره درامز

    درامز یک نوع ساز ضربی است که نقش بسیار مهمی در ساختن ریتم موسیقی دارد. در این نوشته از وبلاگ آنبین، ما اطلاعات جالبی درباره این ساز جمع‌آوری کرده‌ایم. اگر کنجکاو هستید تا چیزهای تازه‌ای در مورد درامز یاد بگیرید، پیشنهاد می‌کنیم این مطلب را تا انتها دنبال کنید.

    حقایق جالب درباره درامز

    ۱. یک نکته جالب درباره طبل‌ها این است که از اولین روزهای زندگی بشر، این سازها وجود داشته‌اند. انسان‌های اولیه با کوبیدن روی چیزهای مختلف اطرافشان صدا تولید می‌کردند. بعدها با کشف این که می‌توانند پوست حیوانات را روی ساز بکشند، طبل‌های واقعی را ساختند.

    ۲. کهن‌ترین طبل کشف‌شده در جهان، “طبل تمساح” نام دارد. جنس این ساز از خاک رس و پوست تمساح است و حدود ۵۵۰۰ سال قبل از میلاد مسیح، در مراسم مذهبی دوران نوسنگی در چین از آن استفاده می‌شده است.

    ۳. در سال ۱۹۰۹، شرکت لودویگ اولین پدال مخصوص طبل باس را اختراع کرد. این نوآوری، پایه و اساس ساخت مجموعه طبل‌های مدرن امروزی شد.

    ۴. نیم ساعت نواختن طبل، حتی بیشتر از نیم ساعت پیاده‌روی، وزنه‌برداری و دوچرخه‌سواری کالری می‌سوزاند. پژوهش‌های دانشگاه چیچستر هم نشان داده که یک جلسه تمرین طبل‌نوازی می‌تواند ضربان قلب نوازنده را به اندازه یک جلسه ورزش سنگین بالا ببرد.

    برای گسترش دانش خود، مقاله تاریخچه گرامافون را مطالعه کنید.

    ۵. گران‌ترین مجموعه طبل جهان، متعلق به رینگو استار، نوازنده طبل گروه بیتلز است. این ساز که در سال ۱۹۶۲ خریداری شده بود و در دستکم ۲۰۰ کنسرت از آن استفاده شد، در سال ۲۰۱۵ در یک حراجی در کالیفرنیا به مبلغ ۲.۱ میلیون دلار فروخته شد.

    توصیه می‌کنیم این مطلب زندگی کوتاه جرج گرشوین ،پیانیست مشهور آمریکایی را حتماً بخوانید.

    ۶. بزرگ‌ترین مجموعه طبل جهان ۸۱۳ قطعه دارد و ساخت آن ۳۶ سال طول کشیده است. دکتر مارک تمپراتو، سازنده این مجموعه، قصد دارد تعداد قطعات آن را به ۱۰۰۰ عدد برساند.

    ۷. در گذشته، در اروپای دوران قرون وسطی و رنسانس، از طبل استفاده‌های گوناگونی می‌شد. مثلاً در ارتش، برای فرستادن پیام‌های رمزی به سربازان از طبل استفاده می‌کردند. همچنین در آفریقا و هند باستان، مردم دو روستا می‌توانستند با نواختن طبل با یکدیگر ارتباط برقرار کنند.

    ۸. در سال‌های دهه ۱۹۸۰، طبل‌های الکتریکی خیلی محبوب شدند و خیلی‌ها فکر می‌کردند که طبل‌های معمولی دیگر از رده خارج می‌شوند. اما هنوز هم بیشتر نوازندگان، طبل‌های آکوستیک را بیشتر دوست دارند.

    ۹. بدنه طبل‌ها را از انواع مختلف چوب می‌سازند که هر کدام صدای خاص خود را دارند. مثلاً چوب افرا صدایی نرم و پربازتاب ایجاد می‌کند. چوب توس اما صدایی تیزتر و با بازتاب کمتر دارد. چوب‌های ماهون و بلوط نیز صدای بلندتری تولید می‌کنند. ضخامت چوب هم روی صدا اثر می‌گذارد؛ هرچه لایه چوب نازک‌تر باشد، بازتاب صدا بیشتر است.

