دسته: موسیقی

  • روش مونته سوری در موسیقی چگونه است؟

    روش مونته سوری در موسیقی چگونه است؟

    بسیاری از کارشناسان، معلمان و روانشناسان، روش‌های ویژه‌ای برای آموزش موسیقی ارائه داده‌اند. یکی از نام‌های شناخته‌شده در این زمینه، ماریا مونته‌سوری است که روشی جالب و کاربردی برای آموزش موسیقی به کودکان ایجاد کرد. در این نوشته از وبلاگ آنبین، به بررسی روش مونته‌سوری در آموزش موسیقی می‌پردازیم.

    مونته سوری که بود؟

    ماریا مونته‌سوری نخستین پزشک زن در ایتالیا بود. در آن دوران، به دلیل زن بودنش، هیچ بیمارستانی حاضر نبود او را استخدام کند. به همین خاطر، ماریا ناچار شد در یک مرکز نگهداری از کودکان دارای معلولیت مشغول به کار شود. در همین محل بود که او متوجه کاستی‌ها و مشکلات روش‌های آموزشی رایج شد و تصمیم گرفت برای بهتر کردن این شرایط اقدامی انجام دهد. بنابراین بار دیگر به دانشگاه بازگشت و این بار در رشته‌های علوم تربیتی و جامعه‌شناسی به تحصیل پرداخت. پس از پایان تحصیلات، روش آموزشی جدیدی برای کودکان ارائه داد که ابتدا در سراسر ایتالیا و سپس در تمام جهان شناخته شد. روشی که کاملاً بر پایه آزادی عمل و یادگیری از طریق تجربه بنا شده بود!

    ویژگی‌های روش مونته سوری در موسیقی

    اهمیت محیط

    روش مونته سوری بر این باور است که ذهن کودکان در سال‌های نخست زندگی، مانند یک اسفنج عمل می‌کند و همه چیز را به راحتی جذب می‌کند. به همین دلیل، طراحی و آماده‌سازی فضای اطراف آن‌ها از اهمیت بسیار بالایی برخوردار است. به عنوان مثال، اگر بخواهیم به یک کودک موسیقی آموزش دهیم، باید از سنین پایین، گوش او را با نوای موسیقی و ریتم‌های گوناگون آشنا کنیم.

    حرکات فیزیکی

    در روش مونته‌سوری برای آموزش موسیقی، حرکت بدن نیز بسیار مهم است. بچه‌ها تشویق می‌شوند تا هماهنگ با موسیقی روی یک خط صاف راه بروند یا برقصند. این کار به آن‌ها کمک می‌کند تا مفهوم ریتم را به خوبی احساس و درک کنند.

    تنوع سازها

    در روش مونتسوری، بچه‌ها با آلات موسیقی مختلف آشنا می‌شوند. دلیل این کار این است که هر ساز، صدای مخصوص به خودش را دارد و هر کدام به شکلی ویژه بر احساسات و ذهن کودکان اثر می‌گذارند.

    ریتم

    به باور مونته سوری، کودکان از سنین پایین با ریتم آشنا هستند و در این زمینه استعداد طبیعی دارند. این توانایی به دوران پیش از تولدشان بازمی‌گردد، زمانی که در رحم مادر، صدای نفس کشیدن و ضربان منظم قلب او را می‌شنیدند. در روش مونته سوری برای آموزش موسیقی، این حس ریتمیک از طریق فعالیت‌هایی مانند پریدن، دویدن، راه رفتن و همچنین استفاده از سازهای کوبه‌ای تقویت و پرورش می‌یابد.

    معرفی موسیقی

    در کلاس‌های موسیقی مونته‌سوری، بچه‌ها با پیشینه و فرهنگ سبک‌های مختلف موسیقی آشنا می‌شوند. به این صورت که پیش از شروع نواختن هر آهنگ تازه، ابتدا نام آن قطعه، شخصی که آن را ساخته و سبک موسیقی‌اش به کودکان معرفی می‌گردد.

    خوانندگی

    در روش مونته‌سوری، بیشتر بچه‌های کوچک خیلی زود شروع به خواندن می‌کنند. آن‌ها می‌آموزند که صدایشان مانند یک ابزار موسیقی فوق‌العاده است و می‌توانند با کمک آواز، احساسات درونشان را بروز دهند. بسیاری از ترانه‌هایی که کودکان می‌خوانند، مربوط به زندگی روزمره و موضوعات ساده است؛ اما شعر و آهنگ آن‌ها از کیفیت و زیبایی بالایی برخوردار است.

    آزادی تجربه

    در روش مونته‌سوری برای آموزش موسیقی، آزادی عمل و تجربه کردن جایگاه ویژه‌ای دارد. در این روش، مربی تنها نقش یک راهنما را دارد و زمانی که کودک به کمک نیاز داشته باشد، از او پشتیبانی می‌کند. همچنین، کودک این فرصت را دارد تا از میان کارهای مختلفی که پیش رویش قرار دارد، فعالیتی را که دوست دارد، خودش انتخاب کند.

