دسته: موسیقی

  • بیوگرافی سعدی افشار

    بیوگرافی سعدی افشار

    سعدی افشار که نام کامل او سعدالله رحمت‌خواه است، در سال ۱۳۱۳ در استان زنجان به دنیا آمد. او بازیگر کمدی ایرانی بود و در نمایش‌های معروف به سیاه‌بازی یا تخته‌حوضی (روحوضی) بازی می‌کرد. سعدی افشار آخرین بازمانده از نسل بازیگران سیاه‌باز در نمایش‌های روحوضی ایران به شمار می‌رفت. در ادامه با این هنرمند نامدار بیشتر آشنا می‌شویم.

    تحصیلات او تا کلاس ششم دبستان ادامه داشت و از جوانی به بازی در تئاتر علاقه پیدا کرد. افشار برای اولین بار در سال ۱۳۳۰ روی صحنه رفت و نقش‌آفرینی کرد. بعدها در نمایش‌های سیاه‌بازی و تخته‌حوضی شرکت جست و اغلب در نقش‌های سیاه یا مبارک ظاهر می‌شد.

    از سعدی افشار به عنوان آخرین بازمانده هنر سیاه‌بازی در ایران یاد می‌کنند. او کمدینی بود که در نمایش‌های سیاه‌بازی و تخته‌حوضی به ایفای نقش می‌پرداخت.

    زندگی نامه هنری سعدی افشار

    زندگی‌نامه هنری سعدی افشار

    هنری سعدی افشار، با نام اصلی سید محمد سعدی افشار، هنرمند پرآوازه موسیقی ایرانی است. او در سال ۱۳۱۴ خورشیدی در شهر تهران چشم به جهان گشود.

    از دوران کودکی به موسیقی علاقه‌مند بود و این علاقه او را به سمت یادگیری ساز سنتور کشاند. پس از آن، با پشتکار فراوان، نوازندگی در سازهای دیگری مانند ویولن و تار را نیز به مهارت خود افزود.

    سعدی افشار در هنرستان عالی موسیقی به تحصیل پرداخت و از آموزش استادان بزرگی بهره برد. پس از پایان تحصیلات، فعالیت خود را به عنوان نوازنده و آهنگساز در رادیو ایران آغاز کرد.

    او در ساخت و اجرای قطعات موسیقی ایرانی، به ویژه در زمینه آهنگ‌های محلی و فولکلور، تلاش بسیاری کرد. همکاری با خوانندگان نام‌آشنا و اجرای کنسرت‌های متعدد در داخل و خارج از ایران، از بخش‌های برجسته کارنامه هنری اوست.

    هنری سعدی افشار با عشق به موسیقی اصیل ایرانی زندگی کرد و آثار ماندگاری از خود به جای گذاشت. او در سال ۱۳۸۳ دار فانی را وداع گفت، اما نام و یادش در دل دوستداران موسیقی این سرزمین زنده است.

    زندگی نامه هنری سعدی افشار

    سعدی افشار از جوانی کار در تئاتر را شروع کرد. همان طور که در هنرهای قدیمی مرسوم است، او هم ابتدا با الگوبرداری از استادان بزرگی مانند ذبیح‌الله ماهری و مهدی مصری پا به صحنه گذاشت. در آن زمان، هنوز در نمایش‌های تخت‌حوض سیاه‌بازان ماهری مانند سیدحسین یوسفی، اسدالله قاسمی، محمود یکتا و رضا عرب‌زاده می‌درخشیدند.

    دوره‌ای که سعدی افشار و همکارانش در اوج بودند، همزمان با تغییرات اجتماعی و دگرگونی در شیوه‌های برگزاری مراسم شاد بود. به همین دلیل، کم‌کم از محبوبیت نمایش‌های شاد سنتی کاسته شد و جای آن را فرم‌های تازه‌تری گرفت. تخت‌حوض رونق گذشته را از دست داد و شرایط طوری پیش رفت که سعدی افشار و هم‌نسلانش آخرین نمایندگان هنر نمایش سنتی شدند.

    سعدی افشار در سالن‌های مختلفی مانند تئاتر حافظ نو، سالن اصلی تئاتر شهر، تالار مولوی، تئاتر دهقان، تئاتر پارس، تئاتر نصر، سینما تئاتر کوچک و همچنین در رادیو و تلویزیون به اجرا پرداخت. او با هنرمندان بسیاری از جمله مهدی سنایی‌فرید، محمود یکتا، حسن شمشاد، محمود نظری، ابراهیم شادی، تهیه کارلو، عالم‌تاج گوهری، مژگان، افسانه، اکبر خسروی، هوشنگ خسروی، رحمان محسنی، عنایت‌الله شفیعی، محمد دبیر، حسن عظیمی، هوشنگ احمدی، رضا کریمی، نوروز بیات، علی اژدری، علی فتحعلی، محسن مقامی، مجید فروغی، رضا رضامندی و دیگران همکاری کرد. همچنین در مهر و آبان سال ۱۳۷۰، با دو نمایش «سعدی هملت می‌شود» و «بلورک و چشمه نوش» به همراه گروهی از هنرمندان تئاتر نصر به سرپرستی دکتر محمود عزیزی، در جشنواره پاییزی مادرید در اسپانیا و سپس در فرانسه حضور یافت.

    هنر رو به فراموشی سیاه بازی

    اگرچه امروزه سیاه‌بازی مانند گذشته رایج نیست، اما گروهی از هنرمندان که نخستین تجربه‌های هنری خود را در تئاتر کسب کردند و نیز برخی از جوانان تحصیل‌کرده این رشته در زمانه ما، کوشیده‌اند تا آیین‌ها و تجربه‌های کمدی سنتی ایران را پاس دارند و زنده نگه‌دارند.
    این نسل، راه خود را با الهام از تلاش‌های استادان بزرگی مانند علی نصیریان و حسین کسبیان آغاز کرد و امروز شمار اندک اجراهایی که از سیاه‌بازی الهام گرفته‌اند، حاصل کوشش‌های همین افراد است. نسلی که برجسته‌ترین الگوی آنان “سعدی افشار” می‌باشد.

    وفات

    در نهایت، او پس از مدت‌ها مبارزه با بیماری، در سی‌ام فروردین‌ماه سال ۱۳۹۲ (مصادف با نوزدهم آوریل ۲۰۱۳) چشم از جهان فروبست. علت درگذشت او، عفونت ریه و پوکی استخوان اعلام شد. او در منزل شخصی خود در تهران دار فانی را وداع گفت. در همان روزها، نمایشی از او با نام «فیس پوک» روی صحنه تئاتر در حال اجرا بود.

  • استاد نورعلی برومند ،پزشکی که نابینا شد

    استاد نورعلی برومند ،پزشکی که نابینا شد

    نورعلی برومند از استادان پرتلاش موسیقی ایران بود. او نواختن سازهای گوناگون را نزد آموزگاران ماهر و با تجربه فرا گرفت. زندگی این هنرمند برجسته سرشار از رویدادهای ارزشمند است که در این نوشته از وبلاگ آنبین به آن نگاه می‌کنیم. پیشنهاد می‌کنیم برای آشنایی بیشتر، تا پایان این مطلب همراه ما بمانید.

    نورعلی برومند

    نورعلی برومند، استاد بزرگ موسیقی و نوازنده ماهر سازهای ایرانی، در سال ۱۲۸۵ در تهران به دنیا آمد. او از هفت سالگی استعدادش در موسیقی را نشان داد و بدون این که نزد معلمی آموزش دیده باشد، ریتم و ضرب را به خوبی می‌نواخت.

