دسته: آموزش های هنری

  • نکات مهم در مورد پدال پیانو

    نکات مهم در مورد پدال پیانو

    در نوشته‌های قبلی درباره پدال پیانو، انواع آن و نحوه کارکردش صحبت کردیم. اما موضوعات کلیدی دیگری هم هست که با رعایت آن‌ها می‌توانید مهارت خود را در نواختن پیانو ارتقا دهید. برای آشنایی با این نکات مهم درباره پدال پیانو، ادامه این مطلب را در وبلاگ آموزشگاه موسیقی الهام دنبال کنید.

    علامت پدال نگهدارنده پیانو

    در برخی از قطعات موسیقی، جای دقیق فشردن و رها کردن پدال نگهدارنده مشخص شده است. اما گاهی نیز خود شما می‌توانید تصمیم بگیرید که چه زمانی و چگونه از این پدال استفاده کنید؛ بنابراین همیشه در نواختن شما، قاعده‌ی ثابت و مشخصی برای کاربرد آن وجود ندارد. نشانه‌هایی هست که با کمک آنها می‌توانید تشخیص دهید چه موقع پدال را فشار دهید و چه موقع آن را رها کنید.

    علامت پدالها در نت

    تنها پدالی که در نت‌نویسی برای آن نشانه‌ای در نظر گرفته شده، پدال دمپر است. این پدال دو نشانه دارد:
    نخست: نشانه‌ی «Ped» که هر کجا در نت دیده شود، به معنای فشردن پدال است.
    دوم: نشانه‌ی ستاره (*) که هر کجا قرار گیرد، به معنای رها کردن پدال می‌باشد.

    نکات مهم در مورد پدال پیانو

    در قسمتی که باید پدال فشرده و نگه داشته شود، یک خط افقی رسم می‌شود. در نقطه‌ای که لازم است پدال رها شود، انتهای همان خط با یک خط عمودی به سمت بالا پایان می‌یابد. این علامت نشان‌دهنده‌ی بلند کردن پا و قطع ارتباط با پدال است.

    نکات مهم در مورد پدال پیانو:

    در برخی پیانوهای ایستاده، پدال وسط به عنوان پدال تمرین شناخته می‌شود و عملکردی کاملاً متمایز دارد. این پدال با قرار دادن یک لایه نمد بین چکش‌ها و سیم‌ها، صدای ساز را به میزان قابل توجهی کاهش می‌دهد. به همین دلیل، از آن در مواقعی استفاده می‌شود که نیاز به تمرین با صدای کم باشد و به همین علت نام “پدال تمرین” را به خود گرفته است.

    گاهی نوازنده برای اجرای قطعات احساسی و ایجاد صدایی کشیده و پیوسته، نیاز دارد نت‌ها را طولانی‌تر کند. در این حالت از پدال دمپر استفاده می‌شود که دقیقاً برای همین منظور طراحی شده است.

    همچنین پدال دیگری با نام پدال میوت یا سکوت در پیانو وجود دارد که گاهی به آن پدال چهارم یا بی‌صداکننده نیز گفته می‌شود. نکته مهم این است که در پیانوهای دیواری معمولاً پدال سوستناتو (پدال میانی خاص) وجود ندارد و به جای آن از پدال میوت استفاده می‌شود. با فشار دادن این پدال، یک پرده نمدی میان چکش‌ها و سیم‌ها قرار می‌گیرد و در نتیجه صدای پیانو تا حد ممکن کم می‌شود.

  • انواع پوست تنبک و مشخصات آن ها

    انواع پوست تنبک و مشخصات آن ها

    تنبک که با نام‌های تمبک، دمبک، دندونک و ضرب نیز شناخته می‌شود، یکی از سازهای ضربه‌ای و سنتی ایران است. جنس و نوع پوستی که روی این ساز کشیده می‌شود، تاثیر مستقیمی روی کیفیت و طنین صدا دارد. در ادامه این نوشته از وبلاگ آنبین، با گونه‌های مختلف پوست تنبک و ویژگی‌های هر کدام بیشتر آشنا خواهید شد.

    مقاله نکات مهمی که باید در مورد کاخن بدانید منبع بسیار خوبی برای یادگیری بیشتر است.

    انواع پوست تنبک و مشخصات آن ها

    آشنایی با جنس‌های مختلف پوستی که برای ساخت تنبک استفاده می‌شود، می‌تواند به رشد هنری نوازنده و انتخاب مناسب‌تر ساز یاری رساند.

    برای یادگیری پیشرفته، به بیوگرافی جیمزمارشال هندریکس مراجعه کنید.

    انواع پوست تنبک:

    پوستی که بیشتر برای ساخت تنبک به کار می‌رود، پوست شتر، گوساله و در درجه بعدی پوست بز است. از پوست حیواناتی مانند آهو، خرگوش و موارد مشابه، معمولاً برای این ساز استفاده نمی‌شود.

    مشخصات پوست ها :

    پوست شتر: این پوست، ضخیم و محکم است. البته میزان ضخامت آن به سن شتر و قسمتی از بدن که پوست از آنجا گرفته شده (مانند گردن یا زیر شکم) بستگی دارد. رنگ آن معمولاً خاکستری یا مشکی تیره است و گاهی خال‌هایی به رنگ خاکستری یا قهوه‌ای روی آن دیده می‌شود. در کل، رنگ آن تیره است.

