دسته: موسیقی

  • آشنایی با ماهور؛ یکی از دستگاه های موسیقی ایرانی

    آشنایی با ماهور؛ یکی از دستگاه های موسیقی ایرانی

    یکی از وسیع‌ترین مجموعه‌های موسیقی ایرانی، دستگاه ماهور نام دارد. این دستگاه از نظر فاصله‌های صوتی شبیه به گام ماژور در موسیقی غربی است و معمولاً برای نواختن آهنگ‌های شاد در مراسم جشن و عید استفاده می‌شود. به همین دلیل تعداد زیادی قطعه شاد و فرح‌بخش در این دستگاه ساخته شده است. در ادامه این نوشته از وبلاگ آنبین، بیشتر با دستگاه ماهور؛ یکی از دستگاه‌های مهم موسیقی ایرانی، آشنا خواهید شد.

    توصیه می‌کنیم این مطلب چرا هنگ درام گران است؟ را حتماً بخوانید.

    آشنایی با ماهور؛ یکی از دستگاه های موسیقی ایرانی

    این دستگاه پنجاه گوشه دارد که همهٔ آنها با فرودی به درآمد برمی‌گردند و در سه محدودهٔ صوتی بم، میانی و زیر نواخته می‌شوند. ماهور آوازی باوقار و پرابهت است که شکوه و عظمت خاصی به شنونده منتقل می‌کند. آهنگسازان از این دستگاه برای بیان رشادت‌ها و دلاوری‌ها استفاده می‌کنند. همچنین ماهور به دلیل نزدیکی با موسیقی غربی، میان جوانان از محبوبیت ویژه‌ای برخوردار است. در کل، آواز ماهور، حال‌وهوایی شاد و نشاط‌آور دارد.

    توصیه می‌شود به مطالعه مقاله ماجرای آهنگ یکشنبه غم انگیز چیست؟ ادامه دهید.

    دربارهٔ پیشینه و نام دستگاه ماهور، دیدگاه‌های گوناگونی وجود دارد. برخی ریشه‌های آن را به موسیقی ایران باستان یا هند پیوند می‌دهند و برخی دیگر آن را به مقام‌های موسیقی قدیم ایران، به‌ویژه مقام عشاق، مربوط می‌دانند.

    اگرچه بسیاری از موسیقی‌دانان امروزی، دستگاه شور را مهم‌ترین دستگاه می‌دانند، اما برخی نیز ماهور را در جایگاه نخست قرار می‌دهند؛ تا جایی که آموزش ردیف موسیقی معمولاً با دستگاه ماهور شروع می‌شود.

    ایرانیان باستان در مراسم نیایش خود سرودهای مخصوصی می‌خواندند و ماه و خورشید را پرستش می‌کردند. نام ماهور نیز از همین جا گرفته شده، زیرا این دستگاه هم در هنگام صبح و هم در شب قابلیت اجرا دارد.

    توصیه می‌کنیم این مطلب استفاده از ساز دیجیریدو در علم پزشکی را حتماً بخوانید.

    در موسیقی عربی نیز می‌توان نشانه‌هایی از ماهور را به عنوان یکی از مشتقات مقام راست مشاهده کرد. مقام ماهور در موسیقی عربی از دو جنس تشکیل می‌شود: یکی راست و دیگری عجم. جنس عجم در تلاوت قرآن نیز به کار می‌رود.

    گوشه های دستگاه ماهور

    در موسیقی سنتی ایران، دستگاه ماهور از بخش‌های کوچک و متنوعی به نام گوشه تشکیل شده است. برخی از مهم‌ترین این گوشه‌ها عبارتند از: درآمد، کرشمه، آواز، مقدمه داد، داد، خسروانی، دلکش، خاوران، طرب انگیز، نیشابورک، نصیرخانی، چهارپاره، فیلی، ماهور صغیر، آذربایجانی، حصار، زیرافکند، نیریز، شکسته، عراق، نهیب، محیر، آشورآوند، اصفهانک، حزین، کرشمه، زنگوله، راک هندی، راک کشمیر، راک عبدالله، کرشمه و صفیر راک، رنگ حربی، رنگ یک چوبه، رنگ شلخو و ساقی‌نامه. معمولاً در بخش پایانی اجرای ماهور، گوشه‌هایی مانند راک هندی یا راک کشمیر نواخته می‌شود و سپس کل اجرا با یک قطعه چهارمضراب و در نهایت یک رنگ به پایان می‌رسد.

