دسته: آموزش های هنری

  • آهنگساز جنگ ستارگان کیست ؟

    آهنگساز جنگ ستارگان کیست ؟

    یکی از فیلم‌های به‌یادماندنی و مشهور در سراسر جهان، فیلم جنگ ستارگان است. این فیلم با موسیقی متن قدرتمند و تأثیرگذاری همراه است که آن را برای همیشه ماندگار کرده است. اما چه کسی بهترین موسیقی متن تاریخ سینمای آمریکا را ساخته و آهنگساز اصلی جنگ ستارگان است؟ در این نوشته از وبلاگ آموزشگاه موسیقی الهام، با جان ویلیامز آشنا می‌شویم.

    آهنگساز جنگ ستارگان کیست ؟

    جان ویلیامز، آهنگساز، رهبر ارکستر و نوازنده پیانو اهل آمریکا، در هشتم فوریه ۱۹۳۲ در نیویورک به دنیا آمد. او از شناخته‌شده‌ترین چهره‌ها در زمینه موسیقی فیلم در جهان است.

    ویلیامز یکی از موفق‌ترین و تحسین‌شده‌ترین آهنگسازان موسیقی متن در زمانه ما به شمار می‌رود. او تا به حال برای دریافت بیش از پنجاه جایزه معتبر در این حوزه نامزد شده و از این نظر، به موفقیتی کم‌نظیر و چشمگیر دست یافته است.

    این استاد موسیقی برای ۳۰۷ فیلم، موسیقی متن ساخته که یک رکورد قابل توجه محسوب می‌شود. نام او در فهرست افراد نابغه سال ۲۰۰۷ در رده هفتاد و دوم قرار گرفت.

    او در ساخت موسیقی ۴۸ فیلم، از رهبری ارکستر تا تنظیم نهایی، مشارکت مستقیم داشته که بسیاری از این فیلم‌ها جزو بهترین‌های تاریخ سینما هستند.

    ویلیامز چهل و پنج بار نامزد جایزه اسکار بهترین موسیقی شده و پنج بار این جایزه را کسب کرده است. بی‌تردید، موسیقی او نقش بسیار مهمی در تأثیرگذاری فیلم‌ها بر بینندگان داشته است.

    برای گسترش دانش خود، به مقاله بیوگرافی استاد حبیب الله بدیعی سر بزنید.

    برای گسترش دانش خود، مقاله ناشر نخستین آلبوم راک اند رول انگلیسی ایران که بود؟ را مطالعه کنید.

    همکاری طولانی‌مدت او با کارگردان نامی، استیون اسپیلبرگ، منجر به خلق آثاری ماندگار شده است. بسیاری، جان ویلیامز را یکی از برترین آهنگسازان موسیقی فیلم می‌دانند. او با بهره‌گیری از دانش موسیقی کلاسیک و خلاقیت هنری منحصربه‌فردش، سبکی را در آثارش خلق کرده که نشان می‌دهد هیچ سازی با تمام قابلیت‌هایش نمی‌تواند جای تجربه‌های ارزشمند او در دنیای موسیقی را بگیرد.

    در این مقاله سه‌ تار الکتریک ،اولین ساز الکتریک ایرانی اطلاعات مفیدی آمده است.

    در صورت علاقه‌مندی، مطلب شباهت ها و تفاوت های ساز قانون و سنتور را از دست ندهید.

    جان ویلیامزهمچنین  از مهارت بسیار زیادی در نواختن پیانو برخوردار است.

    علاقه او به موسیقی از همان کودکی و تحت تأثیر پدرش شکل گرفت. پدرش در ارکستر رادیو سی‌بی‌اس و همچنین در گروه موسیقی ریموند اسکات، نوازنده سازهای کوبه‌ای بود. موسیقی‌های فیلمی که جان ویلیامز ساخته، اغلب به دلیل حال و هوای قهرمانانه و حماسی‌شان شناخته می‌شوند.

    توصیه می‌شود به مطالعه مقاله جایگاه مهم موسیقی در دوران هخامنشیان ادامه دهید.

    اگر سوالاتی دارید، مقاله آشنایی با فواصل موسیقی ایرانی به شما کمک خواهد کرد.

    او در طول فعالیت حرفه‌ای خود که بیش از شش دهه به طول انجامیده، موسیقی بیش از صد فیلم سینمایی را ساخته یا رهبری کرده است. بسیاری از قطعه‌های معروفی که برای فیلم‌هایی مانند «آرواره‌ها»، مجموعه «جنگ ستارگان»، «سوپرمن»، مجموعه «ایندیانا جونز»، «پارک ژوراسیک»، «تنها در خانه»، «فهرست شیندلر» و همچنین سه فیلم اول از مجموعه «هری پاتر» ساخته شده‌اند، از آثار او هستند.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه آشنایی با بانو سیمین آقارضی.

    در این مقاله پدر پیانوی ایران کیست ؟ اطلاعات مفیدی آمده است.

    جان ویلیامز علاوه بر این، برای بازی‌های المپیک، برنامه‌های تلویزیونی و کنسرت‌های متعدد نیز موسیقی تصنیف کرده است. او از سال ۱۹۸۰ تا ۱۹۹۳ نیز به عنوان رهبر اصلی ارکستر بوستون پاپز فعالیت داشته است.

    اطلاعات جامع‌تری در مورد این موضوع را در کدام انیمیشن ها بهترین موسیقی متن را داشته اند؟ پیدا کنید.

    جان ویلیامز و آهنگسازی برای Star Wars

    انجمن فیلم آمریکا با اتفاق نظر، یکی از معروف‌ترین قطعات موسیقی متن ساخته‌شده توسط او را به عنوان برترین موسیقی متن تاریخ سینمای آمریکا برگزیده است. این قطعه، همان موسیقی‌ای است که در سال ۱۹۷۷ برای فیلم «جنگ ستارگان» (Star Wars) خلق شد. در حقیقت، همان‌طور که نام جرج لوکاس به عنوان کارگردان این فیلم شناخته شده است، او نیز به خاطر آهنگسازی موسیقی متن «جنگ ستارگان» شهرت فراوانی دارد.