    پدرش میرزا عبدالوهاب خان برومند، که جواهرشناس نامداری بود، به موسیقی علاقه زیادی داشت. به همین خاطر، هنرمندان سرشناسی مانند درویش سماع‌حضور، حسین اسماعیل‌زاده و سیدحسین طاهرزاده به خانه آنها رفت و آمد می‌کردند. همین رفت و آمدها و فضای هنری خانه، باعث رشد و شکوفایی استعداد نورعلی برومند شد.

    شروع آموزش موسیقی تخصصی

    استاد نورعلی برومند از سیزده سالگی نزد درویش خان آموزش تار را شروع کرد و ردیف مقدماتی ایشان را در طول سه سال آموخت. او با ابوالحسن صبا دوست و همنشین بود و این دوستی از روزگاری آغاز شد که هر دو نزد درویش خان تار و سه‌تار می‌آموختند و درویش خان به آن‌ها لقب “دوتا کوچولو” داده بود.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه معرفی ساز تار.

    از پانزده سالگی، برومند شاگرد غلامحسین درویش، معروف به درویش خان، شد و ردیف‌های ابتدایی موسیقی را نزد او فراگرفت. در هجده سالگی با روح‌الله خالقی آشنا شد و مدتی با هم به تمرین نوازندگی پرداختند. پس از آن به آلمان رفت و در کنار تحصیل پزشکی، به آموختن پیانو، سرایش و اصول نت‌خوانی موسیقی غربی نیز پرداخت و به آثار موتسارت، آهنگساز اتریشی، علاقه‌مند شد. او در سال ۱۳۰۶ شمسی به ایران بازگشت و برای یادگیری ردیف‌های متوسط تا پیشرفته و اصول نت‌نویسی ایرانی، نزد موسی معروفی – که از شاگردان برجسته‌ی درویش خان بود – به شاگردی ادامه داد.

    ادامه تحصیل در اروپا

    سپس برای ادامه تحصیل در رشته پزشکی، دوباره به اروپا سفر کرد، اما به دلیل یک بیماری ناشناخته بینایی خود را از دست داد و در سال ۱۳۱۵ شمسی ناچار به ایران بازگشت. پس از آن، همه وقت خود را به یادگیری و آموزش موسیقی اختصاص داد. از استادان او می‌توان صمصام‌الدوله و فخام‌الدوله بهزادی، ابوالحسن صبا، حسین‌خان هنگ‌آفرین، یوسف فروتن، حبیب سماعی، عبدالله دوامی و اسماعیل قهرمانی را نام برد. هر یک از این استادان در بخشی از موسیقی سرآمد بودند و برومند سال‌های طولانی با صبر و حوصله نزد آنان به آموختن و تمرین مشغول شد.

    او به مدت دوازده سال تمام، ردیف‌های موسیقی سنتی ایران را نزد اسماعیل قهرمانی — که شاگرد برجسته و ارشد مکتب میرزا عبدالله دوامی بود — فرا گرفت. از آنجا که به دلیل کهولت سن، پنجه و مضراب قهرمانی بسیار ضعیف شده بود، برومند با پشتکار بسیار، آثار استاد را دوباره آموخت، بازسازی کرد و دقیقاً به شیوه خود او به اجرا و تنظیم درآورد.

    برای گسترش دانش خود، مقاله روحوضی یا سیاه بازی ،ترکیبی از نمایش و موسیقی را مطالعه کنید.

    در این مقاله تاثیر انتخاب موسیقی مناسب برای ورزش اطلاعات مفیدی آمده است.

    یادگیری سازهای گوناگون و پایه‌گذاری‌های جدید در آموزش موسیقی

    استاد نورعلی برومند به دلیل توانایی چشمگیر در آموختن سازهای مختلف و ایجاد روش‌های نوین در آموزش موسیقی، نقشی برجسته‌تر از بسیاری از استادان دیگر در پیشبرد و انتقال موسیقی به نسل‌های بعد ایفا کرد. او در نواختن سازهایی مانند تار، سه‌تار، سنتور، تنبک و کمانچه چیره‌دست بود و به آموزش آواز نیز می‌پرداخت.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، حتماً بیوگرافی لئونارد کوهن را بخوانید.

    برای یادگیری پیشرفته، به بهترین آموزشگاه دف در شرق تهران مراجعه کنید.

    برومند به درخواست برونو نتل، موسیقی‌شناس آمریکایی، به دانشگاه ایلینوی رفت و در مدت کوتاه یک ماهه‌ای، به معرفی موسیقی دستگاهی ایران پرداخت و بخش‌هایی از ردیف موسیقی ایرانی را در آنجا ضبط کرد. این ضبط‌ها امروزه در آرشیو دانشگاه ایلینوی نگهداری می‌شوند.

    توصیه می‌کنیم این مطلب سازی عجیب با نام فلوت بینی را حتماً بخوانید.

    در سال ۱۳۴۴، همزمان با راه‌اندازی رشته موسیقی در دانشکده هنرهای زیبای دانشگاه تهران، مهدی برکشلی از او دعوت کرد تا به عنوان استاد ردیف در آنجا مشغول به کار شود. به این ترتیب، او آموزش آکادمیک موسیقی ایرانی را در آن دانشکده پایه‌گذاری کرد. برومند هفته‌ای دو جلسه به صورت شفاهی ردیف موسیقی را به دانشجویان آموزش می‌داد تا اینکه در سال ۱۳۵۳ بازنشسته شد. در میانه دهه پنجاه و با تأسیس مرکز حفظ و اشاعه موسیقی ایران، تدریس در این مرکز را نیز آغاز کرد.

    نورعلی برومند استاد بسیاری از چهره‌های بزرگ موسیقی اصیل ایران بود که از میان آنان می‌توان به اکبر گلپایگانی، محمدرضا شجریان، پریسا، پرویز مشکاتیان، حسین علیزاده، محمدرضا لطفی، فرخ مظهری، داریوش طلایی، مجید کیانی، جلال ذوالفنون، شهرام ناظری، ناصر فرهنگ‌فر و رضوی سروستانی اشاره کرد.

    او سرانجام در دوم بهمن ۱۳۵۵ بر اثر سکته قلبی در تهران درگذشت و در گورستان ظهیرالدوله به خاک سپرده شد.

  • تفاوت گیتار آکوستیک و کلاسیک

    تفاوت گیتار آکوستیک و کلاسیک

    گیتار آکوستیک و گیتار کلاسیک، هر دو از سازهای محبوب و پرطرفدار هستند که در عین شباهت‌ها، تفاوت‌های مهمی نیز با هم دارند. اگر دوست دارید بیشتر با این دو ساز آشنا شوید، خوب است نکات اصلی درباره شباهت‌ها و تفاوت‌های آن‌ها را بدانید. در ادامه این نوشته، به این موضوع می‌پردازیم. با ما همراه بمانید.

    تفاوت گیتار آکوستیک و کلاسیک

    ۱- اصلی‌ترین فرق میان گیتار آکوستیک و کلاسیک، جنس سیم‌های آن‌هاست. بیشتر گیتارهای آکوستیک امروزی سیم‌های فلزی دارند، اما گیتار کلاسیک معمولاً با سیم‌های نایلونی ساخته می‌شود. به همین دلیل صدای این دو ساز با هم تفاوت دارد. سیم‌های نایلونی صدایی نرم و ملایم ایجاد می‌کنند و نواختن آن‌ها برای انگشتان راحت‌تر است. در مقابل، سیم‌های فلزی صدایی بلندتر، شفاف‌تر و دارای زنگ بیشتری هستند.

