دسته: موسیقی

  • آشنایی با زندگی نامه حسین نورشرق

    آشنایی با زندگی نامه حسین نورشرق

    حسین نورشرق، هنرمند و خواننده ایرانی است که در ایران و روسیه زندگی و فعالیت هنری خود را دنبال می‌کند. او با صدای پرقدرت و دانش گسترده‌ای که از موسیقی اصیل ایرانی (ردیف) دارد، به شکلی پویا در حفظ و گسترش میراث کهن موسیقی ایران می‌کوشد. نورشرق به‌راحتی با موسیقیدانان از فرهنگ‌های گوناگون همکاری می‌کند و در قالب پروژه‌های مشترک بین‌المللی، مخاطبان بسیاری را در سرتاسر جهان با اجراهای تأثیرگذار خود جذب می‌کند. در ادامه این نوشته از وبلاگ آنبین، بیشتر با زندگی و مسیر هنری حسین نورشرق آشنا خواهید شد.

    زندگی نامه حسین نورشرق

    نورشرق از همان سال‌های کودکی خواندن آواز ایرانی را آغاز کرد. از نوجوانی تا امروز، زمان زیادی از زندگی‌اش را به جستجو و لذت بردن از دنیای پربار موسیقی ایرانی گذرانده است.

    او در کشورهای مختلف نیز به اجرای کنسرت پرداخته و در جشنواره‌هایی حضور یافته که در آن‌ها ایرانیان کم‌شمار بوده‌اند و آشنایی مردم با فرهنگ ایران و ایرانیان، اندک بوده است.

    فعالیت هنری

    آشنایی با زندگی نامه حسین نورشرق

    نورشرق در مورد کار هنری خود می‌گوید: حدود شانزده سال است که از ایران به روسیه رفته‌ام. تحصیلاتم را در مقطع دکتری در رشته‌های حقوق و نیز فرهنگ‌شناسی با تمرکز بر موسیقی ملل به پایان برده‌ام. علاوه بر این، دوره‌ای را به عنوان کارآموز در رشته کارگردانی تئاتر در انستیتوی تئاتر شوکین گذرانده‌ام. از سال ۲۰۰۸ نیز در کنسرواتوار چایکوفسکی مشغول به کار شده‌ام و در سمت معاون مرکز فرهنگ موسیقی ملل و مدیر بخش مطالعات خاورمیانه فعالیت می‌کنم.

    در این کنسرواتوار مرکزی با نام “مرکز فرهنگ موسیقایی ملل” وجود دارد که نزدیک به چهل سال پیش بنیان گذاشته شده است. طی این سال‌ها، پژوهش‌های گوناگونی در قالب پایان‌نامه‌های کارشناسی و دکتری درباره موسیقی خاورمیانه و به ویژه موسیقی ایران در این مرکز انجام و دفاع شده است. همچنین این مرکز به طور ویژه همایش‌هایی درباره موسیقی ایران و خاورمیانه برگزار کرده است.

    پیش از این، وقتی بنیانگذار این مرکز، جیوانی کنستاتینو ویچ میخایلوف، زنده بود و تا حدود میانه دهه ۱۹۹۰، فعالیت‌های این مجموعه در قالب یک واحد درسی در کنسرواتوار ارائه می‌شد. اما پس از درگذشت زودهنگام این آهنگساز و محقق، این واحد درسی به یک مرکز پژوهشی و هنری تبدیل شد.

    من خود از سال ۲۰۰۸ به این مرکز پیوستم و از آن زمان تاکنون، پژوهش‌های مربوط به موسیقی ایرانی و خاورمیانه، با محوریت فرهنگ موسیقی ایران، شکل منسجم و جدی‌تری به خود گرفته است.

    شناخت موسیقی ایران به جهان

    نورشرق در ادامه بیان کرد: پس از آمدنم به روسیه متوجه شدم بسیاری از مردم اینجا، ما و سرزمینمان را به خوبی نمی‌شناسند و حتی گاهی ایران و عراق را با هم اشتباه می‌گیرند.
    روبرو شدن با فرهنگی که ایران را نمی‌شناسد، برای من به یک دغدغه و جذابیت شخصی تبدیل شد. موسیقی ایرانی در شهرهایی مانند مسکو و سنت پترزبورگ شنوندگان خاص خود را دارد و این نشان می‌دهد که اگر موسیقی ما با آشنایی درست و طبیعی، و بدون اجبار یا تحمیل، ارائه شود، می‌تواند مخاطبان واقعی پیدا کند.

    او با اشاره به تنوع بسیار زیاد موسیقی در کشورمان گفت: این موسیقی که قدمتی طولانی دارد، هنوز در گوشه و کنار ایران نه به شکل یک اثر موزه‌ای، بلکه به عنوان بخشی زنده و جاری از زندگی مردم جریان دارد.
    همچنین بخشی از موسیقی ما، موسیقی کلاسیک ایرانی است که به دلیل نزدیکی بیشتر با زندگی شهرنشینی و تحولات اجتماعی، بیشتر در معرض دگرگونی‌ها و پیامدهای این تغییرات قرار می‌گیرد.

    حسین نورشرق در پایان درباره بازخوردهای اجرای ارکستر در روسیه گفت: به باور من، حضور این ارکستر سمفونیک که با همکاری دوستان محقق شد، می‌تواند اهمیت زیادی داشته باشد؛ زیرا علاوه بر ارزش هنری و اجرایی، از جنبه فنی نیز قابلیت تحلیل و بررسی دارد و امیدوارم این ارزیابی صورت بگیرد.

  • معرفی ساز گیتار بیس (guitar bass)

    معرفی ساز گیتار بیس (guitar bass)

    گیتار یکی از سازهای پرطرفدار است که در شکل‌های گوناگونی ساخته می‌شود. یکی از انواع پرکاربرد آن، گیتار بیس نام دارد. صدای این ساز با دستگاهی به نام آمپلی‌فایر (تقویت‌کننده) بلندتر و رساتر می‌شود. در ادامه، بیشتر با گیتار بیس و خصوصیات آن آشنا خواهیم شد.

    معرفی ساز گیتار بیس (guitar bass)

    گیتار بیس که با نام‌های بیس یا گیتار بیس الکتریک هم شناخته می‌شود، یک ساز زهی است. نوازندگان معمولاً آن را با انگشتان دست راست (یا چپ، در صورت چپ‌دست بودن) به روش‌های مختلفی می‌نوازند؛ مثل کشیدن و رها کردن سیم‌ها با انگشت، کوبیدن روی سیم‌ها با کف دست، کشیدن سریع سیم و رها کردن آن به سمت صفحه ساز، یا استفاده از وسیله‌ای به نام مضراب (پیک).

    صدای این ساز به کمک دستگاهی به نام آمپلی‌فایر (تقویت‌کننده) بلند می‌شود. گیتار بیس برای تولید نت‌های بم و پایین‌صدا طراحی شده است.

    از لحاظ شکل، گیتار بیس خیلی شبیه گیتار الکتریک است، اما معمولاً بدنه بزرگ‌تر، دسته بلندتر و تعداد سیم‌های کمتری دارد. بیشتر بیس‌ها چهار سیم دارند (گاهی پنج یا شش سیم) که نسبت به سیم‌های گیتار الکتریک، یک اکتاو بم‌تر کوک می‌شوند تا محدوده صوتی بیس را پوشش دهند.