    پوست گوساله: این پوست در مقایسه با پوست شتر، معمولاً نازک‌تر است و رنگ آن متمایل به شیری یا سفید می‌باشد.

    پوست بز: این پوست بسیار نازک است و در واقع کمی ضخیم‌تر از پوست بره می‌باشد. رنگ آن نیز قهوه‌ای روشن است.

    برای گسترش دانش خود، به مقاله کاخن از کجا می آید؟ سر بزنید.

    کدام پوست برای تنبک بهتر است؟

    پوستی که برای سازتان انتخاب می‌کنید، به صدایی که می‌خواهید و جنس تنبک شما بستگی دارد. به خاطر داشته باشید که در اصل هیچ صدایی بد نیست؛ این سلیقه و حس شخصی شماست که یک صدا را دلنشین و دیگری را ناخوشایند می‌داند. مثلاً برخی صدای زیر و تیز (مجلسی-خاطور) را می‌پسندند و برخی دیگر صدای بم و عمیق (کلاسیک) را ترجیح می‌دهند. معمولاً رایج‌ترین مشکل صوتی در تنبک، مربوط به صدای “کر” ساز است که در نود درصد موارد، به جنس پوست و نحوه‌ی کشیدن آن برمی‌گردد.

    انتخاب پوست تنبک:

    انتخاب پوست برای تنبک به صدایی که می‌خواهید و جنس ساز شما بستگی دارد. به طور کلی هیچ صدایی بد نیست و این موضوع به مهارت و سلیقه شخصی شما نیز مربوط می‌شود.

    راهنمای انتخاب پوست تنبک:
    ۱. برای سازهایی که صدای تیز و بلند دارند، مانند ضرب زورخانه، معمولاً از پوست بسیار نازک گوساله یا پوست بز استفاده می‌شود.
    ۲. اگر تنبک شما چوب ضعیفی دارد، ایرادهای چوبی مانند گره زیاد در آن دیده می‌شود یا طوق داخلی اضافی ندارد، از پوست‌های ضخیم استفاده نکنید. چون ممکن است به ساز آسیب جدی بزند و در برخی موارد آن را کاملاً خراب کند.
    ۳. اگر به دنبال صدای بم و پرقدرت هستید، بهترین گزینه پوست ضخیم گوساله یا پوست ضخیم شتر است.
    ۴. اگر صدای زیر و تیز می‌خواهید، اولویت اول شما باید پوست نازک شتر باشد.

  • نکات مربوط به نگهداری پوست تنبک

    نکات مربوط به نگهداری پوست تنبک

    همه سازها به مراقبت و توجه نیاز دارند تا کیفیت صدایشان حفظ شود و دچار مشکل نشوند. اگرچه سازهایی مانند گیتار، ویولن، سنتور و… به خاطر ساختار خاصشان معمولاً بیشتر مورد رسیدگی قرار می‌گیرند، اما نباید از نگهداری تنبک هم غافل شد. در ادامه با نکات مهم مربوط به مراقبت از پوست تنبک بیشتر آشنا می‌شوید.

    برای درک عمیق‌تر این موضوع، مطلب گام در موسیقی چیست؟ را بخوانید.

    نکات مربوط به نگهداری پوست تنبک

    این ساز که با پوست نواخته می‌شود، در دسته‌بندی سازها در گروه طبل‌های جامی‌شکل قرار می‌گیرد. سازهای دیگری مانند داربوکا در مناطق عربی و ترکیه و همچنین ساز زیربغلی در افغانستان، هم‌خانواده با این ساز هستند. تمبک از بخش‌های مختلفی تشکیل شده است: دهانه کوچک، قسمت میانی یا نفیر، بدنه، دهانه بزرگ و پوست. نکته مهمی که باید در نظر بگیرید این است که پوست تمبک معمولاً در محیط مرطوب شل می‌شود و در نتیجه صدای اصلی خود را از دست می‌دهد.

    وقتی پوست تمبک به دلیل رطوبت شل شود، صدایش بم و نامشخص می‌شود و به جای صدای واضح، صدایی تالاپ‌تالاپ‌مانند از آن شنیده می‌شود. این صدا نه تنها گوش‌نواز نیست، بلکه به دلیل شل بودن پوست و کیفیت پایین صدا، تمرین کردن با چنین تمبکی هم سخت و ناخوشایند خواهد بود.

    برای مطالعه بیشتر، به چرا هنگ درام گران است؟ سری سر بزنید.

    نگهداری پوست تنبک

    راهنمای مراقبت از پوست تنبک
    از جلد مخصوص برای نگهداری تنبک کمک بگیرید.
    برای جلوگیری از آسیب، بهتر است از همان ابتدا تنبک را در جلدش بگذارید و تا زمانی که قصد تمرین یا اجرا ندارید، آن را از جلد خارج نکنید.
    در زمان‌هایی که از تنبک استفاده نمی‌کنید، آن را در جلدش نگه دارید و در فضای آزاد رها نکنید. تنها هنگامی تنبک را از جلد بیرون بیاورید که می‌خواهید با آن کار کنید.
    جلد تنبک در درجه اول برای جابه‌جایی و حمل ساز بسیار مفید است. اگر تنبک جلد داشته باشد، حمل آن ساده‌تر و ایمن‌تر خواهد بود.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، آیا با گزش در موسیقی یا موردنت آشنایی دارید؟ را از دست ندهید.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه ماجرای آهنگ یکشنبه غم انگیز چیست؟.