    برای یادگیری پیشرفته، به زندگینامه حسین گل‌گلاب،شاعر ترانه ای ایران مراجعه کنید.

    ۲ – تفاوت دیگر در اندازه بدنه ساز است. معمولاً گیتارهای کلاسیک نسبت به گیتارهای آکوستیک بدنه کوچک‌تری دارند.

    در این مقاله تاثیر موسیقی بر درک ریاضی اطلاعات مفیدی آمده است.

    ۳ – صفحه انگشت‌گذاری (فینگربورد): معمولاً گیتارهای کلاسیک صفحه انگشت‌گذاری پهن‌تر و صاف‌تری دارند و به همین دلیل فاصله بین سیم‌ها در آن‌ها کمی بیشتر از گیتار آکوستیک است.

    توصیه می‌کنیم این مطلب انواع سازهای زهی از نظر شیوهٔ نواختن را حتماً بخوانید.

    توصیه می‌کنیم حتماً مقاله مراحل کوک کردن سنتور را مطالعه کنید.

    ۴ – قسمت سردسته: بخش بالایی گیتار که سیم‌ها روی آن کوک می‌شوند، در گیتار آکوستیک و کلاسیک شکل متفاوتی دارد.

    برای گسترش دانش خود، به مقاله آهنگساز جنگ ستارگان کیست ؟ سر بزنید.

    برای مطالعه بیشتر، به بهترین آموزشگاه آموزش هنگ ‌درام سری سر بزنید.

    ۵ – تفاوت در سبک‌های موسیقی: از گیتار آکوستیک معمولاً در سبک‌هایی مانند بلوز استفاده می‌شود. همچنین در بسیاری از کشورهای اروپایی و آمریکایی، ترانه‌های راک و پاپ با گیتار آکوستیک اجرا می‌شوند. اگر قصد نوازندگی در استودیو را دارید، گیتار آکوستیک به دلیل صدای دلنشین‌تر، گزینه مناسبی است.

    تفاوت گیتار آکوستیک و کلاسیک

    شباهت و تفاوت هایی از جنبه ساختار بین گیتار کلاسیک و فلامنکو

    گیتار کلاسیک و گیتار فلامنکو از نظر ساختاری هم‌شباهت‌ها و هم تفاوت‌هایی دارند که در ادامه به آن‌ها می‌پردازیم:

    هر دو سبک ریشه‌های تاریخی مشترکی دارند.
    در هر دو سبک، معمولاً با ناخن بر سیم‌ها زده می‌شود.
    طریقه در دست گرفتن و نگهداری ساز در این دو سبک کمی با هم فرق دارد.
    در نوازندگی فلامنکو، گیتار روی پای راست قرار می‌گیرد، ولی در سبک کلاسیک معمولاً روی پای چپ گذاشته می‌شود.
    گیتار فلامنکو اغلب کوکی تقریبی و انعطاف‌پذیر دارد، اما گیتار کلاسیک برای تکنوازی طراحی شده و باید کوک دقیق و نت‌های شفاف و مجزایی داشته باشد.
    در گیتار فلامنکو، صفحه رویی جعبه صدا از چوب صنوبر ساخته می‌شود و بخش‌های پایین و کناری جعبه صدا از چوب سرو است. همچنین پشت دسته از سرو، صفحه انگشت‌گذاری از چوب ابنوس، پیچ‌های کوک و نوارهای تزئینی اطراف دهانه ساز از چوب رز ساخته می‌شوند. در مقابل، در گیتار کلاسیک معمولاً کناره‌ها و قسمت پایین جعبه صدا از چوب گل رز است و سایر بخش‌ها شبیه به گیتار فلامنکو هستند.
    صدای گیتار فلامنکو معمولاً تیزتر و نافذتر است. دسته این گیتار نیز باریک‌تر از دسته گیتار کلاسیک است که این ویژگی سرعت حرکت دست چپ و راست نوازنده را افزایش می‌دهد.
    رنگ طبیعی چوب گیتار فلامنکو معمولاً روشن‌تر و متمایل به زرد است، در حالی که گیتار کلاسیک اغلب رنگ قهوه‌ای تیره‌تر و طبیعی چوب را حفظ می‌کند.
    ساختار پل (خرک) در گیتار فلامنکو برجسته‌تر است و باعث می‌شود فاصله سیم‌ها از صفحه ساز کمتر باشد. اما پل در گیتار کلاسیک بلندتر است و در نتیجه سیم‌ها از پرده‌ها و صفحه ساز فاصله بیشتری دارند.

    نتیجه اینکه:

    می‌دانیم که سیم‌های گیتار آکوستیک از فلز ساخته شده‌اند، در حالی که سیم‌های گیتار کلاسیک معمولاً نایلونی هستند. به همین دلیل، صدای گیتار آکوستیک معمولاً درخشان‌تر و کمی تیزتر است، اما گیتار کلاسیک صدایی نرم‌تر و ملایم‌تر تولید می‌کند. شکل و ساختار بدنه این دو گیتار نیز با هم فرق دارد. دسته گیتار آکوستیک باریک‌تر است و شباهت بیشتری به گیتار الکتریک دارد. از گیتار آکوستیک بیشتر در سبک‌هایی مانند پاپ، راک، کانتری و سبک‌های مشابه استفاده می‌شود.

  • آشنایی با ساز توبا

    آشنایی با ساز توبا

    توبا که در زبان‌های فرانسوی و انگلیسی با همین نام (tuba) شناخته می‌شود، یکی از سازهای بادی از جنس برنج است. این ساز قدمت زیادی ندارد و در سده نوزدهم میلادی به جمع سازهای ارکستر اضافه شد. اگر می‌خواهید بیشتر با ساز توبا آشنا شوید، ادامه این نوشته را در وبلاگ آنبین بخوانید.

    برای یادگیری پیشرفته، به بیوگرافی استاد حسن کسایی مراجعه کنید.

    آشنایی با ساز توبا

    مهم‌ترین کاربرد این ساز در موسیقی ارکستری، در سمفونی فانتاستیک ساخته هکتور برلیوز دیده می‌شود. نوع دیگری از این ساز با نام توبای تنور یا یوفونیوم وجود دارد که به خاطر داشتن سه تا شش پیستون، می‌تواند همه نیم‌پرده‌های یک گام موسیقی را اجرا کند. این ساز معمولاً توانایی تولید صدا در محدوده‌ای به وسعت چهار اکتاو را دارد.

    سازهای بادی برنجی

    سازهای بادی برنجی، نقش مرکزی و حیاتی در بسیاری از سبک‌های موسیقی ایفا می‌کنند. صدای این سازها بر اثر لرزش لب‌های نوازنده در دهانی ساز به وجود می‌آید و این لرزش درون لوله‌ی ساز تقویت می‌شود. در واقع، این گروه از سازها نه بر اساس جنس مواد سازنده، بلکه بر پایه‌ی شیوه‌ی تولید صدا دسته‌بندی می‌شوند.