    **دستاوردها و افتخارات**
    جان ویلیامز اولین بار در سال ۱۹۶۷ برای موسیقی فیلم «دره عروسک‌ها» نامزد دریافت جایزه اسکار شد و سپس در سال ۱۹۷۱ با فیلم «ویولن‌زن روی بام» اولین اسکار خود را به دست آورد.
    او در سال ۱۹۷۴ و پس از درگذشت همسرش که علاقه‌مند به ویولون بود، یک کنسرت ویولون به یاد او اجرا کرد. ویلیامز چهار بار دیگر نیز برای فیلم‌های «آرواره‌های کوسه»، «جنگ ستارگان»، «ای.تی.» و «فهرست شیندلر» موفق به دریافت جایزه اسکار شد.
    او پنج بار نامزد جایزه گرمی شده که دو بار برای فیلم‌های «جین ایر» و «هایدی» این جایزه را کسب کرده است.
    این آهنگساز ۵۲ بار نامزد دریافت جایزه گوی طلایی شده و ۱۸ بار آن را برنده شده است. همچنین، ۱۸ بار نامزدی دیگر برای این جایزه از دیگر افتخارات اوست و سه بار نیز برای فیلم‌های «آرواره‌های کوسه»، «جنگ ستارگان» و «ای.تی.» گوی طلایی را دریافت کرده است.
     

  • زندگینامه حسین گل‌گلاب،شاعر ترانه ای ایران

    زندگینامه حسین گل‌گلاب،شاعر ترانه ای ایران

    استاد حسین گل‌گلاب از برجسته‌ترین چهره‌های هنری ایران است و آشنایی با سرگذشت او می‌تواند بسیار جالب و آموزنده باشد. در این نوشته از وبلاگ آنبین، شما را بیشتر با زندگی و آثار این استاد بزرگ موسیقی و هنر آشنا می‌کنیم.

    زندگینامه حسین گل‌گلاب

    حسین گل گلاب یک دانشمند گیاه‌شناس، ادیب، نویسنده، شاعر، مترجم، استاد دانشگاه، نوازنده، موسیقی‌دان، عکاس و هنرمند ایرانی بود. او در سال ۱۲۷۶ در تهران به دنیا آمد و بر زبان‌های فرانسه، انگلیسی، روسی، عربی و لاتین مسلط بود.

    پدر او ابوتراب خان، معروف به معدی مصورالملک، از نقاشان و عکاسان سرشناس دوره قاجار به شمار می‌رفت و در نقاشی روی سنگ استعداد ویژه‌ای داشت.

    مصورالملک برای آموزش فرزندش ارزش زیادی قائل بود. از آنجا که با موسیقی‌دانان زمان خود دوست بود، پسرش را نیز با موسیقی آشنا کرد. به این ترتیب، گل‌گلاب نواختن تار و سه‌تار را نزد استادانی چون آقا حسینقلی و درویش خان آموخت. پس از تأسیس مدرسهٔ موسیقی وزیری، او از نخستین شاگردان این مدرسه شد و همراه با کاظم وزیری و علینقی وزیری در زمینه موسیقی فعالیت کرد و بعدها در همانجا به آموزش مشغول شد.

    تحصیلات ابتدایی خود را در مدرسه علمیه زیر نظر استادان برجسته آن دوران مانند عبدالعظیم قریب، میرزا ابراهیم قمی مسعودی، غلام‌حسین رهنما و شمس‌العلما قریب گرکانی به پایان رساند.

    تحصیل در دارالفنون

    برای ادامه تحصیل در مقطع دبیرستان، وارد مدرسه دارالفنون شد و زبان فرانسه را از آموزگاران فرانسوی آنجا فراگرفت.
    او علاوه بر انگلیسی و فرانسه، مبانی اولیه زبان روسی را نیز در کلاس‌های اسکندرخان ماردیروسیان یاد گرفت. پس از اتمام تحصیلاتش در دارالفنون در سال ۱۲۹۵، از سال ۱۲۹۸ به آموزش علوم طبیعی در همان مدرسه مشغول شد.
    حسین گل‌گلاب نخستین کسی بود که در ایران کتاب درسی برای درس طبیعی نوشت. از سال ۱۳۰۴ تا ۱۳۱۷، دوازده جلد کتاب در زمینه جغرافیا و علوم طبیعی تألیف کرد که در مدارس تدریس می‌شد. او از سال ۱۳۰۷ مسئول پژوهش‌های علمی در زمینه گیاه‌شناسی شد و از زمان بنیان‌گذاری دانشگاه تهران تا سال ۱۳۴۵ به تدریس ادامه داد و هرگز به سمت سیاست یا تجارت نرفت. وی عضو فرهنگستان ایران بود و واژه‌های بسیاری، به ویژه در رشته علوم طبیعی، پیشنهاد داد که مورد پذیرش قرار گرفت و امروزه به طور کامل در زبان فارسی رواج دارد.

    موسیقی

    دقت و ظرافت گل‌گلاب که از دانش و تجربه‌اش در علوم طبیعی سرچشمه می‌گرفت، در دنیای موسیقی نیز به خوبی دیده می‌شد و او را در هر دو زمینه در میان استادان بزرگ زمان خود قرار می‌داد.
    گل‌گلاب در کنار این که در نواختن ساز هم‌پای برترین استادان روزگارش، نوازنده‌ای چیره‌دست محسوب می‌شد، در سرودن شعر و ترانه نیز هم‌تراز با نام‌های بزرگی مانند شیدا، عارف قزوینی و ملک‌الشعرای بهار بود.
    او از شاعران توانای دوره خود به شمار می‌رفت. از آنجا که هم با نت‌های موسیقی آشنا بود و هم درک عمیقی از موسیقی داشت، برخلاف بسیاری از شاعران که ساختن شعر بر روی آهنگ برایشان دشوار بود، می‌توانست واژه‌ها را به خوبی با نواهای موسیقی هماهنگ کند.
    او با تشویق وزیری، چندین سرود و تصنیف ساخت که از میان آنها می‌توان به سرودهای میهنی «ای ایران» و «آذر آبادگان» با اجرای بنان و نیز «خاک ایران» و «پایدار ایران» اشاره کرد.
    تصنیف‌های دیگری مانند «زبان عشق» با صدای عبدالعلی وزیری، «ره عشق» و «بلبل مست» با اجرای بنان و همچنین «وصال دوست» که وزیری آن را در پرده اصفهان ساخته بود، از آثار به یادگار مانده از او هستند.

    سرود ای ایران

    دکتر حسین گل‌گلاب، کسی است که شعر سرود میهنی «ای ایران» را سرود. بر اساس روایتی، پس از پایان جنگ جهانی دوم و در زمانی که نیروهای روس، انگلیس و آمریکا ایران را اشغال کرده بودند، در سال ۱۳۲۳ اتفاقی رخ داد. روزی دکتر گل‌گلاب از خیابان هدایت می‌گذشت که شاهد رفتار بی‌ادبانه‌ی برخی سربازان خارجی با مردم شد.

    او پس از دیدن این صحنه، با ناراحتی به انجمن موسیقی ملی در همان خیابان هدایت (محله ولی‌آباد) رفت و ماجرا را برای روح‌الله خالقی تعریف کرد. این داستان، خالقی را بسیار ناراحت و متأثر کرد.

