دسته: موسیقی

  • تبلچر چیست ؟

    تبلچر چیست ؟

    در دنیای موسیقی اصطلاحات و واژه‌های فراوانی به کار می‌روند که آشنایی با آن‌ها درک بهتری از این هنر به ما می‌دهد. در این نوشته از وبلاگ آنبین می‌خواهیم شما را با معنای «تبلچر» در موسیقی آشنا کنیم. امیدواریم این مطلب برایتان مفید باشد.

    تبلچر چیست ؟

    یادگیری آهنگ‌های موسیقی روش‌های گوناگونی دارد که یکی از آن‌ها خواندن نت‌های موسیقی است. در بسیاری از مواقع، نت‌های مخصوص گیتار همراه با نشانه‌هایی به نام تبلچر نوشته می‌شوند که کار نواختن آهنگ را آسان‌تر می‌کنند. تبلچر در واقع راهی ساده برای خواندن نت و نواختن گیتار است که به منظور راحت‌تر کردن فرآیند نوازندگی ایجاد شده است.

    توصیه می‌کنیم این مطلب تفاوت ملودی ساز و آهنگساز چیست؟ را حتماً بخوانید.

    به زبان دیگر، تبلچر یک روش استاندارد برای نشان دادن نت‌ها روی سازهای زهی دارای فرت — مانند گیتار یا عود — است. با کمک تبلچر می‌توانیم جای دقیق هر نت را روی سیم‌های ساز پیدا کنیم. این روش، ابزار بسیار مفیدی برای کسانی است که گاهی اوقات در تشخیص محل دقیق نت‌ها روی دسته‌ی گیتار دچار مشکل می‌شوند.

    روش تبلچر

    در این روش که اغلب برای سازهایی با پرده‌بندی کاربرد دارد، یک راه ساده و مبتنی بر شکل ظاهری پرده‌هاست. برای پیدا کردن جای نت‌ها، شش سیم گیتار مانند شش خط روی کاغذ رسم می‌شود و محل پرده‌ها هم به ترتیب روی آن‌ها نشان داده می‌شود.
    موقعیت هر نت بر اساس سیم و پرده‌ی مربوطه مشخص می‌گردد. هنرجو با دیدن این نشانه‌ها، به راحتی جای آن‌ها را روی پرده‌های گیتار پیدا کرده و می‌تواند قطعه‌ی مورد نظرش را بنوازد.
    در مرحله‌ی بعد به این موضوع می‌رسیم که هر نت را با کدام انگشت باید نواخت. این مورد هم در تبلچر با شماره‌ی مشخصی نشان داده می‌شود تا هنرجو بتواند با انگشت درست، نت را بنوازد. برای این کار علامت جداگانه‌ای اضافه نمی‌کنند، بلکه روی همان سیم و محل مورد نظر، شماره‌ی انگشت را قرار می‌دهند. به این ترتیب مشخص می‌شود که هر نت را با کدام انگشت باید اجرا کرد.

    تبلچر چیست

    تبلچر چیست

    مزیت تبلچر

    استفاده از تبلچر این مزیت بزرگ را دارد که نوازنده می‌تواند خیلی سریع و آسان، نت مورد نظرش را پیدا کند و بنوازد. حتی اگر شخصی دانش موسیقی یا تئوری آن را نداشته باشد، باز هم می‌تواند با کمک تبلچر، نت‌ها را بخواند و به راحتی آهنگ بنوازد.

    با این حال، هرچند تبلچر راهی ساده و سریع برای هنرجویانی است که می‌خواهند زود به نتیجه برسند، اما باید توجه داشت که این روش معایبی نیز دارد که نباید نادیده گرفته شوند.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، حتماً آشنایی با ژانرهای محبوب موسیقی را بخوانید.

    معایب تبلچر

    همانطور که پیش‌تر اشاره کردیم، روش تبلچر راهی ساده و سریع برای یادگیری نت‌های یک قطعه است. اما این روش کاستی‌های مهمی دارد. بزرگ‌ترین مشکل این است که در تبلچر نمی‌توان طول زمانی هر نت را به شکل دقیق و درستی نشان داد. در نتیجه، نوازنده باید با تکیه بر حس شنیداری خود و به طور تقریبی، کشش نت‌ها را رعایت کند که این موضوع یک ضعف بزرگ در اجرای دقیق موسیقی به شمار می‌آید.

    از طرف دیگر، وقتی مدت زمان دقیق نت‌ها مشخص نباشد، نواختن قطعات جدید به شکل درست ممکن نخواهد بود. در این حالت، معمولاً فقط قطعاتی را می‌توان نواخت که از قبل با آنها آشنا هستیم یا قبلاً شنیده‌ایم.

    در این مقاله ملودی چیست و چه ویژگی هایی دارد؟ اطلاعات مفیدی آمده است.

  • پنل اکوستیک چیست؟

    پنل اکوستیک چیست؟

    برای کسانی که می‌خواهند به صورت حرفه‌ای‌تر موسیقی کار کنند، پنل‌های آکوستیک اهمیت زیادی دارند. اما این پنل‌ها دقیقاً چه کاری انجام می‌دهند و چه فایده‌ای دارند؟
    در ادامه این نوشته از وبلاگ آنبین، بیشتر با پنل آکوستیک آشنا خواهید شد.

    واژه اکوستیک یا آکوستیک

    آکوستیک یک کلمه یونانی است که ریشه آن به “akoustikos” برمی‌گردد و معنی آن “شنیدن” یا “آماده برای شنیده شدن” است.
    به زبان ساده، آکوستیک شاخه‌ای از دانش فیزیک است که به مطالعه صدا می‌پردازد. اما در کاربرد معمول، وقتی می‌گوییم آکوستیک یک فضا، منظورمان کیفیت پخش و انعکاس صدا در آن محیط است.
    امروزه این واژه به صورت گسترده‌ای در زمینه‌های مختلف علمی به کار می‌رود، به ویژه در دانش‌هایی که امواج مکانیکی مانند ارتعاش، صوت، امواج فراصوت و مادون قرمز را بررسی می‌کنند.

    آشنایی با پنل اکوستیک

    پنل اکوستیک چیست؟

    آکوستیک یا عایق صوتی به این معناست که از نفوذ صدا از بیرون به داخل یا از داخل به بیرون یک فضا جلوگیری کنیم.
    با عایق‌بندی صوتی خانه می‌توانید جلوی سر و صدای آزاردهنده‌ای مانند شلوغی خیابان و رفت‌وآمد خودروها را بگیرید. همچنین، این کار مانع از شنیده شدن صحبت‌ها و صداهای داخل خانه توسط دیگران می‌شود.
    در این روش، پنل‌های آکوستیک یا ضدصدا، امواج صوتی را به خود جذب می‌کنند. در نتیجه، صدا منتقل نمی‌شود، پخش نمی‌گردد یا بازتاب پیدا نمی‌کند و به این ترتیب، فرآیند عایق‌کاری صوتی انجام می‌پذیرد.

    مزایای استفاده از پنل آکوستیک

    بهترین روش برای خلاص شدن از شر سر و صدای آزاردهنده، نصب پنل‌های آکوستیک است. این پنل‌ها به شما کمک می‌کنند تا بتوانید با آرامش به موسیقی با صدای بلند گوش دهید، هنگام تماشای مسابقات فوتبال صدای تلویزیون را بالا ببرید، از هدر رفتن گرمای خانه در زمستان جلوگیری کنید و همچنین مانع ورود هوای گرم به داخل در فصل تابستان شوید.

    تحقیقات ثابت کرده‌اند که آلودگی صوتی مهم‌ترین دلیل کم‌شنوایی و افزایش خطر بیماری‌های قلبی است. اگر شخصی بیش از هشت ساعت در معرض صدای بالاتر از ۷۰ دسی‌بل قرار گیرد، فشار خون او بین ۵ تا ۱۰ میلی‌متر جیوه افزایش می‌یابد.

    بر اساس قوانین و استانداردهای موجود، هر محیطی تنها می‌تواند میزان مشخصی سر و صدا داشته باشد. اگر شدت صدا از این حد مجاز فراتر رود، سلامت و آرامش افراد حاضر در آن فضا به خطر می‌افتد.