    توبا، عمیق‌ترین و بم‌ترین صدا را در بین سازهای بادی برنجی ایجاد می‌کند. اگرچه از نظر داشتن دریچه‌های قابل کنترل شبیه دیگر اعضای این خانواده است، اما برای به صدا درآوردن آن به نفس بیشتر و قدرت بالاتری از شش‌ها نیاز است. تسلط بر نواختن توبا اهمیت زیادی دارد. همچنین، بخش باریتون این سازها، هسته‌ی اصلی و پایه‌ی بسیاری از ارکسترها را تشکیل می‌دهد.

    ابعاد بزرگ ساز توبا می‌تواند برای بعضی از نوازندگان، به ویژه در گروه‌های موسیقیِ در حال حرکت، چالش‌برانگیز باشد.

    در میان سازهای بادی برنجی، گاهی نام «توبا» به طور کلی به سازهای بسیار بم (بم‌تر از ترومبون) اطلاق می‌شود.

    لوله‌ی این ساز در طول مسیر خود به تدریج گشاد می‌شود (به شکل مخروطی). قسمت دهانی آن در مقایسه با دیگر سازهای بادی، کمی بزرگ‌تر و عمق آن نسبت به سازهای بم‌تر، کمتر است. این دهانی به لوله‌ای متصل می‌شود که در ابتدا بسیار باریک است و در انتها به قطر قابل توجهی می‌رسد.

    مقاله کاربرد پدال در پیانو چیست ؟ حاوی اطلاعات جامعی است.

    ظاهر ساز توبا

    توبا از نظر ظاهری در دو شکل چهارگوش و تخم‌مرغی ساخته می‌شود. این ساز معمولاً چهار کلید و دریچه دارد. کلید چهارم به درست‌شدن و زیبایی صدای نت‌های خیلی بم کمک می‌کند و نواختن آن‌ها را آسان‌تر می‌سازد.

    گونه دیگر این ساز، توبای تنور یا یوفونیوم نام دارد. یوفونیوم بیشتر در ارکسترهای بادی نواخته می‌شود و جایگاه آن در چنین ارکستری، مشابه نقش ویولنسل در ارکستر سمفونیک است.
    به عنوان مثال، بخش تکنوازی ویولنسل در موومان دوم سمفونی شماره ۵ بتهوون، در تنظیم مخصوص ارکسترهای بادی برای ساز یوفونیوم نوشته شده است.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، چه سازهایی در سبک راک مورد استفاده قرار می گیرد؟ را از دست ندهید.

    در صورت علاقه‌مندی، مطلب آشنایی با دستگاه نوا در موسیقی را از دست ندهید.

    برای گسترش دانش خود، مقاله آشنایی با دستگاه راست‌پنج‌گاه  را مطالعه کنید.

    ساختار ساز توبا (tuba)

    توبا در اندازه‌های گوناگون و معمولاً با کوک‌های فا، می‬بمل، دو و سی‬بمل ساخته می‌شود. طول لوله اصلی در توبای سی‬بمل نزدیک به ۵.۵ متر است. این اندازه در توبای دو حدود ۴.۹ متر، در توبای می‬بمل ۴ متر و در توبای فا حدود ۳.۷ متر است. شکل درونی ساز به صورت مخروطی است، یعنی هر چه از دهانه به طرف انتهای ساز (قسمت گشاد) پیش می‌رویم، قطر داخلی لوله بیشتر می‌شود. این طراحی مخروطی باعث می‌شود تا هارمونیک‌های زوج (نت‌های فرعی با فواصل مشخص) در صدای ساز قوی‌تر باشند.

    برای درک عمیق‌تر این موضوع، مطلب بیوگرافی استاد فرهنگ شریف را بخوانید.

    توباهایی که زنگ (قسمت گشاد انتهایی) آنها به سمت جلو چرخانده شده است، اغلب «توبای ضبط» نامیده می‌شوند. دلیل این نام‌گذاری محبوبیت این نوع در روزهای اولیه ضبط موسیقی بود، زیرا قرارگیری زنگ رو به جلو، ضبط صدای آنها را آسان‌تر می‌کرد. همچنین، وقتی از این ساز در گروه‌های موسیقی نظامی یا مارش‌ها استفاده می‌شود، به طور سنتی به آن «هلیکون» می‌گویند.

    نوازنده ایرانی

    تنوازنده‌ی حرفه‌ای و فعال ساز توبا در ایران، افشار حشمتیان است. او در هنرستان و دانشگاه موسیقی تدریس می‌کند و همچنین رهبری ارکستر بادی ایرانیان را بر عهده دارد. بسیاری از قطعات مشهور جهانی که توسط ارکستر بادی تهران اجرا شده، تنظیم‌های او هستند. ساز توبا در سه اندازه‌ی گوناگون ساخته می‌شود: توبای تنور (باریتون)، توبای باس و توبای کنترباس.

  • تاریخچه ساز ساکسفون

    تاریخچه ساز ساکسفون

    ساکسفون یکی از سازهای بادی بسیار مهم است. در این نوشته می‌خواهیم تاریخچه این ساز را با هم مرور کنیم. تا پایان این مطلب با ما همراه باشید.

    ساکسفون سازی است که معمولاً از فلز برنج ساخته می‌شود و دارای یک قمیش یا نی است که شبیه به قمیش ساز کلارینت عمل می‌کند. مانند کلارینت، روی بدنه ساکسفون نیز سوراخ‌هایی وجود دارد که نوازنده با استفاده از یک سری کلید، آن‌ها را باز یا بسته می‌کند. با فشار دادن یا رها کردن هر کلید، صفحه‌ای روی سوراخ‌ها قرار می‌گیرد یا از روی آن برداشته می‌شود و به این ترتیب صدا تولید می‌شود.

    توصیه می‌کنیم این مطلب آیا آموزش ویولنسل یا چلو سخت است؟ را حتماً بخوانید.

    این ساز را فردی به نام آدولف ساکس در دهه ۱۸۴۰ میلادی اختراع کرد و به همین دلیل نام «ساکسفون» را برای آن انتخاب کردند. ساکسفون در دسته سازهای بادی چوبیِ تک‌زبانه جای می‌گیرد.

    تاریخچه ساز ساکسفون

    تاریخچه ساز ساکسفون

    بسیاری از سازهای امروزی حاصل تغییرات تدریجی و تکامل نمونه‌های اولیه در طول سال‌ها هستند و نمی‌توان مخترع مشخصی برای آنها معرفی کرد. اما ساکسیفون استثناست؛ این ساز توسط فردی به نام آدولف ساکس (Adolphe Sax) ابداع شد و به همین دلیل نام او را بر خود دارد.

    آدولف ساکس یک سازندهٔ ساز بود. او تا پیش از بیست‌سالگی موفق به ساخت یک کلارینت و دو فلوت از جنس عاج شده بود. او همچنین با طراحی یک سیستم کاملاً جدید، کلارینت را بهبود بخشید. علاوه بر این، باس کلارینت را بازسازی کرد و به ساز کورنت، دریچه‌های پیستونی اضافه نمود. هدف او خلق خانواده‌ای از سازهای بادی بود که از نظر قدرت و کیفیت صدا، بی‌نظیر باشند.

    برای یادگیری پیشرفته، به رازهایی از زندگی شخصی بتهوون ، نابغه ناشنوا مراجعه کنید.

    در همان سال‌ها، او چندین کلارینت، فلوت و دیگر سازهای باکیفیت را نیز اختراع کرد. بسیاری حتی او را مخترع ساز امروزیِ ترومپت می‌دانند. سرانجام در سال ۱۸۴۱ میلادی، نخستین مدل قابل استفاده از ساکسیفون را ساخت.

