دسته: موسیقی

  • همه‌‌چیز درباره ساز تار باس یا بم تار

    همه‌‌چیز درباره ساز تار باس یا بم تار

    تار یکی از سازهای محبوب و کهن ایرانی است که با زه‌هایش نواخته می‌شود. خیلی از مردم این ساز را می‌شناسند، اما تعداد کمی با نوعی از آن به نام «تار باس» یا «بم‌تار» آشنا هستند. تار باس در واقع گونه‌ای از تار است که توسط کلنل علینقی وزیری ساخته شد. این ساز از نظر شکل کلی شبیه تار معمولی است، ولی در جزئیات ساخت با آن تفاوت دارد. اگر دوست دارید بیشتر با تار باس آشنا شوید، در ادامه با ما همراه باشید. برای خواندن نوشته‌های آموزشی بیشتر درباره موسیقی می‌توانید به وبلاگ آنبین مراجعه کنید.

    تار باس چیست؟

    تار باس یک ساز ایرانی است که شبیه به تار معمولی ساخته شده. این ساز سه سیم دارد و محدوده صوتی آن حدود دو اکتاو است. نحوه کوک کردن سیم‌های آن معمولاً بر اساس فاصله‌های چهارم و پنجم انجام می‌شود. تار باس بیشتر در اجراهای گروهی و ارکسترهای موسیقی ایرانی به کار می‌رود و در اصل برای همین منظور طراحی شده است.

    مضراب‌هایی که برای نواختن قسمت‌های بم این ساز استفاده می‌شود، معمولاً از جنس پلاستیک یا شاخ حیوانات هستند. بعضی از نوازندگان هم از پیک گیتار برای نواختن تار باس استفاده می‌کنند. توجه داشته باشید که اگر به جای مضراب مخصوص تار باس، از مضراب معمولی تار استفاده کنید، صدای ناخوشایند و جیرجیرمانندی از سیم‌ها شنیده می‌شود.

    تفاوت‌های تار و تار باس

    صدای تار باس، یک اکتاو از تار معمولی پایین‌تر است.

    دستهٔ تار باس، از دستهٔ تار بلندتر است.

    کاسهٔ تار باس بزرگ‌تر است و صدای پرحجم‌تری تولید می‌کند.

    سیم‌های تار باس از سیم‌های تار معمولی کلفت‌تر هستند.

    روی نقارهٔ تار باس معمولاً پوستی کشیده نمی‌شود و این قسمت باز است.

    برای سیم‌های تار باس معمولاً از سیم‌های سازهایی مثل ویولن‌سل، عود یا گیتار استفاده می‌شود.

    تار باس بیشتر برای نواختن در گروه‌های موسیقی و همراهی با دیگر سازها ساخته شده و کمتر به صورت تکنوازی از آن استفاده می‌شود.

    مخترع بم تار

    اولین کسی که ساز تار باس را ساخت، کلنل علینقی وزیری بود. او یک استاد موسیقی بود که تغییرات بزرگی در موسیقی ایرانی به وجود آورد. برای نمونه، از کسانی بود که برای اولین بار قطعات موسیقی ایرانی را برای ارکستر نوشت و همچنین روش نت‌نویسی برای ردیف‌های موسیقی را پایه‌گذاری کرد.

    علینقی وزیری در کشورهای آلمان و فرانسه موسیقی خوانده بود و پس از بازگشت، یک مدرسه موسیقی در تهران راه‌اندازی کرد. او توانست نت‌نویسی را در میان موسیقی‌دانان ایرانی رواج دهد و نشانه‌هایی مانند «علامت عرضی سر و کرن» را نیز ابداع کند.

    علاوه بر این‌ها، او در ساختن سازهای جدید هم مهارت داشت. وزیری چهار نوع مختلف از تار را طراحی کرد که از میان آن‌ها می‌توان به تار سوپرانو و تار باس اشاره کرد. امروزه تار سوپرانو دیگر استفاده نمی‌شود، اما تار باس به عنوان یکی از سازهای مجموعه‌ی سازهای ملی ایران پذیرفته شده است.

  • ۵ تا از بزرگترین سازهای دنیا

    ۵ تا از بزرگترین سازهای دنیا

    همه سازهای دنیا بر پایه اصول و قوانین مشخصی ساخته می‌شوند. به همین خاطر، اندازه آن‌ها هم معمولاً در یک محدوده مشخص قرار دارد. اما گاهی اوقات، برخی از سازها از این چارچوب معمول فراتر می‌روند و در ابعاد غیرمعمول و عجیبی ساخته می‌شوند. این سازها در واقع یک اثر هنری منحصر به فرد به شمار می‌روند و ساخت آن‌ها ممکن است سال‌ها طول بکشد. در این نوشته قصد داریم همین سازها را به شما معرفی کنیم؛ یعنی بزرگترین سازهای دنیا. اگر به موسیقی علاقه دارید، پیشنهاد می‌کنیم سری هم به دیگر مطالب وبلاگ آنبین بزنید.

    بزرگترین سازهای دنیا

    ۱.توبای غول‌پیکر

    توبا یک ساز بزرگ و سنگین است که معمولاً وزن آن بین ۹ تا ۱۳ کیلوگرم و طول آن حدود ۴۵ سانتی‌متر است. نکته جالب این است که یک توبای بسیار بزرگ در شهر نیویورک وجود دارد که وزن آن سه برابر توبای معمولی است.

    این توبای غول‌پیکر که در یک مغازه فروش آلات موسیقی قرار دارد، حدود ۱۰۴ سانتی‌متر طول و بیش از ۴۵ کیلوگرم وزن دارد. به دلیل اندازه بزرگ آن، یک نفر به تنهایی نمی‌تواند آن را بنوازد و حداقل دو نوازنده برای استفاده از این ساز لازم هستند. علاوه بر اندازه غیرعادی، این ساز تاریخچه طولانی نیز دارد و قدمت آن به ۱۲۰ سال قبل بازمی‌گردد.

    برای مطالعه بیشتر، به ساز هارپجی چیست؟ سری سر بزنید.

    در اینجا می‌توانید اطلاعات کامل‌تری درباره ضرب آهنگ یا ریتم چیست؟ بیابید.

    ۲. بزرگ‌‌ترین ویولن دنیا

    همه معمولاً ویولن را یک ساز کوچک و قابل جابه‌جایی می‌دانند؛ اما ویولنی که قصد داریم به شما نشان دهیم، تمام این تصورات را تغییر خواهد داد!

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه دانستنی های جالب در مورد موسیقی.

    در سال ۲۰۱۲، ویولنی ساخته شد که به خاطر اندازهٔ فوق‌العاده بزرگش، در کتاب رکوردهای گینس ثبت شد. این ساز که امروزه در میان بزرگ‌ترین سازهای جهان جای دارد، طولی بیش از ۴ متر و وزنی حدود ۱۳۱ کیلوگرم دارد.