  • ۵ تا از بهترین فواید یادگیری گیتار

    ۵ تا از بهترین فواید یادگیری گیتار

    گیتار از پرطرفدارترین سازها در سرتاسر جهان است و افراد زیادی در کشورهای مختلف، این ساز را برای نواختن برمی‌گزینند. شاید برایتان جالب باشد که گیتار زدن، علاوه بر لذت بخش بودن، مزایای زیادی برای سلامت جسم و ذهن دارد. در این نوشته از وبلاگ آنبین، نگاهی می‌اندازیم به مهم‌ترین فوایدی که یادگیری گیتار برای شما به ارمغان می‌آورد.

    ۱. فواید شناختی

    تحقیقات مختلف نشان داده‌اند که یادگیری گیتار در دوران مدرسه می‌تواند تأثیرات مثبتی روی رفتار، حافظه و هوش دانش‌آموزان داشته باشد. بر اساس این مطالعات، مغز نوازندگان جوان گیتار در نیم‌کره چپ رشد بیشتری دارد و آن‌ها قادرند حدود یک‌پنجم اطلاعات بیشتری نسبت به همسالان خود به خاطر بسپارند. لوتز یانکه، روانشناس دانشگاه زوریخ که این پژوهش را انجام داده، همچنین توضیح می‌دهد که در کودکانی که گیتار می‌نوازند، قسمت‌های مربوط به کنترل شنوایی، حافظه و حرکات دست، فعالیت بیشتری دارند. جالب اینجاست که این تأثیرات مفید فقط به کودکان محدود نمی‌شود. حتی افراد بالای ۶۵ سال که به نواختن گیتار می‌پردازند، کمتر در معرض ابتلا به بیماری‌هایی مانند آلزایمر و فراموشی قرار می‌گیرند.

    ۲. تقویت خلاقیت

    یادگیری گیتار می‌تواند به پرورش خلاقیت شما هم کمک کند. خیلی از نوازندگان گیتار، با بداهه‌نوازی یا ساختن آهنگ‌های جدید، به صورت مستقیم قدرت تخیل و خلاقیت خود را افزایش می‌دهند.

    ۳. نظم و انضباط

    برای رسیدن به سطح حرفه‌ای در نوازندگی گیتار، هنرجویان باید زمان زیادی را به تمرین اختصاص دهند. این تلاش و مداومت نه تنها مهارت موسیقایی آنها را تقویت می‌کند، بلکه نظم و انضباط را در وجودشان نهادینه می‌سازد. این ویژگی ارزشمند پس از مدتی در دیگر جنبه‌های زندگی آنها نیز خود را نشان داده و باعث پیشرفتشان می‌شود.

    ۴. بهبود مهارت‌های حرکتی ظریف

    نواختن گیتار به تقویت مهارت‌های ظریف حرکتی کمک می‌کند. وقتی سیم‌ها را روی دسته گیتار فشار می‌دهید تا نت‌های مختلفی ایجاد کنید، دست‌ها و انگشت‌انتان حرکات دقیق و هماهنگی انجام می‌دهند. به همین دلیل است که مطالعات نشان داده‌اند گیتاریست‌ها معمولاً دست‌های قوی‌تر و کنترل بهتری روی حرکاتشان دارند. این توانایی حتی در کارهای ساده‌ی روزمره مثل تایپ کردن یا خرد کردن سبزیجات هم به کمکشان می‌آید.

    ۵. هماهنگی چشم و دست

    یک از مهم‌ترین مهارت‌های یک گیتاریست، همکاری دقیق بین چشم و دست است. این نوازندگان باید مدام به دسته گیتار نگاه کنند تا موقعیت دقیق انگشتان خود را روی سیم‌ها کنترل کنند. با گذشت زمان، به طور ناخودآگاه نقشه‌ای ذهنی از محل قرارگیری نتها در ذهنشان شکل می‌گیرد. در این حالت، مغز اطلاعاتی را که از چشم می‌گیرد پردازش می‌کند و سپس فرمان‌های دقیقی برای حرکت صحیح انگشتان به دست‌ها ارسال می‌کند.

  • محیط تمرین موسیقی باید چه ویژگی‌هایی داشته باشد؟

    محیط تمرین موسیقی باید چه ویژگی‌هایی داشته باشد؟

    هر فضای خالی، لزوماً جای مناسبی برای نواختن موسیقی نیست. جایی که در آن تمرین می‌کنید، به طور مستقیم روی بازدهی شما تأثیر می‌گذارد. حتی ۲۰ دقیقه تمرین در یک محیط خوب و آرام، می‌تواند نتیجه‌ای بهتر از یک ساعت تمرین در یک جای شلوغ و نامناسب داشته باشد. با توجه به اهمیت این موضوع، در این نوشته از وبلاگ آنبین، نکاتی دربارهٔ انتخاب محیط مناسب برای تمرین موسیقی با شما به اشتراک می‌گذاریم.

