دسته: موسیقی

  • متد کدای در آموزش موسیقی کودک چگونه است؟

    متد کدای در آموزش موسیقی کودک چگونه است؟

    روش آموزشی کودای یکی از مشهورترین شیوه‌های آموزش موسیقی به کودکان در سراسر جهان محسوب می‌شود. این روش در دهه‌های پایانی قرن بیستم، با الهام از نگرش و اندیشه‌های «زلتان کودای»، آهنگساز و مربی موسیقی اهل مجارستان، شکل گرفت. در ادامه این مطلب از وبلاگ آنبین، همراه ما باشید تا با پایه‌ها و اصول این روش آموزشی بیشتر آشنا شوید.

    تاریخچه متد کدای

    علاقه زلتان کدای به آموزش موسیقی به کودکان، از سال ۱۹۲۵ شکل گرفت. او بعد از شنیدن آواز گروهی از دانش‌آموزان، متوجه شد سطح آموزش موسیقی در مدارس بسیار ضعیف است. به همین دلیل، تصمیم گرفت سیستم آموزش موسیقی در مجارستان را بهتر کند. کدای در سال ۱۹۳۵ به همراه همکارش جنو آدام، یک برنامه بلندمدت را شروع کرد که هدف آن، بهبود آموزش موسیقی در مقطع دبستان و راهنمایی بود. حاصل این تلاش، چاپ چندین کتاب پرفروش و موفق بود. در سال ۱۹۴۵، دولت مجارستان ایده‌های کدای را به کار گرفت که با نتایج بسیار خوبی همراه شد. این موفقیت تنها به مجارستان محدود نماند و روش کدای حتی در وین و در کنفرانس انجمن بین‌المللی مربیان موسیقی (I.S.M.E.) نیز معرفی شد. امروزه بسیاری از مراکز آموزش موسیقی در سراسر جهان از این متد استفاده می‌کنند.

    متد کدای چه ویژگی‌های دارد؟

    رویکرد رشدی کودک

    در روش کودای، رشد طبیعی کودک بسیار اهمیت دارد. این بدان معناست که تنها چیزهایی به کودک یاد داده می‌شود که برای سن و درک او مناسب است و می‌تواند آن‌ها را بیاموزد. در این روش، آموزش با ساده‌ترین موضوعات آغاز می‌شود و به تدریج به مطالب پیشرفته‌تر و پیچیده‌تر می‌رسد. همچنین، چیزهایی که آموزش داده می‌شوند، همواره با کمک بازی، فعالیت‌های حرکتی، آهنگ و تکرار تمرین، در ذهن کودک تثبیت و تقویت می‌گردند.

    هجای ریتم‌ها

    در روش کدای، هر نُت با یک سیلابِ خاص خوانده می‌شود که طول زمانی آن نُت را نشان می‌دهد. مثلاً نُت‌های یک‌چهارم با سیلاب «تا» (ta) و نُت‌های یک‌هشتم با سیلاب «تی‌تی» (ti-ti) ادا می‌شوند.

    حرکت

    حرکات موزون و هماهنگ، بخش اصلی این روش به شمار می‌روند. این حرکات شامل راه رفتن، دویدن و کف زدن به همراه شنیدن موسیقی یا خواندن آواز است.

    نمایش نت‌ها با دست

    در روش کدای، از شکل‌های مختلف دست برای نشان دادن نتها استفاده می‌شود. این کار به بچه‌ها کمک می‌کند تا هر نت موسیقی را راحت‌تر به خاطر بسپارند. به این صورت که هر حالت دست، نشان‌دهنده یکی از هفت نت اصلی موسیقی است.

    برای درک عمیق‌تر این موضوع، مطلب بهترین آموزشگاه آموزش تنبک را بخوانید.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، حتماً نحوه گرفتن صحیح مضراب سنتور را بخوانید.

    برای گسترش دانش خود، مقاله بیوگرافی پرویز منصوری از پیشگامان توسعه آموزش نوین موسیقی علمی را مطالعه کنید.

    آواز

    در این روش، خواندن جایگاه ویژه‌ای دارد. دلیلش این است که صدا، ساده‌ترین و در دسترس‌ترین ابزاری است که یک کودک از همان ابتدا با آن آشنا می‌شود.

    توصیه می‌کنیم این مطلب گیتار Slite چیست ؟ را حتماً بخوانید.

    توصیه می‌شود به مطالعه مقاله بهترین آموزشگاه ویولنسل در شرق تهران ادامه دهید.

    برای یادگیری پیشرفته، به نکات مهم در مورد مضراب سنتور که باید بدانید مراجعه کنید.

    موسیقی فولکور و باکیفیت

    موسیقی محلی به خاطر کوتاهی و بیان ساده‌اش، نقطه شروع بسیار خوبی است. به همین دلیل، مربیان باید بیشتر روی ترانه‌های بومی و آهنگ‌های فولکلوری که متعلق به فرهنگ و پیشینه خود کودک است، تمرکز کنند.