    مقاله تاثیر موسیقی بر اوتیسم منبع بسیار خوبی برای یادگیری بیشتر است.

    برای مطالعه بیشتر، به آشنایی با استاد کیوان ساکت سری سر بزنید.

  • تفاوت های ویلون با ویلونسل

    تفاوت های ویلون با ویلونسل

    ویلون و ویولنسل دو ساز هستند که ممکن است در نگاه اول شبیه به هم به نظر برسند، ولی در واقع تفاوت‌های زیادی با یکدیگر دارند. همین شباهت ظاهری گاهی هنرجویان را در انتخاب ساز دچار تردید می‌کند. اگر شما هم در انتخاب بین این دو ساز مردد هستید، در ادامه این نوشته از وبلاگ آنبین با تفاوت‌های ویلون و ویولنسل آشنا می‌شوید تا بتوانید تصمیم آگاهانه‌تری بگیرید.

    تفاوت های ویلون با ویلونسل

    ویولن به فرانسوی 🙁 violon)

    این ساز از دسته سازهای زهی و با آرشه نواخته می‌شود و کوچک‌ترین عضو در خانواده سازهای زهی‌آرشه‌ای به شمار می‌رود. ریشه و خاستگاه آن به کشور ایتالیا بازمی‌گردد.

    ویلن ظریف‌ترین، چابک‌ترین و در عین حال یکی از دشوارترین سازها برای نواختن است. این ساز کمتر از یک قرن پیش وارد ایران شد و به خاطر شباهت‌هایی که با ساز ایرانی کمانچه داشت، توانست به سرعت جایگاه مهم و ویژه‌ای در موسیقی ایرانی به دست آورد.

    ویولنسل یا ویلنسل یا ویولونسل  :

    ویولن‌سل که در زبان فرانسه «ویولونسل» و در انگلیسی «چلو» نامیده می‌شود، یکی از اعضای خانوادهٔ سازهای زهی‌آرشه‌ای است که شامل ویولن، ویولا و خود ویولن‌سل می‌شود. این ساز صدایی میان‌رده دارد و نقش تنور و باس را در گروه نوازی ایفا می‌کند. اجزای تشکیل‌دهندهٔ آن بسیار شبیه به ویولن است.

    هم ویولن و هم ویولن‌سل از سازهای معروف و پرکاربرد در گروه سازهای زهی به شمار می‌روند و حضور هر دوی آنها در ارکسترها لازم و حیاتی است.

    جوانب مثبت و منفی ویولن

    ویولن کوچک‌ترین ساز در خانواده سازهای زهی‌ای است که با آرشه نواخته می‌شود. برای نواختن آن، باید ساز را روی شانه چپ قرار دهید و با یک چوب نازک به نام آرشه، سیم‌های آن را به صدا درآورید.

    این ساز نزدیک به ۴۰۰ سال است که وجود دارد و تقریباً تمام دشواری‌های مربوط به نوازندگی آن شناخته شده است.
    ویولن اندازه‌ای کوچک و قابل حمل دارد.
    همچنین قیمت آن بسیار کمتر از ویولن‌سل است.
    بسیاری از افراد، صدای ویولن را بیشتر می‌پسندند چون شباهت بیشتری به رنگ صدای انسان دارد.
    در ارکسترها معمولاً تعداد نوازندگان ویولن بسیار زیاد است و بخش مهمی از فضای گروه به آن‌ها اختصاص می‌یابد. این یعنی اگر بخواهید زودتر به یک ارکستر بپیوندید، نوازندگی ویولن شانس بیشتری به شما می‌دهد.
    رقابت در نوازندگی ویولن بسیار شدید است، چون تعداد زیادی از افراد این ساز را می‌نوازند و نوازندگان چیره‌دست در آن بسیارند. بنابراین اگر می‌خواهید در سطح بالایی قرار بگیرید، باید بسیار تمرین کنید و خود را برای رقابتی سخت آماده نمایید.

    جوانب مثبت و منفی ویولون سل

    یکی از اصلی‌ترین چالش‌های مربوط به ویولن‌سل، قیمت بالا و ابعاد نسبتاً بزرگ آن است که جابه‌جایی آن را سخت می‌کند.
    هنگام نواختن، این ساز میان دو پای نوازنده قرار می‌گیرد و با کمک میله‌ای که در پایین آن نصب شده، روی زمین ثابت می‌شود.
    نکته‌ی قابل توجه این است که ویولن‌سل در تمام ارکسترها و گروه‌های موسیقی محلی، سازی ضروری به شمار می‌رود.
    از این ساز هم به صورت تکنوازی و هم در گروه‌های مختلف مانند ارکسترهای مجلسی و سمفونیک استفاده می‌شود. ویولن‌سل به عنوان عضوی ثابت در ارکسترهای استاندارد، معمولاً در بخش سازهای زهیِ بم نواخته می‌شود.
    معمولاً هنرجویان کم‌تری به بررسی و یادگیری دقیق ویولن‌سل می‌پردازند. با این حال، کسانی که نوازنده‌ی ویولن‌سل هستند، به طور کلی اطلاعات و مطالعه‌ی گسترده‌تری نسبت به نوازندگان ویولن دارند.
    صدای ویولن‌سل بسیار غنی و عمیق است و نت‌های این ساز معمولاً در محدوده‌ی بم نوشته و اجرا می‌شود.
    برای هنرجویانی که به صدای بم علاقه دارند، ارزش این ساز به قدری است که دشواری‌های مراقبت و حمل‌ونقل آن را می‌پذیرند.
    هم ویولن و هم ویولن‌سل محدوده‌ی صدایی ویژه‌ای دارند که هر کدام شنوندگان خاص خود را جذب می‌کنند، اما دامنه‌ی صدایی ویولن از ویولن‌سل گسترده‌تر است.