    برای درک عمیق‌تر این موضوع، مطلب قانون ۱۰ هزار ساعته نوازندگان چیست ؟ را بخوانید.

    آرشهٔ این ویولن هم به تنهایی ۵ متر طول و ۴۹ کیلوگرم وزن دارد. همان‌طور که حدس می‌زنید، نواختن این ساز به تنهایی ممکن نیست و به کمک نیاز دارد.

    برای نواختن بزرگترین ویولن دنیا، دست‌کم سه نوازنده لازم است: دو نفر برای کنترل آرشه و یک نفر برای کار با سیم‌ها. جالب اینجاست که آهنگسازی به نام استفان کونیگ، یک قطعهٔ موسیقی ویژه هم برای این ویولن غول‌پیکر ساخته است.

    ۳. طبل کره‌ای

    یکی از عجیب‌ترین سازهای دنیا که نامش در کتاب رکوردهای گینس به چشم می‌خورد، یک طبل غول‌پیکر کرهای است. این طبل با قطری برابر با ۵ متر، لقب بزرگترین طبل جهان را از آن خود کرده است. نکته جالب دیگر درباره این ساز، استفاده از پوست چهل گاو برای ساخت سطح آن است. کار ساخت این طبل عظیم در سال ۲۰۱۱ در کشور کره جنوبی به پایان رسید.

    ۴. چنگ زمینی (The Earth Harp)

    چنگ زمینی سازی است که ویلیام کلوز آن را طراحی کرده است. این ساز به عنوان طولانی‌ترین ساز در دنیا شناخته می‌شود و طول سیم‌های آن گاهی به ۳۰۰ متر هم می‌رسد. روش نواختن آن با چنگ معمولی تفاوت دارد: در چنگ معمولی نوازنده با انگشت‌هایش سیم‌ها را به صدا درمی‌آورد، اما در چنگ زمینی نوازندگان از دستکش‌های مخصوص و نخی استفاده می‌کنند.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، حتماً برای دسته بندی موسیقی باید به چه مواردی دقت کنیم؟ را بخوانید.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، حتماً موسیقی الکترونیک چیست ؟ را بخوانید.

    ۵. ارگان بورد واک

    در شهر آتلانتیک‌سیتی واقع در ایالت نیوجرسی، سالنی به نام بوردواک وجود دارد که یکی از بزرگترین سازهای جهان در آن قرار گرفته است. این ساز که یک ارگان است، در همان شهر ساخته شده.

    تعداد لوله‌های این ارگان عظیم ۳۳۱۱۲ عدد است. ساخت چنین ساز بزرگی تقریباً سه سال طول کشیده است. امروزه اگر کسی بخواهد این ساز را بخرد، باید مبلغی نزدیک به ۶۰۰ هزار دلار پرداخت کند.

  • آشنایی با موسیقی کردی

    آشنایی با موسیقی کردی

    در سرزمین ایران، هر قوم و منطقه‌ای موسیقی مخصوص به خود را دارد. در میان این اقوام، مردم کرد از موسیقی محلی بسیار پرباری برخوردارند. موسیقی کردی که پیشینه‌ای چند هزار ساله دارد، سهم بزرگی در میراث موسیقایی ایران ایفا می‌کند. اگر دوست دارید بیشتر با این سبک موسیقی آشنا شوید، پیشنهاد می‌کنیم ادامه این مطلب را دنبال کنید. همچنین برای خواندن نوشته‌های بیشتر درباره موسیقی می‌توانید به وبلاگ آنبین مراجعه کنید.

    محتوای موسیقی کردی

    موسیقی کردی به طور کلی به دو دسته اصلی تقسیم می‌شود. دسته اول شامل افسانه‌هاست که با نام ترانه‌های دیوانی نیز شناخته می‌شوند. این افسانه‌ها گاهی به شکل داستان‌ها و روایت‌هایی هستند که به توصیف پایداری و مبارزه‌ها می‌پردازند. دسته دوم، ترانه‌هایی هستند که درونمایه عاشقانه دارند و احساسات و دلدادگی میان دو دلداده را به تصویر می‌کشند.

    انواع سبک‌های موسیقی کردی

    گورانی

    این سبک موسیقی ویژه کردهای سورانی است و به عنوان کهن‌ترین گونهٔ موسیقی کردی شناخته می‌شود. کردهای ساکن مناطق پیرامون ارومیه و ترکیه، این سرودها را با نام «لاوژه» می‌شناسند. این موسیقی دارای ضرب‌آهنگ ویژهای به نام «قه‌تار» نیز هست. گمان می‌رود که خاستگاه این قالب موسیقایی به آیین‌های ستایشی پیروان دین زرتشت بازگردد.

    هوره

    این نوع آواز در میان مردم کرد استان‌های ایلام و کرمانشاه رایج است. در زمان‌های قدیم، کردهایی که آیین زرتشت داشتند، از آواز هوره برای نیایش و ستایش اهورامزدا بهره می‌بردند. این موسیقی در اصل حال و هوایی نرم و دلنشین دارد و از احساسات و عواطف سرچشمه می‌گیرد.

    مرثیه‌سرایی

    این نوع آهنگ که با نام‌های مور یا موره نیز شناخته می‌شود، برای مراسم سوگواری به کار می‌رود. هنگامی که فردی در مناطق جنوبی کردستان از دنیا می‌رود، مردم اشعاری می‌خوانند و در این اشعار به توصیف صفات و ویژگی‌های فرد درگذشته می‌پردازند. این سبک از خوانندگی، مرثیه‌خوانی نامیده می‌شود.

    حیران

    این آهنگ، سرودی عاشقانه در ستایش فرستادگان الهی، پیشوایان دینی و پروردگار است. خاستگاه اصلی این نوا به سرزمین‌های مهاباد و مکریان تعلق دارد.

    مولودی

    این نوع موسیقی که در میان مسلمانان نیز رواج زیادی دارد، معمولاً در زمان جشن تولد پیامبران اجرا می‌شود. از مشهورترین خوانندگان این سبک در میان کردزبانان، سید محمد شمس قریشی و خلیفه میرزا آغا غوثی هستند.

    بیت

    بیت یا بالوره، یکی از قالب‌های قدیمی و اصیل در موسیقی کردی به شمار می‌رود. این سبک معمولاً در میدان‌های نبرد و هنگامه‌های جنگ اجرا می‌شده و محتوای آن بیشتر برای بزرگداشت پروردگار، پیامبران و فرماندهان است. در سبک بیت، هیچ قاعده مشخصی برای وزن شعر یا قافیه‌گذاری وجود ندارد.