    همین اتفاق، انگیزه‌ای شد تا خالقی یک ملودی بسازد و گل‌گلاب نیز بر روی آن شعر بسراید. نتیجه‌ی این همکاری، سرود «ای ایران» بود. اولین اجرای این سرود در ۲۷ مهرماه ۱۳۲۳، در نخستین کنسرت ارکستر انجمن موسیقی ملی در سالن سینما تهران، واقع در خیابان استانبول انجام شد و برای دو شب پیاپی ادامه یافت.

    در همان مراسم، این سرود سه بار تکرار شد و هر بار، شور و احساسات عمیقی در میان شنوندگان برانگیخت. استقبال چشمگیر از این اثر باعث شد وزیر فرهنگ وقت، گروه نوازندگان را به استودیوی رادیو بفرستد تا صفحه‌ای از آن ضبط شود و پس از آن، هر روز از رادیو تهران پخش گردد.

    دکتر گل‌گلاب در سال ۱۳۲۴ به عنوان معاون دانشکده پزشکی انتخاب شد. در آن زمان ریاست دانشگاه بر عهده پروفسور اوبرلین بود. پس از چند سال، ایشان به سمت مدیرکل دبیرخانه دانشگاه و ریاست انجمن زیست‌شناسی ایران منصوب شدند و برای ادامه پژوهش و مطالعه به کشورهای شوروی، بلژیک و انگلستان سفر کردند.

    یکی از سفرهای مهم ایشان، حضور در جشن‌های دویست و بیست‌ساله تأسیس فرهنگستان علوم شوروی در خردادماه ۱۳۲۴ بود که با دعوت ویژه از ایشان انجام شد.

    درگذشت استاد :

    در نهایت، حسین گل‌گلاب در اسفندماه سال ۱۳۶۳ و در سن ۸۷ سالگی چشم از جهان فروبست.
    یادش همواره زنده و روانش شاد باد.

  • تاثیر موسیقی بر درک ریاضی

    تاثیر موسیقی بر درک ریاضی

    یادگیری موسیقی می‌تواند تأثیرات عمیقی بر زندگی و نگاه ما به دنیای اطراف بگذارد. یکی از این تأثیرات که تحقیقات آن را ثابت کرده، ارتباط بین موسیقی و درک بهتر ریاضیات است. در این نوشته از وبلاگ آنبین، بیشتر درباره این موضوع خواهید خواند.

    موسیقی و ریاضی

    از دید یونانیان قدیم، موسیقی و ریاضیات پیوندی ژرف با یکدیگر داشتند. در واقع از دوران باستان، نسبت‌ها و قوانین حاکم بر اعداد و موسیقی، مورد توجه اندیشمندان قرار گرفته بود.
    فیثاغورث، دانشمند و فیلسوف یونانی، از پیشگامانی بود که این رابطه را در میان سیم‌های صوتی بررسی کرد.

    تاثیر موسیقی بر درک ریاضی

    احساساتی که هنگام حل یک مسئله ریاضی به وجود می‌آیند، بسیار شبیه به احساساتی هستند که در زمان نواختن یک قطعه موسیقی تجربه می‌کنیم. در هر دو مورد، عنصر اصلی و مشترک، خلاقیت است.
    بر پایه پژوهش‌های انجام شده، کودکانی که می‌توانند پیانو بنوازند، در حل تمرین‌های ریاضی و همچنین در بازی‌هایی مانند شطرنج و پازل، قدرت تفکر و استدلال قوی‌تری دارند.
    همچنین، مطالعات دیگر نشان داده است بسیاری از دانشجویان ریاضی که در دوران دانشگاه، درس موسیقی نیز گذرانده‌اند، در مقایسه با دیگر هم‌درس‌های خود، مفاهیم ریاضی را بهتر و سریع‌تر فرا می‌گیرند.
    در واقع، از دیرباز ریاضیدانان علاقه‌ی فراوانی به موسیقی و آموختن آن داشته‌اند. به طور کلی، آگاهی از تأثیر موسیقی بر یادگیری ریاضی موضوع تازه‌ای نیست و معلمان از سده‌ها پیش به نقش مهم موسیقی در پرورش ذهن برای درک مسائل ریاضی واقف بوده‌اند.

    برای گسترش دانش خود، مقاله چه افرادی از کاپو استفاده می‌کنند؟ را مطالعه کنید.

    دستور زبان موسیقی را مغز با استفاده از ریاضیات دیکته میکند

    تقارن یک مفهوم هندسی و از موضوعات ریاضی است. با این حال، ردپای آن را در ساخته‌های بسیاری از آهنگسازان نیز می‌توان دید.
    در آثار موسیقی فراوانی، یک درون‌مایه یا ملودی کوتاه، با تغییراتی کوچک، چندین بار در طول قطعه تکرار می‌شود. گاهی این تکرار با تأخیر نسبت به بار قبل آغاز می‌گردد یا حتی از پایان به آغاز اجرا می‌شود.
    گاهی نیز آن ملودی با سرعتی نصف شده و کشیده، یا برعکس، با سرعتی دو برابر و فشرده نواخته می‌شود. شاید شناخته‌شده‌ترین نمونه‌های تقارن در موسیقی، در آثار یوهان سباستیان باخ یافت شود.
    پایبندی دقیق به قواعد هارمونی، ریتمی شفاف و جمله‌بندی منظم در کارهای باخ، باعث شده تا قطعات او از نظر شنوندگان، ترکیبی از نظم ریاضی و زیبایی احساسی به نظر برسد. از برجسته‌ترین نمونه‌های این ویژگی، می‌توان به مجموعه‌ای به نام “پیشکش موسیقایی” اشاره کرد که باخ در سال ۱۷۴۷ خلق کرد.

    در صورت علاقه‌مندی، مطلب بیوگرافی محمد اصفهانی را از دست ندهید.

    توصیه می‌کنیم حتماً مقاله آشنایی با سبک موسیقی هیپ هاپ را مطالعه کنید.

    توصیه می‌شود به مطالعه مقاله فرت گیتار چیست؟ ادامه دهید.

    توصیه می‌کنیم حتماً مقاله آواز خواندن از چه سنی مناسب است؟ را مطالعه کنید.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه بالاترین عمل پرستش در کلیسای غرب با فرم مس.

    بررسی جنبه های مختلف موسیقی بر ریاضی

    خیلی از مردم موسیقی را تنها به چشم یک هنر می‌بینند، اما در واقع موسیقی پیوندی ژرف و ناگسستنی با ریاضیات دارد.
    در واقع نه‌تنها نتها و صداهای موسیقی از نظر بلندی و فرکانس با ریاضیات مرتبط هستند، بلکه این ارتباط آن‌قدر گسترده است که می‌توان یک قطعه موسیقی را به‌طور کامل با روابط ریاضی بررسی و تحلیل کرد. موسیقی‌دانان بر این باورند که هماهنگی و تعادل چشمگیری بین موسیقی و دانش ریاضی وجود دارد.