    این ساز در دو نوع اصلی وجود دارد: برخی از بیس‌ها روی دسته‌شان فرت (پرده) دارند و برخی بدون فرت هستند. نوع دارای فرت در موسیقی‌های رایج و پاپ، معمول‌تر است. همچنین گونه‌ای از گیتار بیس به نام بیس آکوستیک وجود دارد که بدنه آن توخالی است و شبیه گیتارهای آکوستیک معمولی می‌باشد.

    آشنایی با ساز گیتار بیس

    تاریخچه گیتار بیس

    تا پیش از سال ۱۹۵۰ میلادی، ساز اصلی برای تولید نت‌های بم و پایین، کنترباس بود. اما از حدود آن سال به بعد، به ویژه در سبک‌های موسیقی راک و پاپ، گیتار بیس به طور گسترده جایگزین کنترباس شد. امروزه از گیتار بیس به عنوان یک ساز تکنواز نیز در سبک‌هایی مانند جز، لاتین، فانک و فلامنکو استفاده می‌شود.

    در دهه ۱۹۳۰، پاول توتمارک که یک موزیسین و مخترع اهل واشینگتن بود، نخستین گیتار بیس الکتریک را ساخت. این ساز دارای پرده‌بندی بود و برای نواختن به صورت افقی طراحی شده بود.

    شرکت سازنده‌ی او به نام آئودیووکس، در آن زمان مدلی به نام “۷۳۶ Bass Fiddle” تولید کرد. این مدل چهار سیم داشت، پرده‌بندی شده بود و بدنه‌ای توپر به طول ۳۰.۵ اینچ داشت.

    تغییر شکل این ساز به فرمی شبیه به گیتار، باعث شد در دست گرفتن آن راحت‌تر شود و حمل و نقل آن نیز آسان‌تر گردد.

    بعدها تعداد پرده‌های روی دسته ساز بیشتر شد و این امکان را برای نوازندگان بیس فراهم کرد تا آزادی عمل بیشتری در اجرا داشته باشند. در سال ۱۹۴۷، باد توتمارک مدلی مشابه “Fiddle 736” را به شرکتی به نام سرنادر فروخت. با این حال، اختراعات خانواده توتمارک نتوانست در بازار به موفقیت تجاری چشمگیری دست پیدا کند.

    آشنایی با ساز گیتار بیس

    سازندگان اولین گیتار بیس توپر الکتریکی

    لئو فندر به همراه جورج فولرتن، نخستین گیتار بیس الکتریکی با بدنه توپر را ساختند. این گیتار تازه که “فندر پرسیژن” نام داشت، در سال ۱۹۵۱ به دنیا معرفی شد و به یک مدل رایج و معیار در صنعت موسیقی تبدیل شد.

    “پرسیژن بیس” یا همان P-bass که در ابتدا شکلی ساده و تقریباً شبیه به یک تخته سنگ داشت، در مدل “تلکستر” به گیتاری با بدنه‌ای خمیده و لبه‌های صاف تغییر کرد که نواختن آن را بسیار راحت‌تر نمود. همچنین روی این مدل، یک پیکاپ چهارقطبی و تک‌سیم‌پیچ نصب شده بود.

    ساختار گیتار بیس

    بدنه گیتار بیس معمولاً از چوب ساخته می‌شود، اما گاهی از موادی مانند گرافیت یا مواد ترکیبی دیگر هم برای ساخت آن استفاده می‌گردد.
    انواع مختلفی از چوب‌ها برای قسمت‌های بدنه، دسته (گردن) و صفحه انگشت‌گذاری گیتار بیس مناسب هستند؛ اما در عمل، بیشتر از همان چوب‌های رایج در ساخت گیتار الکتریک استفاده می‌شود.
    معمولاً برای بدنه از چوب توسکا، زبان گنجشک یا ماهون؛ برای دسته از افرا؛ و برای صفحه انگشت‌گذاری از رزوود (بلسان بنفش) یا ابونیت بهره می‌برند.
    اگرچه این انتخاب‌های مرسوم و قدیمی هستند، سازندگان سازها بنا به دلایل مربوط به کیفیت صدا و ظاهر ساز، اغلب از انواع دیگر چوب‌ها نیز در مدل‌های مختلف گیتار بیس استفاده می‌کنند.

  • فالش زدن در موسیقی به چه معناست؟

    فالش زدن در موسیقی به چه معناست؟

    شاید در برنامه‌های آواز یا مسابقات خوانندگی، کلمه «فالش» را شنیده باشید. این واژه هم برای خوانندگی و هم برای نوازندگی به کار می‌رود. در این نوشته قصد داریم شما را بیشتر با این اصطلاح رایج در موسیقی آشنا کنیم. امیدواریم تا پایان این مطلب همراه ما باشید.

    توصیه می‌کنیم حتماً مقاله ساز سرخپوستی یا ساز پن فلوت با نوایی حزین و رویایی را مطالعه کنید.

    فالش زدن در موسیقی به چه معناست؟

    صداهای موسیقی هم مانند بقیه صداها فرکانس معین و ثابتی دارند و هر نت موسیقی هم فرکانس خاص خودش را دارد. همین تفاوت در فرکانس باعث می‌شود که نتها با فاصله‌های مشخصی از هم قرار بگیرند. چیدمان نتها در کنار هم متفاوت است و در هر گام موسیقی، نتها با نظم و ترتیب خاصی کنار هم می‌آیند.

    اگر هنگام نواختن، هر یک از این معیارها به درستی رعایت نشود، فالش اتفاق می‌افتد. به زبان ساده، فالش زدن در موسیقی یعنی:
    ۱. فرکانس نتی که نواخته می‌شود با فرکانس اصلی آن نت یکسان نباشد. یعنی اگر صدای نت اجراشده از صدای اصلی آن نت بم‌تر یا زیرتر باشد، فالش است.
    ۲. نوازنده نتی را بنوازد که در گام آن قطعه وجود ندارد. در این حالت می‌گویند نوازنده خارج یا فالش زده است.
    ۳. اگر فاصله‌های بین نتها، شامل پرده‌ها و نیم‌پرده‌ها، به شکل درستی رعایت نشوند، صدای به‌دست‌آمده فالش خواهد بود.

     چگونه فالشی را تشخیص دهیم و آن را برطرف کنیم؟

    اغلب کسانی که در نوازندگی صدای نادرست یا فالش تولید می‌کنند، به دلیل ضعف در تشخیص دقیق اصوات موسیقی است. نوازنده ابتدا باید بتواند صدای درست را به خوبی بشنود و از نادرست تمیز دهد تا سپس بتواند آن را عیناً اجرا کند. بنابراین مهم‌ترین شرط برای نواختن دقیق و کوک، داشتن گوش قوی و تربیت‌یافته است. برای تقویت این توانایی می‌توانید راه‌های زیر را امتحان کنید:

    ۱. هر روز با پیانو تمرین کنید. تک‌تک نت‌ها را بنوازید و سعی کنید فرکانس هر نت را دقیقاً به خاطر بسپارید. سپس چشمان خود را ببندید، یک نت بزنید و تنها با گوش دادن، نام آن نت را تشخیص دهید. این تمرین را برای تمامی نت‌های اصلی و سپس برای نت‌های دیز و بمل نیز تکرار کنید. (به بیان دیگر، برای همه‌ی فواصل پرده و نیم‌پرده این کار را انجام دهید.)