    سازهای موسیقی کردی

    آلات موسیقی سنتی

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه ساز زهی چیست؟.

    سازهای کوبه‌ای:
    دف: یک ساز دایره‌ای شکل با حلقه‌های فلزی است که با ضربه‌های انگشت به صدا درمی‌آید.
    دایره: شبیه دف است اما اندازه‌ی کوچک‌تری دارد.
    دهل: طبل بزرگی که با دو چوب نواخته می‌شود و صدای مهیبی دارد.
    طاس: سازی شبیه کاسه که از جنس مس یا سفال ساخته می‌شود.
    دوطبله: دو طبل کوچک که به هم متصل هستند و با دست نواخته می‌شوند.

    سازهای بادی:
    نی دوزله: از دو لوله‌ی موازی تشکیل شده که با دمیدن در آن نواخته می‌شود.
    شمشال: نوعی ساز بادی ساده که از جنس نی ساخته می‌شود.
    بالابان: سازی بادی با صدای گیرا و محزون.
    سرنا: سازی بادی با صدای بلند که معمولاً در مراسم شاد نواخته می‌شود.

    سازهای زهی:
    تنبور: سازی با کاسه‌ای گلابی شکل و دسته‌ای بلند.
    تار: سازی با کاسه‌ی دوتیکه و شش سیم.
    کمانچه: سازی با کاسه‌ی گرد و آرشه‌ای که روی سیم‌ها کشیده می‌شود.

    سازهای کوبه‌ای دیگر:
    تنبک: طبل تک‌نفره‌ای با بدنه‌ی گلی یا چوبی که با انگشتان نواخته می‌شود.
    دیوان: سازی کوبه‌ای شبیه دف اما با حلقه‌های بیشتر.

    بعضی از موسیقی‌دانان معروف کردی

    اسحاق موصلی

    زریاب

    حسن زیرک

    شاکرو

    شهرام ناظری

    سید علی‌اصغر کردستانی

    قادر عبدالله‌زاده

    شهریبان کردی

    اگر به این موضوع علاقه دارید، حتماً کوک سنتور در دستگاه های مختلف را بخوانید.

    حشمت‌الله لرنژاد

    محمد ماملی

    اگر به این موضوع علاقه دارید، ساز کوبه ای چیست؟ را از دست ندهید.

    مظهر خالقی

    ناصر رزازی

    شوان پرور

    عباس کمندی

  • عزیر حاجی بیگلی | آهنگساز کوچه لره سو سپمیشم

    عزیر حاجی بیگلی | آهنگساز کوچه لره سو سپمیشم

    آهنگ “کوچه لره سو سپمیشم” از ترانه‌های بسیار معروف به زبان ترکی آذربایجانی است. این قطعه در میان مردم ایران جایگاه ویژه‌ای دارد و سال‌هاست که مردم آن را آرام زمزمه می‌کنند. با این وجود، تعداد کمی از افراد از خالق این اثر آگاهی دارند.
    این آهنگ زیبا را عزیر حاجی بیگلی، که به نام عزیز حاجی بیگف نیز شناخته می‌شود، خلق کرده است. اگر دوست دارید با این آهنگساز نامدار آذربایجانی بیشتر آشنا شوید، پیشنهاد می‌کنیم تا پایان این نوشته با ما همراه بمانید. همچنین برای خواندن نوشته‌های بیشتر درباره موسیقی می‌توانید به وبلاگ آنبین مراجعه کنید.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه بهترین آموزشگاه هنگ درام در شرق تهران.

    تولد و کودکی عزیر حاجی بیگلی

    عزیر حاجی بیگلی در هجدهم سپتامبر ۱۸۸۵ در روستای آغجابدیع به دنیا آمد. این روستا جزو شهر شوشه بود که خود، یکی از مراکز مهم شعر و موسیقی در منطقه قفقاز به شمار می‌رفت. زندگی در چنین محیطی باعث شد او از سنین کم به هنر و شعر علاقه پیدا کند. علاوه بر این، دایی عزیر هم در علاقه‌مند کردن او به موسیقی نقش داشت و اولین کسی بود که به او موسیقی آموخت. عزیر نخستین فعالیت‌های جدی خود در عرصه موسیقی را در سیزده سالگی آغاز کرد. در این سن، او به گروه «مجنون بر سر مزار لیلی» پیوست و همراه آنان به اجرای برنامه پرداخت.

    اطلاعات جامع‌تری در مورد این موضوع را در آشنایی با ساز کوبه ای تانگ درام یا هپی درام پیدا کنید.

    جوانی

    عزیر حاجی بیگلی از سال ۱۸۹۹ تا ۱۹۰۴ در دانشسرای شهر گوری در گرجستان تحصیل کرد. در این دوره، او با ادبیات روسی و همچنین موسیقی غرب آشنا شد. پس از پایان تحصیل، به یکی از روستاهای قره‌باغ رفت و در آنجا معلم شد. همزمان با تدریس او، انقلاب سال ۱۹۰۵ روسیه رخ داد و این اتفاق باعث شد عزیر به کارهایی مانند روزنامه‌نگاری، نوشتن مقاله و داستان‌نویسی روی آورد. بیشتر نوشته‌های او طنز انتقادی بود و برخی از آثارش نیز درباره انقلاب مشروطه ایران نوشته شده‌اند.

    گذشته از کار نویسندگی، عزیر در زمینه موسیقی هم فعالیت‌های مهمی داشت. او در سال ۱۹۰۸ اپرای لیلی و مجنون را ساخت و به این ترتیب، نخستین پایه‌گذار اپرا در جهان اسلام شناخته شد. پس از آن، چندین اپرای دیگر نیز خلق کرد. سپس برای ادامه تحصیل در رشته موسیقی به مسکو رفت و در نهایت، در هنرستان موسیقی سن‌پترزبورگ دوره خود را به پایان رساند.

    فعالیت‌های گسترده عزیر در عرصه موسیقی باعث شد تا مسئولیت‌های مهمی به او سپرده شود. او ریاست بخش موسیقی در اداره امور هنری کمیسری معارف خلق، ریاست هنرستان موسیقی دولتی آذربایجان و همچنین عضویت در فرهنگستان علوم را بر عهده گرفت.

    حضور عزیر حاجی بیگلی در ایران

    عزیر حاجی‌بیگلی تنها یک آهنگساز نبود؛ او با نوشته‌هایش در کنار مردم و در بیان خواسته‌هایشان نیز حاضر می‌شد. به دلیل کارهای سیاسی که انجام می‌داد، در بهار سال ۱۹۱۸ ناچار شد به ایران بیاید و در اینجا پناه بگیرد. در آن دوره، به خاطر انقلاب کمونیستی، ناآرامی‌های گسترده‌ای جریان داشت.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه آشنایی با ساز ترومبون،تاریخچه و کاربرد آن.