    ۱۰. یک حقیقت بسیار جالب دیگر این است که فقط انسان‌ها طبل نمی‌نوازند! بعضی حیوانات هم در موقعیت‌های خاص، کارهایی شبیه طبل‌نوازی انجام می‌دهند. برای نمونه، میمون‌های ماکاک برای ارتباط با هم، با ریتم خاصی روی اشیا می‌کوبند. بعضی پستانداران دیگر هم با کف زدن یا ضربه زدن به سینه‌شان، صدایی شبیه طبل تولید می‌کنند.

    ۱۱. بلندترین طبل دنیا ارتفاعی بیش از ۵ متر دارد. این ساز برای اولین بار در یک جشنواره طبل‌نوازی در نیجریه به نمایش گذاشته شد.

    ۱۲. بزرگ‌ترین طبل جهان در کره جنوبی ساخته شده، ۷ تن وزن و ۵ متر قطر دارد. این طبل آنقدر بزرگ است که از دور شبیه یک اتاق استوانه‌ای شکل به نظر می‌رسد!

    برای اطلاعات بیشتر، به مقاله چه سازهایی در موسیقی جاز نواخته می‌شوند؟ مراجعه کنید.

  • مهم‌‌ترین اصول نگهداری از ویولنسل

    مهم‌‌ترین اصول نگهداری از ویولنسل

    اگر به تازگی یک ویولنسل خریده‌اید و دوست دارید سازتان برای مدت‌ها سالم بماند و خوب بنوازد، این نوشته از وبلاگ آنبین را از دست ندهید. در اینجا قصد داریم اصول پایه و مهم برای مراقبت از ویولنسل را به زبان ساده برای شما بیان کنیم.

    توصیه می‌کنیم حتماً مقاله ساز کوبه ای چیست؟ را مطالعه کنید.

    توصیه می‌شود به مطالعه مقاله آشنایی با سبک موسیقی لو فای ادامه دهید.

    اصول نگهداری از ویولنسل

    1. منظم ویولنسل را تمیز کنید

    برای مراقبت از ویولنسل، قدم اول تمیز نگه داشتن آن است. این ساز به خاطر جمع شدن رزین، چربی پوست و غبار، به مرور کثیف می‌شود. این کثیفی نه تنها زیبایی ساز را کم می‌کند، بلکه روی کیفیت صدا هم اثر منفی می‌گذارد. برای پاک کردن ویولنسل، یک پارچه نرم و بدون پرز را به آرامی روی بدنه و سیم‌های آن بکشید. هرگز پارچه را خیس نکنید و از آب یا مواد شوینده معمولی استفاده نکنید. تنها در موارد ضروری، از تمیزکننده‌های ملایم یا واکس مخصوص سازهای زهی کمک بگیرید.

    برای گسترش دانش خود، مقاله ساز زهی چیست؟ را مطالعه کنید.

    2. ویولنسل را در محیط مناسب نگهداری کنید

    ساز ویولنسل را فقط هنگام تمرین از جعبه آن بیرون بیاورید و در باقی مواقع حتماً داخل جعبه مخصوص خودش قرار دهید تا از ضربه و آسیب در امان بماند. هرگز ساز را در جای خیلی گرم یا زیر نور آفتاب مستقیم نگذارید؛ چون ممکن است رنگ و لاک روی بدنه آن کمرنگ یا خراب شود. همچنین مراقب باشید که رطوبت داخل جعبه و فضای اتاق بین ۴۰ تا ۵۰ درصد باشد تا چوب ساز ترک نخورد یا تاب برندارد. می‌توانید یک رطوبت‌سنج داخل جعبه ویولنسل بگذارید و به طور مرتب میزان رطوبت را بررسی کنید.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، کوک سنتور در دستگاه های مختلف را از دست ندهید.

    برای گسترش دانش خود، به مقاله آشنایی با بیوگرافی رابرت جانسون سر بزنید.

    برای یادگیری پیشرفته، به بیوگرافی لیلی افشار مراجعه کنید.

    اگر سوالاتی دارید، مقاله سه تار مشقی چیست؟ به شما کمک خواهد کرد.

    اگر سوالاتی دارید، مقاله آشنایی با اصطلاح پُلی فونی و مقدار مناسب آن در پیانو به شما کمک خواهد کرد.

    3. موقعیت خرک را چک کنید

    پایه چوبی ویولنسل، که به آن خرک می‌گویند، تاثیر زیادی روی کیفیت صدا دارد. همیشه چک کنید که این قطعه در جای درست خودش قرار گرفته باشد و کاملاً صاف و عمود بر سطح ساز ایستاده باشد. تمیز نگه داشتن خرک هم مهم است؛ باید آن را از گرد و غبار و بقایای مواد مخصوص مانند کلیفون پاک کنید. اگر متوجه شدید که خرک کج شده یا انحنا پیدا کرده، حتماً ساز خود را نزد یک تعمیرکار مجرب ببرید.