    ۲. به آوازها و قطعات موسیقی مختلف ایرانی و غربی گوش دهید تا با گام‌ها و دستگاه‌های گوناگون آشنا شوید. این کار باعث می‌شود هنگام نواختن در فضاهای مختلف موسیقی، دچار مشکل نشوید.

    ۳. با دستگاه‌ها و آوازهای موسیقی ایرانی آشنا شوید و در هر دستگاه، چند قطعه را با دقت گوش کنید. به فاصله‌های بین نت‌ها و پرش‌های ملودی توجه ویژه داشته باشید.

    ۴. هنگام تمرین نوازندگی، صدای ساز خود را ضبط کنید. پس از پایان تمرین، به آن گوش دهید تا بخش‌هایی که نادرست یا فالش بوده‌اند را شناسایی و اصلاح کنید.

    ۵. در زمان تمرین و نواختن نت‌ها، از دیاپازون استفاده کنید تا مطمئن شوید هر نت دقیقاً با فرکانس صحیح خود اجرا شده است. اگر نت کاملاً کوک باشد، چراغ دیاپازون معمولاً سبز رنگ می‌شود.

    فالش خواندن

    فالش زدن برای چه سازی رخ می‌دهد؟

    در هنگام نواختن هر سازی، چه زهی و چه بادی، امکان خارج خواندن یا فالش زدن وجود دارد. اما دلیل این اتفاق در سازهای مختلف، متفاوت است. در سازهایی مانند سنتور، پیانو و قانون، معمولاً مشکل از کوک سیم‌هاست؛ اگر سیم‌ها دقیق کوک نباشند، صدا فالش می‌شود.

    اگر سوالاتی دارید، مقاله آیا آموزش ویولنسل یا چلو سخت است؟ به شما کمک خواهد کرد.

    اما در سازهایی مثل ویولن، کمانچه، فلوت و کلارینت، دقت خود نوازنده خیلی مهم است. اگر انگشت‌گذاری روی دسته‌ی ساز درست نباشد، یا روش آرشه‌کشیدن و حتی نحوه‌ی دمیدن در سازهای بادی دقیق نباشد، صدا خارج می‌شود.

    گاهی هم نوازنده‌های سازهایی مانند کمانچه و ویولن، با جابجا کردن انگشت خود روی دسته، صدای نت را اصلاح می‌کنند و آن را از حالت فالش به صدای دقیق و درست تبدیل می‌نمایند.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، رازهایی از زندگی شخصی بتهوون ، نابغه ناشنوا را از دست ندهید.

  • تفاوت های گیتار کلاسیک و گیتار آکوستیک

    تفاوت های گیتار کلاسیک و گیتار آکوستیک

    گیتار سازی شناخته شده و دوست‌داشتنی است که در سبک‌های گوناگون موسیقی نقش مهمی ایفا می‌کند. این ساز در مدل‌های مختلفی ساخته می‌شود و همین تنوع، باعث شده در موقعیت‌های بیشتری بتوان از آن استفاده کرد. از جمله انواع گیتار می‌توان به گیتار کلاسیک و گیتار آکوستیک اشاره کرد. در ادامه، به بررسی تفاوت‌های میان این دو نوع گیتار می‌پردازیم.

    در اینجا می‌توانید اطلاعات کامل‌تری درباره مدت زمان لازم برای یادگیری گیتار چقدر است؟ بیابید.

    آشنایی با گیتار کلاسیک و گیتار آکوستیک

    ساز گیتار کلاسیک (classic guitar  ) :

    یکی از پرطرفدارترین گیتارها در ایران، گیتار کلاسیک است. این گیتار شش سیم دارد که سه تای آن از جنس نایلون و سه تای دیگر از جنس ابریشم است و دور هر کدام از این سیم‌ها با رشته‌های نازک فلزی پیچیده شده است.

    صدای این گیتار در مقایسه با دیگر انواع گیتار، آرام‌تر و ظریف‌تر است و به خاطر جنس سیم‌های آن، نواختنش برای نوازنده آسان‌تر است.

    برای گسترش دانش خود، مقاله علت محبوبیت گیتار در بین سایر آلات موسیقی چیست؟ را مطالعه کنید.

    برای اطلاعات بیشتر، به مقاله متن آهنگ ” آخ تو شب یلدای منی” مراجعه کنید.

    با گیتار کلاسیک معمولاً قطعات موسیقی سبک و ملودیک اجرا می‌شود. در نواختن این ساز، تاکید اصلی بر اجرای ملودی و تک‌نوازی است. به همین دلیل گیتار کلاسیک اغلب به عنوان یک ساز تکنواز شناخته می‌شود.

    گیتار آکوستیک ( Acoustic guitar ) :

    این ساز برای تقویت صدا به بدنه خودش وابسته است و هیچ سیستم تقویت کننده الکتریکی ندارد. صداهای ایجاد شده توسط سیم‌ها درون کاسه توخالی و چوبی آن تشدید و قوی‌تر می‌شود.
    سیم‌های گیتار آکوستیک از جنس فلز هستند و کاسه صدای آن نسبت به برخی انواع دیگر گیتار بزرگ‌تر است. این گیتار معمولاً در سبک‌های موسیقی راک، کانتری و بلوز نواخته می‌شود.
    گیتار آکوستیک امکان اجرای قطعات با سبک‌های بسیار متنوعی را فراهم می‌کند و به همین دلیل آن را یک ساز همه‌کاره یا چندمنظوره می‌نامند. این قابلیت گسترده تا حد زیادی به خاطر سیم‌های فلزی (استیل) آن است که قدرت و انعطاف صوتی خاصی به ساز می‌بخشد.
    دسته این گیتار معمولاً باریک‌تر است و برخی تکنیک‌های نوازندگی که با گیتار کلاسیک اجرای آن‌ها دشوار است، با گیتار آکوستیک به راحتی قابل انجام هستند.

    برای گسترش دانش خود، به مقاله مخترع گیتار کیست؟ سر بزنید.

    توصیه می‌شود به مطالعه مقاله بیو گرافی امین بانی ادامه دهید.

    تفاوت های گیتار کلاسیک و گیتار آکوستیک

    شناخت تفاوت ها:

    در ابتدا ممکن است گیتار آکوستیک و کلاسیک شبیه هم دیده شوند، ولی در واقع در نحوه تولید صدا و شکل ساخت با هم تفاوت‌های قابل توجهی دارند.