  • گلنوش خالقی، آغازگر رشتهٔ رهبری موسیقی بانوان در ایران

    گلنوش خالقی، آغازگر رشتهٔ رهبری موسیقی بانوان در ایران

    گلنوش خالقی اولین بانوی ایرانی است که به‌صورت آکادمیک و تخصصی در زمینه رهبری ارکستر موسیقی آموزش دید و تحصیل کرد. در این نوشته از وبلاگ آنبین، بیشتر با زندگی و کارهای این هنرمند آشنا می‌شویم.

    زندگینامه گلنوش خالقی

    گلنوش خالقی در هفدهم دی‌ماه سال ۱۳۱۹ در تهران به دنیا آمد. او یک موسیقی‌دان، آهنگساز، رهبر ارکستر و رهبر گروه کُر ایرانی بود. پدرش روح‌الله خالقی نام داشت و گلنوش نخستین بانوی ایرانی محسوب می‌شود که تحصیلات آکادمیک و تخصصی در زمینه رهبری موسیقی را به پایان رساند.

    او پیش از انقلاب سال ۱۳۵۷، رهبری گروه کُر رادیو و تلویزیون ملی ایران را بر عهده داشت. گلنوش خالقی در سال ۱۳۵۸ به آمریکا مهاجرت کرد.

    توصیه می‌شود به مطالعه مقاله آیا پدر سمفونی ایران را می شناسید؟ ادامه دهید.

    آغاز کار هنری

    این هنرمند در سال ۱۳۳۰ وارد هنرستان موسیقی ملی شد و یادگیری ساز پیانو را شروع کرد. از جمله استادان او در هنرستان می‌توان به حسن صبا، جواد معروفی و مصطفی کمال پورتراب اشاره کرد.
    او در سال ۱۳۳۸ و پس از گرفتن دیپلم هنرستان موسیقی ملی، با رتبه اول به هنرستان عالی موسیقی راه پیدا کرد و شاگرد امانوئل ملیک اصلانیان شد.
    پس از یک سال، دیپلم هنرستان عالی موسیقی را نیز با رتبه اول دریافت نمود و سپس به عنوان دستیار استاد، به تدریس پیانو و سرایش در همان هنرستان عالی موسیقی پرداخت.

    تحصیلات

    او در سال ۱۳۴۱ برای ادامه تحصیل در موسیقی به اتریش رفت و در آکادمی موتزارتئوم سالزبورگ، رشته رهبری کر را خواند. پس از سه سال به آمریکا رفت و تحصیلاتش را در کالج اوبرلین در اوهایو پی گرفت.
    سپس در سال ۱۳۵۳ موفق به دریافت مدرک فوق لیسانس رهبری کر از دانشگاه ویسکانسین در شهر مدیسون شد. در این دوره با رهبران مطرحی مانند رابرت فاونتن و کورت پرستل همکاری کرد.
    در همان سال، پس از دعوت رادیو و تلویزیون ملی ایران، به کشور بازگشت و گروه “هم آوازان” را تشکیل داد. هدف این گروه اجرای آثار کلاسیک مخصوص کر و ارکستر بود.
    او در زمان کنسرت‌های هنری گلنوش خالقی در ایران، با وی همکاری می‌کرد. فعالیت گروه هم آوازان تا زمستان ۱۳۵۷ ادامه پیدا کرد.
    آخرین کار این گروه، ضبط پنهانی سرود آزادی ساخته گلنوش خالقی با شعری از فریدون مشیری بود. خاطره تلخ از هم پاشیدن گروه هم آوازان، تا پایان عمر در ذهن گلنوش ماند.
    خالقی در سال ۱۳۵۸ دوباره به آمریکا مهاجرت کرد و کارهای هنری خود را در کانون دوستداران فرهنگ ایران شروع نمود.
    او در سال ۱۳۶۴ با کمک تعدادی از نوازندگان ایرانی و آمریکایی، ارکستر روح‌الله خالقی را با بیست نوازنده در آمریکا پایه‌گذاری کرد و نزدیک به پنج سال رهبری آن را بر عهده داشت. تأمین هزینه و پشتیبانی برای این ارکستر بسیار سخت بود و با وجود استقبال خوب از اجراها، ادامه کار از سال ۱۳۶۹ ممکن نشد.
    وی در سال ۱۳۶۹ برای برگزاری کنسرت به ایران آمد و قصد داشت به مناسبت بیست و پنجمین سالگرد درگذشت پدرش، روح‌الله خالقی، برنامه‌هایی در تهران و دیگر شهرها اجرا کند.
    اما به دلیل “زن بودن”، اجازه رهبری و اجرای عمومی در ایران را دریافت نکرد. در این مدت، دو آلبوم موسیقی از آثار روح‌الله خالقی با نام می ناب را ضبط کرد و پس از چند ماه، دوباره ایران را به مقصد آمریکا ترک گفت.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه نحوه نگهداری صحیح از پیانو.

    انتشار بیانیه در دفاع از سرود ای ایران

    گلنوش خالقی در اسفندماه سال ۱۳۹۷ بیانیه‌ای منتشر کرد و از سرود «ای ایران» که ساخته روح‌اله خالقی است، دفاع نمود. او در این بیانیه، اقدام مسئولان استان قدس رضوی را مورد انتقاد قرار داد. به گفته او، این نهاد از ملودی سرود «ای ایران» استفاده کرده‌است. گلنوش خالقی این کار را دزدی فرهنگی و هنری، آسیب زدن به یک اثر ملی، تغییر دادن آن و همچنین قرار دادن متنی در جهت تبلیغ مذهب شیعه و امامان آن دانست. او این اقدام را محکوم کرد و از مردم درخواست کرد تا نسبت به آن اعتراض کنند.

    اطلاعات جامع‌تری در مورد این موضوع را در مصاحبه آموزشگاه الهام با ماهر پورعبیات، مدرس گیتار پیدا کنید.

    برای گسترش دانش خود، به مقاله جیمی هندریکس، بهترین نوازنده‌ی تاریخ سر بزنید.

    برای مطالعه بیشتر، به ابداع‌گر سنفونی و چهارنوازی برای سازهای زهی کیست؟ سری سر بزنید.

    برای اطلاعات بیشتر، به مقاله عصمت‌الدوله نخستین پیانیست زن ایرانی مراجعه کنید.

    درگذشت

    گلنوش خالقی در بیست و ششم بهمن ماه سال ۱۳۹۹، در سن هشتاد سالگی، در شهر واشنگتن دی‌سی چشم از جهان فروبست.
    یادش به خیر و روانش شاد باد.