  • معرفی ساز چپمن استیک

    معرفی ساز چپمن استیک

    چپمن استیک یک ساز موسیقی است که از نظر خانواده به گیتار نزدیک می‌باشد. صفحه انگشت‌گذاری آن شبیه به گیتار الکتریک طراحی شده است. در این نوشته از وبلاگ آنبین، شما می‌توانید اطلاعات بیشتری درباره این ساز جذاب به دست آورید.

    ساختار ساز چپمن استیک

    چپمن استیک سازی است که شبیه به دسته گیتار برقی طراحی شده، اما از نظر اندازه هم طول و هم پهنای بیشتری دارد. این ساز معمولاً بین ده تا دوازده سیم دارد و به همین دلیل می‌تواند در مقایسه با بیشتر سازهای زهی، نت‌های بیشتری را هم‌زمان تولید کند. در واقع، نوازنده قادر است در یک زمان هم صداهای بم، هم ملودی و هم آکوردها را کنترل کند.

    نحوه نگهداری این ساز معمولاً با کمک یک قلاب مخصوص روی کمربند و یک بند شانه است. برای نواختن راحت، باید ساز را به صورت عمودی و با زاویه‌ای حدود ۳۰ تا ۴۰ درجه قرار داد تا هر دو دست نوازنده به راحتی به قسمت فرت‌برد دسترسی داشته باشند. نوازنده با نوک انگشتانش به سیم‌ها ضربه می‌زند.

    برای درک عمیق‌تر این موضوع، مطلب انواع پوست تنبک و مشخصات آن ها را بخوانید.

    روش انگشت‌گذاری روی چپمن استیک تا حد زیادی شبیه نواختن پیانو است. در هر دو ساز، نوازنده با هر دو دستش همزمان نت‌های بخش بم و ملودی را اجرا می‌کند و هر نت را با یک انگشت می‌نوازد. معمولاً یک دست روی سیم‌های سه‌گانه ملودی می‌زند و دست دیگر روی سیم‌های بخش بم، ریتم را نگه می‌دارد.

    برای درک عمیق‌تر این موضوع، مطلب نکات مهم در مورد پدال پیانو را بخوانید.

    چه کسی ساز چمپن استیک را ساخت؟

    در سال ۱۹۶۹، یک نوازنده گیتار جاز به نام امت چمپن، روش جدیدی برای نواختن گیتار ابداع کرد. در این روش که به آن “تکنیک ضربه زدن با دو دست” می‌گویند، هر دو دست همزمان روی دسته گیتار به صدا درمی‌آیند. او از این روش به طور گسترده در اجراهایش استفاده می‌کرد.

    با گذشت زمان، امت به این فکر افتاد که ساز جدیدی طراحی کند که بتواند از این تکنیک به شکل بهتری استفاده کند. ساخت این ساز تقریباً پنج سال زمان برد تا در نهایت، اولین نمونه از ساز “چمپن استیک” در سال ۱۹۷۴ آماده شد.

    در دهم اکتبر همان سال، امت چمپن این ساز تازه را در برنامه تلویزیونی معروفی به نام “واتز مای لاین” به همه مردم معرفی کرد و آن را به جهان نشان داد.

    مقاله نکات مربوط به نگهداری پوست تنبک حاوی اطلاعات جامعی است.

  • موسیقی اوپنهایمر چطور ساخته شد؟

    موسیقی اوپنهایمر چطور ساخته شد؟

    بلافاصله بعد از نمایش فیلم اوپنهایمر ساخته کریستوفر نولان، قطعات موسیقی این فیلم با استقبال زیادی روبرو شد و میلیون‌ها بار شنیده شد. موسیقی اوپنهایمر که ساخته لودویگ گورانسون است، در شصت و ششمین مراسم جوایز گرمی، عنوان بهترین موسیقی برای رسانه‌های تصویری را برد و همچنین در نود و ششمین دوره جوایز اسکار هم جایزه بهترین موسیقی متن را کسب کرد. با در نظر گرفتن این موفقیت‌ها و استقبال گسترده، بد نیست نگاهی دقیق‌تر به این موسیقی بیندازیم و مراحل ساخت آن را مرور کنیم. پس در ادامه این نوشته در وبلاگ آنبین همراه ما باشید.

    اگر سوالاتی دارید، مقاله آشنایی با اصطلاحات موسیقی در ارکستر به شما کمک خواهد کرد.