    زمانی که آدولف ساکس تصمیم به ساختن ساکسیفون گرفت، می‌خواست سازی خلق کند که بتواند صدای نرم و ظریف سازهای بادی چوبی را با قدرت و درخشش سازهای برنجی ترکیب کند. ساز جدید او در نهایت هم کیفیت صدای سازهای چوبی را داشت و هم قدرت سازهای برنجی.

    اولین ساکسیفون ساخت Adolphe Sax

    اولین سازی که آدولف ساکس ساخت، یک ساکسیفون بزرگ باس بود. از آنجا که این ساز باید شکل مخروطی می‌داشت، ساختن آن از فلز برنج ساده‌تر از چوب بود. او در تاریخ ۲۰ مارس ۱۸۴۶ اختراع خود را به ثبت رساند. مدل‌های کوچک‌تر ساکسیفون، مانند آلتو و تنور، کمی بعدتر ساخته شدند.

    اگرچه بیشتر ساکسیفون‌ها، چه در گذشته و چه امروز، از جنس برنج هستند، اما در دسته‌بندی سازها، آن‌ها را در گروه سازهای بادی‌چوبی قرار می‌دهند. دلیل این است که برخلاف سازهای بادی‌برنجی که صدا از لرزش لب‌های نوازنده در دهانه ساز ایجاد می‌شود، در ساکسیفون این تیغه‌ی نازک چوبی (قمیش) است که با لرزش خود صدا را تولید می‌کند.

    مقاله آیا جنس فرت ها درگیتار از نقره است؟ منبع بسیار خوبی برای یادگیری بیشتر است.

    برای گسترش دانش خود، به مقاله سوئیت ،مجموعه‌ای از چند موومان الهام گرفته از رقص سر بزنید.

    صدای رسا و باشکوه این ساز باعث شده تا در مراسم رسمی، رژه‌های نظامی و گردهمایی‌های مرتبط با ارتش از آن استفاده شود. این ساز حسی حماسی و میهنی به فضا می‌بخشد و به همین دلیل حضور پررنگی در چنین مناسبت‌هایی دارد.

    برای اطلاعات بیشتر، به مقاله پنج اشتباه رایج گیتاریست ‌ها مراجعه کنید.

    توصیه می‌شود به مطالعه مقاله ساز سرخپوستی یا ساز پن فلوت با نوایی حزین و رویایی ادامه دهید.

  • آشنایی با انواع ساز ساکسیفون

    آشنایی با انواع ساز ساکسیفون

    ساکسیفون یکی از سازهای بادی محبوب است که در اندازه‌ها و انواع گوناگونی ساخته می‌شود. اگر می‌خواهید این ساز را بهتر بشناسید، خوب است ابتدا با مدل‌های مختلف آن آشنا شوید. در ادامه این نوشته از وبلاگ آنبین، انواع ساکسیفون را به شما معرفی می‌کنیم.

    انواع ساز ساکسیفون

    به طور کلی، ساز ساکسیفون در چهار نوع اصلی ساخته می‌شود. در ادامه، هر یک از این انواع را به طور جداگانه و با جزئیات بیشتر معرفی می‌کنیم.

    برای گسترش دانش خود، مقاله بیوگرافی گوستاو ماهلر ،عاشق دلشکسته دنیای موسیقی را مطالعه کنید.

    اگر سوالاتی دارید، مقاله زندگینامه یوهان سباستیان باخ به شما کمک خواهد کرد.

    انواع ساز ساکسیفون

    انواع ساکسیفون

    اگر به این موضوع علاقه دارید، حتماً بیوگرافی یانی ، نابغه روانشناس را بخوانید.

    ساکسیفون آلتو
    این نوع از ساکسیفون، یکی از رایج‌ترین انواع آن است. اندازه‌ای متوسط دارد و به همین دلیل، بهترین گزینه برای شروع یادگیری نوازندگی محسوب می‌شود. دهنی آن کوچک‌تر و خمیده است و معمولاً در کلید می بمل (E♭) کوک می‌شود.

    ساکسیفون سوپرانو
    این ساکسیفون، زیرترین و بالا ترین صدا را در بین همه انواع ساکسیفون دارد. در کلید سی بمل (B♭) کوک می‌شود و شکل آن می‌تواند هم مستقیم و هم خمیده باشد. نواختن آن به دلیل بالا بودن محدوده صوتی، به مهارت بیشتری نیاز دارد و معمولاً نوازندگان حرفه‌ای از آن استفاده می‌کنند.

    ساکسیفون تنور
    این ساز از ساکسیفون آلتو بزرگ‌تر است و صدایی تولید می‌کند که به محدوده صدای انسان نزدیک است. بخش گردن این ساز به دلیل دراز بودن، ممکن است در معرض آسیب باشد. ساکسیفون تنور در موسیقی جاز و برخی سبک‌های راک بسیار پرکاربرد است.

    ساکسیفون باریتون
    بزرگ‌ترین و سنگین‌ترین نوع ساکسیفون، باریتون است. این ساز بم‌ترین صدا را دارد و معمولاً نقش بخش باس را در گروه‌های موسیقی، به ویژه در موسیقی‌های روح (سول) ایفا می‌کند.

    قطعات مشهور ساکسیفون

    جولز دمرسمن – فانتزی سور آن
    کلود دیبوسی – رپسودی پور ارکستر ات ساکسفون
    وینسنت دیندی – کرال واریه (اپوس ۵۵ )
    لارس اریک لارسون – کنسرتو ساکسوفون
    فلورنت اشمیت – لجند اپوس ۶۶
    جکوئز ایبرت – کنسرتینو دا کامرا
    الکساندر گلازونوف – کنسرتو در E بمل ماژور برای ساکسوفون آلتو
    یوجین بوزا – آریا پور ساکسیفون آلتو
    برنهارد هایدن – سوناتا برای ساکسیفون آلتو
    داریوس میلهاد – اسکاراماش برای ساکسیفون آلتو
    هنری توماسی – بالید برای برای ساکسیفون آلتو
    پل کرستون – سوناتا اپوس ۱۹ برای ساکسیفون آلتو
    پل هیندمیث – سوناتا برای ساکسیفون آلتو

    مقاله بهترین سن برای شروع موسیقی منبع بسیار خوبی برای یادگیری بیشتر است.

    در این مقاله با یانی ،موسیقدان زنده جهان آشنا شوید اطلاعات مفیدی آمده است.

    مقاله با پدر سمفونی جهان آشنا شوید حاوی اطلاعات جامعی است.

    نوازنده مشهور ساکسیفون در ایران
    پیتر سلیمانی پور آهنگساز ؛ نویسنده ؛ نوازنده چیره دست سازهای بادی و گرافیست ایرانی روسی و از بهترین نوازندگان ساکسیفون و از موسیقی دانان مهم و تاثیر گذار جز و موسیقی تلفیقی بود. او بعد از تحمل دوره طولانی بیماری سرطان در ۱۸ شهریور ۱۳۹۷ در سن ۵۰ سالگی درگذشت.

    پیتر سلیمانی پور

    روز جهانی ساکسیفون در تاریخ ششم نوامبر گرامی داشته می‌شود. این ساز در ابتدا برای گروه‌های موسیقی نظامی و ارکسترها ساخته شد، اما خیلی زود جای خود را در موسیقی جاز و سبک‌های محبوب مردمی باز کرد و به سازی مهم و تاثیرگذار تبدیل شد.