  • تفاوت سنتور یک مهر و دو مهر چیست؟ کدام بهتر است؟

    تفاوت سنتور یک مهر و دو مهر چیست؟ کدام بهتر است؟

    سنتور یک ساز اصیل ایرانی است و تاریخ‌دانان معتقدند مخترع آن ابونصر فارابی بوده است. این ساز به شکل ذوزنقه ساخته می‌شود و دارای سیم‌هایی از جنس مس و فلز است. نوازنده می‌تواند در سه بخش مختلف روی آن نوازندگی کند. هنگام خرید سنتور، دقت به کیفیت ساز بسیار اهمیت دارد. یکی از نکاتی که به تشخیص کیفیت کمک می‌کند، توجه به مهر ساز است. در این نوشته از وبلاگ آنبین، قصد داریم تفاوت بین سنتورهای یک‌مهر و دو‌مهر را بررسی کنیم. تا پایان این مطلب همراه ما بمانید.

    برای گسترش دانش خود، به مقاله نکات مربوط به نگهداری پوست تنبک سر بزنید.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه نکات مهم در مورد پدال پیانو.

    مهر ساز به چه معناست؟

    مهر ساز، در واقع امضای سازنده یا نشانه برند اوست. وقتی سازنده‌ای یک ساز می‌سازد، برای اطمینان از کیفیت کار، نام یا نشان خود را روی آن حک می‌کند. این مهر، مانند لوگوی یک شرکت عمل می‌کند.

    مهر را می‌توان روی قسمت‌های مختلف ساز قرار داد. معمولاً هرچه تعداد این مهرها بیشتر باشد، نشان‌دهنده دقت بیشتر در ساخت، کیفیت بهتر چوب و مواد اولیه است. اما توجه داشته باشید که صرف وجود مهر به معنای خوب بودن ساز نیست؛ مهم این است که مهر متعلق به یک سازنده معتبر و با تجربه باشد.

    سازهایی مانند سنتور، تار، سه‌تار، کمانچه، دف و تنبک می‌توانند یک یا چند مهر داشته باشند.

    برای اطلاعات بیشتر، به مقاله انواع پوست تنبک و مشخصات آن ها مراجعه کنید.

    به زبان ساده، یکی از روش‌های قدیمی برای طبقه‌بندی و شناخت ساز سنتور، توجه به مهر آن است. وقتی قصد خرید سنتور دارید، ممکن است با سازهایی روبرو شوید که یک، دو یا حتی سه مهر دارند. معمولاً با افزایش تعداد این مهرها، قیمت سنتور نیز بیشتر می‌شود.

    تفاوت سنتور یک مهر و دو مهر

    مهر روی سازها در واقع روشی است که سازنده با آن، کیفیت یک ساز را در مقایسه با سازهای دیگر خود نشان می‌دهد. به عنوان مثال، یک سنتور با دو مهر از یک سازنده، معمولاً باید کیفیت بالاتری نسبت به سنتور یک مهر از همان سازنده داشته باشد. تعداد این مهرها — یک یا دو مهر — را خود سازنده تعیین می‌کند. در واقع، سازنده با گذاشتن یک یا دو مهر روی سازش، میزان رضایت خود از آن ساز در مقایسه با سازهای مشابهی که ساخته است را بیان می‌کند. پس به این ترتیب می‌توان تفاوت بین سنتور یک مهر و دو مهر را درک کرد.

  • مشکل تعدد مهر های ساز چیست؟

    مشکل تعدد مهر های ساز چیست؟

    در نوشته‌های قبلی به طور کامل درباره ویژگی‌های مهر و تفاوت بین سازهای تک‌مهر و دو‌مهر صحبت کردیم. اکنون در این یادداشت از وبلاگ آنبین، قصد داریم درباره‌ی کاستی‌ها و دشواری‌های داشتن چندین مهر بر روی ساز توضیح دهیم. تا پایان این مطلب با ما همراه بمانید.

    توصیه می‌شود به مطالعه مقاله چه سازهایی در سبک راک مورد استفاده قرار می گیرد؟ ادامه دهید.

    برای گسترش دانش خود، به مقاله بیوگرافی استاد حسن کسایی سر بزنید.

    توصیه می‌کنیم حتماً مقاله آشنایی با بانو سیمین آقارضی را مطالعه کنید.

    مشکل تعدد مهر های ساز چیست؟

    مشکل اصلی در این روش قیمت‌گذاری این است که برخی سازندگان، آشنایی کمی با نوازندگی و ویژگی‌های صدای ساز دارند. به همین دلیل، بیشتر معیارهای مربوط به کیفیت چوب را — که خود نیز اغلب سلیقه‌ای است — مبنای تعیین قیمت قرار می‌دهند. یا به دلیل نداشتن دانش کافی درباره‌ی صداسازی و نوازندگی، نمی‌توانند ارزیابی درستی از ارزش واقعی ساز داشته باشند.

    برای اطلاعات بیشتر، به مقاله سوئیت ،مجموعه‌ای از چند موومان الهام گرفته از رقص مراجعه کنید.

    به همین خاطر گاهی می‌بینیم ساز یک‌مهره، صدایی بهتر از ساز سه‌مهره دارد. متأسفانه مشکل به همین جا محدود نمی‌شود. زیرا در بسیاری موارد، سازنده تنها یک روش ساخت را یاد می‌گیرد و مثلاً از سازِ سازنده‌ی خاصی تقلید می‌کند. برای اینکه زودتر به مرحله‌ی تولید و فروش برسد، همان روش اولیه‌ای را که در سازهای ابتدایی خود به کار برده، ادامه می‌دهد. سپس برای توجیه قیمت‌های بالاتر، فقط تعداد مهرها را روی ساز افزایش می‌دهد. در واقع این دسته از سازندگان تنها می‌دانند چگونه یک نوع ساز بسازند و فقط با تغییر تعداد مهرها، محصولات متفاوت ارائه می‌کنند.

    سنتور یک مهر و دو مهر کدام را بخرم؟

    همانطور که پیش‌تر اشاره شد، دو مهر بودن یک سنتور لزوماً به معنای بهتر یا باکیفیت‌تر بودن آن نیست. حتی سنتورهای تک‌مهری هم پیدا می‌شوند که صدایشان از برخی نمونه‌های دو مهره مشابه، خوش‌تر و دلنشین‌تر است.

    همه‌ی سازندگان هم از روش یک مهر یا دو مهر استفاده نمی‌کنند. برخی از آن‌ها سازهای خود را بر اساس طرح و مدل دسته‌بندی می‌کنند. مثلاً مدل «مافی» را در انواع ساده، خاتم‌کاری شده یا طرح‌دار می‌سازند، یا مدل «سیف» را در انواع ساده، چهار خط، سفارشی و گل‌دار ارائه می‌دهند.