    4. از آرشه مراقبت کنید

    برای مراقبت از آرشه ویولنسل، باید چند نکته ساده را رعایت کنید.
    برای اینکه موهای آرشه به خوبی به سیمها بچسبد و صدای بهتری ایجاد کند، از رزین استفاده کنید. بعد از هر بار نواختن، موهای آرشه را با یک دستمال نرم پاک کنید تا رزین اضافی روی آن نماند.
    وقتی نواختن تمام شد، حتماً پیچ آرشه را شل کنید. همچنین موقع تمرین، آن را بیش از اندازه سفت نکنید چون ممکن است چوب آرشه بشکند یا کج شود.

    اگر سوالاتی دارید، مقاله بیوگرافی استفان لارنس شوارتز آهنگساز برجسته آمریکایی به شما کمک خواهد کرد.

  • کالیوپ یا پیانوی بخار چیست؟

    کالیوپ یا پیانوی بخار چیست؟

    کالیوپ که با نام پیانوی بخار نیز شناخته می‌شود، یک ساز منحصربه‌فرد با ریشه‌های آمریکایی و کانادایی است که هم ظاهر غیرمعمول و هم نحوهٔ کار جذابی دارد. در این نوشته از وبلاگ آنبین، به طور کامل با این ساز آشنا خواهیم شد.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، حتماً مصاحبه کیمیانیوز با فرهاد بادپا مدرس و موزیسین را بخوانید.

    برای یادگیری پیشرفته، به  استاد حسین تهرانی، پدر معاصر ساز تنبک مراجعه کنید.

    برای گسترش دانش خود، به مقاله نت شاهد چیست ؟ سر بزنید.

    در این مقاله روش های کاهش نشت صدا در استودیوی خانگی اطلاعات مفیدی آمده است.

    کالیوپ چیست؟

    کالیوپ یک ساز موسیقی است که با نیروی گاز، بخار یا هوای تحت فشار کار می‌کند و با استفاده از سوت‌های بزرگ، صدایی شبیه به قطار تولید می‌کند. صدای این ساز بسیار پرطنین است و تا فاصله‌های خیلی دور به گوش می‌رسد و هیچ راهی برای کم کردن حجم صدا وجود ندارد. نواختن کالیوپ معمولاً با یک صفحه کلید انجام می‌شود که نوازنده آن را کنترل می‌کند؛ البته گاهی به شکل خودکار و مکانیکی نیز نواخته می‌شود. صفحه کلید این ساز داخل یک واگن مخصوص قرار دارد که با نقاشی و طلاکاری تزئین شده است و نوازنده هم درون همان واگن می‌نشیند و ساز می‌زند. جنس صفحه کلید از برنج انتخاب شده تا در برابر حرارت و رطوبت ناشی از بخار مقاوم باشد. سوت‌های کالیوپ به صورت نیم‌پرده‌ای (کروماتیک) کوک می‌شوند، اما کوک کردن آن‌ها کار بسیار سختی است. تعداد این سوت‌ها معمولاً بین ۲۵ تا ۶۷ عدد است، هرچند در نمونه‌های قدیمی اغلب ۳۲ سوت به کار می‌رفت. در گذشته از این ساز بیشتر در سیرک‌ها و کشتی‌های تفریحی استفاده می‌شد، چون در آن فضاها دسترسی به منابع بخار برای به کار انداختن ساز آسان بود.

    تاریخچه کالیوپ

    جوشوا سی استودارد در نهم اکتبر سال ۱۸۵۵ میلادی، ساز کالیوپ را به نام خود ثبت کرد. طرح او از سازهای پیشین مانند شیپور قطار الهام گرفته بود. پس از او، یکی از کارکنان شرکت موسیقی آمریکایی استودارد به نام «آرتور اس. دنی» کوشید تا این ساز را بهبود بخشد، اما نتیجه‌ای نگرفت. سرانجام در سال ۱۸۵۹، او این ساز را در مجموعه کریستال پالاس لندن به نمایش گذاشت. کالیوپ پیشرفته‌ای که دنی ساخت، برخلاف نمونه‌های قدیمی، امکان تنظیم فشار بخار و کنترل بلندی صدا را فراهم می‌کرد. همچنین از سال ۱۸۹۰ تا ۱۹۳۲، بسیاری از کالیوپ‌های دیگر توسط توماس جی نیکول در شهر سینسیناتی ایالت اوهایو ساخته شدند.