  • آشنایی با مهفوم موسیقی فولکور

    آشنایی با مهفوم موسیقی فولکور

    شاید کلمه فولکور به گوشتان خورده باشد، ولی شاید دقیقاً ندانید معنی آن چیست. در این نوشته از وبلاگ آنبین، قصد داریم موسیقی فولکور را برای شما توضیح دهیم و آن را به زبان ساده معرفی کنیم.

    توصیه می‌کنیم حتماً مقاله سازی عجیب با نام فلوت بینی را مطالعه کنید.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، تفاوت های ویلون با ویلونسل را از دست ندهید.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، نت c در موسیقی چیست؟ را از دست ندهید.

    در این مقاله آشنایی با موسیقی جنوبی (بندری) اطلاعات مفیدی آمده است.

    آشنایی با مهفوم موسیقی فولکور

    موسیقی فولک یا موسیقی محلی، به آهنگ‌ها و نواهایی گفته می‌شود که ریشه در فرهنگ و زندگی روزمره مردم یک منطقه دارد. در ایران به این نوع موسیقی، موسیقی محلی می‌گویند. در گذشته‌های دور، مردم نمی‌توانستند موسیقی را ضبط و نگهداری کنند. آن‌ها این آهنگ‌ها را هنگام کار، در زمان استراحت و در مراسم مذهبی خود می‌ساختند و می‌خواندند.

    معمولاً کسی به طور دقیق نمی‌داند که سازنده این آهنگ‌های محلی چه کسی است، زیرا این موسیقی از طریق شنیدن و تکرار، از نسلی به نسل دیگر منتقل شده است. این نواها اغلب با ترانه‌های محلی و رقص‌های بومی همراهی می‌شوند. بر این اساس، هر منطقه‌ای که مردم در آن زندگی کنند و فرهنگ و آیین‌های ویژه خود را داشته باشند، به طور طبیعی موسیقی محلی خاص خود را نیز خواهد داشت.

    فرهنگ عامه یا فولکلور، شامل همه چیزهایی است که در میان عموم مردم یک جامعه رواج دارد و بخش‌های گوناگونی مانند داستان‌ها، موسیقی و … را در بر می‌گیرد. این فرهنگ که در دل جامعه جریان دارد، معمولاً به صورت شفاهی و از طریق گفتگو و یادگیری مستقیم، به نسل‌های بعد منتقل می‌شود. موسیقی فولکلور نیز بخشی از همین فرهنگ عامه هر جامعه است. برای تعریف موسیقی فولک یا موسیقی مردمی، ویژگی‌های مختلفی در نظر گرفته شده است.

    باور عامیانه (فولکلور)

    باورها و دانسته‌های رایج در میان مردم، که گاهی به آن فرهنگ عامه می‌گویند، شامل مجموعه‌ای از داستان‌ها و افسانه‌ها، ترانه‌ها و نواهای محلی، خاطرات و روایت‌های سینه به سینه، جمله‌های پندآمیز و مثل‌ها، عقاید درباره‌ی اقبال و بدشانسی یا چشم‌زخم، لالایی‌هایی که مادران می‌خوانند، رقص‌های محلی، مراسم گوناگون، روش‌های زندگی و رسم‌های دیرینه است.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، حتماً آشنایی با ساز فلوت آلتو را بخوانید.

    اطلاعات جامع‌تری در مورد این موضوع را در مسابقه یلدایی آنبین پیدا کنید.

    توصیه می‌شود به مطالعه مقاله تاثیر انتخاب موسیقی مناسب برای ورزش ادامه دهید.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، بیوگرافی علی مولایی را از دست ندهید.

    مقاله معرفی ساز تار منبع بسیار خوبی برای یادگیری بیشتر است.

    واژه‌ی فولکلور را اولین بار یک پژوهشگر انگلیسی به نام ویلیام توماس در نوشته‌ای استفاده کرد که درباره‌ی دانش مردمی و آیین‌های قدیمی صحبت می‌کرد.

    این واژه از حدود پنجاه سال پیش به ادبیات و گفتار در ایران نیز راه پیدا کرد و به تدریج، معادلِ دانش عمومی و دانستنی‌های همگانی مردم قرار گرفت و با نام‌هایی مانند «فرهنگ عامه»، «فرهنگ همگانی»، «فرهنگ توده» و «فرهنگ مردم» شناخته شد.

    نکته‌ی قابل توجه این است که آداب، رسوم و رفتارهای مربوط به فرهنگ عامه در هر ناحیه، برای ساکنان همان منطقه، «سنّت» محسوب می‌شود و برای مردمان دیگر مناطق، به عنوان «فولکلور» ویژه‌ی آن سرزمین شناخته می‌شود.

  • سینتی سایزر ساز تولید کننده صداهای عجیب

    سینتی سایزر ساز تولید کننده صداهای عجیب

    سینتی‌سایزر یک ابزار موسیقی برای ساختن صداهای متنوع و گاه غیرمعمول است. برخلاف بیشتر سازها که صدا را مستقیماً ایجاد می‌کنند، این دستگاه ابتدا سیگنال الکتریکی تولید کرده و سپس آن را به صوت تبدیل می‌کند. در این نوشته از وبلاگ آنبین، بیشتر با این وسیله پرکاربرد در عرصه موسیقی آشنا خواهید شد.

    سینتی سایزر ساز تولید کننده صداهای عجیب

    به زبان ساده، سینتی سایزر یک دستگاه الکترونیکی است که می‌تواند صداهای گوناگونی را با ساختن و ترکیب سیگنال‌های الکتریکی در بسامدهای (فرکانس‌های) مختلف ایجاد کند.

    برخلاف سازهای معمولی، سینتی سایزر ابتدا یک سیگنال الکتریکی می‌سازد، سپس آن را پردازش و تغییر می‌دهد و در پایان با فرستادن آن به بلندگو، آن سیگنال را به صدا تبدیل می‌کند. کنترل این دستگاه معمولاً با یک صفحه کلید شبیه به پیانو انجام می‌شود.

    در سینتی سایزر، بخشی به نام «نوسان‌ساز» مسئول تولید صدای اولیه است. بیشتر نوسان‌سازها، موج‌هایی با هارمونی‌های غنی تولید می‌کنند که به خاطر شکل ظاهری‌شان نام‌هایی مانند «دندانه‌ارهای»، «مثلثی»، «مربعی» و «پالسی» گرفته‌اند.

    سینتی سایزر می‌تواند از صداهای موسیقایی مانند سازهای مختلف یا صداهای طبیعت تقلید کند، یا حتی آواهای غیرموسیقایی و کاملاً جدید و بی‌سابقه‌ای خلق نماید.

    این دستگاه‌ها با روش‌های مختلفی سیگنال‌های صوتی را تولید و ترکیب می‌کنند و همین تنوع در روش کار، باعث به وجود آمدن انواع گوناگونی از سینتی سایزر شده است.

    در نتیجه، سینتی سایزرها هم قادرند صدای سازهای واقعی را شبیه‌سازی کنند و هم می‌توانند صداهایی کاملاً نو و تازه‌ای را به وجود آورند که پیش از این وجود نداشته‌اند.

    اولین سینتی سایزر

    این تصویر، نخستین سینتی‌سایزر را نشان می‌دهد. این دستگاه در سال ۱۸۷۶ میلادی به دست الیشا گری ساخته شد.