    در اینجا می‌توانید اطلاعات کامل‌تری درباره نکات مهم موسیقی که باید برای شروع به آن دقت نمایید بیابید.

    برای گسترش دانش خود، مقاله تار بهتر است یا سه تار؟ را مطالعه کنید.

    برای گسترش دانش خود، به مقاله بیوگرافی استاد فرهنگ شریف سر بزنید.

    در اینجا می‌توانید اطلاعات کامل‌تری درباره آیا جنس فرت ها درگیتار از نقره است؟ بیابید.

    مقاله پنج اشتباه رایج گیتاریست ‌ها حاوی اطلاعات جامعی است.

    بعضی سازندگان دیگر هم مانند «ایرانی» یا «موسوی» ممکن است مدل‌های «یک مهر»، «یک مهر ویژه» یا «دو مهر» داشته باشند. پس می‌بینیم که تقسیم‌بندی یک مهر و دو مهر در همه‌جا یک رسم همگانی نیست. برخی سازندگان هم فقط یک مدل خاص تولید می‌کنند، چه تک‌مهر و چه دو مهر.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، حتماً ناشر نخستین آلبوم راک اند رول انگلیسی ایران که بود؟ را بخوانید.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه شباهت ها و تفاوت های ساز قانون و سنتور.

    اما به طور کلی، وقتی سنتورهای یک مهر و دو مهر را با هم مقایسه می‌کنیم، سازهای دو مهر معمولاً از نظر کیفیت ساخت — که شامل مواردی مانند پل‌گذاری دقیق، تراش و پرداخت بهتر چوب، استفاده از چوب‌های مرغوب‌تر و زمان بیشتری که برای ساختن آن صرف شده است — در سطح بالاتری قرار دارند. انتظار می‌رود این سازها صدای بهتری تولید کنند و کیفیت کلی بالاتری داشته باشند، چون زمان و دقت بیشتری برای ساختشان صرف شده و اغلب از مواد اولیه‌ی درجه‌یک‌تری در آنها استفاده می‌شود. از این نظر معمولاً برتر در نظر گرفته می‌شوند و در اصطلاح می‌گویند «کار دو مهر» است، یعنی از نظر معیارهای ساخت، از کار یک مهر بالاتر است.

    برای گسترش دانش خود، مقاله بهترین کلاس تار در تهران را مطالعه کنید.

  • مصاحبه آموزشگاه الهام با علیرضا فیروزیان، مدرس فلوت

    مصاحبه آموزشگاه الهام با علیرضا فیروزیان، مدرس فلوت

    علیرضا فیروزیان، یکی از مدرسان با تجربه و قدیمی آنبین است که در آموزش ساز فلوت و همچنین موسیقی به کودکان تخصص دارد. در ادامه این نوشته از وبلاگ آنبین، گفت‌وگوی ویژه‌ای از آموزشگاه الهام با این استاد مجموعه را می‌خوانید.

    مصاحبه آموزشگاه الهام با علیرضا فیروزیان ، مدرس ساز فلوت و موسیقی کودک

    لطفا یک معرفی مختصر از خودتون برای ما داشته باشید.

    علیرضا فیروزیان هستم. من در آنبین به آموزش ساز فلوت و موسیقی کودکان مشغولم. حدود شانزده سال است که در زمینه آموزش موسیقی به کودکان فعالیت دارم و به طور کلی، تجربه کاری من در حوزه کودکان به بیست سال می‌رسد.

    چرا ساز فلوت رو به عنوان ساز اصلی خودتون انتخاب کردید؟

    یکی از بزرگترین جاذبه‌ها برای من، آوای آسمانی و روح‌نواز ساز فلوت به شمار می‌آمد.

    فکر می کنید انتخاب موسیقی چه تاثیری در زندگی شما داشته؟

    موسیقی نقش بسیار مهمی در زندگی ما ایفا می‌کند. برای من، این هنر زیبا احساس آرامش و نظم را به جریان روزمره زندگی‌ام می‌بخشد.

    چند سال هست که در آنبین تدریس می کنید؟

    به یاد دارم که حدود سال‌های ۸۷ یا ۸۸ بود که با گروه الهام آشنا شدم و کارم را با آنها آغاز کردم. در آن زمان، بخش آموزش موسیقی به کودکان در این مجموعه خیلی پررونق نبود. من کار خود را با تنها چهار هنرجوی خردسال شروع کردم.

    در صورت علاقه‌مندی، مطلب روش صحیح مضراب زدن در سه تار را از دست ندهید.

    از ابتدا به تدریس فکر می کردید؟چرا تدریس رو انتخاب کردید؟

    پیش از ورود به دنیای موسیقی کودک، من با کودکان دارای نیازهای ویژه کار می‌کردم و تأثیر موسیقی را بر کارکرد مغز و سیستم عصبی آن‌ها به وضوح می‌دیدم. به همین دلیل تصمیم گرفتم از این ویژگی موسیقی استفاده کنم تا به رشد ذهنی، بهبود رفتار و به‌ویژه تعامل سالم بین والدین و کودک کمک کنم. این ایده را در قالب موسیقی کودک عملی کردم و نتایج مثبت آن را در هنرجویان کوچک و خانواده‌هایشان شاهد بوده‌ام.

    در مدت زمان تدریستون خاطره جالب یا آموزنده ای دارید که برامون بگید؟

    همراهی و وقت گذراندن با بچه‌ها سرشار از لحظه‌های به یاد ماندنی است و من درس‌های زیادی از آن‌ها آموخته‌ام.

    برای گسترش دانش خود، مقاله تاریخچه ساخت اولین پیانو را مطالعه کنید.

    چه ویژگی آنبین باعث شد این آموزشگاه رو برای تدریس انتخاب کنید؟

    فضای آموزشی آرامش‌بخش و مدیریت کارآمد از شاخصه‌های اصلی آموزشگاه الهام است.

    چه پیشنهادی برای افرادی که به تازگی  می خوان موسیقی رو شروع کنن دارید؟

    در زمینه آموزش موسیقی به کودکان، هرگز نباید آن‌ها را با این هدف که حتماً نوازنده یا موسیقیدان شوند، وارد این عرصه کنید. مهم‌ترین نکته برای کودک، لذت بردن از موسیقی در دنیای شیرین و متناسب با سن خودش است.

    برای اطلاعات بیشتر، به مقاله اردشیر کامکار ،رونق دهنده هنر کمانچه نوازی معاصر مراجعه کنید.

    ممنون از شما استاد گرامی که زمان خود را به ما اختصاص دادید.