  • نت c در موسیقی چیست؟

    نت c در موسیقی چیست؟

    اگر قصد دارید مهارت خود در موسیقی را ارتقا دهید و به صورت حرفه‌ای‌تر به نوازندگی بپردازید، آشنایی با نت C برای شما بسیار مفید خواهد بود. این نت نقش مهمی در یادگیری و اجرای قطعات موسیقی ایفا می‌کند. در ادامه این نوشته از وبلاگ آموزشگاه موسیقی الهام، اطلاعات بیشتری درباره نت C کسب خواهید کرد.

    نت c در موسیقی چیست؟

    نام حروف و نشانه‌های اصلی در موسیقی، «نت» است. نت در موسیقی دو کاربرد دارد:
    نخست به معنای یک صدای مشخص با زیروبمِ ثابت که برای آن نامی انتخاب شده است. در نوشته‌های قدیمی فارسی به این صداها «نغمه» گفته می‌شد.
    کاربرد دوم، به معنای شکل یا علامتی است که برای نوشتن هر کدام از این صداها روی کاغذ به کار می‌رود.
    در کاربرد اول، هفت نام اصلی برای نوشتن صداهای موسیقی وجود دارد.

    نت چیست؟

    در ایران، مانند کشورهایی مانند فرانسه و ایتالیا، نام‌های نت‌های موسیقی به این شکل است: دو – ر – می – فا – سل – لا – سی (do, re, mi, fa, sol, la, si). البته شیوه‌های دیگری هم برای نامیدن نت‌ها وجود دارد؛ مثلاً در برخی روش‌ها از حروف «A, B, C, D, E, F, G» استفاده می‌شود.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه بیوگرافی سعدی افشار.

    برای اطلاعات بیشتر، به مقاله استاد نورعلی برومند ،پزشکی که نابینا شد مراجعه کنید.

    نت‌ها در حقیقت حروف الفبای موسیقی هستند. با کمک این نمادها، صداهای موسیقی نوشته می‌شوند و سپس می‌توان آنها را خواند یا نواخت. هر نت صدای زیبا و مشخصی دارد. می‌توان گفت الفبای موسیقی از هفت نت اصلی تشکیل شده است.

    نت سی

    در زبان فرانسوی به این نت «دو» می‌گویند، در انگلیسی آن را «سی» می‌نامند و در آلمانی نیز با نام «سی» شناخته می‌شود. این نت، اولین نت در مجموعه‌ی نت‌های موسیقی است و نت «سی دیز» معادل همان نت «دو» محسوب می‌گردد. نت «دو»ی میانی (که با علامت C4 نشان داده می‌شود) دارای فرکانسی برابر با ۲۶۱٫۶۲۶ هرتز است.

    نت نویسی C وسط بر روی کلیدهای مختلف

    در سازهای مختلف و سیستم‌های نت‌نویسی، نت «دو میانی» نقطه‌ای مهم و پرکاربرد برای نوازندگان است. در نواختن پیانو، این نت تقریباً مرزی است بین ناحیه‌ای که معمولاً با دست چپ نواخته می‌شود (نت‌های بَم) و ناحیه‌ای که با دست راست اجرا می‌شود (نت‌های زیر). در صفحه نت، این نت روی اولین خط کمکیِ بالا یا پایین حامل اصلی قرار می‌گیرد. حامل مجموعه‌ای از خطوط موازی با فاصله‌های برابر است که نت‌های موسیقی روی خط‌ها، بین خط‌ها، و گاهی بالا یا پایین آن نوشته می‌شوند.

    – در **کلید سل** (کلید صدای زیر)، نت دو میانی روی اولین خط کمکی در پایین حامل نمایش داده می‌شود.
    – در **کلید فا** (کلید باس)، نت دو میانی روی اولین خط کمکی در بالای حامل نشان داده می‌شود.
    – در **کلید آلتو**، نت دو میانی روی خط سوم حامل قرار می‌گیرد.
    – در **کلید تنور**، نت دو میانی روی خط چهارم حامل نوشته می‌شود.

    توصیه می‌کنیم این مطلب تاثیر موسیقی کلاسیک بر فشار خون را حتماً بخوانید.

  • آشنایی با ساز فلوت آلتو

    آشنایی با ساز فلوت آلتو

    همانطور که اطلاع دارید، فلوت یکی از سازهای بسیار قدیمی است که در گذشته از جنس عاج ساخته می‌شد. به مرور زمان، این ساز تکامل یافت و امروزه در انواع و مدل‌های گوناگونی تولید می‌شود. در ادامه این نوشته از وبلاگ آنبین، شما را با فلوت آلتو آشنا می‌کنیم.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه همه چیز در مورد بالشتک ویولن.

    فلوت

    فلوت، کهن‌ترین سازی است که بشر تا به امروز شناخته است. باستان‌شناسان با بررسی نمونه‌های باستانی که از دل خاک بیرون آورده‌اند، دریافته‌اند که این فلوت‌های اولیه همگی از استخوان ساخته می‌شدند. مصریان و یونانیان باستان از جمله مردمانی بودند که از این ساز استفاده می‌کردند. البته شکل، جنس و نحوه نواختن آن فلوت‌های قدیمی با فلوت‌های امروزی کاملاً تفاوت داشت.