    بدنه

    گیتارهای کلاسیک از نظر شکل بدنه با گیتارهای آکوستیک تفاوت زیادی دارند. معمولاً اندازه بدنه گیتار کلاسیک کوچکتر است و فرورفتگی دو طرف بدنه که به آن «کمر» گفته می‌شود، باریکتر طراحی شده. به همین دلیل نواختن این نوع گیتار در حالت نشسته راحت‌تر است.
    از طرفی، بیشتر گیتارهای آکوستیک بدنه‌ای به نام «دردنات» دارند که بزرگ‌تر از گیتار کلاسیک است و به همین خاطر صدای بیس قوی‌تر و پرحجم‌تری تولید می‌کند.
    در بعضی از گیتارهای آکوستیک، قسمت بالایی بدنه طوری طراحی شده که نوازنده راحت‌تر بتواند به فرت‌های پایینی دسترسی داشته باشد. این قابلیت در گیتارهای کلاسیک کمتر دیده می‌شود. به این ویژگی در گیتار آکوستیک اصطلاحاً «کات‌اوی» گفته می‌شود.

    تفاوت گیتار کلاسیک و اکوستیک

    صفحه انگشت گذاری ( فرت برد )

    در گیتار کلاسیک، بخشی که انگشت‌ها روی آن قرار می‌گیرد (فرت‌برد) نسبت به گیتار آکوستیک پهن‌تر است. این پهن‌تر بودن باعث می‌شود هنگام نواختن، جای بیشتری برای انگشتان وجود داشته باشد و احتمال اشتباه کمتر شود. با این حال، بعضی از نوازندگان معتقدند همین پهن بودن، به ویژه هنگام حرکت دست در طول دسته گیتار، ممکن است سرعت نوازندگی را کمی کاهش دهد.

    برای درک عمیق‌تر این موضوع، مطلب آشنایی با استاد کمانچه، کیهان کلهر را بخوانید.

    جنس سیم

    گیتار کلاسیک را با نام گیتار نایلونی نیز می‌شناسند. این نام‌گذاری به دلیل استفاده از سیم‌های نایلونی در این ساز است. در مقایسه، گیتارهای آکوستیک معمولاً از سیم‌های فلزی یا استیل بهره می‌برند.

    سیم‌های نایلونی و استیل، صدایی کاملاً متمایز از یکدیگر تولید می‌کنند و حتی هنگام نواختن، حس متفاوتی به نوازنده و شنونده می‌دهند. سیم‌های نایلونی معمولاً صدایی نرم، گرم و آرامش‌بخش ایجاد می‌کنند، در حالی که سیم‌های استیل صدایی شفاف، روشن و پرطنین دارند.

    یکی از عواملی که گیتار کلاسیک را برای نوآموزان جذاب می‌کند، سیم‌های نایلونی آن است. این سیم‌ها معمولاً ضخیم‌ترند و فشار کمتری به نوک انگشتان وارد می‌آورند. برعکس، سیم‌های گیتار آکوستیک اغلب از جنس فلزاتی مانند نیکل یا برنز ساخته می‌شوند. این سیم‌ها نازک‌تر و سخت‌ترند و به همین دلیل هنگام نواختن، فشار بیشتری به انگشتان وارد می‌کنند.

    تفاوت سیم گیتار کلاسیک و اکوستیک

    صدای گیتار

    با توجه به جنس سیم‌ها و ساختار بدنه، هر نوع گیتار صدای مخصوص به خود را تولید می‌کند. به این ترتیب، اگر به موسیقی پاپ ایرانی یا سبک‌هایی مانند جسی کینگ و همچنین موسیقی فلامینگو و اسپانیایی علاقه‌مند هستید، گیتار کلاسیک انتخاب مناسبی برای شما خواهد بود.
    در مقابل، تعداد زیادی از آهنگ‌های راک آمریکایی، پاپ و اروپایی معمولاً با گیتار آکوستیک نواخته می‌شوند.

  • معرفی ساز ملودیکا

    معرفی ساز ملودیکا

    ملودیکا سازی شبیه به یک ارگ کوچک است. برای نواختن آن، در بخشی از ساز می‌دمند و همزمان کلیدهای روی آن را مانند یک ارگ معمولی فشار می‌دهند. این ساز صدایی زیبا و دلنشین دارد. در این نوشته از وبلاگ آنبین، قصد داریم به طور کامل این ساز را به شما معرفی کنیم. پیشنهاد می‌کنیم تا پایان این مطلب با ما همراه باشید تا بیشتر با این ساز جذاب آشنا شوید.

    معرفی ساز ملودیکا

    ملودیکا یک ساز بادی است که با دمیدن در آن صدا تولید می‌شود. این ساز دارای یک ردیف کلید شبیه به صفحه‌کلید است و صدای آن از طریق یک زبانه‌ی آزاد ایجاد می‌گردد. از این نظر، ملودیکا به ساز دهنی و ارگ بادی شباهت دارد.

    نحوه‌ی نواختن آن به این صورت است که نوازنده در ساز می‌دمد و همزمان با فشار دادن کلیدها، نت‌های مختلف را به صدا درمی‌آورد.

    ویژگی مهم ملودیکا، چندصدایی بودن آن است، یعنی می‌توان چند نت را همزمان با آن نواخت. همچنین این ساز سبک است و به راحتی قابل حمل می‌باشد. محدوده‌ی صدای ملودیکا معمولاً حدود دو تا سه اکتاو است.

    ساز ملودیکا

    نام‌های دیگر ساز ملودیکا

    در گوشه و کنار دنیا، ساز ملودیکا را با نام‌های گوناگونی می‌شناسند. برخی از این نام‌ها عبارتند از:

    توصیه می‌کنیم این مطلب آیا پدر سمفونی ایران را می شناسید؟ را حتماً بخوانید.

    ملودیورن
    پیانیکا
    ارگان دهنی
    آکاردئون دهنی
    فلوت کلیددار
    کلاویتا
    ویبراندونون
    ملودیون
    دیامونیکا
    پیانو بادی
    سازدهنی کلیددار

    برای اطلاعات بیشتر، به مقاله جیمی هندریکس، بهترین نوازنده‌ی تاریخ مراجعه کنید.

    تاریخچه ساز ملودیکا

    ساز ملودیکا برای نخستین بار در ایتالیا و به دست فردی به نام آندری بورل ساخته شد. سپس در سال ۱۹۵۰ میلادی، شرکت هونر شکل جدید و مدرن این ساز را ارائه داد که در حقیقت همان طرح رایج امروزی آن است.
    در دهه ۱۹۶۰، آهنگساز مینیمالیستی به نام استفان مایکل ریش، از ملودیکا در قطعه‌ای با نام «ملودیکا» استفاده کرد.
    فیل مور نیز در آلبوم خود با عنوان «همین حالا» برای اولین بار این ساز را به کار برد. سال‌ها بعد، نوازنده برزیلی هرمتو پاسکول، ملودیکا را همزمان با خواندن آواز اجرا کرد. نوازنده دیگری به نام آگوستوس پابلو نیز با استفاده از این ساز، باعث محبوبیت بیشتر آن شد. در جامائیکا ملودیکا بسیار پرطرفدار شد و به سازی محبوب میان مردم تبدیل گشت.
    به تدریج با گسترش این ساز در جهان، علاقه‌مندان زیادی در سراسر دنیا پیدا کرد و امروزه نیز بسیاری از موزیسین‌ها، چه در تک‌نوازی، چه در همنوازی و حتی همراه با ارکستر، از آن استفاده می‌کنند.
    در ایران، پیانیست شناخته شده‌ای به نام سامان احتشامی از پیشگامان استفاده از ملودیکا بود.
    اکنون این ساز به دلیل سبکی و ساختار جذابی که دارد، طرفداران فراوانی میان هنرجویان موسیقی در ایران پیدا کرده است.