    هدف اصلی از به کار بردن پنل آکوستیک نیز دقیقاً حفظ همین آرامش و سلامت است. این موضوع به ویژه در مکان‌هایی که برای ضبط آثار هنری مانند موسیقی استفاده می‌شوند، بسیار مهم است و استفاده از پنل‌های آکوستیک در آن‌ها ضروری می‌باشد.

    ساختار پنل اکوستیک

    ساختار پنل آکوستیک

    این پنل‌ها از قطعات مربع‌شکل کوچکی تشکیل شده‌اند که با کمک میله‌های استوانه‌ای میان آن‌ها از هم جدا می‌شوند.
    این طراحی ویژه باعث کاهش پژواک‌ها و نویزهای فرکانس بالا می‌شود و در نتیجه صدایی واضح و پاک، بدون وزوز یا پیچش ناخواسته ارائه می‌دهد.
    صفحه‌ها و پنل‌های عایق صدا معمولاً در استودیوهای خانگی، اتاق‌های موسیقی، فضاهای آکوستیک و اتاق‌های بی‌پژواک (dead room) استفاده می‌شوند.

    کاربردهای مهم پنل آکوستیک

    مناسب برای سالن‌های نمایش فیلم، کنسرت و تئاتر
    کاربرد در استودیوهای رادیو، شبکه‌های تلویزیونی، سالن‌های بازی و اتاق‌های جلسات
    قابل استفاده به عنوان پوشش عایق سرما و گرما در کف، دیوارها و سقف ساختمان

    کارایی پنل آکوستیک

    پنل‌های آکوستیک در فضاهای گوناگون به کار می‌روند تا کیفیت صدا را بهبود بخشند. برای دستیابی به صدایی مطلوب و مناسب، توجه به سه نکته‌ی زیر اهمیت دارد:

    ۱- کنترل صدا

    پنل‌های آکوستیک کار کنترل صدا را بر عهده دارند. این پنل‌ها چگونگی پخش و انعکاس صدا را مدیریت می‌کنند و با کوتاه کردن زمان پژواک صدا، مانع از تداخل و برهم خوردن صداها می‌شوند.

    ۲- کاهش نویز

    علاوه بر ایجاد یک محیط با کیفیت صوتی مناسب که با استفاده از پنل‌های آکوستیک امکان‌پذیر است، جلوگیری از ایجاد سر و صدای ناخواسته نیز اهمیت زیادی دارد. برای رسیدن به این هدف، روش‌های مختلفی وجود دارد که از جمله آن‌ها می‌توان به موارد زیر اشاره کرد:

    انتخاب محل مناسب که از منابع تولیدکننده سر و صدا، مانند تأسیسات پرسر و صدا، فاصله داشته باشد.
    استفاده از پنجره‌ها و دیوارهای دو جداره
    به کار بردن مصالح ساختمانی که صوت را جذب می‌کنند
    ایجاد فضاهای واسطه مانند انبار یا راهرو بین فضای اصلی و محیط بیرونی

    سیستم های صوتی

    استفاده از سامانه‌های صوتی مناسب می‌تواند کیفیت پخش صدا در فضاهای گوناگون را به میزان چشمگیری بهتر کند. با این حال، برای چنین محیط‌هایی نصب پنل‌های آکوستیک نیز امری کاملاً لازم است. این پنل‌ها از این جهت ضروری هستند که از بروز اختلال در بهبود صدای ایجادشده توسط همان سامانه‌های صوتی جلوگیری می‌کنند. برخی از این سامانه‌های صوتی عبارتند از:

    میکروفون
    بلندگوها
    تقویت‌کننده‌های صدا

  • لانچ پد چیست؟

    لانچ پد چیست؟

    لانچ‌پد یک دستگاه کنترل صدا است که دکمه‌ها و ریتم‌های قابل تنظیم دارد. این وسیله با برنامه‌های آبلتون لایو و اف‌ال استودیو کار می‌کند و به راحتی می‌توان آن را تنظیم و استفاده کرد. در ادامه این مطلب از وبلاگ آنبین، بیشتر درباره لانچ‌پد بخوانید و با کاربردهای آن آشنا شوید.

    لانچ پد چیست؟

    لانچ پد یک دستگاه کنترل صدا است که قابلیت تشخیص صدا دارد و می‌توان ریتم‌های آن را به دلخواه تنظیم کرد.
    مهم‌ترین نکته درباره لانچ پد، قابل حمل بودن و اتصال آسان آن به کامپیوتر با استفاده از کابل USB است. امروزه بسیاری از دی‌جی‌ها از لانچ پد برای ساختن ریتم‌های موسیقی الکترونیک استفاده می‌کنند. این وسیله یکی از مناسب‌ترین ابزارها برای خلق روش‌های نو در سبک‌های موسیقی الکترونیکی به شمار می‌رود.

    تاریخچه

    این دستگاه کنترل الکترونیکی در سال ۱۳۹۲ توسط شرکت نویشن (Novation) ساخته شد. این شرکت در بریتانیا قرار دارد و از معتبرترین تولیدکنندگان تجهیزات موسیقی به شمار می‌رود.

    برای مطالعه بیشتر، به آشنایی با ساز شنگ ،ساز سنتی چینی سری سر بزنید.

    در مورد لانچ پد باید گفت که این وسیله، بی‌تردید یکی از پیشرفته‌ترین و کامل‌ترین کنترلرهای موجود در دنیای موسیقی الکترونیک است. به همین دلیل هم خیلی زود توانست جایگاه خاصی در میان علاقه‌مندان این سبک موسیقی پیدا کند.

    برای درک عمیق‌تر این موضوع، مطلب نحوه اجرای تحریر در آواز را بخوانید.

    در روزهای اول، لانچ پد به شکل امروزی خود وارد بازار نشد و بیشتر شبیه یک کنترلر میدی ساده بود. اما به مرور زمان و با پیشرفت فناوری در صنعت موسیقی، شکل و کاربرد آن تکامل یافت و به حالت کنونی درآمد.

    کنترلر میدی لانچ پد دارای دکمه‌های رنگی زیادی است که حتی کاربران می‌توانند رنگ آن‌ها را هم شخصی‌سازی کنند. روی هر یک از این دکمه‌ها می‌توان هر نوع صدایی را قرار داد. بیشتر کاربران معمولاً ترکیبی از صدای درامز و سینتی‌سایزر را روی آن‌ها تنظیم می‌کنند.

    خصوصیات لانچ پد

    لانچ پد چیه؟
    می‌تونیم بگیم لانچ پد دروازه‌ای‌ست برای ورود به دنیای ساخت بیت، ریتم‌سازی، ایجاد حلقه‌های موسیقی و افکت‌گذاری. پنل ساده آن که از دکمه‌های نورانی رنگی تشکیل شده، شما را با ریتم‌ها و ملودی‌ها همراه می‌کند و این امکان را می‌دهد تا ایده‌های موسیقایی‌تان را در لحظه امتحان کنید، آن‌ها را مرتب نمایید و حتی به صورت زنده اجرا کنید.

    این ابزار برای موزیسین‌های حرفه‌ای طراحی شده که با ترکیب سخت‌افزار و نرم‌افزار، موسیقی الکترونیک را روی صحنه‌های جهانی و در استودیوها خلق می‌کنند. اما نگران نباشید؛ شما برای استفاده از آن به یک استودیوی مجهز یا تجهیزات گران‌قیمت نیاز ندارید. در واقع، برای ساختن ریتم‌های جذاب، پرورش ایده‌ها و کامل کردن آهنگ‌هایتان، اغلب چیزی بیش از یک لانچ پد لازم نخواهید داشت.

    روش‌های استفاده از لانچ پد تقریباً نامحدود است و وقتی این دستگاه به بخش اصلی روند ساخت موسیقی شما تبدیل شود، دیگر نیازی به تغییر ابزار یا یادگیری کنترلر جدیدی احساس نمی‌کنید.

    ویژگی‌های لانچ پد :

    ۱- این وسیله سبک و قابل حمل است و نوازنده می‌تواند آن را به هر جایی همراه خود ببرد.