    فلوت آلتو (Alto flute)

    اینفلوت یکی از سازهای بادی است که در گروه سازهای چوبی دسته‌بندی می‌شود و در ارکسترهای بزرگ سمفونیک نیز از آن استفاده می‌گردد. همان‌طور که از نام «آلتو» برمی‌آید، صدای این ساز نسبت به فلوت معمولی، کلفت‌تر و بم‌تر است.

    شیوه قرارگیری انگشتان روی اینفلوت، همانند فلوت رایج است و به دلیل صدای نرم، غنی و گرمی که دارد، بسیاری از افراد به نواختن آن علاقه نشان می‌دهند. اینفلوت در دسته سازهای انتقالی جای می‌گیرد، به این معنا که صدایی که از آن شنیده می‌شود، یک فاصله چهارم پایین‌تر از نتی است که روی نت‌نویسی نوشته شده است.

    ساختار ساز

    فلوت آلتو در مقایسه با فلوت معمولی، بزرگ‌تر و سنگین‌تر است و برای تولید صدای مطلوب، به نفس و هوای بیشتری نیاز دارد.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، حتماً موزه موسیقی اصفهان، نمونه ای زیبا از یک موزه موسیقی را بخوانید.

    این ساز را می‌توان به تنهایی یا در کنار دیگر سازها نواخت. شاید در نگاه اول، ساختار کامل و پیشرفته‌ی فلوت، یادگیری آن را کمی سخت به نظر برساند، اما با اندکی پشتکار و علاقه، قطعاً می‌توانید نواختن آن را شروع کنید.

    همان‌طور که پیش‌تر اشاره شد، فلوت آلتو گونه‌ای از فلوت است که صدایش یک چهارم (نیم اکتاو) از فلوت معمولی بم‌تر است. این ساز بلندتر از فلوت معمولی است و گاهی در قسمت بالاییِ انتهایی خود، یک خمیدگی دارد.

    توصیه می‌کنیم حتماً مقاله تفاوت ساز ویولن و ویولا را مطالعه کنید.

    جنس این فلوت‌ها معمولاً از نیکل، برنج با روکش نقره یا نقره است.

  • ساز درام کیت چیست ؟

    ساز درام کیت چیست ؟

    احتمالاً تا به حال با سازهایی مواجه شده‌اید که از چندین طبل در کنار هم تشکیل شده‌اند. این مجموعه ساز گاهی اوقات به اشتباه «جاز» نامیده می‌شود، در حالی که نام درست آن «درام» است و جاز در واقع یک سبک موسیقی محسوب می‌شود. در ادامه این نوشته از وبلاگ آنبین، بیشتر با ساز درام کیت آشنا خواهیم شد.

    برای گسترش دانش خود، به مقاله کاپو یا باره بند گیتار چیست؟ سر بزنید.

    ساز درام کیت چیست ؟

    درامز که با نام درام ست نیز شناخته می‌شود، در زبان انگلیسی به معنای طبل است. در فارسی معمولاً به مجموعه‌ای از طبل‌ها، سنج‌ها و برخی دیگر از سازهای کوبه‌ایی گفته می‌شود که روی پایه‌ها و اتصالات مخصوصی قرار می‌گیرند. این مجموعه به عنوان یک ساز مستقل در نظر گرفته می‌شود و نوازنده آن را درامر یا درامرز می‌نامند.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، آشنایی کامل با فرم واریاسیون را از دست ندهید.

    توصیه می‌کنیم این مطلب ماجرای نی نوازی که از ملکه انگلیس گردنبند گرفت را حتماً بخوانید.

    تاریخچه

    پیش از اختراع درام‌ست، سازهای کوبه‌ای مانند طبل و سنج به صورت جداگانه در موسیقی‌های نظامی و ارکستری استفاده می‌شدند و هر کدام را یک نوازنده می‌نواخت.
    از حدود سال ۱۸۴۰ میلادی، پدالی ساخته شد که به نوازنده اجازه می‌داد چند ساز کوبه‌ای را همزمان بنوازد. با این حال، این پدال با وجود حدود ۷۵ سال استفاده، هرگز به مرحله تولید انبوه و گسترده نرسید.
    سرانجام در سال ۱۸۶۰، نوازندگان برای ترکیب چند ساز کوبه‌ای با یکدیگر تلاش کردند. نتیجه این تلاش، سازی به نام «دابل درامینگ» بود که نواختن آن با استفاده از چوب‌های طبل و پدال انجام می‌شد.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، فرم پرلود در موسیقی به چه فرمی گفته می شود؟ را از دست ندهید.

    در این مقاله بیوگرافی کارن همایونفر اطلاعات مفیدی آمده است.

    سبک هایی که در آن درام نقش دارد

    درام در سبک‌های گوناگون موسیقی مانند جز، کانتری، راک، بلوز، پاپ و شاخه‌های دیگر آنها بسیار به کار می‌رود. امروزه این ساز به یکی از ابزارهای اصلی گروه‌های پاپ تبدیل شده و در تمام کنسرت‌ها و برنامه‌های زنده‌ی آن‌ها حضوری ثابت و همیشگی دارد.

     

    توصیه می‌کنیم حتماً مقاله آشنایی با متد آموزش ویولن به سبک سوزوکی را مطالعه کنید.