    سابقه همکاری نولان و لودویگ گورانسون

    کریستوفر نولان و آهنگساز لودویگ گورانسون پیش از فیلم اوپنهایمر نیز با هم همکاری داشتند. این دو قبلاً در سال ۲۰۲۰ برای ساخت موسیقی فیلم «تِنِت» با یکدیگر کار کرده بودند. سپس در هشتم اکتبر ۲۰۲۱، خبر رسمی ساخت موسیقی فیلم اوپنهایمر توسط گورانسون منتشر شد. در نهایت، موسیقی این فیلم در ۲۱ ژوئیه ۲۰۲۳ در دسترس عموم قرار گرفت.

    برای اطلاعات بیشتر، به مقاله خط اتصال در موسیقی چیست؟ مراجعه کنید.

    فرآیند ساخت موسیقی اوپنهایمر

    تیم جلوه‌های ویژه اولین کسانی بودند که برای ساخت موسیقی اوپنهایمر ایده‌ای ارائه دادند. آن‌ها ویدئوهایی از حرکت ذرات، امواج و واکنش‌های زنجیره‌ای درست کردند و در اختیار گورانسون گذاشتند تا از آن‌ها الهام بگیرد. گورانسون می‌گوید ساختن این موسیقی برایش کار دشواری بود؛ چون تا آن زمان موسیقی نساخته بود که تنها بیانگر نگاه و احساسات یک فرد باشد. او در این باره گفته است:«فیلم درباره دیدگاه اوپنهایمر است؛ مخاطب قرار است آنچه را که او احساس می‌کند احساس کند و آنچه او می‌بیند را ببیند. این چیزی است که موسیقی باید انجام می‌داد. این موسیقی باید مخاطب را وادار می‌کرد تا تمام احساسات را همانطور که روی صفحه می‌بینید احساس کند.»

    توصیه می‌شود به مطالعه مقاله بیوگرافی مرتضی حنانه ، موسیقی دان به نام ایرانی ادامه دهید.

    کریستوفر نولان توضیح دقیقی درباره نحوه ساخت موسیقی نداد و فقط پیشنهاد کرد که شخصیت اوپنهایمر با صدای یک ویولن تک‌نواز نشان داده شود. آن‌ها با استفاده از ویولن و تکنیک‌هایی مثل ویبراتو و گلیساندو، کشمکش میان منطق و عواطف اوپنهایمر را به تصویر کشیدند. در موسیقی این فیلم، این تغییر ناگهانی از حس عاشقانه به حس اضطراب و ترس به خوبی شنیده می‌شود. گورانسون برای رساندن این حس، از تغییر سرعت موسیقی هم زیاد استفاده کرد؛ مثلاً در قطعه «آیا می‌توانی موسیقی را بشنوی؟» سرعت موسیقی ۲۱ بار تغییر کرد و ضبط این قطعه سه روز طول کشید! موسیقی پایانی فیلم توسط ارکستر استودیو هالیوود نواخته شد و ضبط آن در استودیوی برادران وارنر پنج روز زمان برد. این ارکستر در بزرگترین حالت خود شامل ۴۰ نوازنده سازهای زهی، ۸ هورن، ۳ ترومبون، ۳ ترومپت، ۱ توبا و ۱ چنگ بود.

  • بهترین درامر های جهان چه کسانی هستند؟

    بهترین درامر های جهان چه کسانی هستند؟

    در تاریخ موسیقی، نوازندگان درامز بزرگ زیادی ظهور کرده‌اند. با این حال، تنها تعداد کمی از آن‌ها به عنوان برترین درامرهای جهان پذیرفته شده‌اند. در این نوشته از وبلاگ آنبین، قصد داریم چند تن از این نوازندگان مشهور و تاثیرگذار را به شما معرفی کنیم.

    بهترین درامر های جهان

    ۱. جان بونام (John Bonham)

    جان بونام، نوازنده درام گروه لد زپلین، به عنوان یکی از برترین درامرهای تاریخ موسیقی راک شناخته می‌شود. سبک نوازندگی او سرشار از انرژی بود و با سرعت بالا، ضرب‌های قوی و تسلط کم‌نظیر بر سازش شناخته می‌شد. او از پنج سالگی با استفاده از قوطی‌های خالی شروع به نواختن کرد و در پانزده سالگی اولین درام ست حرفه‌ای خود را دریافت نمود. بخش عمده‌ای از مهارت‌های موسیقایی او نیز حاصل یادگیری شخصی و تجربه‌های مستقیم خودش بود.

    ۲. نیل پیرت (Neil Peart)

    نیل پیرت نوازنده درام گروه موسیقی راش بود. سبک نوازندگی او بسیار سریع و پرانرژی بود. او از یک مجموعه درام بسیار بزرگ استفاده می‌کرد و همه او را به عنوان یکی از ماهرترین و دقیق‌ترین درام‌نوازان دنیا می‌شناختند.