    سینتی سایزر ساز تولید کننده صداهای عجیب

    رابرت موگ در سال ۱۹۶۸ سینتیسایزر نوآورانه‌ای ساخت که در واقع پیدایش ابزار موسیقی‌ای به نام سینتیسایزر از همان دوره آغاز شد. محبوبیت این ساز زمانی بیشتر شد که وندی کارلوس در قطعه موفق خود به نام “Switched-On Bach” از آن استفاده کرد.

    در دهه ۱۹۷۰، با پیشرفت دانش الکترونیک، اندازه سینتیسایزرها کوچک‌تر شد و برای نخستین بار به شکل قابل حمل تولید شدند. این تغییر باعث شد تا استفاده از این ساز در کنسرت‌های زنده افزایش پیدا کند.

    در آغاز دهه ۱۹۸۰، شرکت‌هایی مانند یاماها مدل‌های ارزان‌تری مانند DX7 را به بازار عرضه کردند. همچنین در همین دوره، استاندارد میدی (MIDI) به وجود آمد.

    توصیه می‌کنیم حتماً مقاله روش های بهبود صدای تو دماغی را مطالعه کنید.

    برای یادگیری پیشرفته، به آواز یا آهنگ دشتی چیست؟ مراجعه کنید.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه اُرف چیست؟.

    در دهه ۱۹۹۰، روند ساخت سینتیسایزرها به سوی نرم‌افزارهای مجازی و اجرا روی رایانه‌های شخصی حرکت کرد.

  • بیوگرافی استاد حبیب الله بدیعی

    بیوگرافی استاد حبیب الله بدیعی

    استاد حبیب‌الله بدیعی، هنرمند سرشناس اهل مازندران، آهنگساز و نوازنده چیره‌دست ویلون، در روز چهارم فروردین‌ماه سال ۱۳۱۲ در شهرستان سوادکوه متولد شد. پدرش علی‌محمد نام داشت و او نیز در نواختن ساز دوتار مهارت داشت.

    توصیه می‌شود به مطالعه مقاله چه سازهایی در سبک راک مورد استفاده قرار می گیرد؟ ادامه دهید.

    بیوگرافی استاد حبیب الله بدیعی

    حبیب‌الله بدیعی نقشی بسیار مهم در آمیختن روش‌های موسیقی کلاسیک با موسیقی اصیل ایرانی ایفا کرد. او نوازنده‌ای بود که توانایی فوق‌العاده‌ای در کشیدن آرشه و مهارت استثنایی در نواختن ویولن داشت. قطعات تکنوازی او هنوز هم الگوی بسیاری از کسانی است که ویولن را به صورت خودآموز فرا می‌گیرند.

    در صورت علاقه‌مندی، مطلب بیوگرافی استاد حسن کسایی را از دست ندهید.

    زندگی نامه و فعالیت هنری

    حبیب تنها دو سال داشت که پدرش زادگاهش، سوادکوه، را ترک کرد و در شهر ساری ساکن شد. پدر در آنجا به کار کشاورزی و خرید و فروش مشغول شد. وقتی حبیب هشت ساله شد، خانواده‌اش به تهران نقل مکان کردند و در آنجا ماندگار شدند.

    پیش از این، زمانی که در ساری زندگی می‌کردند، برادر بزرگ حبیب یک ویولون خریده بود و نزد یک نوازنده ارمنی به یادگیری ویولون پرداخت. اما پس از دو سال، از ادامه کار خسته شد و نواختن را رها کرد.

    در همین دوران، حبیب گاهی در خلوت و بدون اجازه برادرش، کنجکاوانه دست به آرشه ویولون می‌برد و آهنگ‌های زیبایی می‌نواخت. این موضوع از چشم برادرش پنهان نماند. وقتی برادر علاقه عمیق حبیب را به موسیقی دید، ویولون خود را به او بخشید.

    پدر و مادر حبیب، مانند همه فرزندانشان، به آموزش و پرورش او بسیار اهمیت می‌دادند و بر درس‌خواندنش نظارت دقیقی داشتند. حبیب نیز تا دریافت مدرک لیسانس از دانشکده علوم، همه مراحل تحصیل را با موفقیت پشت سر گذاشت.

    حبیب الله بدیعی

    حبیب الله بدیعی

    ورود به عرصه موسیقی        

    حبیب‌الله بدیعی در سال ۱۳۲۶ خورشیدی، زمانی که در سن نوجوانی بود، پس از آنکه مدتی به تنهایی تمرین کرد، نزد لطف‌الله مفخم‌پایان آموزش دید. مفخم‌پایان خود از شاگردان استاد ابوالحسن صبا بود.

    او به مدت سه سال به بدیعی ردیف‌های موسیقی استاد صبا را آموخت. پیشرفت بدیعی آنقدر چشمگیر بود که در سال ۱۳۲۹ به عنوان تکنواز در برنامه رادیو ارتش مشغول نواختن ویولن شد. سپس در سال ۱۳۳۱، بدیعی وارد کلاس مستقیم استاد ابوالحسن صبا شد و دو سال نزد او ماند و دوره پیشرفته آوازها را به پایان رساند.

    اطلاعات جامع‌تری در مورد این موضوع را در بیوگرافی استاد فرهنگ شریف پیدا کنید.

    همزمان با آموزش نزد صبا، او دو سال نیز نزد استادی به نام جینگوزیان، که از ارامنه قفقاز و متخصص موسیقی کلاسیک غربی بود، به یادگیری پرداخت.

    بدیعی با استعداد خارق‌العاده‌ای که داشت، در موسیقی پیشرفت بسیار چشمگیری کرد. او نه تنها در بداهه‌نوازی و شناخت ردیف‌ها استعداد بی‌نظیری داشت، بلکه توانایی قابل توجهی در تقلید زیبا از نوازندگان پیشین نیز از خود نشان می‌داد.

    پس از درگذشت استاد ابوالحسن صبا، نوار قطعه مشهور «زنگ شتر» او در دسترس نبود یا حداقل رادیو نسخه‌ای از آن نداشت. اما برای بزرگداشت صبا، لازم بود این اثر ماندگار او پخش شود. بنابراین به پیشنهاد مدیر رادیو در آن زمان، چند تن از شاگردان صبا این قطعه را نواختند. در نهایت، نواری که مورد پذیرش بسیاری قرار گرفت و حتی به نام استاد صبا پخش شد، نواخته حبیب‌الله بدیعی بود.

    وفات

    حبیب الله بدیعی در سن پنجاه و نه سالگی، در بیست و نهم مهرماه سال یکهزار و سیصد و هفتاد و یک، چشم از جهان فروبست. او به دیار باقی شتافت. پیکر این هنرمند را در کنار آرامگاه امامزاده طاهر در شهر کرج به خاک سپردند.

  • سه‌ تار الکتریک ،اولین ساز الکتریک ایرانی

    سه‌ تار الکتریک ،اولین ساز الکتریک ایرانی

    شاید برایتان جالب باشد که بدانید نوع الکتریکی ساز سه‌تار نیز ساخته شده است. ثبت اختراع سه‌تار الکتریک به سال ۱۳۸۸ خورشیدی بازمی‌گردد. این ساز به عنوان نخستین ساز الکترونیکی با اصالت ایرانی شناخته می‌شود. در ادامه این نوشته از وبلاگ آنبین، بیشتر با این ساز آشنا خواهیم شد.