    برای مطالعه بیشتر، به ساز عجیب حلزونی سری سر بزنید.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه آشنایی با استاد کیوان ساکت.

    برای یادگیری پیشرفته، به گلپا ،پیشرو معرفی آواز و موسیقی ایرانی در سطح جهان مراجعه کنید.

  • وی اس تی چیست؟

    وی اس تی چیست؟

    وی‌اِس‌تی یکی از کلیدی‌ترین مفاهیم در ساخت موسیقی است.
    این فناوری به شما امکان می‌دهد تا از سازهای مجازی استفاده کنید، در حالی که در شرایط معمولی برای استفاده از هر ساز واقعی، باید با نوازنده آن هماهنگ کنید و با پرداخت هزینه، صدای ساز مورد نظر را به اثر خود اضافه کنید.
    در ادامه این نوشته از وبلاگ آنبین، بیشتر با این مفهوم مهم دنیای موسیقی آشنا خواهید شد.

    وی اس تی چیست؟

    جالب است که اولین بار، شرکت اشتاینبرگ که نرم‌افزار کیوبیس را می‌سازد، از وی‌اس‌تی استفاده کرد. امروزه در همه آهنگ‌هایی که می‌شنوید، بین پنجاه تا صد درصد از این ابزارها در ساختشان به کار رفته است.

    تعریف کامل وی اس تی

    وی‌اِس‌تی یا VST که مخفف عبارت فناوری استودیوی مجازی است، در واقع به پلاگین‌های نرم‌افزاری گفته می‌شود که سازهای موسیقی را به صورت دیجیتال و بسیار پیشرفته شبیه‌سازی می‌کنند. این ابزارها با کیفیت فوق‌العاده و امکانات حرفه‌ای طراحی شده‌اند تا بتوانند نقش یک ساز واقعی را در نرم‌افزارهای تولید موسیقی (DAW) ایفا کنند.

    با رشد فناوری و تأثیر آن در همه زمینه‌ها، موسیقی نیز از این تحولات بی‌بهره نمانده و به شدت تحت تأثیر قرار گرفته است. در گذشته، مثلاً تا پنجاه سال پیش، اگر گروهی می‌خواست یک آهنگ تولید کند، همه نوازندگان باید دور هم جمع می‌شدند و بدون حتی یک اشتباه کوچک، قطعه خود را دقیقاً مطابق نت‌های نوشته‌شده اجرا می‌کردند.

    اما امروزه خوشبختانه در دوره‌ای زندگی می‌کنیم که یک وی‌اِس‌تی می‌تواند هزاران بار بدون کوچکترین خطایی، نت‌های نوشته‌شده برای یک ساز را برای ما بنوازد. آن هم با بالاترین کیفیت صوتی ممکن که واقعاً شگفت‌انگیز است.

    نحوه استفاده از وی اس تی ها برای آهنگسازی

    به طور کلی، پلاگین‌های VST برای اجرا به یک نرم‌افزار اصلی نیاز دارند. مراحل نصب و استفاده از این پلاگین‌ها بسیار شبیه به نصب برنامه‌های معمولی کامپیوتر است. بعد از نصب و فعال‌سازی، باید آن‌ها را در یکی از نرم‌افزارهای میزبان مانند اف‌ال استودیو، کیوبیس و موارد مشابه باز کنید.

    البته برخی از پلاگین‌های VST مانند EZKeys Piano این قابلیت را دارند که علاوه بر اجرا در نرم‌افزارهای میزبان، به صورت مستقل و با آیکون مخصوص خود در دسکتاپ نیز اجرا شوند. پس از باز کردن و فعال‌سازی پلاگین، هر نتی که بنوازید با صدای همان وی‌اس‌تی پخش خواهد شد.

  • کسر میزان چیست؟

    کسر میزان چیست؟

    در دنیای موسیقی، واژه‌ها و اصطلاحات فراوانی به کار می‌رود. برای این که درک عمیق‌تری از موسیقی پیدا کنیم، باید با این واژه‌ها و چگونگی استفاده از آن‌ها آشنا شویم.
    در این نوشته از وبلاگ آنبین، قصد داریم معنی و مفهوم «کسر میزان» را برای شما توضیح دهیم. امیدواریم تا پایان این مطلب همراه ما بمانید.