    ۳. کیث مون (Keith Moon)

    کیث مون به عنوان یکی از بزرگترین درام‌نوازان تمام دوران شناخته می‌شود. او عضو گروه د هو بود و تا پایان عمرش با این گروه همکاری کرد. شهرت او به خاطر شیوهٔ منحصربه‌فرد نواختنش بود که در آن، استفاده از طبل‌های تام‌تام و سنج‌های کراش برجستگی خاصی داشت.

    برای مطالعه بیشتر، به بیوگرافی استاد حبیب الله بدیعی سری سر بزنید.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، آشنایی با فواصل موسیقی ایرانی را از دست ندهید.

    ۴. جینجر بیکر (Ginger Baker)

    جینجر بیکر درام‌زن گروه‌های معروف کریم و بلایند فیت بود. او از کسانی بود که برای اولین بار از دو پدالِ درام به‌طور همزمان استفاده کرد و قطعات طولانی و تکنوازی‌های درام ثبت کرد. در نوازندگی او همچنین می‌توان ریتم‌های نامتقارن و الهام‌گرفته از موسیقی آفریقایی را به وضوح شنید.

    اگر سوالاتی دارید، مقاله سه‌ تار الکتریک ،اولین ساز الکتریک ایرانی به شما کمک خواهد کرد.

    ۵. هال بین (Hal Blaine)

    هال بین از نوازندگان درام برجسته دنیا به شمار می‌رود که در طول فعالیت هنری خود با ستاره‌های بزرگی مانند الویس پریسلی، فرانک سیناترا، گروه بیچ بویز و همچنین سوپریمز همکاری نزدیک داشته است. او علاوه بر این، رهبری گروه Wrecking Crew را نیز بر عهده داشت و موفق به دریافت جایزه گرمی شده است.

    ۶. بادی ریچ (Buddy Rich)

    بادی ریچ از چهار سالگی در شهر برادوی و در برنامه‌های وودویل روی صحنه تئاتر حاضر می‌شد. او حتی در دوران نوجوانی هم گروه‌های موسیقی و کنسرت‌هایی در کشورهای مختلف را مدیریت و رهبری می‌کرد. شهرت او بیشتر به خاطر سرعت بالا، قدرت اجرا و مهارت‌های فوق‌العاده‌اش در نواختن درامز است.

  • آریا در اپرا چیست و چه تاریخچه‌ای دارد؟

    آریا در اپرا چیست و چه تاریخچه‌ای دارد؟

    آریا واژه‌ای است که در دنیای موسیقی و آواز، به‌ویژه در اپرا، بسیار شنیده می‌شود. اگر کنجکاو هستید که آریا در اپرا به چه معناست و گذشته آن چگونه بوده، در این نوشته از وبلاگ آنبین همراه ما باشید.

    آریا در اپرا یعنی چه؟

    آریا (Aria) در اصل یک کلمه ایتالیایی قدیمی و شکل کوتاه‌شده واژه آریتا می‌باشد. این اصطلاح به قطعۀ آوازی تکنفره گفته می‌شود که معمولاً جزئی از یک کار موسیقایی بزرگ‌تر است و خواننده اپرا آن را اجرا می‌کند. این قطعه ممکن است با سازهایی مانند ارکستر همراه باشد یا به صورت بدون همراهی ارائه شود. در آریا، خواننده اغلب داستانی یا موضوعی را با صدای خود روایت می‌کند. اگرچه آریا بیشتر در اپرا دیده می‌شود، اما آهنگسازان گاهی قطعات مستقل آریا یا آوازهایی در اوراتوریوها و کانتاتاها نیز خلق کرده‌اند. آریا در اپرا یکی از بخش‌های اساسی و معمولاً محبوب‌ترین قسمت آن محسوب می‌شود. این قطعه به عنوان یک آواز انفرادی، عمدتاً توسط شخصیت‌های اصلی اجرا می‌شود. مشهورترین بخش‌های هر اپرا نیز معمولاً آریاهای آن هستند و هر اپرا با آریاهایش در خاطر مردم می‌ماند.

    آریای اپرا چه تاریخچه‌ای دارد؟

    آریا در پایان سده هفدهم در اپراهای فرانسه و ایتالیا پدید آمد. در آن زمان، آریاها از حالت ملودی‌های ساده خارج شدند و به قطعه‌هایی با ساختار مشخص تبدیل شدند. همچنین در این دوره، آریا نقش مهمی در بیان احساسات و نمایش مهارت‌های آوازی خوانندگان داشت.

    در اواخر سده هفدهم، آریاها در دو قالب اصلی نوشته می‌شدند: نوع دو بخشی (A-B) و نوع سه بخشی (A-B-A) که به آن آریای دا کاپو می‌گفتند.

    در آغاز سده هجدهم، آریاهای ایتالیایی به تدریج در اپرای فرانسوی جایگاه ویژه‌ای پیدا کردند و در نهایت باعث پدید آمدن سبک فرانسوی به نام آریت شدند. در نیمه نخست سده نوزدهم، فرم رایج آریا در اپرای ایتالیایی، کابالتا بود؛ اما پس از سال ۱۸۵۰، انواع مختلفی از آریا در این ژانر رواج یافت.