    اگر سوالاتی دارید، مقاله نحوه نگهداری از ساز کالیمبا به شما کمک خواهد کرد.

    ۲- این کنترلر نیازی به نصب نرم‌افزار خاصی ندارد و به سادگی با یک کابل USB به کامپیوتر وصل می‌شود. در واقع لانچ‌پد یک کنترلر است که با کمک برنامه‌های ساخت موسیقی به سرعت آماده به کار می‌شود.

    ۳- دکمه‌های لانچ‌پد در رنگ‌های مختلفی طراحی شده‌اند و حتی می‌توانید رنگ آن‌ها را مطابق سلیقه خود تغییر دهید. روی هر دکمه می‌توانید هر صدایی که می‌خواهید قرار دهید. البته بیشتر کاربران از آن برای ترکیب صداهای درام و سینتی‌سایزر استفاده می‌کنند.

    ۴- ویژگی جالب دیگر لانچ‌پد، امکان اضافه کردن افکت به دکمه‌هاست. این قابلیت بیشتر در اجراهای زنده کاربرد دارد، هم جذاب و غافلگیرکننده است و هم طرفداران زیادی دارد. به همین دلیل بسیاری از دی‌جی‌ها از آن برای ساختن ریتم‌های جدید استفاده می‌کنند.

    توصیه می‌کنیم این مطلب آشنایی با استاد محمد نوری، خالق ترانه های ماندگار ایرانی را حتماً بخوانید.

    سبک های لانچ پد

    در سبک‌های موسیقی زیر می‌توان از لانچ پد استفاده کرد:

    اگر به این موضوع علاقه دارید، نکات جالب درمورد کالیمبا را از دست ندهید.

    توصیه می‌کنیم این مطلب آرپژ به چه معناست؟ را حتماً بخوانید.

    در صورت علاقه‌مندی، مطلب موسیقی کانتری چیست ؟ را از دست ندهید.

    در صورت علاقه‌مندی، مطلب نحوه تشخیص سازدهنی مناسب برای خرید را از دست ندهید.

    توصیه می‌شود به مطالعه مقاله آشنایی با اصطلاح میزان در موسیقی ادامه دهید.

    EDM
    Dubstep
    Trap
    HipHop
    House
    Electronic
    Trance
    Techno

  • درمان استرس با موسیقی

    درمان استرس با موسیقی

    حتماً تا به حال شنیده‌اید که موسیقی می‌تواند بر روحیه و احساسات ما تأثیر بگذارد. جالب است بدانید که موسیقی با قابلیت‌های ویژه‌ای که دارد، در علم پزشکی نیز کاربرد پیدا کرده و در برخی موارد، به عنوان روشی مفید و پذیرفته‌شده برای درمان به کار می‌رود. در این قسمت از وبلاگ آنبین، قصد داریم دربارهٔ نقش موسیقی در کاهش استرس و آرامش بخشیدن به ذهن با شما صحبت کنیم.

    درمان استرس با موسیقی

    موسیقی نیرویی شگفت‌انگیز و رازآلود دارد که بر ذهن، بدن و احساسات ما اثر می‌گذارد و به بهتر شدن سلامتی کمک می‌کند. از آنجا که موسیقی به سرعت و به شکلی قوی بر احساسات ما تأثیر می‌گذارد، در موقعیت‌های دشوار و پرتنش می‌توانیم از آن کمک بگیریم.

    از طرفی، موسیقی می‌تواند فعالیت پیام‌رسان‌های عصبی در مغز را افزایش دهد. به همین دلیل، در برخی کشورها درمانگران آن را به برنامه‌های توانبخشی اضافه کرده‌اند.

    پژوهش‌ها نشان داده‌اند که موسیقی درمانی بر بسیاری از بیماری‌ها و مشکلات مانند پارکینسون، اسکیزوفرنی و آلزایمر اثر درمانی دارد.

    این قدرت جادویی موسیقی که به شکلی بی‌نظیر احساسات ما را تحت تأثیر قرار می‌دهد، برای همگان اثبات شده است.

    آهنگ‌ها و نواهای موسیقی به دلیل همراه بودن با هیجان و حس، تأثیر زیادی بر روحیه، شخصیت و رشد عواطف انسان می‌گذارند. در برخی روش‌های درمانی مکمل مانند طب سوزنی، هومیوپاتی و آیورودا نیز موسیقی نقش مهمی در درمان ایفا می‌کند.

    امروزه با نگاه علمی و روش‌مند به نقش موسیقی در درمان بیماری‌ها، موسیقی‌درمانی به عنوان یک رشته مستقل شناخته شده و روشی تکمیلی در کنار درمان‌های معمول پزشکی به کار می‌رود.

    درمان استرس با موسیقی

    موسیقی درمانی چیست؟

    افرادی که به بیماری پارکینسون یا مشکلات روانی مانند اسکیزوفرنی دچار هستند، از موسیقی درمانی سود زیادی برده‌اند. این روش درمانی به کاهش نشانه‌های افسردگی و نگرانی کمک می‌کند، باعث رشد خلاقیت می‌شود و رابطه مثبت بین بیمار و مراقبش را بهتر می‌کند.

    موسیقی درمانی می‌تواند به شکل نواختن ساز برای بیمار انجام شود یا با استفاده از دستگاه‌های پخش موسیقی، به صورت تک‌نفره یا گروهی برای چند بیمار اجرا گردد.

    بر پایه پژوهش‌ها، درد باعث بالا رفتن تحمل می‌شود و موسیقی شاد و نشاط‌آور، خستگی را کم کرده و همراه با آرامش، شادابی به ارمغان می‌آورد. از موسیقی می‌توان به عنوان ابزاری کارآمد برای کاهش تنش و استرس بهره برد.

    شنیدن موسیقی می‌تواند آرامش عمیقی به ذهن و جسم ما ببخشد، به ویژه قطعات ملایم کلاسیک که اثرات سودمندی بر کارکردهای بدن دارند. این موسیقی‌ها ضربان قلب را کند می‌کنند، فشار خون را پایین می‌آورند و از ترشح هورمون‌های استرس‌زا می‌کاهند.

    همچنین موسیقی کمک می‌کند تا برخی احساسات پنهان و فراموش‌شده خود را دوباره کشف کنید. در نتیجه، نوعی مراقبه و تمرکز ذهنی خوب ایجاد می‌کند و از پرش و آشفتگی فکر جلوگیری می‌نماید.

    هر قطعه موسیقی روی افراد تأثیر متفاوتی می‌گذارد. تنها خود شخص می‌تواند تشخیص دهد که چه سبک موسیقی را دوست دارد و در شرایط روحی گوناگون، کدام آهنگ برایش مناسب‌تر است. با این حال، اگر معمولاً به موسیقی کلاسیک گوش نمی‌دهید، دست‌کم موسیقی‌های آرام و ملایم را انتخاب کنید.

    این شیوه درمانی در بیمارستان‌ها نیز قابل استفاده است و می‌تواند استرس بیماران را پیش از عمل‌های جراحی یا انجام آزمایش‌های مختلف کاهش دهد. پژوهش‌ها نشان داده که موسیقی درمانی می‌تواند اضطراب بیماران قلبی را کمتر کند و به آرامش آنان پس از عمل جراحی کمک نماید.

    استفاده از موسیقی می‌تواند راهی موثر برای آرام کردن ذهن و کاهش تنش‌های روزمره باشد. وقتی احساس فشار یا نگرانی می‌کنید، گوش دادن به آهنگ‌های آرامش‌بخش می‌تواند ضربان قلب را کندتر کند و تنفس را منظم‌تر نماید. این کار به تدریج از شدت استرس کم می‌کند و به شما کمک می‌کند تا احساس بهتری داشته باشید.

    انتخاب نوع موسیقی مهم است. معمولاً ملودی‌های بی‌کلام، صدای طبیعت یا قطعات کلاسیک ملایم اثر بیشتری در ایجاد آرامش دارند. البته سلیقه شخصی نیز نقش دارد؛ ممکن است شما با شنیدن یک ترانه آشنا یا یک سبک خاص، بیشتر آرام شوید.