    میزان چیست؟

    برای اینکه بهتر بفهمید کسر میزان چیست، اول باید با خودِ میزان آشنا شوید. همانطور که می‌دانید، موسیقی را به بخش‌های زمانیِ مساوی و منظم تقسیم می‌کنند و این بخش‌ها را با یک خط عمودی از هم جدا می‌کنند. به هر یک از این بخش‌ها، یک میزان می‌گویند.

    کسر میزان چیست؟

    کسر میزان در موسیقی از دو عدد تشکیل شده که یکی بالای دیگری قرار می‌گیرد و اطلاعات مهمی درباره قطعه به ما می‌دهد.
    در شروع هر قطعه، کنار علامت کلید، کسر میزان هم نوشته می‌شود. این کسر میزان نقش بسیار مهمی در نواختن صحیح قطعه دارد، بنابراین بهتر است با انواع آن آشنا شوید و روش شمارش ریتم هر کدام را به خوبی یاد بگیرید.
    در این کسرها، عدد پایین (مخرج) نشان‌دهنده نوع نت از نظر زمانی است و عدد بالا (صورت) تعداد آن نت را در هر میزان مشخص می‌کند. مثلاً در کسر میزان ۴/۴، شما می‌توانید چهار نت سیاه در یک میزان جای دهید. مثال دیگر کسر میزان ۹/۸ است که یعنی در هر میزان، ۹ نت چنگ نواخته می‌شود.

    چطور تلفظ می‌شود؟

    وقتی می‌خواهیم این علامت را در موسیقی بخوانیم، به سادگی دو عدد را پشت سر هم بیان می‌کنیم. برای مثال، برای میزان‌نمای بالا می‌گوییم:
    چهارچهار
    (توجه داشته باشید که آن را مانند کسر نمی‌خوانیم و نمی‌گوییم چهارچهارُم).

    چرا از میزان‌نما (کسر میزان) استفاده می‌کنیم؟

    علامت کسر در ابتدای قطعات موسیقی، در نگاه اول نشان می‌دهد که هر میزان چگونه و به چند قسمت تقسیم شده است. اما اگر دقیق‌تر نگاه کنیم، کاربرد اصلی آن این است که به نوازنده یا خواننده نشان می‌دهد ضرب‌های قوی و تأکیدی موسیقی در کجای قطعه قرار دارند.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، بیوگرافی مهرداد بران را از دست ندهید.

    توصیه می‌کنیم این مطلب تنظیم در آهنگسازی چیست؟ را حتماً بخوانید.

    برای گسترش دانش خود، به مقاله خانه اپرای گوانگژو ، محلی با شکوه برای اجراهای اپرا سر بزنید.

  • چگونه صدای پر قدرتی داشته باشیم؟

    چگونه صدای پر قدرتی داشته باشیم؟

    خیلی از افراد دوست دارند هنگام خواندن، صدای بهتری داشته باشند و کیفیت صدایشان را بالا ببرند. اما پیش از هر چیز باید بدانید که داشتن حنجره قوی، اهمیت بسیار زیادی دارد. چرا که یک حنجره قدرتمند، به شما کمک می‌کند تا بتوانید برای مدت طولانی‌تری با صدای بلند و شفاف بخوانید. در ادامه با چند نکته کلیدی آشنا می‌شوید که به شما کمک می‌کنند تا صدا پرتوان و قوی داشته باشید.

    چگونه صدای پر قدرتی داشته باشیم؟

    برای داشتن صدایی رسا و قدرتمند، باید به طور منظم تمرین‌های ویژه‌ای انجام دهید و در کنار آن، مراقب تغذیه خود باشید. زیرا غذایی که می‌خورید، به طور مستقیم بر سلامت حنجره و کیفیت صدایتان اثر می‌گذارد.