  • ویژگی های پوست مناسب برای ساز تار

    ویژگی های پوست مناسب برای ساز تار

    فرهنگ معین در توصیف ساز تار می‌نویسد: این ساز ایرانی، از خانواده سازهای زهی است و پنج سیم دارد که با زخمه نواخته می‌شود. روی کاسه آن پوست بره‌ای کشیده شده است. در ادامه این نوشته از وبلاگ آنبین، قصد داریم ویژگی‌های پوست مناسب برای ساز تار را بررسی کنیم. تا پایان این مطلب با ما همراه باشید.

    ویژگی های پوست مناسب برای ساز تار

    کی از عواملی که باعث می‌شود یک ساز صدای بهتری تولید کند، کیفیت اجزای تشکیل‌دهنده آن است. در ساز تار، جنس چوب، نوع پوست و روش درست وصل کردن این بخش‌ها به یکدیگر بسیار اهمیت دارد.

    برای اطلاعات بیشتر، به مقاله ملودی چیست و چه ویژگی هایی دارد؟ مراجعه کنید.

    نحوه صحیح کشیدن پوست روی تار، همراه با انتخاب مضراب مناسب، تأثیر زیادی بر کیفیت صدای ساز می‌گذارد. از نظر فیزیکدانان، کار اصلی پوست تار این است که لرزش‌های خرک را به بدنه کاسه تار منتقل کند.
    بعضی دیگر نیز معتقدند که پوست، این لرزش‌ها را به هوای داخل کاسه ساز هم می‌رساند. در هر صورت، پوست نقش بسیار مهم و حساسی در خروج صدای تار دارد. مسلماً تار تمرینی که یک فرد ماهر پوست آن را کشیده باشد، صدایی بهتر از تار بسیار مرغوبی خواهد داشت که فرد بی‌تجربه‌ای این کار را برایش انجام داده باشد.

    در اینجا می‌توانید اطلاعات کامل‌تری درباره آشنایی با ژانرهای محبوب موسیقی بیابید.

    در این مقاله تفاوت ملودی ساز و آهنگساز چیست؟ اطلاعات مفیدی آمده است.

    پوست تار معمولاً از پوست بره یا بزغاله نوزاد تهیه می‌شود که دباغ‌ها آن را در فصل‌های پاییز و زمستان به بازار می‌آورند. پوست خوب باید بدون لکه‌های سفید، بدون چربی اضافی، یکدست و صاف باشد.
    وقتی در مقابل نور قرار می‌گیرد، نباید آثار آسیب یا نشانه‌های دباغی نادرست در آن دیده شود. امروزه پوست‌هایی مانند مثانه یا دل گاو هم در بازار موجود است که این نوع پوست‌ها کیفیت صدای پوست بره را ندارند و برای تار شیرازی مناسب نیستند. البته پوست تار آذری معمولاً از جنس دل گاو ساخته می‌شود.

    چند نکته درباره انتخاب پوست:

    ۱- پوست تازه باید دست‌کم یک سال بماند تا کهنه شود و برای استفاده آماده گردد.

    ۲- پوست بزغاله نوزاد نسبت به نم و رطوبت پایداری بیشتری دارد و برای کسانی که در مناطق مرطوب زندگی می‌کنند گزینه بهتری است، البته به شرطی که با ساختار ساز هماهنگی داشته باشد. صدای پوست بزغاله در مقایسه با پوست بره، خشک‌تر است.

    ۳- پوست نباید از قسمت پهنا کشیده و نصب شود (برخی افراد برای افزایش ماندگاری، پوست را از عرض می‌کشند که این کار بر کیفیت صدادهی اثر بد می‌گذارد).

    ۴- به طور معمول، ضخامت پوست روی کاسه ساز ۰/۰۵ میلی‌متر و روی نقاره ۰/۰۷ میلی‌متر است، مگر در شرایط خاص که با توجه به سلیقه شخصی یا ویژگی‌های ساز می‌توان این اندازه را تغییر داد.

  • بیوگرافی پیر بولِز،یکی از بنیان‌گذاران سبک سریالیسم

    بیوگرافی پیر بولِز،یکی از بنیان‌گذاران سبک سریالیسم

    پیر بولز در بیست و ششم ماه مارس سال ۱۹۲۵ در کشور فرانسه به دنیا آمد. او رهبر ارکستر، آموزگار و اندیشمند موسیقی مدرن به شمار می‌رفت و از چهره‌های بسیار اثرگذار موسیقی در روزگار ما بود. در ادامه این نوشته از وبلاگ آنبین، بیشتر با این هنرمند نامدار آشنا خواهیم شد.

    بیوگرافی پیر بولِز،یکی از بنیان‌گذاران سبک سریالیسم

    پیر بولِز در ابتدا به دلیل استعداد چشمگیرش در ریاضیات، برای تحصیل در رشته مهندسی وارد دانشگاه پلی‌تکنیک لیون شد. اما خیلی زود مسیر خود را تغییر داد و به سوی موسیقی رفت. او سپس از هوش ریاضی خود در خلق آثاری نوآورانه و تجربی در عرصه موسیقی بهره برد.
    او در کنسرواتوار پاریس شاگرد اولیویه مِسیان بود و به عنوان یکی از پایه‌گذاران سبک سریالیسم شناخته می‌شود. بولز از چهره‌های بسیار تأثیرگذار موسیقی مدرن به حساب می‌آید.
    آثار او گاهی ادامه‌دهنده راه آرنولد شونبرگ و گاهی فراتر از آن هستند و تأثیر عمیقی بر موسیقی مدرن جهان گذاشته‌اند. می‌توان بولز را از پیشگامان فکری جنبش هنری پس از جنگ جهانی دوم دانست که به سمت تجربه‌گرایی و هنر انتزاعی گرایش داشت.

    یکی از بزرگترین آهنگساز- رهبر ارکسترهای جهان

    از دهه ۱۹۵۰، پیِر بولِز با ژرف‌تر کردن پیوند میان ایده‌های خلاقانه، تفسیر و اجرای موسیقی، و با نفوذ بی‌همتایی که بر زندگی موسیقایی، فرهنگی و فکری فرانسه و حتی فراتر از مرزهای این کشور گذاشت، خود را به عنوان یکی از برجسته‌ترین آهنگسازان و رهبران ارکستر در جهان معرفی کرد.

    بولِز در بعضی از کارهایش از روش “شانس هدایت‌شده” بهره می‌برد و در برخی دیگر، اثر را به صورت “کاری در حال تکامل” ارائه می‌دهد.

    از دهه ۸۰ میلادی و با رواج نرم‌افزارهای رایانه‌ای در عرصه موسیقی، همکاری مؤسسه‌ی او با مراکز دانشگاهی برای طراحی برنامه‌های “سایبر آکوستیک” و “سایبرسونیک” گسترش بیشتری یافت.