    سعی کنید هنگام گوش دادن، محیطی ساکت و راحت را انتخاب کنید. چشم‌هایتان را ببندید، نفس‌های عمیق بکشید و اجازه دهید موسیقی ذهنتان را از افکار پریشان دور کند. حتی می‌توانید این کار را به یک عادت روزانه تبدیل کنید، مثلاً چند دقیقه قبل از خواب یا در زمان استراحت.

    به یاد داشته باشید که موسیقی درمانی جایگزین کامل درمان پزشکی نیست، اما می‌تواند به عنوان یک روش مکمل و در دسترس، به مدیریت استرس و بهبود حال درونی شما کمک کند.

    سایر فواید بالقوه‌ی گوش دادن به موسیقی چیست؟

     ۱ –  بهبود عملکرد ادراک و شناخت

     پخش موسیقی به عنوان زمینه، هنگامی که فرد در حال انجام فعالیت دیگری است و روی آن تمرکز کرده می‌تواند عملکرد او را در کارهایی که نیاز به درک و شناحت دارد بالا ببرد.

    ۲ – کاهش استرس

    موسیقی می‌تواند به کاهش و مدیریت استرس کمک کند. گوش دادن به موسیقی ملایم و آرامشبخش می‌تواند روشی موثر در غلبه بر استرس باشد و این چیزی است که علم هم آن را ثابت کرده است.

    برخی از افراد به یک موسیقی آرام گوش داده بودند، برخی دیگر به صدای امواج کوچک آب و بقیه نیز هیچ محرک شنوایی دریافت نکرده بودند. نتایج نشان داد گوش دادن به موسیقی روی واکنش انسان به استرس، مخصوصا روی سیستم عصبی خودکار تاثیر دارد.

    افرادی که به موسیقی آرامشبخش گوش داده بودند، بعد از قرار گرفتن در معرض استرس، سریع‌تر توانسته بودند شرایط روحی خود را بازیابی کنند.

     ۳ –  تقویت حافظه

    بسیاری از دانش‌آموزان و دانشجویان دوست دارند هنگام درس خواندن به آهنگ گوش دهند. اما آیا این کار واقعاً به یادگیری کمک می‌کند؟ پژوهش‌ها می‌گویند که گاهی می‌تواند مفید باشد، ولی این موضوع به چند چیز بستگی دارد. نوع موسیقی، علاقه‌ی شخص به آن آهنگ و حتی میزان آشنایی و دانش فرد از موسیقی، همه در تأثیر آن روی مطالعه نقش دارند.

    ۴ –  کمک به مدیریت درد

    تحقیقات علمی ثابت کرده‌اند که گوش دادن به موسیقی می‌تواند به کاهش درد کمک کند. به عنوان مثال، در یک بررسی روی افراد مبتلا به بیماری فیبرومیالژیا مشخص شد کسانی که فقط یک ساعت به موسیقی گوش داده بودند، احساس درد در آن‌ها به شکل محسوسی کمتر شد.

    همچنین در یک مطالعه در سال ۲۰۱۵ مشاهده شد بیمارانی که قبل از عمل، در طول عمل و پس از آن به موسیقی گوش داده بودند، در مقایسه با بیمارانی که موسیقی گوش نداده بودند، هم درد کمتری داشتند و هم استرس و نگرانی آن‌ها کاهش یافته بود.

  • چرا سمفونی از چهار موومان تشکیل شده است؟

    چرا سمفونی از چهار موومان تشکیل شده است؟

    همانطور که پیش‌تر توضیح دادیم، سمفونی به معنای هم‌آوایی و همنوایی است. در دنیای موسیقی کلاسیک، به قطعه‌ای گفته می‌شود که برای ارکستر ساخته می‌شود و از چند قسمت مستقل به نام موومان تشکیل شده است. ویژگی اصلی یک سمفونی این است که معمولاً از چهار موومان و در برخی موارد حتی بیشتر، شکل می‌گیرد. اما دلیل این ساختار چهاربخشی چیست؟ در ادامه، پاسخ این پرسش را در وبلاگ آنبین خواهید خواند.

    چرا سمفونی از چهار موومان تشکیل شده است؟

    یک سمفونی معمولاً از چهار بخش اصلی تشکیل شده که ساختاری منظم و از پیش طراحی شده دارند. اگرچه قالب سمفونی در طول تاریخ موسیقی تغییرات زیادی کرده و شکل ثابت و دقیقی ندارد و از نظر سازها، درونمایه و قالب، تحولات بسیاری داشته است، اما همین فرم چهاربخشی بیش از همه رایج شده است. در ادامه، نگاهی به این چهار بخش خواهیم داشت:

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه بیوگرافی منوچهر چشم آذر.

    موومان اول : تمپوی تند ( فرم سونات )

    موومان نخست یک سمفونی معمولاً بر اساس قالب سونات نوشته می‌شود. در این قالب دو ملودی اصلی و متفاوت وجود دارد.

    اغلب پیش از شروع اصلی سمفونی، یک بخش مقدماتی پخش می‌شود؛ مانند چند آکورد کوتاه یا یک پیش‌درآمد بلندتر. گاهی هم اثر بدون هیچ مقدمه‌ای، مستقیماً با همان ملودی اصلی آغاز می‌گردد.

    سپس آهنگساز در بخش گسترش، مهارت و هنر خود را به اوج نشان می‌دهد. در این بخش، آن دو ملودی اولیه در قالبی پویا و تغییرشونده، با یکدیگر ترکیب و بافته می‌شوند. پس از آن در بخش بازگشت، دو تم اصلی دوباره شنیده می‌شوند و آهنگساز آن‌ها را به نتیجه‌ای غنی و پرمعنا می‌رساند. در پایان نیز ممکن است موومان با بخش پایانی کوتاهی به نام کودا به پایان برسد.

    برای یادگیری پیشرفته، به سبک موسیقی مینیمال به چه سبکی گفته می شود؟ مراجعه کنید.

    موومان دوم : تمپوی آهسته ( فرم سونات یا روندو یا تم و واریاسیون )

    پس از پایان هر بخش از قطعه، سکوتی کوتاه به گوش می‌رسد و سپس بخش بعدی آغاز می‌شود. معمولاً بخش دوم یک سمفونی در تضاد با بخش نخست آن قرار می‌گیرد.
    اگر بخش اول با حالتی پُرانرژی و قوی شروع شود، بخش دوم اغلب آرام و ملایم خواهد بود. اگر آهنگساز بخواهد دوباره از ساختار سونات استفاده کند، کار را با یک بخش آرام و آهسته هماهنگ می‌سازد.
    گاهی نیز ممکن است آهنگساز برای بخش دوم از فرم «روندو» بهره ببرد. فرم روندو قالبی شبیه به شعر است که ویژگی اصلی آن تکرار یک بخش اصلی در فواصل منظم است.
    آهنگساز مجبور نیست فرم خاصی را برای سمفونی خود انتخاب کند؛ او در این کار آزاد است. انتخاب فرم به ایده‌ای بستگی دارد که آهنگساز در ذهن دارد و اینکه چه چیزی را می‌خواهد بیان کند. اما در بیشتر موارد، بخش دوم در مقایسه با بخش اول، آهسته‌تر و آرام‌تر است.

    چرا سمفونی چهار موومان دارد

    چرا یک قطعه موسیقی سمفونی معمولاً از چهار بخش مجزا تشکیل شده است؟

    این ساختار چهاربخشی، مانند یک سفر کامل و برنامه‌ریزی‌شده است. درست مثل یک داستان که ابتدا، میانه و پایان دارد، سمفونی نیز با این چهار بخش، شنونده را در یک مسیر هنری همراهی می‌کند.

    بخش اول معمولاً سریع و پرانرژی است و ایده‌های اصلی موسیقی را معرفی می‌کند. بخش دوم، آهسته‌تر و احساسی‌تر است و فضایی برای تأمل و بیان عواطف عمیق فراهم می‌آورد. بخش سوم، حال و هوایی سبک‌تر و رقص‌گونه دارد و اغلب شبیه به یک منوئه یا اسکرتسو است. در نهایت، بخش چهارم و پایانی، با سرعت و انرژی زیاد، سمفونی را با شکوه به پایان می‌رساند و همه ایده‌های قبلی را در یک نتیجه‌گیری باشکوه جمع می‌کند.