    اجزا و ساختار ساز ملودیکا

    اجزای ساز ملودیکا

    این ساز بادی دارای دکمه‌هایی است که به آن‌ها کلاویه یا صفحه کلید می‌گویند. هوا از طریق یک نی که به دهانه ساز وصل شده، وارد مخزن هوای آن می‌شود.

    به طور کلی، قسمت‌های اصلی ساز ملودیکا عبارتند از:

    نی
    قمیش یا سرساز
    محفظه هوا
    بدنه پلاستیکی
    صفحه‌ای که زبانه‌ها روی آن قرار دارند
    صفحه کلید

    بدنه این ساز معمولاً از پلاستیک و گاهی از چوب ساخته می‌شود. وزن آن سبک و کمتر از یک کیلوگرم است و حدود ۳۷ کلید دارد.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، حتماً عصمت‌الدوله نخستین پیانیست زن ایرانی را بخوانید.

    نحوه نواختن ملودیکا

    ملودیکا یک ساز بادی است که کارکردی شبیه به ساز دهنی و پیانو دارد. ساختار آن شامل یک لوله پلاستیکی برای دمیدن و یک صفحه کلید است. وقتی نوازنده در لوله می‌دمد و همزمان کلیدها را فشار می‌دهد، هوا به زبانه‌های داخل ساز برخورد کرده و آن‌ها را به لرزش درمی‌آورد و در نتیجه صدا ایجاد می‌شود. هوا از طریق دهان نوازنده به سمت کلیدها هدایت می‌شود. هرچه حجم هوا و شدت لرزش زبانه‌ها بیشتر باشد، صدا بم‌تر یا زیرتر می‌شود.

    نوازنده معمولاً با یک دست ساز را نگه می‌دارد و با دست دیگر کلیدهای پشت ساز را فشار می‌دهد. این ساز را می‌توان هم ایستاده و هم نشسته نواخت. ملودیکا هرچند شبیه ساز دهنی است، اما کنترل زیر و بمی نت‌ها در آن دشوارتر از ساز دهنی می‌باشد.

  • نحوه‌ی نگهداری و تمیز کردن ملودیکا

    نحوه‌ی نگهداری و تمیز کردن ملودیکا

    در نوشته‌های قبلی به معرفی ساز ملودیکا پرداختیم. اما اگر به این ساز علاقه‌مند هستید و قصد دارید ملودیکا را به صورت جدی و تخصصی بنوازید، آشنایی با انواع مدل‌های آن، روش مراقبت و تمیز کردن صحیح آن بسیار اهمیت دارد. برای یادگیری این نکات، پیشنهاد می‌کنیم ادامه این مطلب را در وبلاگ آنبین مطالعه کنید.

    انواع ملودیکا

    این ساز بر اساس دامنه‌ی صدایی که تولید می‌کند، به دسته‌های گوناگونی تقسیم می‌شود.

    ملودیکا تنور :

    صدای آن بم‌تر است. با دست راست روی صفحه‌کلید آن نواخته می‌شود و دست چپ، شاسی پشت ساز را نگه می‌دارد.

    توصیه می‌کنیم حتماً مقاله بیوگرافی علی مولایی را مطالعه کنید.

    ملودیکا آلتو و سوپرانو :

    صدای این ساز هم قوی‌تر است و هم نازک‌تر از نوع تنور. برخی از مدل‌های آن را طوری ساخته‌اند که بشود با هر دو دست آن را نواخت. در این حالت، دست چپ کلیدهای سیاه و دست راست کلیدهای سفید روی صفحه کلید را می‌نوازد. بعضی دیگر از این سازها هم دقیقاً شبیه به ملودیکای تنور نواخته می‌شوند.

    ملودیکا باس :

    این گونه از صدا در مقایسه با انواع تنور، سوپرانو و آلتو، به دلیل ویژگی‌های خاص طنین و رنگ صدایش، کاربرد کمتری دارد.

    آکوردینا :

    به طور کلی، این ساز از فلز ساخته می‌شود، اما نمونه‌هایی از جنس چوب نیز وجود دارد. کلیدهای روی ملودیکا، شبیه به کلیدهای آکاردئون کروماتیک است و عملکردی مانند آن دارد. به همین دلیل، گاهی به آن ملودیکای آکوردینا هم می‌گویند.

    این ساز با نام‌های مختلفی شناخته می‌شود، مانند: ملودیون، تریولا، ملودیا، پیانیکا، ملودی هورن، دیامونیکا، پیانتا، کالویتا و…

    برای مطالعه بیشتر، به آشنایی با موسیقی جنوبی (بندری) سری سر بزنید.

    نحوه‌ی نگهداری و تمیز کردن ملودیکا

    نحوه‌ی نگهداری و تمیز کردن ملودیکا

    اگر به این موضوع علاقه دارید، مسابقه یلدایی آنبین را از دست ندهید.

    مراقبت درست از این ساز، مانند هر ساز دیگری، باعث می‌شود عمر آن بیشتر شود و صدایش کیفیت بهتری داشته باشد.
    حتماً برای ساز خود یک جعبه محکم و مناسب بخرید و بعد از هر بار نواختن، ساز را داخل جعبه قرار دهید.
    ساز را در جایی نگذارید که ناگهان سرد یا گرم می‌شود؛ مثلاً نزدیک شوفاژ، کولر یا در معرض باد کولر خودرو نباشد.
    همچنین ساز را زیر نور مستقیم آفتاب یا نزدیک منابع گرمایی مثل بخاری نگذارید. گرمای زیاد می‌تواند بخش‌های پلاستیکی و تیغه‌های ساز را خراب یا ذوب کند.
    برای تمیز کردن کلیدها از یک پارچه نرم و کمی نمدار استفاده کنید.
    با یک فرچه نرم یا برس مخصوص، خاک‌های بین کلیدها را پاک کنید تا گرد و غبار از لابه‌لای آن‌ها خارج شود.
    برای شستن لوله پلاستیکی، آن را از ساز جدا کنید و با آب گرم و کمی صابون بشویید. اگر دهانه ساز شما از جنس برنج است، با محلول‌های مخصوص تمیزکننده برنج که در فروشگاه‌های لوازم موسیقی پیدا می‌شود، آن را تمیز کنید.
    بعد از خشک شدن لوله و دهانه، با استفاده از یک ابر یا لوله‌پاک‌کن مخصوص، رطوبت و گردوغبار باقیمانده داخل ساز را کاملاً پاک کنید.

  • سوپرانو چیست؟

    سوپرانو چیست؟

    سوپرانو نام محدوده‌ای از صدا در موسیقی و نوعی از صدای زیر و بالا در خوانندگی زنانه و اپرا است. این واژه ریشه ایتالیایی دارد و از کلمه‌ای به معنای “بالا” گرفته شده است. در ادامه این نوشته از وبلاگ آنبین، بیشتر با این مفهوم موسیقایی آشنا خواهید شد.