    برای اطلاعات بیشتر، به مقاله آشنایی با کلید سل مراجعه کنید.

    ویژگی‌های محیط تمرین موسیقی مناسب

    1. فقط خودتان صدای تمرینتان را بشنوید!

    یک ویژگی خیلی مهم برای جای تمرین موسیقی این است که صدا به بیرون درز پیدا نکند. بیشتر نوازنده‌ها وقتی بفهمند دیگران صدای تمرین آن‌ها را می‌شنوند، دیگر نمی‌توانند مثل قبل خوب اجرا کنند. در چنین مواقعی، ذهن شما بدون این که متوجه باشید، خودش را در موقعیت قضاوت دیگران می‌بیند؛ در حالی که زمان تمرین، دقیقاً زمانی است برای آزمایش چیزهای جدید و اشتباه کردن. همچنین در این شرایط، برای این که صدای ناخوشایندی از سازتان بیرون ندهید، ترجیح می‌دهید فقط قطعاتی را که از قبل بلد هستید تکرار کنید و از نواختن قطعات سخت و جدید دوری می‌کنید. برای اطمینان از این که کسی صدای تمرین شما را نمی‌شنود، می‌توانید در ساعاتی که تنها هستید تمرین کنید یا دیوارهای اتاق‌تان را عایق صدا کنید تا بتوانید با خیال راحت در هر زمانی ساز بزنید.

    توصیه می‌کنیم این مطلب کنسرت شاهنامه خوانی استاد شهرام ناظری در کشور مراکش را حتماً بخوانید.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، حتماً بیوگرافی استاد شهرام ناظری را بخوانید.

    2. روی حالت اجرا تمرین کنید

    برخی از موزیسین‌ها به دلیل نداشتن مکان مناسب برای تمرین، از ابزارهایی مانند صداگیر یا تغییر دادن سازشان استفاده می‌کنند تا صدای موسیقی را کم کنند و مزاحم کسی نشوند. گاهی هم به جای ساز اصلی، از سازهای جایگزین مثل کیبورد یا پدهای مخصوص درامز برای تمرین بهره می‌برند. این روش‌ها اگر به صورت کوتاه‌مدت و موقت باشند، ایرادی ندارند؛ اما اگر برای مدت طولانی ادامه پیدا کنند، می‌توانند مشکل‌ساز شوند. چرا که نحوه‌ی تمرین یک نوازنده، عادت‌هایش را شکل می‌دهد. پس اگر قرار است در اجرای اصلی با صدای بلند بنوازید، نباید همیشه با صدای کم تمرین کنید. بهترین راه‌حل برای این موضوع، فراهم کردن یک محیط مناسب و بی‌دغدغه برای تمرین موسیقی است.

    3. راحتی

    برای داشتن یک جلسه تمرین موسیقی مفید و بدون حواس‌پرتی، اول از همه باید احساس راحتی کنید. مطمئن شوید که در اتاق تمرین، نور کافی برای دیدن نت‌ها وجود دارد، هوا نه گرم است و نه سرد، و صندلی شما کاملاً راحت است. همچنین اتاق باید به اندازه‌ای بزرگ باشد که هنگام نواختن ساز، بتوانید به راحتی و آزادانه حرکت کنید.

    4. ایجاد فضایی الهام‌بخش

    محیطی که در آن موسیقی کار می‌کنید، بهتر است آرام و به دور از شلوغی باشد تا حواستان پرت نشود. در عین حال، می‌توانید فضای اتاق را با چیزهایی که دوست دارید، تزئین کنید. رنگ دیوارها و وسایل اتاق بهتر است با سلیقه و روحیه شما هماهنگ باشد. همچنین، اگر عکس یا پوستر نوازندگان مورد علاقه‌تان را در معرض دید قرار دهید، یا کتاب‌های مربوط به آن‌ها را در اتاق بگذارید، همین موارد می‌توانند در زمان تمرین به شما انگیزه و الهام ببخشند.

  • ۶ بازی موسیقی کودکانه در خانه!

    ۶ بازی موسیقی کودکانه در خانه!

    ا

    ایده‌های بازی موسیقی کودک

    1. استپ رقص

    موسیقی‌های گوناگون با سبک‌های مختلف پخش کنید و از بچه‌ها دعوت کنید تا برقصند. بعد، در یک لحظه غافلگیرکننده، آهنگ را ناگهان قطع کنید یا با صدای بلند بگویید: «ایست!»
    حالا ببینید هر کودک در چه وضعیت بامزه و خنده‌داری ثابت مانده و چقدر می‌تواند در همان حالت بماند.

    2. ساز خودت را بساز!