    برای یادگیری پیشرفته، به خلیفه میرزا آغه غوثی، پدر دف ایران مراجعه کنید.

    اطلاعات جامع‌تری در مورد این موضوع را در میکروفن های مناسب برای ضبط صدا و ساخت استودیوی خانگی پیدا کنید.

  • فرم موسیقی نوکتورن چیست؟

    فرم موسیقی نوکتورن چیست؟

    قطعه‌های موسیقی نوکتورن با الهام از فضای شب ساخته می‌شوند و حس و حال شب را به شنونده منتقل می‌کنند. اگر دوست دارید اطلاعات بیشتری در مورد این سبک موسیقی به دست بیاورید، پیشنهاد می‌کنیم این مقاله را در وبلاگ آنبین دنبال کنید.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه مدت زمان لازم برای یادگیری گیتار چقدر است؟.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه علت محبوبیت گیتار در بین سایر آلات موسیقی چیست؟.

    نوکتورن چیست؟

    نوکتورن در زبان فرانسوی به معنی “شبانه” است. این سبک موسیقی در سده هجدهم میلادی پدید آمد و در آغاز شامل چندین بخش بود که در گردهمایی‌های شبانه اجرا می‌شد. بیشتر این قطعات آرام، پرمعنا و حزن‌انگیز بودند؛ هرچند تعداد کمی از آن‌ها نیز شاد و پرشور بودند. گاهی به جای نوکتورن، واژه ایتالیایی “نوتورنا” هم به کار می‌رود؛ نمونه معروف آن، سرناتا نوتورنا اثر موتزارت است. در آن دوره، نوکتورن‌ها لزوماً برای شب نوشته نمی‌شدند، اما مانند سرناد گاهی برای مجالس شبانه انتخاب می‌شدند. با این حال، یک تفاوت اصلی بین سرناد و نوکتورن وجود داشت: سرنادها معمولاً حدود ساعت ۹ شب اجرا می‌شدند، در حالی که نوکتورن‌ها پس از ساعت ۱۱ شب نواخته می‌شدند. در سده نوزدهم، این قالب موسیقی به صورت یک قطعه تکنوازی پیانو در یک بخش گسترش یافت.

    برای مطالعه بیشتر، به آشنایی با استاد کمانچه، کیهان کلهر سری سر بزنید.

    توصیه می‌کنیم حتماً مقاله ۱۰ ساز محبوب غربی را بشناسید! را مطالعه کنید.

    چه کسی فرم موسیقی نوکتورن را ابداع کرد؟

    جان فیلد، یک نوازنده پیانو و آهنگساز اهل ایرلند، در سال ۱۸۱۳ برای اولین بار قطعه‌ای به نام نوکتورن خلق کرد. به همین دلیل، او را به عنوان پدر نوکتورن دوران رمانتیک می‌شناسند. ساخته‌های جان فیلد روی آهنگسازان بزرگ دیگری مانند شوپن، برامس و لیست اثر گذاشت. شوپن بعدها این سبک را بیشتر شناخته کرد و توسعه داد و در مجموع ۲۱ نوکتورن از خود به جای گذاشت. بلا بارتوک، آهنگساز و پژوهشگر موسیقی اهل مجارستان، نیز از چهره‌های مهم در زمینه نوکتورن به شمار می‌رود. او جنبشی با عنوان «موسیقی شب» پایه‌گذاری کرد و در قطعاتش از صداهای طبیعت مانند آواز پرندگان و موجودات شب‌زی الهام گرفت. علاوه بر افراد نام‌برده، آهنگسازان سرشناس دیگری نیز در این سبک قطعاتی خلق کرده‌اند که برخی از آن‌ها عبارتند از:

    اگر به این موضوع علاقه دارید، آیا پهلوان آواز ایران را می شناسید؟ را از دست ندهید.

    گابریل فوره
    الکساندر اسکریابین
    اریک ساتی
    فرانسیس پولنک
    لوول لیبرمن
    مایکل گلن ویلیامز
    ساموئل باربر
    رابرت هلز
    پیتر اسکالتورپ

    توصیه می‌کنیم این مطلب محبوب ترین سازهای سنتی ایرانی کدامند ؟ را حتماً بخوانید.