    سوپرانو چیست؟

    صدای سوپرانو، مانند یک پرنده در اوج آسمان، زیرترین و بلندترین فرکانس در میان صداهای انسانی را دارد و اغلب نقش‌های اصلی در اپرا به این صدا سپرده می‌شود. دسته‌بندی‌های مختلفی برای انواع صدا وجود دارد که بر اساس محدوده صوتی هر فرد مشخص می‌شود.
    محدوده صوتی یعنی فاصله بین پایین‌ترین و بالاترین نتی که یک نفر می‌تواند به راحتی و با کیفیت بخواند.
    به طور کلی، خوانندگان در شش گروه اصلی جای می‌گیرند:

    سه گروه برای بانوان (آلتو، متسو سوپرانو و سوپرانو)
    سه گروه برای آقایان (باس، باریتون، تنور)

    علاوه بر این، صدای کودکان را نیز می‌توان در یک دسته جداگانه در نظر گرفت.
    سوپرانو معمولاً به صدای زنان اشاره دارد، اما گاهی به صداهای مشابه مانند صدای پسران (Boy soprano) نیز گفته می‌شود. همچنین از این واژه برای سازهایی استفاده می‌شود که زیرترین صدا را در خانواده خود دارند، مانند: ساکسیفون سوپرانو.

    سوپرانو

    به زیرترین و بالا ترین نوع صدا در خوانندگی بانوان، سوپرانو گفته می‌شود. این محدوده صوتی که از نت C4 تا C6 را در بر می‌گیرد، نقش بسیار مهمی در موسیقی کلاسیک و اپرا ایفا می‌کند.

    خود سوپرانو نیز به چند دسته فرعی تقسیم می‌شود که هر کدام گستره و ویژگی‌های صدایی مخصوص به خود را دارند.

    بانوان ایرانی دارای صدای سوپرانو

    در میان خوانندگان زن ایرانی، افرادی مانند دریا دادور، حمیرا و پری زنگنه دارای صدای سوپرانو هستند.
    صدای سوپرانو به گروه‌های مختلفی مانند کلوراتو، غنایی، دراماتیک و مزو تقسیم می‌شود. سوپرانو کلوراتو معمولاً صدایی رسا و بلند دارد و در اجرای قطعاتی که تزئینات آوازی، حرکت‌های سریع و تغییرات فراوان دارند، توانمند ظاهر می‌شود. این سبک اغلب به چابکی و انعطاف زیاد صدا نیاز دارد. در اپرا، نقش قهرمان داستان (هروین) معمولاً با صدای کلوراتو سوپرانو اجرا می‌شود.
    گستره صوتی یک خواننده زن سوپرانو حدوداً از B3 تا A3 است و در بالاترین حد، یک سوپرانو معمولی باید بتواند به نت soprano C برسد. صدای سوپرانو خود به چند دسته تقسیم می‌شود که به شرح زیر است:

    ۱-  سوپرانوی کولوراتور که خود به دو دسته تقسیم میشود:

    الف) سوپرانوی رنگین‌خوان (لیریک): صدایی چابک و سریع که توانایی اجرای نت‌های بسیار بالا و پرش‌های پیچیده را دارد. در اپرا، نقش‌های فراوانی برای این نوع صدا نوشته شده است.

    ب) سوپرانوی رنگین‌خوان (دراماتیک): این خوانندگان دارای صدایی با حجم و قدرت بسیار بالا هستند، تا حدی که گاهی حتی می‌توانند صدای خود را بر روی صدای کامل یک ارکستر هم به وضوح شنیده شوند.

    ۲ – سوبرته :

    خواننده‌هایی که صدای روشن و شفافی دارند. صدای آن‌ها ظریف و نرم است. این صداها در اپرا معمولاً برای ایفای نقش‌های طنز و خیالی به کار می‌روند.

    رنگ صدا: اگر یک نت مشخص را ابتدا با یک ساز بنوازیم و بعد همان نت را با ساز دیگری اجرا کنیم، این تفاوتی که می‌شنویم، رنگ یا تمبر صدا نامیده می‌شود.

    سوپرانو چیست؟

    سوپرانوی لیریک :

    صدایی گرم و شفاف با کیفیتی کامل که حتی می‌تواند جلوه‌ای فراتر از یک ارکستر بزرگ داشته باشد. در اپرا، نقش‌های غمگین و دلسوزانه معمولاً به این نوع صدا سپرده می‌شود. بر اساس توانایی و ویژگی‌های خوانندگی، این صدا به دو گروه اصلی تقسیم می‌شود:

    الف) لایت لیریک: این نوع صدا باید با دقت بسیار زیاد و با توجه دقیق به نقشی که در اپرا ایفا می‌کند، در نظر گرفته شود.

    ب) فول لیریک: این صدا معمولاً پخته‌تر و رساتر از لایت لیریک است. به همین دلیل برای نقش‌های ساده و سبک مناسب نیست، بلکه برای نقش‌های سنگین و پیچیده به کار می‌رود. همچنین به دلیل حجم و قدرت بالا، در سالن‌های بزرگ نیز به خوبی شنیده می‌شود و تأثیر خود را حفظ می‌کند.

    ۴ –  سپینتو سوپرانو :

    یک نام ایتالیایی برای نوعی از صدای زنانه که به آن سوپرانوی لیـریکـو پوشـتو می‌گویند. این صدا از سوپرانوی لیـریک معمولی هم بالاتر است و رنگ آن نیز تیره‌تر می‌باشد. این ویژگی‌ها باعث می‌شود تا برای اجرای لحظات اوج و احساسیِ قوی در نمایش‌های دراماتیک بسیار مناسب باشد. همچنین، این صدا توانایی خوبی در اجرای تغییرات ناگهانی و ظریف در قدرت و شدت صدا دارد.

    ۵ – دراماتیک سوپرانو :

    صدایی نیرومند و نافذ که توانایی آن در خواندن از یک ارکستر کامل نیز فراتر می‌رود. معمولاً (هرچند نه همیشه) این صدا دارای ظرافت‌های کمتری در مقایسه با دیگر گونه‌های سوپرانو است و بیشتر برای اجرای نقش‌های غم‌انگیز، تراژیک و حماسی در اپرا به کار می‌رود.

    ۶ – واگنرین سوپرانو :

    این نوع صدا را می‌توان از نادرترین صداهای موجود به شمار آورد. صدایی قدرتمند و استوار که معمولاً به شخصیت‌های زن افسانه‌ای و قهرمان داستان‌ها سپرده می‌شود. در طول ده‌ها سال، شاید تنها یک یا دو نفر یافت شوند که چنین کیفیت صدایی داشته باشند.

    متسوسوپرانو

    در دسته‌بندی صداهای زنانه، رده دوم به صدای متسو سوپرانو تعلق دارد. این نوع صدا بیشتر برای اجرا در گروه‌های کر مناسب است تا برای ایفای نقش‌های اصلی در اپرا. صدای متسو سوپرانو، یک صدای میانی برای خوانندگان زن محسوب می‌شود که هم با محدوده صدای آلتو و هم با محدوده صدای سوپرانو همپوشانی دارد. محدوده معمول این صدا از نت A3 تا نت A5 است. در بسیاری از موارد، خوانندگان سوپرانو بخش‌های صوتی‌ای را می‌خوانند که مشابه بخش‌های متسو سوپرانو است، تا زمانی که تقسیم‌بندی مشخصی بین صداهای سوپرانو، متسو سوپرانو و آلتو صورت گیرد.