    سازهای ساده و شاد درست کنید و یک کنسرت خانوادگی راه بیندازید! در این بازی کودکانه، می‌توانید از قابلمه و سطل به عنوان درام استفاده کنید یا با ریختن سنگ‌ریزه‌ها در یک ظرف درب‌دار، یک جغجغهی دست‌ساز درست کنید. به کودکان اجازه دهید خلاقیت خود را به کار بگیرند و سازهای مخصوص خودشان را بسازند.

    3. آن‌چه را می‌شنوی نقاشی کن

    در این فعالیت، برای بچه‌ها آهنگ‌های گوناگون پخش کنید و از آن‌ها بخواهید احساس یا تصویری که از موسیقی به ذهنشان می‌رسد را نقاشی کنند. ممکن است با شنیدن یک ملودی آرام، از رنگ‌های نرم و خطوط کشیده استفاده کنند و وقتی یک آهنگ تند و پرانرژی می‌شنوند، خط‌های کوتاه، تیز و رنگ‌های پررنگ به کار ببرند. در این بازی هیچ پاسخ غلطی وجود ندارد و هدف اصلی، تقویت گوش دادن به موسیقی و افزایش تمرکز و دقت کودکان است.

    4. حدس آهنگ

    برخی از آهنگ‌های محبوب فرزندتان را انتخاب کنید. با کف زدن یا ضربه زدن روی میز، ریتم آن آهنگ‌ها را درآورید. بعد از کودک خود بپرسید: “به نظرت این ریتم کدوم آهنگه؟”

    5. رقص با ریتم

    چند قطعه موسیقی با سرعت‌های گوناگون انتخاب کنید. سپس از کودک دعوت کنید تا با این آهنگ‌ها برقصد. خودتان هم می‌توانید همراه او شوید و حرکاتی انجام دهید تا مفهوم ریتم را بهتر درک کند. برای مثال، وقتی آهنگی تند و شاد پخش می‌شود، حرکت‌های سریع و پرجنب‌وجوش انجام دهید و وقتی موسیقی آرام و ملایم است، حرکت‌ها را آهسته و نرم اجرا کنید.

    6. زیلوفون خانگی بسازید

    چند لیوان بردارید و در هر کدام مقداری آب بریزید، طوری که مقدار آب در لیوان‌ها متفاوت باشد. سپس لیوان‌ها را به ترتیب از پرترین تا کم‌آب‌ترین مرتب کنید. حالا یک قاشق چوبی به کودک بدهید و از او بخواهید با آرام به کناره‌ی هر لیوان ضربه بزند. با این کار، او می‌تواند تفاوت صداهای تولید شده را بشنود و آن‌ها را با هم مقایسه کند. برای جذاب‌تر کردن این بازی موسیقایی، می‌توانید داخل هر لیوان چند قطره رنگ خوراکی بریزید تا هر لیوان علاوه بر صدای متفاوت، رنگ مخصوص به خود را هم داشته باشد.

  • بیوگرافی آرزو قنبری | مدرس موسیقی کودک

    آرزو قنبری در سال ۱۳۶۳ در تهران به دنیا آمده است. او مدرس موسیقی کودک و ساز تنبک است و عضو خانه موسیقی ایران می‌باشد. همچنین دارای کارت صلاحیت تدریس از وزارت فرهنگ و ارشاد اسلامی است.

    وی فراگیری نوازندگی را از سال ۱۳۷۹ آغاز کرد و از محضر استادانی همچون زنده‌یاد جهانگیر ملک، غلامرضا مشایخی، پدرام خاورزمینی و سیاوش اسماعیلی بهره برد. او دوره‌های آموزشی در سطوح مختلف را نزد استادانی مانند بهمن رجبی، حسین تهرانی، محمد اخوان، امیر ناصر افتتاح، سیاوش اکبری سنه و مجید حسابی گذرانده است.

    اگر سوالاتی دارید، مقاله ۱۰ ابزار ضروری که هر گیتاریست باید داشته باشد به شما کمک خواهد کرد.

    قنبری علاوه بر این، دوره‌های موسیقی کودک (ارف) را زیر نظر نزهت امیری و مسعود نظر فراگرفت و برای کسب تجربه‌های بیشتر، مدتی نیز در کلاس‌های کامران امید حضور یافت.

    او در مکان‌های معتبری مانند تالار رودکی، فرهنگسرای نیاوران، تالار وحدت فدک و خانه فرهنگ حکیمیه، برنامه‌های تک‌نوازی و همنوازی متعددی اجرا کرده است. همچنین با ارکستر ملی جوانان به سرپرستی امیر احمد جوادی همکاری داشته است.

    برای یادگیری پیشرفته، به آشنایی با موسیقی محرم و سازهای مورد استفاده در آن مراجعه کنید.

    آرزو قنبری در جشنواره‌های موسیقی فجر همراه با گروه ارف به سرپرستی مسعود نظر به عنوان گروه کر اجرا کرده است. علاوه بر این، در جشنواره موسیقی شمسه همراه با گروه پرهون رتبه ویژه و با گروه قول و غزل مقام اول را کسب کرده است.