    حتی در دوران پناهندگی هم عزیر دست از هنر و موسیقی برنداشت. در تابستان همان سالی که به ایران آمد، سرپرستی گروه هنرمندان ایرانی باکو را در شهرهای انزلی و رشت به عهده گرفت. پس از آن، کارهای هنری او بارها در تهران، رشت، تبریز و انزلی به روی صحنه رفت.

    عزیر در طول اقامتش در ایران، تأثیر چشمگیری نیز بر نمایش‌های موسیقی‌محور ایرانی گذاشت.

  • آموزش سرکلید در موسیقی به زبان ساده

    آموزش سرکلید در موسیقی به زبان ساده

    اگر در مسیر یادگیری موسیقی قدم می‌گذارید، شناخت نشانه‌های نت‌نویسی برایتان ضروری است. یکی از پایه‌ای‌ترین و مهم‌ترین این نمادها، «سرکلید» نام دارد. سرکلید در خطوط حامل، بعد از علامت کلید و پیش از کسر میزان قرار می‌گیرد و در نت‌نویسی سازهای مختلف دیده می‌شود. اگر دوست دارید با کاربرد و معنای سرکلید بیشتر آشنا شوید، تا پایان این مطلب همراه ما بمانید. همچنین اگر به درس‌های بیشتر در زمینه تئوری موسیقی علاقه دارید، سری به وبلاگ آنبین بزنید.

    سرکلید در موسیقی چیست؟

    سرکلید یک نشانه در نت‌نویسی موسیقی است که معمولاً با یک تا هفت علامت دیز یا بمل مشخص می‌شود. این علامت درست بعد از کلید قرار می‌گیرد و گام اصلی قطعه را نشان می‌دهد. یک نکته مهم درباره سرکلید این است که در تمام مدت اجرای قطعه ثابت باقی می‌ماند. تنها در مواردی که علامت بکار کنار یک نت قرار گیرد، آن نت در همان میزان به حالت اصلی خود بازمی‌گردد. اما بعد از پایان آن میزان، نت مورد نظر دوباره تابع سرکلید می‌شود.
    برای درک بهتر موضوع به این مثال توجه کنید: فرض کنید سرکلید قطعه دارای دو دیز باشد. در این حالت، در تمام قطعه باید نت دو را به صورت دیز بنوازیم. اگر در قسمتی از قطعه، کنار نت دو علامت بکار قرار گیرد، فقط در همان میزان آن را به صورت عادی اجرا می‌کنیم و پس از تمام شدن آن میزان، دوباره نت دو دیز خواهد شد.

    توصیه می‌کنیم حتماً مقاله آشنایی با سازدهنی ترمولو را مطالعه کنید.

    چرا از سرکلید استفاده می‌کنیم؟

    در موسیقی، دو دلیل اصلی برای به کار بردن سرکلید وجود دارد. دلیل اول این است که لازم نباشد در طول آهنگ، مدام از علامت‌های تغییردهنده استفاده کنیم تا نوشتن و خواندن نت‌ها ساده‌تر شود.

    مقاله ریدیس فینگربورد یا شعاع صفحه انگشت‌گذاری چیست؟ حاوی اطلاعات جامعی است.

    توصیه می‌شود به مطالعه مقاله ساز ترومپت ،ساز سپاهیان روم ادامه دهید.

    مقاله زندگی شخصی استاد محمدرضا شجریان منبع بسیار خوبی برای یادگیری بیشتر است.

    دلیل دوم این است که نوازنده در همان ابتدای کار، با گام قطعه آشنا می‌شود و می‌تواند قطعه را به راحتی و بدون مشکل اجرا کند.

    در این مقاله انواع چوب های مناسب برای ساز گیتار اطلاعات مفیدی آمده است.

    برای گسترش دانش خود، مقاله بهترین آموزشگاه سنتور در شرق تهران را مطالعه کنید.

  • نکات نگهداری از ویولن که سازتان را نجات می‌دهد!

    نکات نگهداری از ویولن که سازتان را نجات می‌دهد!

    برای یک نوازنده، سازش ممکن است از گرانبهاترین دارایی‌های زندگی باشد؛ به همین دلیل باید به بهترین شکل از آن محافظت کند. ویولن یک ساز کوچک و چوبی است که به راحتی ممکن است صدمه ببیند و به همین خاطر، مراقبت دقیق و منظم از آن ضروری است.
    در این نوشته، ما مهم‌ترین نکات مراقبت از ویولن را گرد هم آورده‌ایم تا با عمل کردن به آن‌ها، ساز شما همیشه سالم و بدون مشکل باقی بماند. اگر ویولن می‌نوازید، این مطلب را حتماً مطالعه کنید. همچنین می‌توانید در وبلاگ آنبین مطالب تخصصی بیشتری درباره ویولن پیدا کنید.

    نکات نگهداری از ویولن

    برای مراقبت از ویولن، اول باید از یک بالشتک مناسب استفاده کنید. بالشتک باید سبک و راحت باشد و ارتفاع آن هم نه زیاد بلند و نه زیاد کوتاه. اگر بالشتک را خیلی بالا بگذارید، صدای ویولن زمزمه‌like می‌شود و به مرور زمان آسیب می‌بیند. یادتان باشد بعد از هر بار تمرین، بالشتک را از ساز جدا کنید و هرگز ویولن را با بالشتک داخل جعبه نگذارید.

    یکی دیگر از کارهای مهم برای نگهداری ویولن، انتخاب جعبه مناسب است. یک جعبه با کیفیت خوب بخرید و همیشه ساز را داخل آن نگه دارید. جعبه را هم در جای خشک و با دمای مناسب بگذارید. دمای ایده‌آل برای ویولن بین ۱۸ تا ۲۵ درجه سانتی‌گراد است.

    برای اطلاعات بیشتر، به مقاله داستان عجیب مرگ موتسارت ،موسیقیدان نابغه مراجعه کنید.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه تفاوت پیانو، ارگ و کیبرد.

    بعد از هر بار نواختن، ویولن را تمیز کنید. گرد کلیفون معمولاً روی بدنه می‌نشیند و روی صدا تأثیر می‌گذارد. همچنین دست‌های شما چرب و آلوده هستند و این آلودگی به ساز منتقل می‌شود. به همین دلیل ویولن نیاز به تمیز کردن منظم دارد. برای پاک کردن آن از الکل، آب یا هر مایع دیگری استفاده نکنید؛ فقط یک دستمال نرم میکروفایبر را به آرامی روی سطح ساز بکشید.

    همیشه وضعیت خرک ویولن را چک کنید. خرک باید کاملاً صاف و در جای خود ثابت باشد. اگر درست نباشد، صدای ساز یا خیلی ضعیف یا خیلی بلند می‌شود.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه بیوگرافی استاد داوود آزاد.