  • اصطلاح ارکستر (Orchestra) به چه معناست؟

    اصطلاح ارکستر (Orchestra) به چه معناست؟

    در دنیای موسیقی و میان کسانی که به آن علاقه دارند، واژه‌ی ارکستر معنایی باشکوه و ویژه دارد. احتمالاً با شنیدن این کلمه، سالنی بزرگ پر از نوازندگان مختلف در ذهن شما نقش می‌بندد. اما دقیقاً ارکستر به چه معناست و چه نوع اجرایی را شامل می‌شود؟ در ادامه با هم بیشتر با این مفهوم زیبا و باشکوه در موسیقی آشنا می‌شویم.

    اصطلاح ارکستر (Orchestra) به چه معناست؟

    ارکستر به گروهی از نوازندگان و سازهای مختلف گفته می‌شود که با همکاری یکدیگر قطعات موسیقی را اجرا می‌کنند. نام هر ارکستر معمولاً بر اساس نوع سازهای به کار رفته در آن و تعداد نوازندگانش انتخاب می‌شود.
    به عنوان مثال، ارکستر سمفونی بزرگ‌ترین نوع ارکستر محسوب می‌شود. در این ارکستر تقریباً همه‌ی سازهای موسیقی کلاسیک غربی حضور دارند و از تمام گروه‌های سازی استفاده شده است.
    در مقابل، ارکسترهای کوچک‌تری هم وجود دارند که فقط برخی از سازهای موسیقی کلاسیک در آنها به کار می‌روند. به این نوع ارکسترها، نام‌های دیگری مثل ارکستر مجلسی گفته می‌شود. ارکستر مجلسی معمولاً شامل سازهای زهیِ آرشه‌ای، سازهای بادی چوبی، سازهای کوبه‌ای و سازهای کلیدی مانند پیانو است.

    اصطلاح ارکستر (Orchestra) به چه معناست؟

    گاهی اوقات برای نامیدن ارکسترها از عنوان‌های خاصی استفاده می‌شود. این نام‌ها نشان‌دهنده نوع سازهای آن ارکستر یا وظیفه هر ساز نیستند، بلکه فقط برای شناسایی ارکسترهای مختلف در یک شهر یا ناحیه به کار می‌روند.

    معمولاً در هر شهر، انجمن دوستداران موسیقی (که به آن انجمن فیلارمونیک می‌گویند) از یک ارکستر فیلارمونیک حمایت مالی می‌کند. در این ارکسترها عموماً از نوازندگان ماهر و با تجربه همان شهر استفاده می‌شود. البته از نظر نوع و تعداد سازها، ساختار یک ارکستر فیلارمونیک مانند یک ارکستر سمفونیک یا ارکستر بزرگ است؛ مثل ارکستر فیلارمونیک برلین و ارکستر فیلارمونیک لندن. در هر ارکستر، رهبر نقش بسیار مهمی دارد و در واقع می‌توان گفت قلب تپنده گروه است.

    رهبر ارکستر (Conductor)

    رهبر ارکستر

    قلب یک ارکستر مانند رهبر آن است. رهبر همیشه دفترچه‌ای به نام پارتی‌تور همراه خود دارد. در این دفترچه، جزئیات دقیق نحوه نواختن هر ساز نوشته شده است. هر آهنگسازی که قطعه‌ای می‌سازد، باید برای آن یک پارتی‌تور هم بنویسد.

    معمولاً ارکسترهای سمفونیک، گروه‌های کر، ارکسترهای مجلسی و مانند آن، رهبر دارند. رهبر با تکان دادن چوب مخصوصی به نام باتون، ضرب‌آهنگ و سرعت اجرا را در هر لحظه به نوازندگان نشان می‌دهد.

    مهمترین انواع ارکستر 

     ارکستر

    برای اطلاعات بیشتر، به مقاله ژانر موسیقی به چه معناست ؟ مراجعه کنید.

    ۱. ارکستر سینفونی

    در دنیای موسیقی غرب، معمولاً وقتی از واژه ارکستر استفاده می‌کنند، منظور همان ارکستر سمفونیک است. این نوع ارکستر معمولاً از هشتاد تا نود و گاهی حتی صد نوازنده با سازهای گوناگون تشکیل می‌شود. نوازندگان در چهار گروه اصلی دسته‌بندی می‌شوند که همه با هم همکاری می‌کنند تا یک هدف مشترک موسیقایی را به شنونده منتقل کنند و با یک زبان هنری واحد صحبت کنند. در ارکستر سمفونیک تلاش بر این است که از گسترده‌ترین و کامل‌ترین توانایی‌های صوتی و سازها استفاده شود. این سبک و ساختار از گذشته تا قرن بیستم، شکل اصلی خود را حفظ کرده است.

    ۲. ارکستر مجلسی (Chamber Orchestra)

    این گروه موسیقی، نسخه کوچک‌تری از ارکسترهای بزرگ سمفونیک است. تعداد نوازندگان در آن کمتر است و برای اجرا به سالن‌های بسیار بزرگ یا مجلل نیازی ندارد. سازهای اصلی مورد استفاده در آن معمولاً شامل سازهای زهی، سازهای بادی چوبی و سازهای کوبه‌ای می‌شود. سابقه و تاریخچه این گونه ارکسترها به سده هفدهم میلادی بازمی‌گردد.

    ۳. ارکسترهای زهی 

    در ارکسترهای زهی معمولاً نزدیک به بیست نوازنده فعالیت می‌کنند. همه سازهای به کار رفته در این گروه، از خانواده سازهای زهی هستند. این ارکسترها قادرند هم قطعات کلاسیک و هم آثار موسیقی معاصر را اجرا کنند.

    ۴. ارکستر فلارمونیک (Philharmonic Orchestra)  

    به گروهی از بهترین و کارآزموده‌ترین موزیسین‌های یک شهر، ارکستر فیلارمونیک آن شهر گفته می‌شود. اندازه ارکسترهای فیلارمونیک می‌تواند متفاوت باشد و این نام، خود یک دسته‌بندی جداگانه در میان انواع ارکسترها به شمار نمی‌رود.

    برای یادگیری پیشرفته، به سبک موسیقی مینیمال به چه سبکی گفته می شود؟ مراجعه کنید.

    مقاله بیوگرافی منوچهر چشم آذر منبع بسیار خوبی برای یادگیری بیشتر است.

  • آشنایی با انواع کلیفون 

    آشنایی با انواع کلیفون 

    یکی از ابزارهای مهم برای نواختن ویولن، کلیفون است. این ماده نقش بسیار زیادی در کیفیت صدا و نحوه نوازندگی دارد. به همین دلیل، انواع مختلفی از کلیفون با کیفیت‌های گوناگون در بازار وجود دارد. در ادامه این نوشته از وبلاگ آنبین، بیشتر با کلیفون و انواع آن آشنا خواهید شد.