    اگر سوالاتی دارید، مقاله ژانر موسیقی به چه معناست ؟ به شما کمک خواهد کرد.

    این چارچوب چهاربخشی به آهنگساز کمک می‌کند تا ایده‌هایش را به شیوه‌ای منسجم و متعادل ارائه دهد و برای شنونده نیز تجربه‌ای غنی و متنوع خلق کند.

    موومان سوم : تمپوی تند و سه ضربی ( فرم منوئه یا سه قسمتی  یا اسکرتسو )

    معمولاً سومین بخش یک سمفونی، سبک‌ترین و شادترین قسمت آن است. این بخش می‌تواند ظرافت و زیبایی یک «منوئه» را داشته باشد. در سمفونی‌ها از فرم‌های رقص به بهترین شکل استفاده می‌شود.

    «منوئه» در اصل یک رقص محلی فرانسوی بوده است. در ابتدا، این رقص با گام‌های آرام و منظم اجرا می‌شد، اما به مرور حرکات آن پرشورتر و قوی‌تر شد و حالتی شاد و جسورانه پیدا کرد. بعدها در سمفونی‌های هایدن، دوباره به حالت اولیه و روستاییِ قدرتمند خود بازگشت.

    بتهوون نیز از آهنگسازانی بود که قطعات منوئه‌ی متنوعی خلق کرد. او به جای حالت رسمی و باوقار منوئه، قطعاتی پرشورتر و هیجان‌انگیزتر جایگزین کرد. برخی از این قطعات را نیز «اسکرتزو» نامید. این واژه از کلمه‌ی ایتالیایی «اسکرتزاره» به معنای شوخی کردن گرفته شده است.

    موومان چهارم : این موومان می‌تواند ترکیبی از سه قسمت قبلی باشد و به‌عنوان نقطۀ اوج سمفونی برای پایان در نظر گرفته شود.

    در این بخش، آهنگساز آزادی دارد تا از هر قالبی مانند روندو، سونات یا یک تم و واریاسیون بهره ببرد. اما نغمه‌ای که می‌سازد باید به گونه‌ای باشد که امکان تغییرات و دگرگونی‌های فراوانی را فراهم کند؛ یعنی ملودی او باید انعطاف لازم را داشته باشد. می‌توان گفت این بخش، آزمونی برای قدرت تخیل و مهارت آهنگساز محسوب می‌شود.
    به عنوان نمونه، سمفونی چهارم برامس شامل سی‌ویک واریاسیون روی یک تم است. هر چهار بخش این اثر با یکدیگر پیوندی عمیق و یکپارچه دارند.
    یک سمفونی معمولاً دارای توضیحات و گسترش‌های طولانی و بسیار پیچیده است. برای شناخت بهتر آن و درک روند تحولش در طول تاریخ، نیاز به مطالعه‌ی فراوان و گوش سپردن به آثار بسیاری از استادان موسیقی وجود دارد.

  • نکات مهم در هنگام خرید سیم گیتار

    نکات مهم در هنگام خرید سیم گیتار

    برای نوازندگان گیتار، آشنایی با انواع سیم‌های این ساز بسیار اهمیت دارد. چرا که با دانستن ویژگی‌های سیم‌ها، می‌توانید سیم مناسب و دلخواه خود را انتخاب کنید و صدای سازتان را با توجه به مهارت و نیازهایتان تنظیم نمایید. در ادامه، با نکات کلیدی برای خرید سیم گیتار در وبلاگ آنبین همراه باشید.

    نکات مهم در هنگام خرید سیم گیتار

    سیم‌های گیتار کلاسیک از جنس‌های مختلفی ساخته می‌شوند. هر جنس، صدای خاص و ویژگی‌های خودش را دارد و در موقعیت‌های مختلفی استفاده می‌شود.
    سیم‌های این گیتار به دو گروه اصلی تقسیم می‌شوند: سیم‌های زیر (Treble) و سیم‌های بم (Bass). سیم‌های زیر معمولاً از نایلون هستند و صدایی گرم و نرم تولید می‌کنند. بعضی از این سیم‌ها نیز از نوعی نایلون پرداخت‌شده (rectified nylon) ساخته می‌شوند که صدای آن‌ها حتی از نایلون معمولی هم نرم‌تر و ملایم‌تر است.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه ساز پن فلوت ،سازدهنی سرخ‌پوستان.

    سیم مشکی ساز گیتار

    سیم‌های نایلونی مشکی هم انتخاب پرطرفدار دیگری محسوب می‌شوند که نسبت به سیم‌های نایلونی معمولی، صدای نرم‌تر و دلنشین‌تری تولید می‌کنند. از طرفی، سیم‌های تیتانیومی معمولاً صدایی شفاف‌تر و درخشان‌تر از سیم‌های معمولی دارند.

    اگر به دنبال سیم‌های بیس هستید، محبوب‌ترین نوع، سیم‌های برنزی ۸۰/۲۰ هستند که با نام سیم‌های برنزی یا طلایی رنگ نیز شناخته می‌شوند. همچنین سیم‌های مسی با پوشش نقره‌ای هم گزینه‌ای متداول برای کسانی هستند که به دنبال صدایی گرم و عمیق‌تر هستند.

    در این مقاله سبک اکاپلا ، صدا سازی با دهان اطلاعات مفیدی آمده است.

    در صورت علاقه‌مندی، مطلب روش ساده برای شناخت نت های کالیمبا + نت عددی ترانه را از دست ندهید.

    همه‌ی این سیم‌ها در نوع روکش‌دار هم موجود هستند. این پوشش محافظ، از سیم در برابر رطوبت، چربی دست و زنگ‌زدگی مراقبت می‌کند. به همین دلیل، این سیم‌ها معمولاً مدت زمان بیشتری سالم می‌مانند و طول عمر بیشتری نسبت به سیم‌های بدون روکش دارند؛ البته که قیمت آن‌ها هم کمی بیشتر است.

    برای درک عمیق‌تر این موضوع، مطلب چه کار هایی را باید برای گرم کردن صدا انجام دهیم؟ را بخوانید.

    انتخاب بهترین کشش

    برخلاف گیتارهای آکوستیک و الکتریک که سیم‌هایشان اندازه‌های گوناگونی دارد، سیم‌های گیتار کلاسیک معمولاً در سه گروه اصلی جای می‌گیرند: سیم‌های با کشش ملایم، سیم‌های با کشش معمولی و سیم‌های با کشش قوی.

    اگر سوالاتی دارید، مقاله علی‌اکبر شیدا،پایه‏ گذار اصلى تصنیف و ترانه به مفهوم امروزى به شما کمک خواهد کرد.

    نکات مهم در هنگام خرید سیم گیتار

    میزان سفتی و نرمی سیم‌های گیتار معمولاً روی بسته‌بندی آن‌ها نوشته شده است. هر شرکت سازنده ممکن است معیارهای خاص خود را برای سنجش میزان سفتی سیم‌ها داشته باشد. به همین دلیل، ممکن است یک سیم با ضخامت متوسط از یک برند، با سیم متوسط برند دیگری تفاوت داشته باشد.

    سیم‌های نرم، حجم و گستره صدای کمتری تولید می‌کنند و به همین خاطر، بسیاری از افراد پس از گذراندن مراحل اولیه یادگیری گیتار، به سراغ سیم‌های سفت‌تر می‌روند. سیم‌های سفت‌تر به دلیل داشتن حجم صدای بیشتر، معمولاً توسط نوازندگانی که بخش ریتم را می‌نوازند (مانند برخی سبک‌های فلامنکو) ترجیح داده می‌شوند.

    اگر تازه کار خود را با گیتار شروع کرده‌اید، سیم‌های با ضخامت متوسط گزینه مناسبی برای شما هستند. این سیم‌ها کشش مناسبی دارند و به انگشتان دست شما فشار زیادی وارد نمی‌کنند. علاوه بر این، نوعی از سیم‌ها به نام هایبرید وجود دارد که ترکیبی از چند نوع سیم با کشش‌های مختلف است. برای مثال، می‌توانید سیم‌های باس (سیم‌های ضخیم) را با کشش متوسط و سیم‌های زیر (سیم‌های نازک) را با کشش بالا انتخاب کنید.