    سیم‌های ویولن را هم به طور منظم عوض کنید. پیشنهاد می‌شود هر ۹ تا ۱۲ ماه یکبار این کار را انجام دهید، اما بستگی به میزان تمرین شما هم دارد. دو نشانه می‌گوید که وقت تعویض سیم‌ها رسیده: اول این که ویولن مدام از کوک خارج می‌شود، و دوم این که صدای آن دیگر گرم و شفاف نیست.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، حتماً بیوگرافی علی رهبری را بخوانید.

    توصیه می‌شود به مطالعه مقاله تاثیر موسیقی بر جنین و نوزاد ادامه دهید.

    هیچ وقت بیش از حد از کلیفون استفاده نکنید. کلیفون زیاد باعث اصطکاک زیاد بین سیم‌ها و آرشه می‌شود و در نتیجه صدای ویولن خش‌دار و نامطلوب می‌شود. علاوه بر این، کلیفون زیاد باعث کثیف و چسبنده شدن بدنه ساز شده و عمر آن را کم می‌کند.

    وقتی ویولن را در جعبه می‌گذارید و دیگر نمی‌نوازید، حتماً موهای آرشه را شل کنید. مطمئن شوید که کشش موها کاملاً کم شده و آرشه در حالت استراحت قرار دارد.

    توصیه می‌کنیم این مطلب تعریف کلی مدولاسیون و نقش آن در موسیقی را حتماً بخوانید.

  • آهنگساز کیست؟ چه می‌کند؟ چه وظایفی دارد؟

    آهنگساز کیست؟ چه می‌کند؟ چه وظایفی دارد؟

    در دنیای موسیقی، افراد با نام‌ها و عنوان‌های گوناگونی شناخته می‌شوند. برخی نوازنده هستند، بعضی موسیقی‌دان، عده‌ای تنظیم‌کننده و برخی دیگر ملودی‌ساز نامیده می‌شوند. در میان این عنوان‌ها، نام «آهنگساز» جایگاه ویژه‌ای دارد. در این نوشته قصد داریم به بررسی این نقش بپردازیم. اگر دوست دارید بدانید آهنگساز دقیقاً چه کاری انجام می‌دهد و وظایفش چیست، تا پایان این مطلب با ما همراه باشید. بعد از خواندن این نوشته، پیشنهاد می‌کنیم سری هم به «وبلاگ آنبین» بزنید تا آموزش‌های بیشتری در زمینه موسیقی دریافت کنید.

    آهنگساز کیست؟

    یک آهنگساز در واقع خالق موسیقی است. او افکار و عواطف خود را به زبان نت‌ها و آواها بیان می‌کند. بیشتر آهنگسازان از خطوط موسیقی برای ثبت اثر خود بهره می‌برند و راهنمایی‌های لازم را نیز برای نوازندگان یا خوانندگان در نظر می‌گیرند. قطعه‌ای که یک آهنگساز می‌نویسد باید به طور کامل و دقیق باشد و مواردی مانند سرعت اجرا، نشانه‌های موسیقایی، زمان‌های سکوت و دیگر جزئیات در آن به وضوح مشخص شده باشد. بسیاری از افراد فرق بین آهنگساز و کسی که فقط ملودی می‌سازد را نمی‌دانند و این دو را با هم یکی می‌پندارند.

    تاریخچه آهنگسازی

    در سده‌های میانه، موسیقی‌دانان بیشتر برای کلیساهای کاتولیک کار می‌کردند. در آن زمان، قطعاتی که می‌ساختند معمولاً مذهبی و با ملودی‌هایی ساده بودند. با رسیدن دوره رنسانس، آهنگسازان علاوه بر کلیسا، در خدمت ثروتمندان و اشراف نیز قرار گرفتند. در این دوره هم چنان موسیقی مذهبی ساخته می‌شد، اما گاهی موضوع آهنگ‌ها به «عشق درباری» تغییر می‌کرد. این قطعات عاشقانه غالباً درباره ستایش و عشق به یک بانوی بلندپایه و محترم بود.

    توصیه می‌شود به مطالعه مقاله منشاء موسیقی به کجا باز میگردد ادامه دهید.

    در دوره باروک نیز شرایط کم و بیش مانند گذشته ادامه یافت و آهنگسازان زیر نظر کلیسا یا اشراف فعالیت داشتند. برای نخستین بار در عصر کلاسیک، آهنگسازان کوشیدند با اجرای کنسرت‌های عمومی، قدمی به سوی استقلال بردارند و از وابستگی به نهادهای قدرتمند کم کنند. این روند در دوره رمانتیک نیز پیگیری شد.

    سرانجام در سده بیستم، آهنگسازان به استقلال کامل دست یافتند. برخی از آنان به تدریس در دانشگاه‌ها و مراکز هنری مشغول شدند و برخی دیگر با فروش آثار خود، منبع درآمدی شخصی برای خود ایجاد کردند.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، حتماً ساز چنگ را بیشتر بشناسید را بخوانید.

    آهنگساز چه وظایفی دارد؟

    برای اینکه بفهمیم یک آهنگساز چه کاری انجام می‌دهد، بهتر است ابتدا با کارهایی که بر عهده دارد آشنا شویم. یک آهنگساز مسئولیت‌های مختلف و زیادی دارد. در ادامه، بعضی از مهم‌ترین این وظایف را با هم مرور می‌کنیم.

    شناخت تئوری موسیقی

    یک آهنگساز باید اطلاعات گسترده‌ای درباره علم موسیقی داشته باشد. او باید با انواع سازها، نحوه ترکیب آن‌ها، هارمونی، رهبری گروه موسیقی و کنترپوان آشنایی کامل پیدا کند. همچنین لازم است تمام سازها را به خوبی بشناسد و حداقل توانایی نواختن یکی از آن‌ها را داشته باشد؛ چرا که باید بتواند صدای سازهای مختلف را در کنار یکدیگر به شکلی هماهنگ و زیبا ترکیب کند.

    توصیه می‌کنیم حتماً مقاله تفاوت تصنیف با سرود و آواز را مطالعه کنید.

    ساخت موسیقی

    وقتی از ما می‌پرسند آهنگساز چه کسی است، معمولاً پاسخ می‌دهیم: کسی که قطعات موسیقی را خلق می‌کند.
    یک آهنگساز برای ساختن یک قطعه موسیقی، در مرحله اول باید بر اساس خواست و نیاز سفارش‌دهنده، ایده‌هایی نو پیدا کند. سپس این ایده‌ها را با کمک نت‌های موسیقی روی کاغذ می‌آورد یا ثبت می‌کند.