  • ۷ تا از حقایق جالب درباره موسیقی اپرا

    ۷ تا از حقایق جالب درباره موسیقی اپرا

    در این نوشته از وبلاگ آنبین، می‌خواهیم چند نکته خواندنی و کمتر شنیده‌شده درباره اپرا را با شما به اشتراک بگذاریم. پس در ادامه با ما همراه باشید.

    حقایق جالب درباره اپرا

    ۱. پلاسیدو دومینگو، خواننده مشهور اسپانیایی، رکورد طولانی‌ترین تشویق دنیا را به دست آورد. این اتفاق در سال ۱۹۹۱ و پس از اجرای اپرای “اتلو” ساخته جوزپه وردی در شهر وین افتاد. او که نقش اصلی را بازی می‌کرد، در پایان نمایش با تشویق پرشور و ۱ ساعت و ۱۰ دقیقه‌ای تماشاگران روبرو شد که برای مدتی به عنوان طولانی‌ترین تشویق جهان شناخته می‌شد.

    ۲. در گذشته، میزان تشویق تماشاگران نشان‌دهنده موفقیت یک اپرا بود. به همین دلیل، گروه‌هایی به نام “کلاک” استخدام می‌شدند تا در سالن حاضر شوند و واکنش‌های نمایش را تقویت کنند. این افراد در صحنه‌های شاد با صدای بلند می‌خندیدند، در بخش‌های غمگین گریه می‌کردند و در پایان با شور و هیجان زیاد برای بازیگران دست می‌زدند. این روش به ویژه در قرن نوزدهم در فرانسه رواج داشت.

    ۳. خانه اپرای سیدنی یکی از مهم‌ترین سالن‌های نمایش در جهان است، اما ساخت آن بسیار پرهزینه و زمان‌بر شد. مهندسان در ابتدا هزینه ساخت را تنها ۷ میلیون دلار برآورد کرده بودند، اما در نهایت این عدد ۱۵ برابر شد و به ۱۰۲ میلیون دلار استرالیا رسید. همچنین پیش‌بینی می‌شد که ساخت بنا ۴ سال طول بکشد، اما این پروژه در نهایت ۱۴ سال زمان برد.

    ۴. وقتی اپرای “فاوست” اثر چارلز گونود با استقبال کمی روبرو شد، تهیه‌کننده آن راهکاری هوشمندانه به کار برد. او بلیت‌های سه اجرای اول را به افراد خارج از شهر داد و شایعه کرد که همه بلیت‌ها فروخته شده‌اند. این کار باعث کنجکاوی مردم شهر شد و آن‌ها برای دیدن این اپرای به ظاهر پرطرفدار، به سرعت بلیت خریدند. به این ترتیب، اپرای فاوست محبوبیت زیادی پیدا کرد.

    ۵. هنر اپرا برای نخستین بار در اواخر قرن شانزدهم در شهر فلورانس ایتالیا پدید آمد. این یعنی بیش از ۴۰۰ سال است که مردم به اجرا و شنیدن اپرا مشغول هستند.

    ۶. طولانی‌ترین اپرای جهان با نام “رینگ سایکل” اثر واگنر شناخته می‌شود. این اثر شامل چهار بخش است و تماشای کامل آن حدود ۱۸ ساعت زمان می‌برد.

    ۷. یک نکته جالب درمورد اپرا این است که خوانندگان برای بلندتر کردن صداهایشان از میکروفون یا وسایل تقویت صدا استفاده نمی‌کنند. همچنین، موسیقی‌ای که همراهی‌شان می‌کند، کاملاً زنده توسط ارکستر اجرا می‌شود.

  • یادگیری کالیمبا چقدر طول میکشد؟

    یادگیری کالیمبا چقدر طول میکشد؟

    چقدر زمان می‌برد تا نواختن کالیمبا را یاد بگیریم؟ این پرسش برای بسیاری از کسانی که به ساز کالیمبا علاقه دارند، پیش می‌آید. کالیمبا که به آن پیانوی انگشتی هم گفته می‌شود، یک ساز سنتی و محلی از آفریقاست و امروزه در بسیاری از کشورهای دنیا از محبوبیت زیادی برخوردار شده است. این ساز ظاهر ساده و در عین حال جذابی دارد. روش نواختن کالیمبا هم به این ترتیب است که شما ساز را در دست می‌گیرید و با کمک شست‌هایتان، تیغه‌های فلزی آن را به صدا درمی‌آورید. به خاطر شکل و صدای دلنشین کالیمبا، خیلی از افراد مشتاقند بدانند که چقدر طول می‌کشد تا بتوانند این ساز را به خوبی بنوازند. در این نوشته از وبلاگ آنبین، می‌خواهیم به این پرسش پاسخ دهیم.