    توصیه می‌کنیم این مطلب اولین نت ها را چه کسی نوشته است؟ را حتماً بخوانید.

  • ۴ تا از بهترین سازها برای تکنوازی

    ۴ تا از بهترین سازها برای تکنوازی

    ممکن است یک قطعه موسیقی توسط یک نفر یا چندین نفر نواخته شود. وقتی یک نفر به تنهایی سازی را می‌نوازد، به آن «سولو» گفته می‌شود و به نوازنده آن «سولوئیست» می‌گویند. قطعات تکنوازی انواع مختلفی دارند؛ مانند اتود، سونات، پیش‌درآمد، کنسرتو و شکل‌های دیگر. حتی در بعضی از قطعات گروهی هم گاهی بخشی به تکنوازی یکی از نوازندگان اختصاص پیدا می‌کند. در این نوشته از وبلاگ آنبین، می‌خواهیم بررسی کنیم که کدام سازها بیشتر برای تکنوازی مناسب هستند. با ما بمانید تا با بهترین سازها برای اجرای تکنوازی آشنا شوید.

    بهترین ساز برای تکنوازی چیست؟

    پیانو؛ بهترین ساز برای تکنوازی

    خیلی‌ها معتقدند پیانو بهترین ساز برای اجرای تکنوازی است. دلیلش این است که پیانو با داشتن هشت اکتاو، بیشترین محدوده صوتی را در بین سازهای دیگر دارد و می‌تواند فرکانس‌های بسیار متنوعی تولید کند. این ساز با ۸۸ کلید، این قابلیت را دارد که یک اثر موسیقایی کامل و غنی را به‌تنهایی اجرا کند. نکته جالب اینجاست که حتی بعضی از قطعات تکنوازی که برای سازهای دیگر ساخته شده‌اند، اغلب با همراهی و پشتیبانی پیانو اجرا می‌شوند!

    ویولن

    ویولن یکی از کوچک‌ترین سازهای زهی است که هم به تنهایی و هم در کنار دیگر سازها نواخته می‌شود. این ساز به دلیل ویژگی‌های خاصش برای نواختن سولو بسیار مناسب است؛ مثلاً می‌تواند صدای بسیار زیر و نافذی تولید کند و در سبک‌های گوناگونی از موسیقی کاربرد دارد. همچنین قطعات مستقل زیادی برای ویولن نوشته شده که بسیاری از آن‌ها بدون نیاز به همراهی ساز دیگری مانند پیانو اجرا می‌شوند. از نمونه‌های مشهور این آثار می‌توان به ساخته‌های باخ و پاگانینی اشاره کرد.

    گیتار کلاسیک

    گیتار یکی از سازهای عالی برای نواختن تکنوازی محسوب می‌شود. این ساز می‌تواند چندین نت را با هم و در یک زمان بنوازد، به همین دلیل گزینه‌ای بسیار مناسب برای اجرای قطعات سولو است.

    سه تار

    اگر به فکر یادگیری یک ساز ایرانی برای نواختن به صورت تکنوازی هستید، سه‌تار گزینه بسیار مناسبی است. صدای سه‌تار ظریف و آرامش‌بخش است، در حالی که تار صدایی رساتر و عمیق‌تر دارد. به همین دلیل معمولاً سه‌تار برای تکنوازی و تار برای اجرا در گروه‌های موسیقی مناسب‌تر است.

  • بیوگرافی یوسف فروتن؛ نوازنده برجسته تار و سه‌تار

    بیوگرافی یوسف فروتن؛ نوازنده برجسته تار و سه‌تار

    یوسف فروتن در نواختن سازهای گوناگونی مانند پیانو، ویولن، تمبک، تار و سه‌تار مهارت داشت؛ اما تار و سه‌تار سازهای تخصصی او بودند و دلیل اصلی شناخته‌شدنش در دنیای موسیقی نیز همین دو ساز بودند. این هنرمند بزرگ هیچ‌وقت برای سود شخصی روی صحنه نرفت و تنها با هدف پشتیبانی از کارهای خیریه و شناساندن موسیقی اصیل ایرانی به مردم، چند برنامهٔ اندک اجرا کرد. اگر دوست دارید اطلاعات بیشتری دربارهٔ این نوازندهٔ ارزشمند به دست آورید، در ادامهٔ این نوشته در وبلاگ آنبین همراه ما بمانید.

    تولد، کودکی و شروع موسیقی یوسف فروتن

    یوسف فروتن در سال ۱۲۷۰ در تهران به دنیا آمد. برادرش که مؤدب السلطنه نام داشت، عاشق موسیقی بود. به همین دلیل، یوسف هم از سنین پایین با بسیاری از هنرمندان موسیقی آشنا شد. او نواختن سه‌تار را نزد میرزاعبدالله و تار را نزد میرزاحسینقلی فرا گرفت.