    تنظیم

    یک آهنگساز خوب باید توانایی تنظیم قطعات موسیقی را هم داشته باشد. گاهی او لازم است قطعه‌های قبلی را تغییر دهد تا بتواند اثری تازه و بهبودیافته خلق کند. این تغییرات می‌تواند با کم یا زیاد کردن سازها، تغییر ریتم، ملودی یا هارمونی انجام شود.

    ضبط و میکس

    گاهی یک آهنگساز در مراحل ضبط و میکس قطعه موسیقی نیز نقش دارد. در این شرایط، آهنگساز باید دستگاه‌های صوتی مناسب را بشناسد و از متخصصان باتجربه در زمینه صدا کمک بگیرد.

    رهبری نوازندگان

    همانطور که گفتیم، یک آهنگساز باید توانایی رهبری ارکستر را هم داشته باشد. چرا که در بعضی مواقع، نوازندگان به اجرای زنده می‌پردازند و در این شرایط، آهنگساز است که باید هدایت و راهنمایی آن‌ها را در طول ضبط بر عهده بگیرد.

    مهارت‌های ارتباطی

    یک آهنگساز معمولاً در بیشتر جنبه‌های موسیقی مهارت دارد، اما برای خلق یک اثر کامل، لازم است با متخصصان دیگری مانند مهندسان صدا، نوازندگان و برنامه‌ریزان موسیقی همکاری کند. علاوه بر این، او باید با افرادی که قطعات موسیقی را سفارش می‌دهند نیز در ارتباط باشد. به همین دلایل، یک آهنگساز باید بتواند به خوبی با دیگران ارتباط برقرار کند و صبر و شکیبایی کافی نیز داشته باشد.

  • کوک در موسیقی چیست؟ + انواع روش‌های آن

    کوک در موسیقی چیست؟ + انواع روش‌های آن

    یکی از اولین چیزهایی که هر کسی می‌خواهد آواز بخواند یا سازی بنوازد باید بداند، مفهوم «کوک» است. اگر صدای یک خواننده یا نوازده‌ای کوک نباشد، یعنی آن صدا درست نیست و باید درستش کرد. در واقع، کوک مانند یک معیار و استاندارد است که همه سازها و صداها باید با آن هماهنگ باشند. اگر دوست دارید به زبان ساده بفهمید کوک دقیقاً چه معنایی در موسیقی دارد، پیشنهاد می‌کنیم این نوشته را تا پایان دنبال کنید. در این مقاله از وبلاگ آنبین، به طور کامل و با جزییات درباره مفهوم کوک و راه‌های دستیابی به آن صحبت خواهیم کرد.

    کوک در موسیقی چیست؟

    کوک کردن در موسیقی یعنی تنظیم زیر و بمی صداهای هر نت، طوری که فاصله‌های بین آن‌ها دقیق و قانون‌مند باشد. اگر گفته می‌شود صدای یک ساز یا خواننده ناکوک است، یعنی بعضی از نت‌ها یا زیادی زیر هستند یا زیادی بم، و جای درستی که باید باشند، نیستند.

    برای اطلاعات بیشتر، به مقاله نحوه تشخیص سازدهنی مناسب برای خرید مراجعه کنید.

    سازهای زهی مثل تار و ویولن بیشتر نیاز به کوک دارند، اما بعضی سازهای بادی هم قابلیت کوک شدن دارند.

    کوک کردن دو فایده اصلی دارد: اول اینکه کمک می‌کند قطعه را در گام درست اجرا کنیم و دوم اینکه باعث می‌شود صدای ساز ما با بقیه سازها هماهنگ و یکدست شود.

    انواع روش‌های کوک کردن

    برای کوک کردن سازتان، راه‌های مختلفی وجود دارد. شما می‌توانید از روش‌هایی مانند استفاده از نت مرجع، گوش دادن دقیق، روش هارمونیک و یا با کمک تیونر، ساز خود را کوک کنید. در ادامه، هر یک از این روش‌ها را به صورت جداگانه و ساده توضیح خواهیم داد.

    مقاله نکات جالب درمورد کالیمبا منبع بسیار خوبی برای یادگیری بیشتر است.

    برای درک عمیق‌تر این موضوع، مطلب نحوه نگهداری از ساز کالیمبا را بخوانید.

    نت مرجع

    یکی از معمول‌ترین راه‌ها برای کوک کردن سازها، استفاده از یک نت اصلی به عنوان مرجع است. به عنوان نمونه، اگر نت «لا» را با فرکانس ۴۴۰ هرتز به عنوان پایه در نظر بگیرید، می‌توانید بقیهٔ نت‌ها را هم بر اساس آن تنظیم کنید.

    هارمونیک

    صدای سیم اول ویولنسل در محدوده‌ی میانی، دقیقاً شبیه به صدای سیم دوم است، با این تفاوت که کمی جلوتر گرفته می‌شود. این حالت در سازهای گوناگون دیده می‌شود و شما می‌توانید با کمک این نواهای هارمونیک، ساز خود را به درستی کوک کنید.

    تیونر یا دیاپازون

    این روش، دقیق‌ترین و رایج‌ترین شیوه برای کوک کردن سازها در زمان حاضر است. در این روش، فرکانس یکی از نتها را به عنوان پایه و مرجع در نظر می‌گیریم و بقیهٔ نتها را بر اساس آن تنظیم میکنیم. وقتی چراغ دستگاه کوک‌ساز (تیونر) سبز رنگ شود، یعنی آن نت به درستی کوک شده است؛ اما اگر چراغ قرمز شود، نشان‌دهندهٔ این است که نت هنوز درست نیست و نیاز به تنظیم دارد.

    گوشی

    در این روش، شما ساز خود را با کمک صدای یک سیم یا ساز دیگر کوک می‌کنید. به عنوان مثال، نوازندگان گیتار معمولاً یکی از سیم‌ها را به عنوان مرجع در نظر می‌گیرند و سپس بقیهٔ سیم‌ها را با توجه به آن تنظیم می‌کنند. در گروه‌های موسیقی بزرگ مثل ارکسترها نیز همهٔ نوازندگان، سازهای خود را با توجه به نتِ «سی بمل» یا صدای سازهایی مانند کلارینت و ابوا، هماهنگ و کوک می‌کنند.

    کوک‌های غیر متداول

    در بعضی قطعه‌های موسیقی، از کوک‌های متفاوتی نسبت به حالت معمول استفاده می‌شود. نمونه‌ی بارز این حالت، قطعه‌ی “پنج سوئیت برای ویولنسل تنها” اثر باخ است. در این اثر، سیم اول ویولنسل، پایین‌تر از حد معمول کوک می‌شود تا صدای بم‌تری ایجاد کند.