    توصیه می‌کنیم حتماً مقاله دوتار ،سازی با فقط دو تار را مطالعه کنید.

  • جولیان بریم ، نوازنده ای با القاب سلطنتی

    جولیان بریم ، نوازنده ای با القاب سلطنتی

    در دنیای موسیقی، هنرمندان بسیاری با ساز گیتار شناخته می‌شوند. جولیان بریم، که اهل انگلستان بود، یکی از استادان بزرگ گیتار کلاسیک در سال‌های پایانی قرن بیستم به شمار می‌رود. بسیاری از کارشناسان موسیقی، او را در فهرست بهترین نوازندگان گیتار کلاسیک در آن دوره قرار می‌دهند. در ادامه این نوشته، با زندگی و آثار این نوازنده سرشناس بیشتر آشنا خواهیم شد.

    توصیه می‌کنیم این مطلب نحوه نگهداری از ساز کالیمبا را حتماً بخوانید.

    برای درک عمیق‌تر این موضوع، مطلب نحوه تشخیص سازدهنی مناسب برای خرید را بخوانید.

    بیوگرافی جولیان بریم

    جان بریم در سال ۱۹۳۳ در لندن متولد شد. او سهم بزرگی در بهتر کردن شیوهٔ نواختن و همچنین افزایش شناخت مردم از گیتار کلاسیک داشت و کمک کرد تا این ساز به عنوان یک ابزار موسیقی جدی و قابل احترام شناخته شود.
    معروفیت او بیشتر به خاطر گسترش آموزش گیتار و مجموعه تلویزیونی محبوبش به نام “گیتارا” است که هنوز هم تماشاگر دارد. علاوه بر اینها، بریم در طول فعالیت حرفه‌ای خود که بیش از پنجاه سال ادامه داشت، نقش مهمی در زنده کردن دوباره علاقه به ساز عود ایفا کرد.

    آشنایی با ساز گیتار

    جولیان بریم با موسیقی از ابتدا آشنایی پیدا کرد. پدر وی یک نقاش چیره دست و آهنگساز بود. مادر او اهل اسکاتلند بود ولی علاقه ای به موسیقی نداشت.

    بریم زندگی خود را با نواختن گیتار جازپدرش در سن نوجوانی آغاز کرد. آموزش موسیقی را به‌طور خودآموز فرا گرفت و با گوش دادن به آثار پدرش که در سبک جاز فعال بود، به سمت این ساز (گیتار) کشیده شد. پس از اینکه برای تولد یازده سالگی‌اش یک گیتار هدیه گرفت ؛ به سرعت در این رشته پیشرفت کرد .

    پدر بریم در مورد دنبال کردن سبک خود یعنی گیتار کلاسیک تردید داشت. او ادعا می کرد که بریم برای امرار معاش مشکل پیدا خواهد کرد مگر اینکه جاز یا چیزی شبیه به آن که مدرن بود،بنوازد.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه آشنایی با فواصل موسیقی ایرانی.

    برای درک عمیق‌تر این موضوع، مطلب سه‌ تار الکتریک ،اولین ساز الکتریک ایرانی را بخوانید.

    اظهارات پدرش باعث شد بریم برای تبدیل شدن به یک گیتاریست کلاسیک حرفه ای پیگیرتر و متعهد شود .

    وی در سن ۱۲ سالگی بخاطر نواختن پیانو برنده جایزه نمایشگاه جوانان شد و توانست در دانشگاه سلطنتی موسیقی ؛ پیانو بیاموزد و در ۱۳ سالگی قطعه ای برای گیتار ساخت .

    برای گسترش دانش خود، به مقاله بیوگرافی استاد حبیب الله بدیعی سر بزنید.

    در سال ۱۹۵۱ در سالن Wigmore برنامه اجرا کرد.

    او قهرمان آهنگسازان کلاسیک انگلیس بود و به خاطر آثار برجسته‌ای مثل آهنگی که با گیتار کنسرتو Malcolm Arnold اجرا کرد و نواختن قطعه Nocturnal After John Dowland بریتن ، باعث شد تحول عظیمی در دنیای گیتار کلاسیک به وجود بیاید.

    اولین توراروپایی خود را در سال‌های ۱۹۵۴ و ۱۹۵۵ انجام داد و در سالهای ۱۹۵۸ این فعالیت‌ها را در خاور دور، هند ؛ استرالیا و نقاط دیگر جهان ادامه داد. در سال ۱۹۵۹ اولین تکنوازی خود را دربوستون در کنسرتی اجرا کرد.

    جولیان بریم

    افتخارات و جوایز

    این هنرمند سرشناس در سال ۱۹۸۵ به عنوان میهمان ویژه در جشن تولد ملکه انگلستان حضور یافت. او در سال ۱۹۸۴ مدرک دکترای افتخاری خود را از دانشگاه‌های سوروی و لیدز دریافت کرد.
    در سال ۱۹۶۶ به عنوان عضو افتخاری آکادمی سلطنتی موسیقی برگزیده شد.
    او در سال ۱۹۸۸ به عضویت افتخاری انجمن سلطنتی فیلارمونیک درآمد و در سال ۱۹۹۶ نیز موفق به دریافت جایزه انجمن فیلارمونیک سلطنتی از سوی جامعه نوازندگان شد.
    قطعاتی که او با شرکت آر.سی.ای ضبط کرد، شهرت جهانی برایش به همراه آورد و باعث شد جایزه‌های متعددی کسب کند. از جمله این افتخارات می‌توان به جایزه آکادمی ملی هنر و علوم، دو جایزه گرمی در سال‌های ۱۹۶۳ و ۱۹۶۶ و نیز جایزه ادیسون در سال ۱۹۶۸ اشاره کرد.

    بیوگرافی جولیان بریم

    علاوه بر این موارد، جولیان بریم دارای عنوان‌های رسمی از خانواده سلطنتی بریتانیا نیز هست. در سال ۱۹۵۲، او با نواختن ساز عود، تحسین همگان را برانگیخت و جایگاه هنری خود را بیش از پیش تثبیت کرد.
    شایان ذکر است که بریم در کنسرت‌های متعددی در سراسر جهان با رهبران ارکستر و آهنگسازان سرشناس بین‌المللی همکاری نزدیک داشته است. از جمله این هنرمندان می‌توان به بنجامین بریتن، ویلیام والتون، هانس ورنر هنزه، پیتر راسین فریکر، ریچارد رادنی بنت، مالکوم آرنولد، آلن راتورن، لینوکس برکلی و مایکل تیپت اشاره کرد.

    برای یادگیری پیشرفته، به نکات جالب درمورد کالیمبا مراجعه کنید.

  • نحوه‌ی نوشتن ملودی آوازی

    نحوه‌ی نوشتن ملودی آوازی

    در نوشته‌های قبلی درباره‌ی ملودی آوازی یا وکال صحبت کردیم.
    اما این بار در وبلاگ آنبین می‌خواهیم به چگونگی ساخت یک ملودی آوازی بپردازیم.
    برای نوشتن یک ملودی آوازی، چه چیزهایی را باید بدانیم و رعایت کنیم؟
    پیشنهاد می‌کنیم تا پایان این مطلب با ما همراه بمانید.

    اطلاعات جامع‌تری در مورد این موضوع را در نکات مهم در مورد مضراب سنتور که باید بدانید پیدا کنید.

    نحوه‌ی نوشتن ملودی آوازی

    ساختن یک ملودی در ابتدا ممکن است سخت و پیچیده به نظر برسد. شاید برایتان سوال باشد که موزیسین‌های بزرگ چطور چنین ملودی‌های جذاب و خاصی می‌سازند که در خاطر می‌ماند. جواب این سوال، ترکیبی از یادگیری اصول موسیقی، تمرین منظم و پرورش خلاقیت است.

    ملودی، بخش بسیار مهمی از یک آهنگ است. چرا؟ چون یک ملودی زیبا و گوش‌نواز در ذهن شنونده حک می‌شود و باعث می‌شود او بارها و بارها به آهنگ شما گوش دهد. این ملودی می‌تواند به صورت خوانندگی باشد یا نواختن تکنواز یک ساز.