    یادگیری کالیمبا چقدر طول میکشد؟

    پاسخ مشخصی برای این سوال وجود ندارد که یادگیری کالیمبا چقدر زمان می‌برد. این مدت برای هر فرد متفاوت است و به فاکتورهای مختلفی وابسته است. در ادامه به چند مورد از این عوامل اشاره می‌کنیم:

    تجربه قبلی موسیقی

    اگر قبلاً با موسیقی آشنا هستید یا ساز دیگری را تجربه کرده‌اید، یادگیری کالیمبا برای شما سریع‌تر و آسان‌تر خواهد بود. در این صورت، در زمان کوتاه‌تری می‌توانید این ساز را به خوبی بنوازید و با آن ارتباط برقرار کنید.

    کمیت و کیفیت تمرین

    اگر روزی نیم ساعت برای نواختن کالیمبا وقت بگذارید، خیلی زد می‌توانید پیشرفت خوبی در کارتان ببینید. اما اگر در هفته فقط یکی دو بار به سراغ تمرین بروید، طبیعتاً یادگیری کندتر پیش می‌رود و باید شکیبایی بیشتری به خرج دهید.

    برای گسترش دانش خود، به مقاله نت شاهد چیست ؟ سر بزنید.

    قطعه‌ها

    برای اینکه متوجه شوید چقدر زمان لازم است تا کالیمبا را یاد بگیرید، باید اول مشخص کنید که دقیقاً چه هدفی از نواختن این ساز دارید. اگر فقط می‌خواهید آهنگ‌های ساده را بنوازید، ممکن است بتوانید همین حالا و در عرض چند روز، این کار را یاد بگیرید؛ اما اگر دوست دارید قطعات سخت‌تر و پیچیده‌تری را اجرا کنید، باید برای تمرین بیشتر و گاهی حتی چند ماه وقت بگذارید.

    مدت زمان یادگیری کالیمبا برای سطح‌های مختلف

    اگر بخواهیم یک تخمین کلی و میان‌گین برای مدت زمان یادگیری کالیمبا در نظر بگیریم، می‌توانیم بگوییم:

    اگر به این موضوع علاقه دارید، میکروفن های مناسب برای ضبط صدا و ساخت استودیوی خانگی را از دست ندهید.

    • اگر هدف شما فقط نواختن آهنگ‌های ساده و ابتدایی است، با چند هفته تمرین منظم به نتیجه خواهید رسید.

    • اگر می‌خواهید در سطح متوسط قرار بگیرید، یعنی بتوانید آهنگ‌های پیچیده‌تری بنوازید و حتی کمی بداهه‌نوازی کنید، باید چند ماه به طور مرتب تمرین کنید.

    در اینجا می‌توانید اطلاعات کامل‌تری درباره روش های کاهش نشت صدا در استودیوی خانگی بیابید.

    • اما اگر دوست دارید به سطح پیشرفته برسید و سبک مخصوص به خودتان را در نوازندگی پیدا کنید، باید حداقل یک سال زمان و تمرین مستمر داشته باشید.

  • بررسی موسیقی فیلم آملی

    بررسی موسیقی فیلم آملی

    فیلم “سرنوشت شگفت‌انگیز آملی پولن” که معمولاً با نام کوتاه “آملی” آن را می‌شناسیم، توسط گیوم لورن نوشته شده و ژان پیر ژونه کارگردانی آن را بر عهده داشته است. این اثر سینمایی از پرفروش‌ترین فیلم‌های اروپایی به شمار می‌رود و موسیقی آن نقش مهمی در جذابیت و معروفیت این فیلم داشته است. در این نوشته از وبلاگ آنبین، می‌خواهیم به بررسی موسیقی فیلم آملی بپردازیم.

    فرآیند ساخت موسیقی فیلم آملی

    در ابتدای کار، کارگردان فیلم آملی، ژان پیر ژونه، ساخت موسیقی فیلم را به مایکل نایمن سپرده بود. اما کمی بعد، دستیار تولید، او را با یان تیرسن و موسیقی‌های آکاردئون و پیانوی او آشنا کرد. ژونه آن قدر از ساخته‌های تیرسن خوشش آمد که بلافاصله همه آلبوم‌های او را خرید و از او درخواست کرد تا موسیقی فیلم آملی را بسازد. یان تیرسن این پیشنهاد را پذیرفت و برای این فیلم، قطعاتی ساخت که در آن‌ها از سازهای گوناگونی مانند آکاردئون، پیانو، هارپسیکورد، بانجو، گیتار باس و ویبرافون استفاده شده بود. همچنین خودش نوازندگی بسیاری از این سازها از جمله پیانو، پیانوی اسباب‌بازی، کاریلون، بانجو، ماندولین، گیتار، هارپسیکورد، ویبرافون، آکاردئون، گیتار باس و ملودیکا را در این اثر بر عهده گرفت.