  • آشنایی با اجزای اصلی تشکیل دهنده ی ساز درام

    آشنایی با اجزای اصلی تشکیل دهنده ی ساز درام

    همانطور که در نوشته‌های قبلی اشاره کردیم، درام از چند ساز کوبه‌ای شبیه به طبل تشکیل شده است. در این مطلب از وبلاگ آنبین، با قسمت‌های اصلی و مهم این ساز بیشتر آشنا خواهید شد.

    آشنایی با اجزای اصلی تشکیل دهنده ی ساز درام

    یک درامز از چندین طبل و یک جفت سنج تشکیل شده است. همچنین مجموعه‌ای از پایه‌ها و پدال‌ها وجود دارند که به آنها تجهیزات یا «هاردور» درامز گفته می‌شود.

    اطلاعات جامع‌تری در مورد این موضوع را در نانو گیتار ،کوچکترین گیتار جهان پیدا کنید.

    اجزای اصلی ساز درام

    اجزای اصلی یک درام کیت (ست درام) معمولاً شامل این قسمت‌هاست:

    مقاله نکات مهم در مورد مضراب سنتور که باید بدانید منبع بسیار خوبی برای یادگیری بیشتر است.

    برای مطالعه بیشتر، به بهترین آموزشگاه ویولنسل در شرق تهران سری سر بزنید.

    **طبل‌ها:**
    – **بِیس درام (کیک):** بزرگ‌ترین طبل که با پدال پا نواخته می‌شود و صدای بم و قوی دارد.
    – **اسنِر درام (سِنِر):** طبل کوچک‌تری که زیر سیم‌های فنری قرار دارد و صدای تیز و خشکی ایجاد می‌کند.
    – **تام-تام‌ها (تام‌ها):** طبل‌هایی با اندازه‌های مختلف که معمولاً روی بِیس درام نصب می‌شوند و برای ریف‌ها و نُت‌های تک‌ استفاده می‌شوند.

    **سنج‌ها:**
    – **های-هَت:** دو سنج روبروی هم که با پدال باز و بسته می‌شوند و ریتم اصلی را می‌سازند.
    – **راید سیمبال:** سنجی با صدای پایدار و زنگ‌دار که برای نگه داشتن ریتم یا اجرای الگوها به کار می‌رود.
    – **کرَش سیمبال:** سنجی با صدای بلند و انفجاری که برای تأکید روی ضربه‌های خاص استفاده می‌شود.

    **سایر اجزا:**
    – **هاردور (پایه و استند):** پایه‌هایی برای نگه داشتن سنج‌ها، طبل‌ها و سایر قطعات.
    – **صندلی درام (تِرون):** صندلی مخصوص نوازنده.
    – **چوب‌های درام (درام استیک):** برای نواختن از چوب، برس یا مَلت استفاده می‌شود.

    این اجزا با هم ترکیب می‌شوند تا ساز کامل و صدای منحصربه‌فرد درام را ایجاد کنند.

    طبل ها:

    به قسمت‌های اصلی و کوبه‌ای درام که روی آن‌ها پوسته‌ای از جنس پلاستیک ویژه کشیده شده، طبل گفته می‌شود. مجموعه‌ای از طبل‌ها که در درام به کار می‌روند شامل این موارد است:

    در صورت علاقه‌مندی، مطلب اعلام نتیجه مسابقه یلدایی آنبین را از دست ندهید.

    طبل بزرگ یا بیس درام (Bass drum or Kick drum):

    همانطور که از اسمش مشخص است، این طبل، بزرگ‌ترین ساز در مجموعه‌ی درام است. صدای آن بسیار کلفت و بم است و نقش اصلی را در نواختن ضرب‌های قوی و سنگین ایفا می‌کند.

    طبل کوچک یا طبل اسنر (اسنر درام) یا ساید درام (Snare drum or Side drum):

    این ساز دارای یک پوسته‌ی پلاستیکی در بالا و پایین است. پوسته‌ی پایینی مجهز به سیم‌ها یا فنرهایی است که در طول آن کشیده شده‌اند. ارتفاع این ساز کوتاه است و وقتی با چوب مخصوص به آن ضربه زده شود، صدایی کوتاه و بریده تولید می‌کند. نقش اصلی این طبل، اجرای ضرب‌هایی با شدت متوسط است.

    طبل تُم (Tom-Toms Drum):

    سه عدد دیگر از طبل‌ها، تام‌تام نام دارند. دو تا از این تام‌تام‌ها روی طبل بزرگ (باس درام) نصب می‌شوند و یک تام‌تام دیگر هم با استفاده از یک پایه، روی زمین قرار می‌گیرد.

    سنج ها:

    قطعات این ساز از فلزی با ترکیب بسیار باکیفیت ساخته می‌شوند تا در گذر زمان و با ضربه‌های پیاپی، کیفیت صدای خود را از دست ندهند. یک مجموعه درامز کامل، علاوه بر طبل‌ها، شامل گونه‌های مختلفی از سنج‌ها نیز هست که به این ترتیب هستند:

    توصیه می‌کنیم این مطلب نحوه گرفتن صحیح مضراب سنتور را حتماً بخوانید.

    سنج کراش Crash cymbal و سنج راید Ride cymbal:

    این دو سنج معمولاً اندازه‌ای بین ۴۶ تا ۵۶ سانتیمتر دارند و از نظر ظاهری شبیه به یکدیگر طراحی شده‌اند. ممکن است نقش آن‌ها به صورت کرَش/راید یا راید/کرَش باشد. این سنج، بزرگترین سنج در مجموعه است که در هر نوع چیدمانی جایگاه ثابتی دارد و در اجرای ریتم‌های گوناگون بسیار مورد استفاده قرار می‌گیرد.