  • خانه سمفونیک و موزیکال | ترکیب معماری و موسیقی

    خانه سمفونیک و موزیکال | ترکیب معماری و موسیقی

    همه ما سازها را به شکل‌های معمولی و آشنا دیده‌ایم. اما آیا تا به حال فکر کرده‌اید که یک ساز به شکل یک خانه باشد؟ یک معمار خلاق به نام «هانا والت» و یک هنرمند به نام «بیل کروز» این ایده را عملی کردند و در کنار ساحل دریاچه شمالی میشیگان، خانه‌ای ساختند که موسیقی تولید می‌کند.

    برای گسترش دانش خود، مقاله موسیقی کرال ایرانی چیست ؟ را مطالعه کنید.

    این خانه که «خانه سمفونیک» نام دارد، در واقع یک ساز موسیقی بسیار بزرگ است که کارهای مختلفی انجام می‌دهد. حتماً برایتان کنجکاو شده‌اید که این خانه چطور ساخته شده و چگونه عمل می‌کند. اگر دوست دارید پاسخ این پرسش‌ها را بدانید، ادامه مطلب را از دست ندهید. فراموش نکنید که برای مطالعه نوشته‌های جالب دیگر درباره موسیقی، به وبلاگ آنبین هم سری بزنید.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، تاریخچه ساخت اولین پیانو را از دست ندهید.

    در این مقاله روش صحیح مضراب زدن در سه تار اطلاعات مفیدی آمده است.

    مقاله بهترین کلاس تار در تهران منبع بسیار خوبی برای یادگیری بیشتر است.

    ساختمان خانه سمفونیک

    نمای بیرونی خانه

    در نمای بیرونی این خانه، دو ساز بادی آزمایشی نصب شده‌اند. ارتفاع هر یک از این سازها بیشتر از چهار و نیم متر است. این سازها به روشی طراحی شده‌اند که نیروی باد را گرفته و آن را به صوت تبدیل می‌کنند. سپس این صدای ایجاد شده به درون ساختمان و به طور مشخص، به فضای اصلی زندگی هدایت می‌شود.

    ورودی خانه

    به محض ورود به خانه، با یک فضای فشرده روبرو می‌شوید که در آن یک دیوار به ابعاد ۳.۶ در ۳.۶ متر دیده می‌شود. تمام سطح این دیوار با رشته‌سیم‌هایی که به صورت عمودی کنار هم قرار گرفته‌اند، پوشیده شده است. کافی است نوک انگشتان خود را به آرامی روی این سیم‌ها بکشید تا صدا تولید کنند؛ اما به دلیل فشرده بودن محیط، این صدا خیلی زود محو می‌شود.

    برای گسترش دانش خود، مقاله مفهوم گوشه در موسیقی را مطالعه کنید.

    راه پله

    پلکان خانه سمفونی، تلفیقی شگفت‌انگیز از هنر معماری و موسیقی است. شانزده سیم از جنس برنج، به صورت ایستاده از ابتدا تا انتهای پله‌ها امتداد یافته‌اند. صدای این سیم‌ها از نت‌های بم شروع می‌شود و به تدریج به نت‌های زیر ختم می‌گردد. هنگامی که از این پلکان بالا یا پایین می‌روید، می‌توانید با گام‌های خود، نغمه‌های موسیقی را به ترتیب اجرا کنید.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه اردشیر کامکار ،رونق دهنده هنر کمانچه نوازی معاصر.

    اتاق نشیمن

    اتاق نشیمن این خانه شبیه به ساز ویولنسل طراحی شده. در این فضا دو تیرک چوبی بلند به طول سیزده متر قرار داده شده که روی هر یک، هشت سیم برنجی نصب گردیده. روی این تیرک‌ها همچنین قطعات چوبی مکعبی شکل قرار گرفته‌اند که با تغییر دادن طول سیم‌ها، باعث تولید صداهای گوناگون از آن‌ها می‌شوند.

    توصیه می‌شود به مطالعه مقاله تار بهتر است یا سه تار؟ ادامه دهید.

    نحوه کارکرد خانه سمفونیک

    خانه سمفونیک به دو روش مختلف نواخته می‌شود:

    ۱. طبیعت، به ویژه باد و باران، نوازندگان این خانه هستند. اگر پنجره‌ها کمی باز باشند، وزش باد باعث لرزش سیم‌های بزرگ شده و از آنها صدا ایجاد می‌کند. همچنین هنگام باران، نورگیر سقفی خانه مانند یک طبل طبیعی عمل کرده و صدای باران را به صداهای کوبه‌ای تبدیل می‌کند.

    ۲. بازدیدکنندگان و ساکنان خانه نیز می‌توانند نوازنده این ساز بزرگ باشند. همان طور که گفته شد، با دست زدن به سیم‌ها یا حتی راه رفتن روی پلکان، صدا تولید می‌شود. در داخل خانه، دستکش‌های مخصوص و تکه‌ای کلیفون (ماده‌ای که برای ایجاد اصطکاک روی سیم‌ها استفاده می‌شود) وجود دارد. شما می‌توانید دستکش را به کلیفون آغشته کنید و سپس با کشیدن آن روی سیم‌های ضخیم، خودتان نوازنده این ارکستر معماری شوید.

    در صورت علاقه‌مندی، مطلب علت نامگذاری اسامی گوشه های ردیف موسیقی سنتی ایران را از دست ندهید.

    برای مطالعه بیشتر، به نکات مهم موسیقی که باید برای شروع به آن دقت نمایید سری سر بزنید.

  • بیوگرافی الویس پرسلی؛پرفروش‌ترین خواننده تاریخ!

    بیوگرافی الویس پرسلی؛پرفروش‌ترین خواننده تاریخ!

    الویس پرسلی خواننده، بازیگر و چهره مشهور فرهنگی قرن بیستم بود. او به دلیل شکستن رکوردهای بسیار در زمینه موسیقی، یکی از شناخته‌شده‌ترین خوانندگان جهان به شمار می‌رود. همچنین به او لقب «سلطان راک اند رول» داده‌اند. اگر دوست دارید سرگذشت او را از دوران کودکی تا پایان عمرش دنبال کنید، تا انتهای این نوشته همراه ما بمانید. علاوه بر این، می‌توانید مطالب آموزشی بیشتری درباره موسیقی در وبلاگ آنبین مطالعه کنید.

    دوران کودکی الویس پرسلی

    الویس پرسلی در هشتم ژانویه سال ۱۹۳۵ در شهر توپلو، واقع در ایالت می‌سی‌سی‌پی به دنیا آمد. او یک برادر دوقلو داشت که هنگام تولد فوت کرد. الویس رابطه‌ی نزدیکی با خانواده‌اش داشت و معمولاً همراه آن‌ها در مراسم کلیسا حاضر می‌شد. همین حضور در کلیسا باعث شد که علاقه‌اش به موسیقی شکل بگیرد.
    خانواده الویس با مشکلات مالی زیادی روبرو بودند و برای تامین غذا به کمک همسایگان و دولت وابسته بودند. این وضعیت در سال ۱۹۳۸ سخت‌تر هم شد؛ چون پدرش به مدت هشت ماه به زندان افتاد و خانه‌شان را نیز از دست دادند.