    پیِر بولِز در روز سه‌شنبه، ۵ ژانویه ۲۰۱۶ در سن ۹۰ سالگی درگذشت.
     

  • تفاوت ساز ویولن و ویولا

    تفاوت ساز ویولن و ویولا

    ویولن و ویولا هر دو از اعضای یک خانواده‌ی موسیقایی هستند و از نگاه اول شبیه به هم به نظر می‌رسند. با این حال، این دو ساز در چندین جنبه‌ی مهم با یکدیگر تفاوت دارند. برای آشنایی بیشتر با تمایزهای میان ویولن و ویولا، در ادامه‌ی این نوشته در وبلاگ آنبین، ویژگی‌های هر یک را مرور می‌کنیم. تا پایان این مطلب همراه ما بمانید.

    تفاوت ساز ویولن و ویولا

    آندره آماتی (به ایتالیایی: Andrea Amati) و گاسپارو دا سالواس (ایتالیایی: Gasparo da Salò) از نخستین و مشهورترین سازندگان ویولن و ویولا در آغاز سده شانزدهم میلادی به شمار می‌روند. نام خانوادگی آماتی نیز بعدها به افتخار این استاد سازنده، بر روی یک برند ویولن گذاشته شد.

    معرفی ساز ویولن

    ویولن یک ساز موسیقی است که با کشیدن آرشه روی سیم‌هایش صدا تولید می‌کند. این ساز، کوچک‌ترین عضو در گروه سازهای زهی و آرشه‌ای به شمار می‌رود.
    معمولاً هنگام نواختن، ویولن را روی شانه چپ می‌گذارند و آرشه را با دست راست به حرکت درمی‌آورند. این ساز چهار سیم دارد که به ترتیب از زیر به بم با نت‌های می (سیم اول)، لا (سیم دوم)، ر (سیم سوم) و سل (سیم چهارم) کوک می‌شوند و فاصلهٔ بین هر سیم با سیم بعدی یک فاصلهٔ پنجم است.
    ویولن توانایی اجرای محدودهٔ وسیعی از نتها را دارد و می‌تواند تمام فواصل کروماتیک و حتی فواصل کوچک‌تر را بنوازد. این ساز در سبک‌های مختلفی مانند پاپ، کلاسیک، جاز و موسیقی ایرانی جایگاه مهم و ثابتی دارد.

    معرفی ساز ویولا

    ویولا یک ساز موسیقی است که سیم‌هایی دارد و با کمانه یا آرشه نواخته می‌شود. نام این ساز در زبان آلمانی و همچنین در فرانسوی و ایتالیایی ویولا است. ویولا در دسته سازهای آلتو قرار می‌گیرد و عضوی از خانواده ویولن به شمار می‌آید که شامل ویولن، ویولنسل و کنترباس نیز می‌شود.

    برای مطالعه بیشتر، به با ثروتنمدترین افراد فعال در حوزه موسیقی جهان آشنا شوید سری سر بزنید.

    توصیه می‌کنیم این مطلب پدر موسیقی ایران کیست؟ را حتماً بخوانید.

    جنس مواد به کار رفته در ساخت ویولا مشابه ویولن است و تنها تفاوت اصلی، اندازه بزرگ‌تر ویولا نسبت به ویولن می‌باشد. صدای این ساز گرم و پُردامنه است و با صدای ویولن تفاوت چشمگیری دارد؛ به همین دلیل ویولا صدایی میانی در میان سازهای خانواده ویولن تولید می‌کند. آرشه ویولا نیز کمی سنگین‌تر از آرشه ویولن است و موی به کار رفته در آن پهن‌تر می‌باشد.

    تفاوت سایز ویولن و ویولا

    یکی از واضح‌ترین تفاوت‌های ویولن و ویولا، اندازه آنهاست. ویولن کوچک‌تر از ویولا است. به طور دقیق‌تر، اندازه استاندارد یک ویولن بزرگسال (ویولن ۴/۴) حدود ۳۶ سانتی‌متر است. در مقابل، یک ویولای بزرگسال معمولاً بین ۳۸ تا ۴۱ سانتی‌متر طول دارد. بنابراین، اگر این دو ساز را کنار هم ببینید، به سادگی می‌توانید از روی اندازه، آنها را از هم تشخیص دهید.

    مقاله تفاوت موسیقی اصیل ایرانی و موسیقی غربی منبع بسیار خوبی برای یادگیری بیشتر است.

    برای درک عمیق‌تر این موضوع، مطلب آشنایی با موسیقی مازندرانی را بخوانید.

    تفاوت نت های ویولن و ویولا

    شاید برایتان جالب باشد که نوازندگان ویولن و ویولا از یک نوع نت‌نویسی یکسان استفاده نمی‌کنند. اگر به صفحه نت‌های ویولن توجه کنید، در سمت چپ ابتدای خطوط حامل، علامتی به نام «کلید سل» دیده می‌شود. اما در نت‌های ویولا این علامت فرق دارد و به جای آن از علامتی به نام «کلید دو» استفاده می‌شود. به همین دلیل، جایگاه و ترتیب نت‌ها روی خطوط حامل در این دو ساز با هم تفاوت دارد.

    در نتیجه این تفاوت، نتی که روی خط وسط حامل نوشته می‌شود، در ویولن «سی» نامیده می‌شود، اما در ویولا همان نت، «دو» خوانده می‌شود. به همین ترتیب، بقیه نت‌ها نیز در این دو ساز با یکدیگر متفاوت هستند.

    برای گسترش دانش خود، مقاله آشنایی با انواع سازهای بادی را مطالعه کنید.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه آشنایی با استاد حسین دهلوی.

    تفاوت آرشه ویولن و ویولا

    وقتی به انتهای آرشه‌ی ویولن و ویولا نگاه کنید، متوجه تفاوت‌هایی می‌شوید. اول اینکه قسمت پایینی آرشه‌ی ویولا معمولاً کمی وزن بیشتری نسبت به آرشه‌ی ویولن دارد. علاوه بر این، برخی از آرشه‌های مخصوص ویولا را طوری می‌سازند که انتهای آن‌ها، یعنی همان ناحیه‌ی دستگیره، حالتی خمیده و منحنی شکل دارد.

    تفاوت سیم های ویولن و ویولا

    سیم‌های ویولن و ویولا روی نت‌های متفاوتی تنظیم می‌شوند. در ویولن معمولی، سیم‌ها برای نت‌های می، لا، ر و سل کوک می‌گردند. اما در ویولا، سیم‌ها روی نت‌های لا، ر، سل و دو تنظیم می‌شوند. به همین دلیل، پایین‌ترین و بم‌ترین صدای ویولا، از بم‌ترین صدای ویولن نیز پایین‌تر و بم‌تر است.