    توصیه می‌کنیم این مطلب سازهای ابداعی استاد شجریان را حتماً بخوانید.

    سنج چینی China cymbal:

    این نوعی خاص از سنج کراش است که برای ایجاد صداهایی شفاف‌تر، درخشان و سرزنده و همچنین تولید افکت‌های صوتی ویژه مورد استفاده قرار می‌گیرد. نام آن از یک ساز کوبه‌ای چینی به نام گونگ گرفته شده است.

    سنج اسپلش Splash cymbal:

    سنج‌های کوچک در مجموعه درام، کوچک‌ترین نوع سنج هستند. سنج‌های چینی و اسپلش، مهم‌ترین بخش‌های افکت سنج در یک درام‌کیت محسوب می‌شوند.

    جفت سنج ها Hi-hat:

    این ساز از دو صفحه فلزی هم‌اندازه تشکیل شده که روی هم و رو به دو جهت مختلف قرار گرفته‌اند. این صفحات از طریق یک میله فلزی به یک پدال متصل هستند. نوازنده با فشار دادن پدال توسط پایش، باعث می‌شود این دو صفحه به هم برخورد کنند و صدای مشخصی ایجاد شود. همچنین می‌توان با استفاده از چوب‌های درام نیز بر روی این ساز نواخت.

  • تنها شاهکار شناخته شده‌ی تاریخ اپرا  اثر کیست ؟

    تنها شاهکار شناخته شده‌ی تاریخ اپرا  اثر کیست ؟

    اپرا (Opera) در اصل شکل جمع واژه لاتینی «اپوس» (Opus) است که به معنی «اثر» می‌باشد. بنابراین اگر بخواهیم دقیق ترجمه کنیم، اپرا به معنای «آثار» است. اما از ابتدای قرن هفدهم میلادی، این کلمه به صورت یک اسم مفرد مونث به کار رفت و به نوعی نمایش موزیکال اشاره کرد که تماماً با آواز اجرا می‌شود. در ادامه این مطلب از وبلاگ آموزشگاه موسیقی الهام، با خالق تنها شاهکار شناخته‌شده تاریخ اپرا آشنا خواهید شد.

    تنها شاهکار شناخته شده‌ی تاریخ اپرا اثر کیست ؟

    ریچارد واگنر که او را استاد بی‌همتای اپرا می‌دانند، یک آهنگساز، رهبر ارکستر، نویسنده و تحلیلگر موسیقی اهل آلمان بود. عمده شهرت او به خاطر اپراهای خارق‌العاده‌اش است. هرچند واگنر در زندگی شخصی خود فرد محبوبی نبود، اما آفریننده‌ی تنها شاهکار بی‌چون و چرای تاریخ اپرا، یعنی “حلقه نیبلونگ” است.

    حلقه نیبلونگ در واقع مجموعه‌ای از چهار اپرای به هم پیوسته ساخته‌ی ریچارد واگنر است. خلق این مجموعه عظیم در مجموع ۲۶ سال، از ۱۸۴۸ تا ۱۸۷۴، زمان برد. هر دو بخش موسیقی و متن این آثار را خود واگنر نوشته است.

    واگنر برای خلق داستان و متن این اپراها، از قصه‌ها و اسطوره‌های کهن ژرمنی و همچنین اشعار آلمانی دوره‌ی قرون وسطی الهام گرفته است.

    چهار اپرای حلقه نیبلونگ عبارت‌اند از:

    طلای راین ؛ والکوره ؛ زیگفرید ؛ غروب خدایان
    مجموعه اپراهای حلقه نیبلونگ بسیار گسترده است و اجرای کامل همه بخش‌های آن بیش از پانزده ساعت زمان می‌برد. موسیقی‌ای که واگنر برای این آثار ساخته، بسیار غنی و پیشرفته است و ایده‌های تازه‌ای را در زمینه‌های گوناگون آهنگسازی ارائه می‌دهد.
    واگنر برای به صحنه بردن این اپراها به سالن مخصوصی نیاز داشت. با پشتیبانی نجیب‌زادگان آلمانی و پادشاه منطقه باواریا، سرانجام این سالن در شهر بایرویت آلمان ساخته شد و نخستین اجرای کامل مجموعه حلقه نیبلونگ در همین شهر انجام گرفت.

    بیوگرافی ریچارد واگنر

    ویلهم ریچارد واگنر یک آهنگساز، رهبر ارکستر، نویسنده و تحلیلگر موسیقی اهل آلمان بود. او بیشتر به خاطر اپراهایش شناخته می‌شود. در موسیقی کلاسیک، بسیاری او را کسی می‌دانند که راه لودیگ وان بتهوون را ادامه داد. ریچارد واگنر در ۲۲ مه ۱۸۱۳ در شهر لایپزیگ و در محله‌ای که یهودیان زندگی می‌کردند متولد شد. پدرخوانده‌اش نمایشنامه‌نویس بود و عشق او به تئاتر به واگنر هم سرایت کرد، به طوری که از کودکی در نمایش‌های زیادی شرکت می‌کرد.