  • بیوگرافی فیلیپ گلس | از بنیان‌گذاران موسیقی مینیمال

    بیوگرافی فیلیپ گلس | از بنیان‌گذاران موسیقی مینیمال

    فیلیپ گلس یک نوازنده پیانو و آهنگساز اهل آمریکا است. او را یکی از پایه‌گذاران اصلی سبک مینیمال در موسیقی و از تأثیرگذارترین آهنگسازان انتهای قرن بیستم می‌شناسند. شهرت فیلیپ گلس بیشتر به دلیل استفاده از ساختارهای تکرارشونده و سبک مینیمالیستی در آثارش است. او در طول فعالیت هنری خود چندین بار نامزد دریافت جایزه اسکار شده و همچنین موفق به کسب جوایز معتبری مانند گلدن گلوب و جایزه جشنواره فیلم بفتا شده است. در این نوشته از وبلاگ آنبین، می‌خواهیم به طور کامل با این هنرمند آشنا شویم.

    برای درک عمیق‌تر این موضوع، مطلب تاریخچه آموزش موسیقی کودک در جهان را بخوانید.

    در اینجا می‌توانید اطلاعات کامل‌تری درباره رابطه تغذیه و صداسازی بیابید.

    برای گسترش دانش خود، مقاله آشنایی با اصطلاحات پایه ای و اصلی موسیقی را مطالعه کنید.

    برای یادگیری پیشرفته، به نت سفید و نت سیاه چیست؟ مراجعه کنید.

    در صورت علاقه‌مندی، مطلب فرم پرلود در موسیقی به چه فرمی گفته می شود؟ را از دست ندهید.

    تولد و کودکی فیلیپ گلس

    فیلیپ گلاس در سی و یکم ژانویه سال ۱۹۳۷ در شهر بالتیمور از ایالت مریلند به دنیا آمد. خانواده او از تبار روسی و یهودی بودند. مادرش در یک کتابخانه کار می‌کرد و پدرش صاحب مغازه‌ای بود که صفحات موسیقی می‌فروخت. فیلیپ در همین مغازه همیشه به جدیدترین آهنگ‌ها گوش می‌داد. همچنین در میان بستگان پدری‌اش، افراد زیادی بودند که ساز می‌زدند. به همین خاطر می‌توان گفت پدرش تاثیر زیادی در علاقه‌مند کردن او به دنیای موسیقی داشت.

    توصیه می‌کنیم حتماً مقاله کاپو یا باره بند گیتار چیست؟ را مطالعه کنید.

    برای درک عمیق‌تر این موضوع، مطلب بهترین کلاس آواز در شرق تهران را بخوانید.

    تحصیلات

    فیلیپ گلاس از همان سنین پایین، نواختن فلوت را در یک آموزشگاه موسیقی فرا گرفت. وقتی پانزده ساله شد، در دوره‌های فشرده دانشگاه شیکاگو شرکت کرد و در آنجا به تحصیل در رشته‌های فلسفه و ریاضیات پرداخت. در سال ۱۹۵۴ راهی پاریس شد و از کارگاه‌های هنرمندان مختلف دیدن کرد. این محیط هنری الهام‌بخش او بود. پس از آن، وارد مدرسه موسیقی جولیارد شد و در زمینه آهنگسازی تحصیل کرد و تمرکز اصلی خود را روی کیبورد، ساز تخصصی‌اش، قرار داد. او در سال ۱۹۶۲ جولیارد را ترک کرد و در مدارس شهر پیتسبرگ به عنوان آهنگساز مشغول به کار شد. دو سال بعد، موفق به دریافت بورسیه فولبرایت شد و تحت آموزش نادیا بولانگر، استاد سرشناس آهنگسازی، قرار گرفت. خود گلاس می‌گوید که این استاد نقش بسیار مهمی در شکل‌دهی به مسیر هنری او داشت.

    برای اطلاعات بیشتر، به مقاله آشنایی کامل با فرم واریاسیون مراجعه کنید.

    مقاله داستان جالب خلق تنصیف سپیده حاوی اطلاعات جامعی است.