    سبک نوازندگی

    سبک منحصر به فرد یوسف فروتن در نواختن ساز، میان موسیقیدانان بسیار مشهور و قابل احترام بود. او با ضربه‌های محکم و دقیق و در عین حال روان و چابک، ساز می‌نواخت. قطعاتی که به صورت بداهه می‌ساخت نیز به دلیل رعایت دقیق وزن، ریتم و آگاهی عمیق از قالب‌های موسیقی ایرانی مانند پیش‌درآمد، چهارمضراب، ضربی و رنگ، از ارزش بالایی برخوردار هستند. نکته جالب اینجاست که قطعات ضربی او به عنوان بخشی از منابع آموزشی در زمینه موسیقی ضربی ایران، در مراکز آموزشی تدریس می‌شوند.

    فعالیت‌های هنری یوسف فروتن

    یوسف فروتن به ندرت در جمع‌های عمومی ساز می‌زد و تعداد آثار ضبط شده از او نیز اندک است. گفته می‌شود که او هرگز به دنبال نام‌آوری یا سود شخصی نبود و به همین علت، کمتر در انظار عمومی حاضر می‌شد. تنها در چند مورد، برای یاری رساندن به آسیبدیدگان سیل و بی‌خانمان‌ها، همراه با چند هنرمند شناخته‌شده دیگر روی صحنه رفت. یکی دیگر از اجراهای او مربوط به جشنواره هنری شیراز در سال ۱۳۴۶ است که در حافظیه این شهر، قطعه‌هایی در دستگاه ماهور با سه‌تار نواخت تا گوشه‌هایی از موسیقی اصیل ایران را به مخاطبان معرفی کند. فروتن علاوه بر این، عضو «مرکز حفظ و اشاعه موسیقی ایرانی» در رادیو و تلویزیون و همچنین عضو «ارکستر انجمن اخوت» بود. او حتی در سنین بالا نیز از فعالیت‌های هنری دست نکشید و در ۷۰ سالگی، مجموعه‌ای از ردیف‌های موسیقی ایرانی را با سه‌تار، با همکاری رادیو تلویزیون ملی ایران، ضبط کرد. این استاد بزرگ سرانجام در هفتم دی ماه ۱۳۵۷ به دلیل پیری و فرسودگی جسمی درگذشت.

    برخی از شاگردان یوسف فروتن

    در دنیای موسیقی ایران، هنرمندان بزرگی هستند که نام‌شان برای همیشه در تاریخ این هنر جاودان شده است. از جمله این استادان می‌توان به چهره‌های درخشانی مانند **حسین علیزاده**، **داریوش طلایی**، **پرویز مشکاتیان** و **داوود گنجه‌ای** اشاره کرد. هر یک از این افراد، با نبوغ و خلاقیت خود، نقش بسیار مهمی در پیشبرد و غنای موسیقی اصیل ایرانی داشته‌اند و آثارشان گنجینه‌ای ارزشمند برای همه دوستداران موسیقی به شمار می‌رود.

  • مراحل تعویض نمد مضراب سنتور

    مراحل تعویض نمد مضراب سنتور

    هر کسی که سنتور می‌نوازد، باید بلد باشد چطور نمدهای کهنه و فرسوده مضراب را درآورده و نمدهای نو را جایگزین کند. این کار، دقت و ظرافت زیادی می‌خواهد، چون کیفیت صدا به طور مستقیم به آن بستگی دارد. به همین دلیل، در این مطلب از وبلاگ آنبین، روش تعویض نمد مضراب سنتور را به طور کامل و گام به گام آموزش می‌دهیم.

    وسایل مورد نیاز برای تعویض مضراب سنتور

    وسایل مورد نیاز:
    • سنگ
    • قیچی
    • پارچه نمدی
    • چسب
    • خط‌کش
    • کاغذ سنباده

    مراحل تعویض نمد مضراب سنتور

    ابتدا نمدهای فرسوده را به آرامی از چوب مضراب جدا کنید. سپس بقایای چسب خشک شده روی مضراب را پاک کنید. می‌توانید کمی استون روی سطح مضراب بریزید یا با سنباده نرم آن را تمیز کنید؛ اما دقت کنید که چوب مضراب آسیب نبیند یا نازک نشود.
    در مرحله بعد، نمدها را با قیچی یا کاتر به اندازه چهار و نیم در یک سانتی‌متر (۴.۵×۱) ببرید. مطمئن شوید هر دو نمد برای مضراب‌ها کاملاً هم‌اندازه باشند.
    سپس نمدها و لبه‌های کناری سر مضراب را با چسب مایع آغشته کنید و چند دقیقه صبر کنید تا چسب کمی خودش را بگیرد. توجه داشته باشید چسبی که برای نمد مضراب سنتور به کار می‌برید، نباید آنقدر مایع باشد که به داخل نمد نفوذ کند و آن را سفت و سخت کند.
    در پایان، نمدهای چسب‌خورده را به آرامی و با فشار انگشتان روی مضراب بچسبانید. تا زمانی که نمدها کاملاً خشک نشده و به طور کامل به مضراب نچسبیده‌اند، از آن‌ها استفاده نکنید.