    وقتی پانزده سال داشت، برای نخستین بار سمفونی هفتم بتهوون را شنید که تأثیر عمیقی روی او گذاشت و بتهوون به انگیزه‌ای بزرگ برای آهنگساز شدن واگنر تبدیل شد. از دیگر رویدادهای مهم زندگی او، دیدار با خواننده اپرایی به نام ویلهلمین دورینِت بود که برای واگنر به یک الگوی ایده‌آل در موسیقی و نمایش مبدل شد.

    واگنر در سال ۱۸۳۱ وارد دانشگاه لایپزیگ شد. استاد آهنگسازی او که بسیار تحت تأثیر استعداد واگنر قرار گرفته بود، در چاپ یکی از کارهایش برای پیانو به او کمک کرد. همچنین در همان سال، با همراهی برادرش به رهبری یک گروه کُر پرداخت و اولین اپرای خود به نام “فرشته” را به پایان رساند.

    دوازده سال از زندگی واگنر در تبعید گذشت. او با نوشتن مقاله‌هایش تأثیر زیادی بر شیوه اجرای اپرا گذاشت و برای آنکه بتواند اپراها را به روش مورد نظر خودش روی صحنه ببرد، حتی یک سالن اپرا نیز تأسیس کرد.

    کارهای واگنر به شکل گسترده‌ای از داستان‌ها و افسانه‌های اروپای شمالی، به ویژه اسطوره‌های ایسلندی و آلمانی، الهام گرفته است.

    مشهورترین اپرا های واگنر

    اپراهای «حلقه نیبلونگ»، «تریستان و ایزولده»، «طلای راین» و «والکیری‌ها» از مشهورترین آثار ریشارد واگنر هستند.

    واگنر در دوره موسیقی رمانتیک دستاوردهای بزرگی داشت. او در کارهایش از نغمه‌های پیچیده، هارمونی غنی و آرایش گسترده‌ای برای ارکستر استفاده می‌کرد. متن‌های اپراهایش را خودش می‌نوشت. همچنین، او «لایتموتیف» را در موسیقی ابداع کرد؛ یعنی برای هر شخصیت در داستان، یک نغمه یا تم ویژه در نظر می‌گرفت. این نوآوری واگنر، تأثیر زیادی بر موسیقی فیلم در قرن بیستم گذاشت.

  • ساز سیمبالوم ، سنتور ملی مجارستان

    ساز سیمبالوم ، سنتور ملی مجارستان

    سازهای قانون، سنتور و سیمبالوم از نظر ظاهری کمی شبیه به هم هستند، ولی در جزئیات با یکدیگر تفاوت دارند. در این نوشته از وبلاگ آنبین می‌خواهیم ساز سیمبالوم را به شما معرفی کنیم که ساز ملی کشور مجارستان به شمار می‌رود. تا پایان این مطلب با ما بمانید.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه پدر پیانوی ایران کیست ؟.

    ساز سیمبالوم

    این ساز دوست‌داشتنی که ریشه آن به سنتور ایرانی در حدود سده دوازدهم می‌رسد، در اروپا و در میان کشورهای آلمانی‌زبان، از آغاز سده چهاردهم با نام هکرت شناخته شد. ساز از یک جعبه صوتی تشکیل شده که سیم‌هایی به شکل افقی روی آن قرار گرفته‌اند. نوازنده به جای آنکه سیم‌ها را در عرض با مضراب‌های سبک بنوازد، از جلو به عقب به آن‌ها ضربه می‌زند.

    صدای ساز

    صدای این ساز، ظریف و شکننده است و بسیار شبیه به صدای پیانوی فورته می‌باشد. از جمله قطعاتی که از این ساز استفاده کرده‌اند می‌توان به «رُبا» (روباه) ساخته‌ی استراوینسکی در سال ۱۹۲۲ و همچنین «سوییت ارکستری هاری یانوش» اثر کودای مربوط به سال ۱۹۲۷ اشاره کرد.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، حتماً کدام انیمیشن ها بهترین موسیقی متن را داشته اند؟ را بخوانید.

    ساختار ساز

    در واقع، ساز سیمبالوم گونه‌ای از سنتور است که ریشه در اروپای مرکزی و شرقی به ویژه مجارستان دارد. این ساز دارای حدود ۱۲۵ سیم فولادی و برنجی است که روی جعبه‌ای ذوزنقه‌ای شکل کشیده شده‌اند. نوازنده با استفاده از دو چوب مخصوص به نام مضراب، این سیم‌ها را به صدا درمی‌آورد. صدای آن غنی و عمیق است و قابلیت تولید نت‌های بم و پرطنین را دارد.

    سیمبالوم معمولاً روی چهار پایه قرار می‌گیرد و همچنین مجهز به یک پدال برای کنترل و کوتاه کردن صدای سیم‌ها است.

    ساز سیمبالوم ، سنتور ملی مجارستان

    ساز ملی مجارستان

    همانطور که می‌دانید، معمولاً هر سازی به منطقه یا فرهنگ خاصی تعلق دارد. این موضوع درباره‌ی ساز سیمبالوم نیز صادق است.

    در صورت علاقه‌مندی، مطلب جایگاه مهم موسیقی در دوران هخامنشیان را از دست ندهید.

    این ساز را فردی به نام جوزف شوندا در سال ۱۸۷۰ میلادی ساخت. پس از آن، سیمبالوم در شهر بوداپست مورد استقبال و محبوبیت فراوان قرار گرفت و در نهایت، در سال ۱۸۹۰ به عنوان ساز ملی کشور مجارستان شناخته شد.