    فیلیپ گلاس و سبک موسیقی مینیمالیسم

    فیلیپ گلاس پس از آشنا شدن با راوی شانکار، نوازنده سیتار اهل هند، مسیر ساخت موسیقی خود را عوض کرد. او برای مدتی، بسیاری از قواعد مرسوم و قدیمی آهنگسازی مانند سرعت اجرا، هماهنگی صداها و ملودی را کنار گذاشت. به جای آن، شروع به ساختن قطعاتی کرد که حال و هوایی تکراری و یکدست داشتند. سبک او دربرگیرنده‌ی ریتم‌های پرشداری بود که به شکلی خلاقانه در قالب‌های ساده‌ی موسیقایی گسترش پیدا می‌کردند. این سبک از موسیقی که با کیبورد و سازهای بادی اجرا می‌شد، در اواخر دهه‌ی ۱۹۶۰ در شهر نیویورک بسیار محبوب شد. سال‌ها بعد، گلاس اپرای «انیشتین در ساحل» را نیز ساخت که این اثر هم با دگرگونی‌هایی در ریتم و ملودی، مورد استقبال زیادی قرار گرفت.

  • بهترین موسیقی های فیلم جهان در قرن ۲۱

    بهترین موسیقی های فیلم جهان در قرن ۲۱

    در این نوشته از وبلاگ آنبین، نگاهی می‌اندازیم به پنج قطعه از برترین و به یاد ماندنی‌ترین موسیقی‌های سینمایی که در این قرن ساخته شده‌اند.

    بهترین موسیقی های فیلم جهان در قرن ۲۱

    ۱. مرثیه‌ای برای یک رویا ـ کلینت منسل

    کلینت منسل آهنگساز و تنظیم‌کننده انگلیسی است که حتی نامزدی جایزه گرمی را نیز در کارنامه خود دارد. او آهنگ‌ساز فیلم “مرثیه‌ای برای یک رویا” بوده که قطعه اصلی آن با نام “نور ابدی” (Lux Aeterna) شناخته می‌شود. خیلی‌ها این قطعه را یکی از تاثیرگذارترین و غمگین‌ترین موسیقی‌های تاریخ سینما می‌دانند. این آهنگ به شکلی هنرمندانه حس ترس و دلهره را به شنونده منتقل می‌کند. فیلم درباره موضوع اعتیاد است و کارگردان به منسل گفته بود که این فیلم در واقع یک اثر ترسناک است؛ چون هر بار که اعتیاد پیروز می‌شود، در حقیقت یک هیولا برنده شده است. به همین دلیل، منسل هم کوشید این حس وحشت و اضطراب را در موسیقی خود به وجود آورد.

    ۲. بین ستاره‌ای ـ هانس زیمر

    هانس زیمر آهنگساز فیلم اینتراستلار است که کریستوفر نولان آن را کارگردانی کرده. نولان در ابتدا موضوع اصلی فیلم را به زیمر نگفت و فقط از او خواست تا در یک روز، بر اساس داستان پدری که به خاطر یک مأموریت، فرزندش را تنها می‌گذارد، قطعۀ موسیقی خلق کند. بعد از آن، آن‌ها اولین نسخه از این قطعه را با ارگ کلیسا ساختند. در این موسیقی، با کمک ساز ارگ و ریتم‌های تکراری و پرقدرت، سعی شده تا عظمت و شکوه دنیای بیکران به گوش شنونده برسد. این قطعه با وجود سادگیِ زیبایش، حس غم و اندوه ژرفی را در دل زنده می‌کند.

    ۳. دزدان دریایی کارائیب – کلاوس بدلت و هانس زیمر

    کلاوس بدلت و هانس زیمر از سال ۲۰۰۳ تا ۲۰۱۷ میلادی، موسیقی‌های مجموعه فیلم دزدان دریایی کارائیب را خلق کردند. کار آن‌ها امروزه در زمره برترین موسیقی‌های فیلم در سراسر جهان قرار دارد. بسیاری از نغمه‌های به‌کار رفته در این موسیقی‌ها، از ترانه‌های قدیمی ملوانان ایرلندی الهام گرفته شده است. قطعه اصلی و به یاد ماندنی این مجموعه، “او یک دزد دریایی است” (He’s a Pirate) نام دارد.

    ۴. ساعت‌ها ـ فیلیپ گلس

    فیلیپ گلس از پیشگامان سبک مینیمال در موسیقی به شمار می‌رود. او در سال ۲۰۰۲ میلادی، موسیقی فیلم «ساعت‌ها» را خلق کرد. این فیلم به زندگی سه زن در دوره‌های زمانی و موقعیت‌های گوناگون می‌پردازد. قطعه‌ای که گلس برای این فیلم ساخت، نمونه‌ای درخشان از موسیقی مینیمال است و امروزه آن را در زمره برترین موسیقی‌های فیلم قرن بیست و یکم می‌دانند.