    آهنگساز موسیقی فیلم آملی که بود؟

    یان پیِر تیرسِن یک نوازنده و آهنگساز اهل فرانسه است. او در زمینه‌های گوناگونی مانند ضبط قطعات در استودیو، همکاری‌های هنری و ساختن موسیقی برای فیلم‌ها فعالیت دارد.
    تیرسِن در کارهای موسیقایی خود از سازهای قدیمی و امروزی بهره می‌برد؛ سازهایی مانند گیتار الکتریک، پیانو، سینت‌سایزر، ویولن و همچنین سازهای کمتر شنیده‌شده‌ای مثل ملودیکا، زیلوفون، هارپسیکورد، آکاردئون پیانو و حتی ماشین تحریر!
    او بیشتر روی ساخت آلبوم‌های استودیویی تمرکز دارد که بعداً به عنوان موسیقی فیلم استفاده می‌شوند. برای نمونه، موسیقی فیلم مشهور «آمِلی» از آلبوم‌های اولیه او انتخاب شده است.

    جوایز

    موسیقی فیلم «حالا ببین» افتخارات بزرگی را از آن خود کرد. این اثر در سال ۲۰۰۱، جایزه‌ی جهانی موسیقی را در بخش بهترین موسیقی متن سال دریافت کرد. یک سال بعد، در سال ۲۰۰۲، نیز جایزه سزار را به عنوان بهترین موسیقی که برای یک فیلم ساخته شده بود، کسب نمود.

    نامزدی‌ها برای جایزه

    برنده جایزه بافتا در بخش بهترین موسیقی فیلم (۲۰۰۱)
    دریافت کننده جایزه انجمن منتقدان فیلم فونیکس برای بهترین موسیقی متن اصلی سال (۲۰۰۱)
    برنده جایزه جهانی موسیقی متن به عنوان آهنگساز سال (۲۰۰۱)

  • رابطه آلبرت انیشتین و موسیقی

    رابطه آلبرت انیشتین و موسیقی

    وقتی اسم آلبرت انیشتین را می‌شنویم، معمولاً اول به یاد فیزیک و دانش می‌افتیم؛ اما باید بدانید که موسیقی هم در زندگی او جایگاه ویژه‌ای داشت. برخی حتی بر این باورند که موسیقی در موفقیت‌ها و شیوهٔ فکر کردن او در علم نیز نقش داشته است. در این نوشته از وبلاگ آنبین همراه ما باشید تا نگاهی دقیق‌تر به رابطهٔ انیشتین با موسیقی بیندازیم.

    آغاز موسیقی انیشتین

    انیشتین از همان بچگی عاشق موسیقی بود. مادرش پائولین کخ که پیانیست چیره‌دستی بود، نواختن پیانو را به او آموخت. او همچنین یادگیری ویولن را از پنج سالگی شروع کرد؛ اما در ابتدا این آموزش‌ها برایش بسیار دشوار بود تا جایی که یک بار در اوج ناامیدی، صندلی را به سوی معلمش پرتاب کرد! همه چیز وقتی سیزده ساله بود و شیفته آهنگ‌های موتزارت شد، تغییر کرد.

    رابطه موسیقی و انیشتین

    انیشتین در بزرگسالی عاشق موسیقی کلاسیک بود و هنگام کار روی نظریه‌های علمی خود، به آهنگ‌های موتزارت، باخ و بتهوون گوش می‌داد. او می‌گفت موسیقی برایش الهام‌بخش است و به او آرامش می‌دهد. موسیقی فقط یک سرگرمی برای او نبود؛ او همان‌قدر که در فیزیک مهارت داشت، در شناخت ساختار و تئوری موسیقی نیز توانمند بود.

    تأثیر موسیقی بر انیشتین به حدی بود که در شکل‌گیری نظریه نسبیت نقش داشت. او توانست بین ایده‌های انتزاعی موسیقی و قوانین فیزیک ارتباط پیدا کند. به باور او، همان قواعد ریاضی که در موسیقی به کار می‌روند، در دنیای فیزیک نیز دیده می‌شوند. همچنین، موسیقی با فضای بی‌کران و خلاقانه‌اش، به تقویت نوآوری او در علم کمک می‌کرد. پسرش هانس تعریف کرده که هرگاه پدرش با مشکلی علمی روبرو می‌شد، به سراغ موسیقی می‌رفت؛ انگار موسیقی کلید حل مسئله برای او بود.