    توصیه می‌کنیم حتماً مقاله آشنایی با کلید سل را مطالعه کنید.

    نکاتی که باید حین کار بدانید:

    هرچه پد مضراب سنتور شما نازک‌تر و فشرده‌تر باشد، صدای ساز زیرتر می‌شود. برعکس، اگر پد ضخیم‌تر باشد، صدای سنتور بم‌تر و آرام‌تر خواهد بود. بنابراین می‌توانید با توجه به سلیقه شخصی‌تان، ضخامت مناسب پد را انتخاب کنید.

    در صورت علاقه‌مندی، مطلب بیوگرافی استاد شهرام ناظری را از دست ندهید.

    دقت کنید که چسب به سطح زیرین مضراب‌ها نرسد، چون این اتفاق باعث می‌شود صدای سنتور خشدار و ناخوشایند شود.

    تعویض پد مضراب‌های سنتور کار دقیقی است. برای اینکه چسب سریع خشک نشود، بهتر است اول پد یک مضراب را به طور کامل عوض کنید و سپس به سراغ مضراب بعدی بروید.

    برای درک عمیق‌تر این موضوع، مطلب کنسرت شاهنامه خوانی استاد شهرام ناظری در کشور مراکش را بخوانید.

  • بررسی موسیقی انیمیشن شیرشاه

    بررسی موسیقی انیمیشن شیرشاه

    موسیقی فیلم انیمیشن شیرشاه، یکی از دوست‌داشتنی‌ترین و مشهورترین آهنگ‌های دنیای کارتون است. به همین خاطر، در این نوشته از وبلاگ آنبین، می‌خواهیم نگاهی دقیق به قطعه‌های موسیقی این انیمیشن محبوب داشته باشیم.

    موسیقی انیمیشن شیرشاه

    آلبوم موسیقی فیلم شیرشاه، مربوط به انیمیشنی از دیزنی است که در ۳۱ می ۱۹۹۴ عرضه شد. ضبط این آلبوم در سه کشور آمریکا، بریتانیا و آفریقای جنوبی انجام گرفت. این آلبوم با فروش بیش از ۷ میلیون نسخه، در سال ۱۹۹۴ به پرفروشترین آلبوم موسیقی یک انیمیشن در آمریکا تبدیل شد.

    آهنگ‌های این آلبوم حاصل همکاری سه هنرمند بزرگ؛ التون جان، هانس زیمر و تیم رایس است که ترانه‌ها را سروده است. علاوه بر آهنگسازی، التون جان در برخی قطعات نیز به عنوان نوازنده حضور دارد.

    از دیگر هنرمندانی که در این آلبوم نقش داشته‌اند، می‌توان این افراد را نام برد:

    لبوهنگ موراک
    کارمن تویلی
    جیسون ویور
    روآن اتکینسون
    جوزف ویلیامز
    ووپی گلدبرگ
    جرمی آیرونز
    چیچ مارین
    جیم کامینگز
    ناتان لین
    ارنی سابلا
    سالی دوورسکی

    جوایز موسیقی انیمیشن شیرشاه

    در سال ۲۰۱۰، وب‌سایت راپسودی، موسیقی فیلم انیمیشن شیرشاه را در فهرست ۱۰ موسیقی متن برتر فیلم‌های دیزنی و پیکسار قرار داد. هانس زیمر نیز در سال ۱۹۹۵ موفق شد برای ساخت موسیقی متن فیلم شیرشاه، جایزه اسکار را دریافت کند. این موسیقی در سال ۱۹۹۴ به پرفروش‌ترین موسیقی متن در میان تمام انیمیشن‌های دیزنی تبدیل شد.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه نکات مهم برای کشف استعداد موسیقی در کودکان.

    سازندگان

    التون جان

    التون جان هنرمند انگلیسی است که به عنوان خواننده، آهنگساز و نوازنده پیانو شناخته می‌شود. او در ۲۵ مارس سال ۱۹۴۷ به دنیا آمد. از سنین کم شروع به آموختن پیانو کرد و موفق به دریافت بورسیه تحصیلی از آکادمی سلطنتی موسیقی شد و به مدت پنج سال در آن مرکز به فراگیری موسیقی پرداخت. علاوه بر ساخت موسیقی فیلم معروف “شیرشاه”، او آهنگ‌های فیلم‌ها و نمایش‌های دیگری مانند “بیلی الیوت” و “آیدا” را نیز خلق کرده است.

    هانس زیمر

    هانس فلوریان زیمر یک آهنگساز و تهیه‌کننده موسیقی اهل آلمان است که موفق شده جوایز زیادی را از آن خود کند. یکی از این افتخارات، جایزه اسکار او برای ساخت موسیقی انیمیشن محبوب شیرشاه است.
    او علاوه بر این، آهنگسازی موسیقی متن بسیاری از فیلم‌های معروف دیگر را نیز بر عهده داشته است. از جمله این آثار می‌توان به موسیقی فیلم‌هایی مانند گلادیاتور، آخرین سامورایی، سری فیلم‌های دزدان دریایی کارائیب، سه‌گانه شوالیه تاریکی، آغاز، مرد فولادی، بین‌ستاره‌ای و دانکرک اشاره کرد.