    توصیه می‌شود به مطالعه مقاله مشکل تعدد مهر های ساز چیست؟ ادامه دهید.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، تفاوت سنتور یک مهر و دو مهر چیست؟ کدام بهتر است؟ را از دست ندهید.

    مقاله گلنوش خالقی، آغازگر رشتهٔ رهبری موسیقی بانوان در ایران منبع بسیار خوبی برای یادگیری بیشتر است.

    ۵. تاوان ـ داریو ماریانلی

    داریو مارینالی یک نوازنده پیانو و آهنگساز ایتالیایی است که موسیقی‌های بسیاری برای فیلم‌های سینمایی خلق کرده است. از جمله آثار شناخته‌شده او می‌توان به موسیقی فیلم‌های «غرور و تعصب»، «برادران گریم» و «آنا کارنینا» اشاره کرد. اما در میان تمام کارهایش، موسیقی فیلم «تاوان» از همه مشهورتر است. این موسیقی توانسته است جایزه معتبر اسکار و همچنین گلدن گلوب را از آن خود کند. دو بخش برجسته و به‌یادماندنی در این موسیقی، صدای گیرای پیانو و ریتم خاص ماشین تحریر هستند.

  • بررسی موسیقی فیلم اینتراستلار (میان ستاره‌ای)

    بررسی موسیقی فیلم اینتراستلار (میان ستاره‌ای)

    فیلم میان‌ستاره‌ای را کریستوفر نولان کارگردانی کرده و آهنگسازی آن بر عهده هانس زیمر بوده است. بسیاری از منتقدان، موسیقی این فیلم را یکی از برترین قطعات سینمایی قرن بیست و یکم می‌دانند. اما دلیل این موضوع چیست؟ در این نوشته از وبلاگ آنبین همراه ما باشید تا جواب این پرسش را پیدا کنیم.

    فرآیند تولید موسیقی فیلم اینتراستلار یا میان ستاره ای

    کریستوفر نولان و هانس زیمر پیش از این هم چندین بار با هم کار کرده بودند. برای نمونه، زیمر موسیقی فیلم‌هایی مانند مجموعه «شوالیه تاریکی» و «تلقین» را ساخته بود. به خاطر همین همکاری موفق، نولان برای ساخت موسیقی فیلم «اینتراستلار» نیز سراغ هانس زیمر رفت. نکته جالب این است که نولان در ابتدا طرح اصلی فیلم که در مورد کوچیدن انسان‌ها از زمین به سیاره‌ای دیگر بود را برای زیمر تعریف نکرد. او فقط یک داستان کوتاه نوشت در مورد پدری که به خاطر یک مأموریت مهم، فرزندش را ترک می‌کند. این داستان تنها دو جمله داشت: «برمی‌گردم» و «چه زمانی؟». نولان فکر می‌کرد این داستان کوتاه، مفهوم اصلی فیلم را در خود دارد. سپس از زیمر خواست تا در مدت فقط یک روز، بر اساس این ایده، یک قطعه موسیقی بسازد. زیمر یک قطعه چهار دقیقه‌ای برای پیانو و ارگ نوشت. نولان آن را شنید و بعد از آن، داستان کامل فیلم را برایش توضیح داد. وقتی زیمر موضوع اصلی فیلم را فهمید، گفت: «من فقط یک قطعه کوچک و ظریف ساخته‌ام، اما داستان فیلم شما بسیار بزرگ و حماسی است!» اما نولان به او اطمینان داد که همان قطعه کوچک، دقیقاً حس اصلی و مفهومی را که او می‌خواهد منتقل می‌کند و برای فیلم کاملاً مناسب است.

    سازهای به کار رفته در موسیقی فیلم اینتراستلار

    راجر سایر، نوازنده ارگ و مسئول موسیقی کلیسای تمپل لندن، مسئولیت نواختن ارگ در موسیقی متن فیلم اینتراستلار را بر عهده داشت. هانس زیمر از او خواست تا این قطعه را با ارگ قدیمی همان کلیسا که مربوط به سال ۱۹۲۶ می‌شد اجرا کند. علاوه بر ارگ، موسیقی این فیلم با ۳۴ ساز زهی، ۲۴ ساز بادی، ۴ پیانو و یک گروه کر متشکل از ۶۰ خواننده نیز اجرا شده است.