    **آشنایی مختصر با ساز سه‌تار**
    سه‌تار یکی از سازهای زهی ایرانی است که با زخمه زدن به صدا درمی‌آید. در ساختمان آن از چوب، فلز و رشته‌هایی از جنس زه یا نایلون استفاده می‌شود. محدوده صوتی سه‌تار نزدیک به سه اکتاو است. معمولاً برای نواختن سه‌تار از مضراب استفاده نمی‌کنند، بلکه با ناخن انگشت سبابه آن را می‌نوازند. سه‌تار و سازهای مشابه آن مانند تنبور، دوتار و چگور، در مناطق مرکزی آسیا و خاورمیانه رواج دارند.

    سه تار الکتریک

    همانطور که هر سبک موسیقی، انواع گوناگونی دارد، ساز سه‌تار نیز در مدل‌های مختلفی ساخته می‌شود که هر یک ویژگی‌ها و زیبایی‌های منحصربه‌فرد خود را دارند. سه‌تار افکت که با نام سه‌تار الکتریک شناخته می‌شود، یکی از سازهای ارزشمند ایرانی است که حتی قادر به تولید صداهایی با حال‌وهوای موسیقی غیرایرانی نیز هست.

    سه‌تار الکتریک نخستین ساز الکتریکی ایرانی به شمار می‌رود که علاوه بر ایجاد طیف گسترده‌ای از صداها، بیشترین دامنه و وسعت صوتی را در میان سازهای ایرانی دارد. شایان ذکر است که مراحل آزمایش و تکمیل این ساز نزدیک به یازده سال زمان برده است.

    مخترع ساز سه‌تار الکتریک :

    سلمان محمدی از هنرمندان ایرانی است که در سال ۱۳۷۶ ایده ساخت سه‌تار الکتریک را در ذهن پروراند. او کار خود را با خرید یک سه‌تار ساده و کم‌هزینه شروع کرد و تلاش کرد با ایجاد تغییراتی در آن، این ساز را به شکل الکتریکی درآورد.

    سه‌تار الکتریک در دسته‌ی سازهای سه‌تار جای می‌گیرد و صدای آن به کمک یک تقویت‌کننده الکتریکی تغییر می‌کند.
    پیشینه این ساز به هشتم دی ماه ۱۳۸۸ بازمی‌گردد و سلمان محمدی آن را با شماره ثبت اختراع ۵۸ ۵۱۴ به نام خود ثبت کرده است. سه‌تار الکتریک برای نخستین بار در نمایشگاه سازهای ابداعی ایران توسط استاد محمدرضا شجریان نواخته شد. این ساز در سه مدل مختلف ارائه شده است:
    سه‌تار الکتریکی مدل A
    سه‌تار الکتریکی مدل B
    سه‌تار الکتریکی مدل C

    اجزای تشکیل‌دهنده این ساز شامل قسمت‌هایی مانند بدنه، پیچ، آب‌مغناطیس، خرک، سیم‌ها، خروجی صدا، دسته، شیطانک، سردسته، پیچ‌های کوک، گوشی‌ها و بخش‌های دیگر است.

    معرفی قسمت های مختلف سه تار الکتریک:

    بدنه
    به بخش چوبی و اشک‌مانند ساز گفته می‌شود که فرم ویژه‌ای دارد و سطح آن صاف است. این قسمت در واقع هسته اصلی ساز محسوب می‌شود و پیکاپ و خرک روی آن نصب می‌گردند.

    پیکاپ مغناطیسی
    یک وسیله سیم‌پیچی شده با خاصیت آهنربایی است که روی بدنه و در زیر سیم‌ها قرار می‌گیرد. هنگامی که سیم‌ها در اثر نواخته شدن به لرزش درمی‌آیند، این ارتعاشات توسط پیکاپ به سیگنال الکتریکی تبدیل می‌شود.

    خرک
    از این قطعه برای نگهداری و مهار سیم‌ها استفاده می‌شود.

    سیم‌ها

    سیم‌های این ساز از فولاد نرم ساخته شده‌اند که هم مقاومت خوبی دارند و هم صدای مناسبی تولید می‌کنند. تعداد این سیم‌ها چهار عدد است. سیم آخر علاوه بر جنس فولادی، یک پوشش فنری نیز دارد.

    **خروجی صدا**
    روی بدنهٔ ساز یک سوراخ وجود دارد که تا محل پیکاپ ادامه پیدا می‌کند. سیم مربوط به پیکاپ از داخل این روزنه عبور کرده و در انتها به یک فیش وصل می‌شود. سیم رابط بین ساز و آمپلیفایر به همین فیش متصل می‌شود.

    **دسته**
    این بخش، قسمت بلند ساز است که فواصل نت‌های موسیقی روی آن با کمک پرده‌ها مشخص شده‌اند. دسته شامل دو قسمت است: قسمت پایینی که به بدنهٔ ساز متصل است و بخش اصلی محسوب می‌شود، و قسمت بالایی که روی بخش پایینی قرار می‌گیرد.

    **شیطانک**
    این قطعه در انتهای مسیر سیم‌ها قرار دارد. برای استحکام بیشتر، معمولاً از جنس استخوان ساخته می‌شود و دارای یک شیب به سمت سر دسته است.

    **سر دسته**
    بعد از شیطانک، بخش سر دسته آغاز می‌شود که حالت خمیده دارد. سیم‌ها در این قسمت به پیچ‌های کوک (گوشی‌ها) متصل می‌شوند.

    **پیچ‌های کوک یا گوشی‌ها**
    این پیچ‌های چرخ‌دنده‌دار روی سر دسته نصب شده‌اند. هر کدام از آن‌ها به یک سیم وصل است و با چرخاندن آن‌ها می‌توان سیم‌ها را سفت یا شل کرد تا ساز کوک شود.

    **بند ساز**
    این بخش جداگانه است و توسط دو گیره به ساز متصل می‌شود. بند روی شانهٔ نوازنده قرار می‌گیرد و جنس آن معمولاً از الیاف مصنوعی است.

    ویژگی‌های سه تار الکتریک

    ۱ – این ساز به دلیل داشتن گوشی‌های چرخ‌دنده‌ای با دقت بسیار بالایی کوک می‌شود و به آسانی از کوک خارج نمی‌گردد. در مقابل، در سه‌تارهای قدیمی به علت استفاده از گوشی‌های چوبی، نگهداری کوک ساز کار بسیار سختی بود و همچنین به دلیل قطر بیشتر گوشی‌ها، دقیق کردن کوک دشوار به شمار می‌رفت.

    برای مطالعه بیشتر، به آشنایی با ساز گلوکن اشپیل، بلز ارکستری سری سر بزنید.

    برای مطالعه بیشتر، به علی‌نقی وزیری، پدر موسیقی‌ جدید ایران‌ پس‌ از انقلاب‌ مشروطه‌ سری سر بزنید.

    برای اطلاعات بیشتر، به مقاله آشنایی با مفهوم پاساژ در موسیقی مراجعه کنید.

    ۲ – طراحی این ساز به گونه‌ای است که در هر شرایط آب‌وهوایی صدای مناسب و باکیفیتی تولید می‌کند و این یکی از ویژگی‌های مثبت آن محسوب می‌شود. اما در سه‌تارهای مدل قدیم، به دلیل به کار رفتن مواد طبیعی خام، صدای ساز به شدت تحت تأثیر تغییرات هوا قرار می‌گرفت.