    انیشتین در کنسرت‌های زیادی حاضر می‌شد، با نوازندگان مختلف همکاری می‌کرد و با آن‌ها در مورد پیوند موسیقی و علم گفت‌وگو می‌کرد. او حتی با یهودی منوهین، نوازنده سرشناس ویولن، هم‌نوازی کرد. همچنین در سال ۱۹۳۰ با رابیندرانات تاگور، شاعر بزرگ بنگالی، دیدار کرد تا دربارهٔ ماهیت موسیقی و موضوعات دیگر گفت‌وگو کند.

    جملات انیشتین درباره موسیقی

    اگر شغل من فیزیک نبود، به احتمال زیاد نوازنده می‌شدم. من خیلی وقت‌ها افکارم را با موسیقی بیان می‌کنم. رویاهایم با نوای موسیقی گره خورده و زندگی‌ام را همچون یک قطعه موسیقی می‌بینم.

    این را خوب می‌دانم که عمده شادی زندگی‌ام را از ویولنم گرفته‌ام.

  • بیوگرافی وارطان ساهاکیان

    بیوگرافی وارطان ساهاکیان

    وارطان ساهاکیان یک نوازنده، آهنگساز و معلم موسیقی است که اصالت ایرانی و ارمنی دارد. در این نوشته از وبلاگ آنبین، می‌خواهیم زندگی‌نامه این هنرمند را بررسی کنیم.

    تولد و کودکی وارطان ساهاکیان

    وارطان ساهاکیان در دهم آذرماه سال ۱۳۳۶، در شهر شاهرود و در یک خانواده ارمنی به دنیا آمد. او تمام دوران کودکی و نوجوانی خود را در همین شهر سپری کرد و سپس در سن پانزده سالگی به تهران نقل مکان کرد. علاقه او به موسیقی از چهارده سالگی آغاز شد و نواختن را با ساز پیانو ادامه داد.

    تحصیلات موسیقی

    وارطان ساهاکیان تحصیلات خود را در دانشکده هنرهای زیبا به پایان رسانده است. او همچنین موفق به دریافت گواهینامه درجه یک هنری از وزارت فرهنگ و ارشاد اسلامی شده است. علاوه بر این، مدرکی معادل دکترای عمومی از دانشگاه هنر نیز دارد.

    فعالیت‌های هنری

    تدریس

    وارطان ساهاکیان از همان سال‌های جوانی به آموزش موسیقی مشغول بود. خودش می‌گوید در آن زمان، تدریس فقط وسیله‌ای برای تأمین هزینه‌های زندگی بود؛ اما امروز، آموزش برای او به کاری مهم و لذت‌بخش تبدیل شده و بودن در کنار دانشجویان را بسیار دوست دارد. این هنرمند ارمنی در تعدادی از برترین دانشگاه‌های ایران، مانند دانشگاه هنر، دانشگاه سوره، دانشگاه علم و فرهنگ و همچنین در هنرستان موسیقی تدریس می‌کند.

    آهنگسازی فیلم

    وارطان ساهاکیان فقط به تدریس مشغول نیست؛ این آهنگساز در کانون آهنگسازان سینمای ایران و نیز در هیئت مدیره کانون آهنگسازان خانه موسیقی ایران نیز عضویت دارد و برای چند فیلم شناخته شده موسیقی ساخته است. از جمله آثار او در زمینه موسیقی فیلم می‌توان به موسیقی فیلم «سگ کشی» ساخته بهرام بیضایی و فیلم «صورتی» به کارگردانی فریدون جیرانی اشاره کرد.

    توصیه می‌کنیم حتماً مقاله بیوگرافی لیلی افشار را مطالعه کنید.

    داوری

    این هنرمند موسیقی، فعالیت هنری دیگری نیز دارد و آن داوری در رویدادهای هنری است. به عنوان نمونه، او در سی و دومین جشنواره موسیقی فجر و همچنین در هجدهمین جشن سالانه خانه سینمای ایران، عضو گروه داوران بوده است.

    در این مقاله بیوگرافی استفان لارنس شوارتز آهنگساز برجسته آمریکایی اطلاعات مفیدی آمده است.

    ترجمه

    وارطان ساهاکیان کتابی به نام «هارمونی کاربردی» نوشته‌ی ریمسکی کورساکف را به فارسی برگردانده است. این ترجمه برای دانشجویان کارشناسی و کارشناسی ارشد رشته آهنگسازی تهیه شده است.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه آشنایی با اصطلاح پُلی فونی و مقدار مناسب آن در پیانو.

    حضور در برنامه شب موسیقی

    در روز دوم دی‌ماه سال ۱۳۹۷، مارگاریتا ساهاکیان در برنامه «شب موسیقی» شبکه چهار حاضر شد. او در این برنامه در کنار لوریس چکناواریان به گفت‌وگو نشست و در مورد نقش مایه‌های محلی در ساختن آهنگ و همچنین دشواری‌های پیش روی ارکستر سمفونیک تهران به بحث پرداخت.