    خانه‌‌ای که الویس پرسلی در آن متولد شد

    خانه‌ای که الویس پرسلی در آن به دنیا آمد.

    در سال ۱۹۴۱، الویس پرسلی کلاس اول را شروع کرد. معلمانش او را دانش‌آموزی با سطح معمولی می‌شناختند؛ اما وقتی برای یکی از معلمانش آواز خواند، این نگاه عوض شد. همان معلم به او پیشنهاد کرد که در یک مسابقه آواز شرکت کند. این مسابقه در نمایشگاه می‌سی‌سی‌پی آلاباما برگزار شد و اولین باری بود که الویس در جمعی عمومی آواز خواند.

    چند ماه بعد، به مناسبت تولدش، یک گیتار به او هدیه داده شد. او نواختن گیتار را از دو عمویش و کشیش کلیسایی که خانواده‌اش می‌رفتند، آموخت. بعد از یادگیری، گاهی در جمع‌های کوچک گیتار می‌زد، اما از آواز خواندن در حضور دیگران خجالت می‌کشید.

    وقتی الویس در کلاس ششم درس می‌خواند، همکلاسی برادر کوچک‌تر خواننده‌ی مشهوری به نام «می‌سی‌سی‌پی اسلیم» شد. برادر اسلیم، وقتی دید الویس همیشه در مدرسه گیتار می‌زند و دیگران او را مسخره می‌کنند، او را به برادرش معرفی کرد. اسلیم به الویس نواختن گیتار را آموزش داد و وقتی الویس ۱۲ ساله بود، او را برای دو اجرا به برنامه‌ای رادیویی برد.

    نوجوانی

    الویس پرسلی در دوران راهنمایی، نمره‌های بسیار ضعیفی در درس موسیقی گرفت. معلم موسیقی‌اش حتی به او گفت که اصلاً استعداد خوانندگی ندارد. الویس هم همیشه از این که جلوی دیگران آواز بخواند خجالت می‌کشید و گاهی مورد تمسخر دوستانش قرار می‌گرفت.
    اما در سال ۱۹۵۰، او تصمیم گرفت بیشتر روی گیتار کار کند و از همسایه‌اش که کمی از خودش بزرگ‌تر بود، نواختن را یاد گرفت. کم‌کم با سه نفر دیگر گروه موسیقی تشکیل دادند و برنامه‌های کوچکی اجرا کردند.
    تا این که در سال ۱۹۵۳، الویس بر خجالتش چیره شد و در یک جشنواره محلی آواز خواند. همین اجرا باعث شد زندگی‌اش تغییر کند و در مدرسه به فردی محبوب تبدیل شود.

    شروع فعالیت حرفه‌ای الویس پرسلی

    در سال ۱۹۵۳، الویس پرسلی به یک استودیوی موسیقی به مدیریت سام فیلیپس رفت. او فقط می‌خواست دو آهنگ برای تولد مادرش ضبط کند. در استودیو، نامش را در فهرست خوانندگان بااستعداد ثبت کردند، اما کسی در آن زمان استعداد واقعی او را ندید. الویس بعد از آن در چند جای دیگر هم آزمون خوانندگی داد، ولی در همه رد شد. متأسفانه، او مجبور شد برای گذران زندگی، شغل رانندگی کامیون را انتخاب کند. حتی یکی از کسانی که او را در آزمون خوانندگی رد کرده بود، به او گفت:

    «توصیه می‌کنم به رانندگی کامیون پایبند باشید؛ زیرا شما هیچ‌وقت در خوانندگی موفق نخواهید شد.»

    اما خوشبختانه روزگار تغییر کرد. همان‌طور که گفتیم، الویس اولین ترانه‌هایش را در استودیوی سام فیلیپس ضبط کرده بود. فیلیپس در آن زمان به دنبال یک خواننده سفیدپوست با صدایی پراحساس و شبیه به خوانندگان سیاه‌پوست بود. این ویژگی دقیقاً در سبک الویس وجود داشت؛ کسی که سعی داشت موسیقی سیاهان آمریکا را زنده کند. از همین نقطه، راه پیشرفت و موفقیت الویس پرسلی آغاز شد.

    رکوردهای جهانی

    اولین آهنگ انفرادی الویس پرسلی با نام “هتل دل‌شکستگان” توانست رتبه اول جدول پرفروش‌ترین‌های آمریکا را به دست آورد.

    در سال ۱۹۷۳، کنسرت او به نخستین نمایش زنده جهانی توسط یک خواننده تک‌خوان تبدیل شد.

    الویس با فروش بیش از ۵۰۰ میلیون اثر موسیقی، در کتاب رکوردهای گینس به عنوان پرفروش‌ترین خواننده تکنفره تاریخ ثبت شده است.

    او سه جایزه گرمی دریافت کرد و در سن ۳۶ سالگی نیز جایزه یکعمر دستاورد هنری این مراسم را از آن خود کرد.

    الویس بیشترین تعداد گواهینامه‌های طلا و پلاتین را از انجمن صنعت موسیقی آمریکا دریافت کرده است.

    حتی پس از درگذشتش، در سال ۲۰۱۸، مدال آزادی رئیس‌جمهوری آمریکا نیز به او اهدا شد.

    رکوردهای جهانی الویس پرسلی

    سال‌های پایانی و مرگ غم‌انگیز الویس پرسلی

    الویس پرسلی پس از فوت همسرش، کم‌کم از دیگران فاصله گرفت و تنها شد. او در آن دوره با مشکل اضافه وزن و برخی بیماری‌های دیگر نیز درگیر بود. سرانجام در شانزدهم آگوست ۱۹۷۷، در حالی که بیهوش روی کف حمام پیدا شد، از دنیا رفت. او در آن زمان تنها ۴۲ سال سن داشت و قرار بود به زودی برای اجرای کنسرت‌های جدید به شهر پورتلند سفر کند؛ اما متأسفانه این برنامه هرگز عملی نشد.

    عروسی الویس پرسلی

    پزشکان اعلام کردند دلیل فوت الویس، ایست قلبی بوده است. هزاران نفر از سراسر دنیا برای مراسم تدفین او به شهر ممفیس سفر کردند. پرسلی در گورستان فارست هیل، در کنار قبر مادرش به خاک سپرده شد؛ اما متأسفانه برخی افراد تلاش کردند تا بدن او را بربایند! پس از این رویداد ناگوار، پیکر او و مادرش به محل اختصاصی‌شان در گریسلند منتقل شد.