    نکات مهم در نوشتن وکال

    ساختن ملودی برای آهنگ، ترکیبی از ایده‌های ناگهانی و قواعد خاص خودش است. هر کس به روش منحصر به فرد خودش ملودی می‌سازد و این کار، یک فرآیند کاملاً شخصی است. با این حال، راه‌ها و روش‌های ثابت‌شده‌ای وجود دارد که می‌توانند در این مسیر به شما کمک کنند.

    نحوه‌ی نوشتن ملودی آوازی یا وکال

    برای ساختن یک ملودی آوازی، می‌توانی این راه‌های ساده را دنبال کنی:

    * **با یک ایده شروع کن:** یک جمله یا احساس ساده در ذهن داشته باش. ملودی‌های قوی اغلب از یک حس یا داستان شخصی می‌آیند.

    * **کلام را اول بنویس:** معمولاً آسان‌تر است که اول شعر را بنویسی و بعد برای آن ملودی بسازی. سعی کن شعر ریتم مشخصی داشته باشد.

    * **آهنگین بخوان:** شعرت را با صدای بلند بخوان و به جای حرف زدن عادی، آن را کشدار و آهنگین ادا کن. کمک‌م از این راه یک خط ملودیک ساده پیدا می‌کنی.

    * **یک الگو بساز:** یک قطعه کوتاه دو یا سه نتی پیدا کن و آن را در طول آهنگ تکرار کن. این تکرار باعث می‌شود ملودی در ذهن بماند.

    * **بلندی و کوتاهی صدا را تغییر بده:** برای این که ملودی جذاب شود، بعضی نت‌ها را بلندتر و بعضی را کوتاه‌تر بخوان. این کار به ملودی حالت می‌دهد.

    * **ساده شروع کن:** برای شروع لازم نیست ملودی پیچیده باشد. یک ایده ساده که احساسات تو را نشان می‌دهد، بهترین نقطه برای آغاز است.

    * **تمرین و ضبط:** مدام آزمایش کن و آنچه می‌سازی را با صدای بلند بخوان یا روی گوشی‌ات ضبط کن تا ایده‌های خوب را فراموش نکنی.

    یادت باشد که ساختن ملودی مانند یک بازی است. آزادانه آزمایش کن و از صدای خودت لذت ببر.

    دنبال کردن آکوردها:

    برای ساختن یک آهنگ جدید، می‌توانید کار را با نواختن چند آکورد ساده شروع کنید. سپس، با استفاده از نت‌های همان آکوردها، یک ملودی تازه و دلنشین خلق کنید. این روش به شما کمک می‌کند تا ایده‌های موسیقایی خود را به راحتی پرورش دهید.

    دنبال کردن یک گام:

    همچنین می‌توانید با بررسی گام‌های مختلف، ملودی‌هایی بسازید که فقط از یک نت استفاده می‌کنند. بیشتر ملودی‌های موسیقی پاپ بر پایه‌ی گام‌های ماژور و مینور ساخته می‌شوند. اما اگر به دنبال ساخت آهنگ‌های پیچیده‌تر و جذاب‌تر هستید، می‌توانید از گام دومینانت، گام‌های تغییر یافته یا مدهای موسیقایی کمک بگیرید.

    توصیه می‌شود به مطالعه مقاله نحوه گرفتن صحیح مضراب سنتور ادامه دهید.

    به ملودی‌های خود یک نقطه‌ی کانونی بدهید:

    نقطه اوج آهنگ، همان نت بسیار بالایی است که خط ملودی فقط یک بار و در قسمتی خاص از قطعه به آن می‌رسد. باید مطمئن شوید که این بالاترین نت، در محدوده صوتی که خواننده توانایی اجرای آن را دارد قرار بگیرد. اگر بخواهید فرم ملودی را برعکس کنید، می‌توانید به جای بالاترین نت، پایین‌ترین نت موجود در ملودی را به عنوان نقطه کانونی انتخاب کنید.

    خطوط گام به گام را با چند جهش بنویسید:

    بیشتر آهنگ‌های آوازی با حرکت آرام و قدم‌به‌قدم پیش می‌روند. یعنی هر نت معمولاً به نتی می‌رود که فاصله‌ی کمی با آن دارد؛ یا فقط یک نیم‌پرده یا یک پرده کامل بالاتر یا پایین‌تر است. البته آهنگسازان بزرگ گاهی از پرش‌های بزرگ‌تر هم در ملودی استفاده می‌کنند که یعنی بین دو نت، دو پرده یا بیشتر فاصله باشد. این پرش‌ها حال و هوای دیگری به آهنگ می‌دهد و با حرکت معمولی و پشت‌سرهم تفاوت دارد.

    برای نوشتن به خارج از خانه بروید:

    ساختن ملودی بدون استفاده از ساز، روشی فوق‌العاده برای پرورش خلاقیت و غلبه بر مشکل کم‌افکاری است. می‌توانید ملودی‌های آوازی خود را با اپلیکیشن ضبط صدا روی گوشی ضبط کنید. سپس نزد ساز خود برگردید و آنچه را که خوانده‌اید، نت‌برداری و اجرا کنید.

    از هنرمندان محبوب خود الهام بگیرید:

    به آهنگ‌هایی که دوست دارید با دقت گوش دهید و قسمت‌های جذاب ملودی آن‌ها را پیدا کنید. سپس می‌توانید از روش‌هایی که در این آهنگ‌ها به کار رفته، در کار خود استفاده کنید؛ چه این روش‌ها مربوط به نت‌های خاص، تغییرات صوتی یا ریتم‌های ویژه باشد.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه بهترین آموزشگاه ویولنسل در شرق تهران.

  • علی‌اکبر مهدی‌پور دهکردی، خالق موسیقی تحویل سال

    علی‌اکبر مهدی‌پور دهکردی، خالق موسیقی تحویل سال

    برای ما ایرانی‌ها، پخش یک آهنگ مشخص در زمان تحویل سال، نشانه‌ی رسیدن نوروز و آغاز سال نو است. همه‌ی مردم ایران هرسال دور سفره‌ی هفت‌سین می‌نشینند و با شنیدن همان ملودی، سال جدید را جشن می‌گیرند.
    اما این قطعه‌ی موسیقی به‌یادماندنی را چه کسی ساخته است؟ در ادامه با علی‌اکبر مهدی‌پور دهکردی، آهنگساز این موسیقی ویژه‌ی نوروز، آشنا خواهید شد.

    علی‌اکبر مهدی‌پور دهکردی، خالق موسیقی تحویل سال

    موسیقی که برای لحظه تحویل سال نو انتخاب شده، در دستگاه چهارگاه و با الهام از آهنگ‌های محلی و مقامی استان چهارمحال و بختیاری توسط علی‌اکبر مهدی‌پور دهکردی اجرا شده است.

    او در سال ۱۳۱۴ در همین استان به دنیا آمد. از سن ۱۷ سالگی نواختن سازهای بومی منطقه مانند سرنا، کرنا و کمانچه را شروع کرد.

    برای اطلاعات بیشتر، به مقاله بهترین کلاس دف در شرق تهران مراجعه کنید.

    این هنرمند در کشورهای مختلفی از جمله آلمان، کانادا، فرانسه، قرقیزستان، ترکمنستان، مغولستان، دبی، ژاپن، ترکیه، کویت و هنگ‌کنگ برنامه‌های متعددی اجرا کرده و در جشنواره‌های متعدد ملی و بین‌المللی موسیقی نیز حضور فعال داشته است.

    در آستانهٔ تحلیلی نو از سال، موسیقی‌ای به گوش می‌رسد که یادآور لحظه‌های زیبا و نو شدن طبیعت است. این نواها را هنرمندانی خلق کرده‌اند که می‌خواهند شادی و امید را به خانه‌های مردم بیاورند. این قطعات موسیقی، معمولاً با نشاط و روح‌بخش هستند و احساس تازگی و شور زندگی را در دل‌ها زنده می‌کنند.

    در این مقاله آیا پدر سمفونی ایران را می شناسید؟ اطلاعات مفیدی آمده است.