    تیم رایس

    تیم رایس، نویسنده و ترانه‌سرای اهل انگلستان، در چندین پروژه با استودیو دیزنی همکاری کرده است. از جمله ترانه‌های فیلم‌های پرفروشی مانند شیرشاه و علاءالدین از آثار اوست. او همچنین عضوی از آکادمی ترانه‌سرایان، آهنگسازان و نویسندگان بریتانیا محسوب می‌شود.

    اگر سوالاتی دارید، مقاله ویژگی های میکروفون داینامیک به شما کمک خواهد کرد.

    برای اطلاعات بیشتر، به مقاله آشنایی با ساز مورین خور مراجعه کنید.

  • صفر تا صد گیتار فلامنکو!

    صفر تا صد گیتار فلامنکو!

    فلامنکو یک سبک موسیقی اصیل و سنتی اسپانیایی است که ریشه در منطقه آندلس دارد. این هنر زیبا تلفیقی از آواز، رقص و ریتم‌های کف‌زدن و پا کوبیدن است. بعد از پیدایش گیتار، این ساز هم به بخش جدایی‌ناپذیر اجراهای فلامنکو تبدیل شد. در ادامه این مطلب در وبلاگ آنبین، با ما همراه باشید تا اطلاعات بیشتری درباره این ساز و نقش آن در فلامنکو کسب کنید.

    گیتار فلامنکو چیست؟

    گیتار فلامنکو از نظر ظاهری شبیه به گیتار کلاسیک است، اما در شیوه‌ی نواختن و جزئیات ساخت با آن تفاوت دارد. کار اصلی این ساز، همکاری با خواننده و رقصنده است، هرچند گاهی به صورت تکنوازی نیز اجرا می‌شود. معمولاً برای نواختن فلامنکو از وسیله‌ای به نام کاپو استفاده می‌شود تا سیم‌ها کوتاه‌تر شده و صدای ساز شفاف‌تر و برنده‌تر شود. همچنین، کوک گیتار را با توجه به محدوده صوتی خواننده تنظیم می‌کنند. نوازنده باید بتواند هارمونی قطعه را به خوبی درک کند و همگام با تغییرات آواز خواننده، همراهی مناسبی ارائه دهد.

    تفاوت گیتار فلامنکو و کلاسیک

    جنس

    این مدل گیتار معمولاً از چوب‌های سبک‌تر مانند چوب درخت سرو تولید می‌شود.

    برای مطالعه بیشتر، به مفهوم رزونانس در موسیقی سری سر بزنید.

    بدنه

    بدن این ساز معمولاً از نوع کلاسیک باریک‌تر است.

    کوک

    در سبک کلاسیک، گیتار با یک کوک مشخص و ثابت نواخته می‌شود؛ ولی در فلامنکو، کوک گیتار بر اساس صدای خواننده تنظیم می‌گردد.

    برای گسترش دانش خود، به مقاله مفهوم آنسامبل در موسیقی سر بزنید.

    اکشن گیتار

    در این مدل از گیتار، سیم‌ها با کشش کمتر و نزدیک‌تر به دسته ساز قرار گرفته‌اند. این ویژگی به نوازنده کمک می‌کند تا با سرعت و سهولت بیشتری بتواند سیم‌ها را بگیرد و با سرعت بالای قطعات موسیقی در این سبک، هماهنگ شود.

    توصیه می‌کنیم این مطلب ۱۰ حقیقت جالب در مورد فلوت را حتماً بخوانید.

    صدا

    گیتار کلاسیک معمولاً به صورت تکنوازی نواخته می‌شود و به همین خاطر، صدایی شفاف و رسا تولید می‌کند. اما گیتار فلامنکو بیشتر نقش همراهی کننده با آواز و رقص را دارد و به همین دلیل، بر ایجاد صداهای پرحجم و پرشور تمرکز دارد.

    تاریخچه

    در روزهای اول، گیتارهای فلامنکو نه به خاطر کیفیت صدا و ساختارشان، بلکه به دلیل قیمت کمشان خریدار داشتند. در قرن نوزدهم، سازندگان منطقه آندلس گیتارهای مقرون‌به‌صرفه‌ای تولید می‌کردند که از چوب‌های معمولی و سبک مانند چوب سرو ساخته می‌شد و کولی‌های کم‌بضاعت اسپانیایی از مشتریان اصلی آن بودند. بعدها، آندرس آولار و چند نفر دیگر که در رواج موسیقی گیتار کلاسیک نقش داشتند، تمایز بین گیتار فلامنکو و گیتار کلاسیک را به وضوح نشان دادند.