    انتشار موسیقی فیلم میان ستاره ای

    موسیقی فیلم «اینتراستلار» در اواخر بهار سال ۲۰۱۴ در کلیسای معبد و سالن AIR Lyndhurst ضبط شد. انتشار این موسیقی تا دو هفته پس از اکران فیلم به تعویق افتاد؛ چرا که هانس زیمر ترجیح می‌داد مخاطبان برای اولین بار این قطعات را در سالن سینما و از طریق بلندگوهای قدرتمند آن تجربه کنند، تا کاملاً در فضای فیلم غرق شده و تحت تأثیر قرار بگیرند. زیمر در سال ۲۰۲۲ بیان کرد که به نظر خودش، موسیقی این فیلم بهترین کاری است که تا آن زمان خلق کرده است. این اثر همچنین نامزد دریافت جایزه اسکار در بخش بهترین موسیقی متن و نیز نامزد جایزه گرمی برای بهترین موسیقی متن برای رسانه‌های تصویری شده است.

  • ۱۳ تا از جمله های معروف فردریک شوپن

    ۱۳ تا از جمله های معروف فردریک شوپن

    گفتار و نقل‌قول‌های موسیقیدانان بسیار ارزشمند است، چون هم چیزهای مهمی درباره موسیقی به ما یاد می‌دهد و هم کمک می‌کند تا طرز فکر هنرمند را بهتر درک کنیم. در این نوشته از وبلاگ آنبین، قصد داریم نگاهی به سخنان فردریک شوپن بیندازیم و با افکار و دنیای درونی او آشنا شویم.

    جمله های فردریک شوپن

    ۱. وقتی یک نوازنده تعداد زیادی نت را تجربه کند، در نهایت می‌فهمد که زیباترین چیز، سادگی است. رسیدن به این سادگی، اوج هنر است.

    ۲. بعضی وقت‌ها هیچ کاری از دستم برنمی‌آید جز اینکه غر بزنم، رنج بکشم و تمام ناامیدی‌هایم را هنگام نواختن پیانو خالی کنم.

    برای گسترش دانش خود، مقاله تفاوت تصنیف با سرود و آواز را مطالعه کنید.

    ۳. وقتی فکرهای سنگین داری، واقعاً سخت است که کسی را نداشته باشی تا با او حرف بزنی. حتماً می‌دانی چه احساسی دارم. چیزهایی را که قبلاً به تو می‌گفتم، حالا فقط به پیانوم می‌گویم.

    برای گسترش دانش خود، مقاله ساز چنگ را بیشتر بشناسید را مطالعه کنید.

    ۴. باخ مانند کاشفی است که ستاره‌های شگفت‌انگیز آسمان را پیدا می‌کند. بتهوون با دنیا مبارزه می‌کند. اما من فقط می‌خواهم احساسات و قلب آدم‌ها را بیان کنم.

    ۵. این جسم و بدنم همیشه برای من منبع ناامیدی بزرگی بوده است.

    ۶. هیچ‌کس در این دنیا نمی‌تواند همه چیز داشته باشد. از بزرگترین نعمت‌ها راضی باش: سلامتی.

    ۷. بهترین کاری که یک نفر می‌کند، مردن است. بدترین کارش چیست؟ به دنیا آمدن.

    ۸. ای کاش می‌توانستم فکرهای منفی را که شادی‌ام را از بین می‌برند، دور بریزم؛ اما انگار از غرق شدن در این افکار لذت می‌برم!

    ۹. تا وقتی که سالم و قوی هستم، با کمال میل تمام وقتم را کار می‌کنم.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، حتماً منشاء موسیقی به کجا باز میگردد را بخوانید.

    ۱۰. چقدر سخت است وقتی کسی را نداری که در لحظات شادی و غمت شریک باشد، و وقتی دلت گرفته، کسی نباشد که غصه‌هایت را با او در میان بگذاری.

    ۱۱. از حضور در جمع می‌ترسم، گویی نفس‌هایم را می‌گیرد. نگاه‌های کنجکاو مردم باعث می‌شود احساس فلج شدن کنم و دیدن چهره‌های ناشناس، زبانم را می‌بندد.

    ۱۲. وین شهری زیبا و پر از زندگی است که مرا بسیار خوشحال می‌کند.

    ۱۳. چقدر سخت است که آدم در جایی غیر از زادگاه خودش بمیرد.