    کلیفون

    کلیفون یک وسیله کمکی برای برخی سازهاست. آرشه یا کمان که معمولاً از موی اسب درست می‌شود، برای اینکه به خوبی به سیم‌ها بچسبد و صدا تولید کند، نیاز دارد که به یک ماده چسبنده آغشته شود. در گذشته از صمغ درخت حسن‌لبه برای این کار استفاده می‌کردند.

    بعد از اینکه ایرانیان با موسیقی غربی و سازهایی مانند ویولن آشنا شدند، کُلیفون (colophon) که برای آرشه ویولن کاربرد داشت، جای صمغ درخت حسن‌لبه را گرفت.

    انواع کلیفون

    طرز تهیه کلیفون:

    این ماده صمغی ابتدا به صورت مایع گرم می‌شود تا بخشی از ترکیبات آن به صورت بخار خارج گردد. سپس آن را در قالب‌های ویژه می‌ریزند و منتظر می‌مانند تا سرد شده و به صورت جامد درآید.

    کلیفون تقریباً شفاف است و رنگ آن می‌تواند از زرد تا سیاه متفاوت باشد. در دمای معمولی اتاق، این ماده معمولاً جامد و ترد است، اما وقتی گرم شود (دمای ذوب آن معمولاً بین ۱۰۰ تا ۱۲۰ درجه سانتیگراد است) ذوب می‌گردد.

    کلیفون به آسانی آتش می‌گیرد و هنگام سوختن دود سیاه و غلیظی تولید می‌کند؛ به همین دلیل در هنگام ذوب کردن آن باید نهایت دقت را به کار برد. این ماده در موادی مثل الکل، اتر و بنزن حل می‌شود.

    رنگ کلیفون ویولن و سل به زمان جمع‌آوری صمغ در طول سال بستگی دارد. اگر شیره درخت در فصل پاییز یا تابستان جمع‌آوری شده باشد، معمولاً رنگ تیره‌تری دارد و نرم‌تر است. اما اگر رزین در اواخر زمستان یا اوایل بهار برداشت شده باشد، رنگ کهربایی یا طلایی خواهد داشت و در فرآیند تولید کلیفون، بافت سفت‌تری پیدا می‌کند.

    انواع کلیفون 

    انواع کلیفون

    کلیفون یک ماده رزینی طبیعی است که از درختان مخروطی مانند کاج به دست می‌آید. بسته به شیوه استخراج و فرآوری آن، کلیفون را می‌توان به سه دسته اصلی تقسیم کرد:

    رزین صمغ
    رزین چوب
    رزین روغنی.

    رزین صمغ

    این ماده چسبناک از درختان کاجی که هنوز زنده هستند، استخراج می‌شود.
    از این درختان، مایع غلیظی به نام اولئورزین خارج می‌شود. سپس این مایع طی فرآیند تقطیر، به دو بخش تقسیم می‌گردد: بخش سبک‌تر که سقز نام دارد و بخش سنگین‌تر که همان صمغ رزین است و پس از تقطیر باقی می‌ماند.

    رزین چوب

    از تنه‌های کهنه درخت کاج، ماده‌ای به نام رزین چوب به دست می‌آید.

    رزین روغن

    از خمیر چوب درختان سوزنی‌برگ، یک ماده روغنی نیز استخراج می‌شود که به عنوان محصول فرعی به کار می‌رود.
    تولیدکنندگان صمغ کاج برای ساخت کلیفون چوبی کمتر شده‌اند و در حال حاضر مهم‌ترین انواع تولیدی، کلیفون صمغی و کلیفون روغنی هستند.

  • فایل میدی چیست؟

    فایل میدی چیست؟

    MIDI یک زبان مشترک و استاندارد است که سازهای الکترونیکی و کامپیوترها می‌توانند با استفاده از آن با هم صحبت کنند. رمز موفقیت MIDI در این است که صدا را به شکل مستقیم و آنالوگ منتقل نمی‌کند. در عوض، برای هر نتی که قرار است پخش شود، اطلاعاتی مانند زیر و بمی، شدت و مدت زمان آن، به صورت کدهای دیجیتال برای سازها فرستاده می‌شود. برای مطالعه بیشتر در این زمینه می‌توانید ادامه مطلب را در وبلاگ آنبین دنبال کنید.

    فایل میدی چیست؟

    فرمت میدی که نام کامل آن رابط دیجیتالی سازهای موسیقی است، در واقع یک زبان استاندارد برای رد و بدل کردن اطلاعات نت‌های موسیقی است. این فرمت، امکان ارتباط بین سازهای الکترونیکی، تجهیزات موسیقی و برنامه‌های کامپیوتری ساخت موسیقی را فراهم می‌کند.

    مقاله زندگی کوتاه جرج گرشوین ،پیانیست مشهور آمریکایی حاوی اطلاعات جامعی است.

    حجم فایل‌های میدی بسیار کم و معمولاً تنها چند کیلوبایت است. هر فایل میدی می‌تواند تا ۱۶ مسیر مجزا از اطلاعات مربوط به نت‌های سازهای گوناگون را در خود ذخیره کرده و انتقال دهد.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، حتماً بهترین آموزشگاه هنگ درام در شرق تهران را بخوانید.

    در اینجا می‌توانید اطلاعات کامل‌تری درباره چه سازهایی در موسیقی جاز نواخته می‌شوند؟ بیابید.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، حتماً تاریخچه گرامافون را بخوانید.

    فایل میدی MIDI

    فایل میدی MIDI

    استفاده از فایل میدی در تنظیم

    برای کار با فایل‌های MIDI در اف‌ال استودیو، روش بسیار آسانی وجود دارد. ابتدا یک مسیر (لاین) برای پلاگین وی‌اس‌تی مورد نظر خود ایجاد کنید. سپس فایل MIDI که می‌خواهید را بگیرید و روی بخش پترن همان مسیر رها کنید. به همین سادگی، فایل به پروژه شما اضافه می‌شود و آماده پخش خواهد بود.

    توصیه می‌شود به مطالعه مقاله آشنایی با ساز کوبه ای تانگ درام یا هپی درام ادامه دهید.

    مزایای فایل های میدی آماده

    ساخته‌شده توسط بهترین آهنگسازان و تهیه‌کنندگان موسیقی
    نت‌نویسی دقیق و حرفه‌ای
    هماهنگ با سلیقه‌ها و سبک‌های گوناگون
    با کیفیتی درخشان و تنظیمی حرفه‌ای

    در صورت علاقه‌مندی، مطلب آشنایی با ساز ترومبون،تاریخچه و کاربرد آن را از دست ندهید.

    از فایل های آماده میدی استفاده کنیم یا نه؟

    یک پرسش رایج درباره فایل‌های آماده میدی، این است که آیا باید از آن‌ها استفاده کرد یا خیر. خیلی از کارشناسان موسیقی باور دارند استفاده از این فایل‌ها می‌تواند مانع پیشرفت و خلاقیت شما شود.
    با این حال، شما می‌توانید در ابتدای کار با کمک این فایل‌های میدی تمرین کنید، سپس به تدریج تغییراتی در آن‌ها ایجاد نمایید و در نهایت فقط از ایده‌های کلی آن‌ها الهام بگیرید.