    موسیقی نوروزی، بخشی مهم از جشن‌های سال نو است و هماهنگی زیبایی با دیگر آیین‌های این فصل، مانند خانه‌تکانی و سفرهٔ هفت‌سین دارد. این نواها نه تنها برای ایرانیان، که برای بسیاری از مردمی که این جشن را برپا می‌دارند، یادآور همبستگی، صلح و شروعی دوباره است.

    در صورت علاقه‌مندی، مطلب جیمی هندریکس، بهترین نوازنده‌ی تاریخ را از دست ندهید.

    تاریخچه موسیقی تحویل سال

    موسیقی نوروزنامه، که با نام موسیقی تحویل سال نو نیز شناخته می‌شود، هر ساله هنگام گردش سال، در کنار سفره هفت سین بسیاری از ایرانیان نواخته می‌شود. این قطعه یکی از کارهای به یاد ماندنی استاد علی اکبر مهدی پور دهکردی است.

    این اثر ارزشمند که از موسیقی اصیل قوم بختیاری الهام گرفته، در فهرست میراث فرهنگی ناملموس یونسکو به ثبت جهانی رسیده است.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه آشنایی با آکوردهای چهارگانه.

    این نوا و آهنگ ویژه، که همزمان با تحویل سال نو پخش می‌گردد، در سال ۱۳۶۵ در یکی از استودیوهای سازمان صدا و سیما در تهران ضبط شد و از آن زمان تاکنون، هر سال در آستانه بهار از رسانه ملی پخش می‌شود.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه آکورد چیست؟.

    پیش از آنکه موسیقی نوروزنامه ثبت شود، صدای نقاره‌های میدان توپخانه تهران و حرم امام رضا علیه السلام به عنوان نشانه تحویل سال نو در کشور رواج داشت. همچنین در گذشته، موسیقی نوروز با شلیک توپ‌های بی‌خطر «قومپوز» که فقط صدا تولید می‌کرد، همراه می‌شد. بعدها بود که نوای سرنا و کرنای “علی اکبر مهدی پور دهکردی” به عنوان نوروزنامه در رادیو ضبط شد و به عنوان نماد موسیقایی سال نو شناخته گردید.

    این آهنگ در دستگاه چهارگاه اجرا شده و “علی حیدری” با نواختن دهل، استاد دهکردی را همراهی کرد.

    بسیاری از مردم، “علی اکبر مهدی پور” را با موسیقی مقدمه سریال “روزی روزگاری” و همین نوی آغازین سال نو به خاطر می‌آورند.

    خالق موسیقی تحویل سال

    استاد دهکردی، هنرمند نوازنده در سبک‌های موسیقی مقامی و سنتی بختیاری، با حضور در جشنواره‌های گوناگون موسیقی در داخل و خارج از ایران، به چهره‌ای شناخته‌شده در این رویدادها تبدیل شد. در جشنواره موسیقی فجر سال ۱۳۶۸ خورشیدی (مصادف با ۱۹۸۹ میلادی)، به عنوان چهره ممتاز برگزیده شد و جایزه خود را از سید محمد خاتمی، که در آن زمان وزیر فرهنگ و ارشاد اسلامی بود، دریافت کرد.

    توصیه می‌کنیم این مطلب عصمت‌الدوله نخستین پیانیست زن ایرانی را حتماً بخوانید.

    وفات

    سرانجام، آفریننده آن موسیقی به یاد ماندنی نوروز، در ۷۴ سالگی و در سال ۱۳۸۸ از دنیا رفت. او را در بخش هنرمندانِ شهرکرد به خاک سپردند.
    روحش شاد و یادش گرامی.

  • بیوگرافی آندره ریو

    بیوگرافی آندره ریو

    آندره ریو که نام کامل او آندره لیون ماری نیکولاس ریو است، در اول اکتبر سال ۱۹۴۹ در شهر ماستریخت به دنیا آمد. او یک نوازنده ویولن و رهبر ارکستر اهل هلند است. بیشتر شهرت او به خاطر تشکیل ارکستر یوهان اشتراوس است. در ادامه این نوشته از وبلاگ آنبین، بیشتر با این موسیقیدان مشهور و توانا آشنا خواهید شد.

    اگر سوالاتی دارید، مقاله با کاسه تبتی یا مرتعش آشنا شوید به شما کمک خواهد کرد.

    بیوگرافی آندره ریو و تولد در خانواده ای موسیقی دان

    آندره از همان سال‌های اولیه زندگی با موسیقی مأنوس شد. او در یک خانواده اهل موسیقی و مسیحی به دنیا آمد که همه اعضای آن به نوعی با موسیقی سروکار داشتند. پدرش رهبر یک ارکستر بود و آندره از پنج سالگی نزد او آموزش پیانو و ویولن را آغاز کرد. در دوران نوجوانی، وقتی قطعه والس را اجرا کرد، همه متوجه استعداد و علاقه ویژه‌اش شدند. سال‌ها بعد، او به عنوان نوازنده ویولن به ارکستر سمفونی لیمبورخ ملحق شد.

    در اینجا می‌توانید اطلاعات کامل‌تری درباره ساز کولک تلفیقی از تنبک و کاخون بیابید.

    بیوگرافی آندره ریو

    دریافت درجهٔ پریمیر پریکس

    او آموزش ویلن خود را در مرکز موسیقی سلطنتی شهر لیژ و نیز مدرسه موسیقی ماستریخت پی گرفت. علاوه بر این، در دانشکده موسیقی بلژیک نزد آندره گرتلر به فراگیری موسیقی پرداخت و موفق شد بالاترین نشان علمی، یعنی پریمیر پریکس (Premier Prix)، را از مرکز موسیقی سلطنتی بروکسل دریافت کند.

    سرود مهتاب

    آلبوم سرود مهتاب از برترین آثار این هنرمند به شمار می‌آید. آندره ریو در سال ۱۹۸۷ ارکستر یوهان اشتراوس را با تنها ۱۲ نوازنده پایه‌گذاری کرد، ولی امروزه این گروه بین ۸۰ تا ۱۵۰ نوازنده دارد.
    او به همراه ارکستر اشتراوس، آثار کلاسیک و موسیقی والس را در تورهای جهانی اجرا کرده و در میان موفق‌ترین ارکسترهای موسیقی کلاسیک جهان جای گرفته است. بازنوازی قطعات معروف کلاسیک توسط او تاکنون حدود ۱۰ میلیون نسخه در ۳۰ کشور مختلف به فروش رسیده است.
    آندره ریو می‌کوشد تا علاوه بر قطعات کلاسیک، ترانه‌های فولکلور و محلی را نیز در برنامه‌های ارکستر بگنجاند و از این راه، گوشه‌ای از فرهنگ و ریشه‌های مردمان گوناگون را به نمایش بگذارد.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه اولین برنده نشانه طلایی موسیقی ایران کیست؟.

    استقبال پس از انتقاد

    بیوگرافی آندره ریو

    در سال ۱۹۸۷، آندره ریو رهبری ارکستر یوهان اشتراوس را بر عهده گرفت. این گروه در ابتدا فقط دوازده نوازنده داشت. از آن زمان به بعد، فصل تازه‌ای در زندگی هنری او آغاز شد.

    او به تدریج بخش‌های نمایشی و بصری را به برنامه‌های ارکستر اضافه کرد. اما این کار با واکنش تند منتقدان روبرو شد. آن‌ها به ریو انتقاد کردند و گفتند که او موسیقی کلاسیک را به یک کالای تجاری و نمایشی تبدیل کرده است.

    ریو در پاسخ به این انتقادات توضیح داد که ملودی‌ها و ساختار اصلی آثار را تغییر نداده و فقط جنبه‌های بصری و نمایشی اجرا را غنی‌تر کرده است. برای مثال، در کنسرت‌های او صحنه با دکورهای زیبا و چشمنواز آراسته می‌شد و نوازندگان زن با لباس‌های مجلسی و شیک حاضر می‌شدند.

    به مرور زمان، مردم با این شیوه اجرا ارتباط بهتری برقرار کردند و به آن عادت کردند. در نتیجه، کنسرت‌های ارکستر یوهان اشتراوس تحت رهبری ریو، بیش از پیش مورد استقبال قرار گرفت و محبوب شد.