    تاثیرات تنفس صحیح روی کیفیت صدا

    تنفس درست و اصولی می‌تواند به قدرت صدای شما بیفزاید.
    برای امتحان کردن این موضوع، چند جمله را انتخاب کنید و در حالی که درست نفس می‌کشید، آن‌ها را با صدای بلندتر بیان کنید. در این حالت مطمئناً صدای شما قدرتمندتر از قبل خواهد بود.
    با این روش، صدایتان پرحجم‌تر و رساتر به گوش می‌رسد، بدون اینکه گلویتان اذیت شود یا دچار خراشیدگی شود. در نتیجه، طنین و گیرایی صدایتان نیز افزایش پیدا می‌کند.

    پشنهاداتی برای رسیدن به صدایی با کیفیت

    در ادامه، چند راهکار ساده و کاربردی ارائه می‌شود که می‌توانند به بهتر شدن صدای شما کمک کنند:

    – آهنگ‌های مورد علاقه‌تان را، با هر سبکی که دوست دارید، با صدای خودتان تمرین کنید.
    – با دقت و در محیطی آرام به صدای ضبط‌شده‌ی خود گوش دهید تا نقاط قوت و ضعف خود را بشناسید.
    – هر روز، حتی برای مدت کوتاه، آواز بخوانید تا صدایتان ورزیده شود.
    – از خواندن نترسید؛ با جسارت و اطمینان بخوانید.
    – به توانایی‌های خود ایمان داشته باشید؛ چون بدون اعتماد به نفس، نمی‌توانید تمام قابلیت‌های خود را نشان دهید.
    – هر روز تمرینات سلفژ را انجام دهید و گامی را انتخاب کنید که برایتان راحت و بدون فشار باشد.
    – درست نفس کشیدن را هنگام خواندن فراموش نکنید؛ چون تنفس نادرست، روی صدای شما اثر منفی می‌گذارد.
    – اگر برنامه‌های خوانندگی پشت‌سرهم یا طولانی دارید، نوشیدن چای سبز می‌تواند به آرامش تارهای صوتی شما کمک کند.
    – همیشه فرصت خواندن در جمع را غنیمت بشمارید؛ این کار باعث افزایش تجربه و مهارت شما می‌شود.

  • پلی بک در موسیقی به چه معناست؟

    پلی بک در موسیقی به چه معناست؟

    حتماً تا به حال کلمه پلی‌بک به گوشتان خورده است. گاهی موقع شنیدن موسیقی، احساس می‌کنید دو صدا همزمان پخش می‌شود یا وقتی نوازنده در حال اجرا نیست، صدای سازش همچنان شنیده می‌شود. این اتفاق به این دلیل رخ می‌دهد که موسیقی که قبلاً ضبط شده، به‌صورت همزمان اما با صدای آرام‌تر، در کنار اجرای زنده در حال پخش است. به این پدیده در اصطلاح پلی‌بک گفته می‌شود. در ادامه این نوشته از وبلاگ آنبین، بیشتر با مفهوم پلی‌بک در موسیقی آشنا خواهید شد.

    پلی بک در موسیقی

    اگرچه پلی‌بک می‌تواند به موسیقی از پیش ضبط‌شده‌ای گفته شود که در حال پخش است، اما معمولاً وقتی از پلی‌بک حرف می‌زنند، منظور پخش صدای ضبط‌شدهٔ خواننده است. در این حالت می‌گویند فلان خواننده اجرای زنده ندارد و به جای خواندن واقعی، فقط لب‌خوانی می‌کند و صدایی که شنیده می‌شود، قبلاً در استودیو ضبط شده است.

    البته پلی‌بک انواع و درجات مختلفی دارد و ممکن است در یک کنسرت به شکل‌های گوناگونی از آن استفاده شود. این روزها پلی‌بک به یک مسئله و مشکل بزرگ در موسیقی پاپ تبدیل شده است.

    مخاطبان معمولاً از شنیدن صدای پلی‌بک راضی نیستند، چون با خرید بلیط به کنسرت می‌روند یا در برنامهٔ زندهٔ تلویزیونی انتظار دارند صدای واقعی و زندهٔ خواننده را بشنوند. به همین دلیل، اجرای پلی‌بک اغلب باعث نارضایتی تماشاگران می‌شود.

    لب خوانی با میکروفن خاموش

    امروزه خیلی دیده می‌شود که برخی از برنامه‌ها را به اشتباه “پلی‌بک” می‌نامند، در حالی که در واقع این اجراها، لب‌خوانی با میکروفن خاموش است.
    این سبک اجرا که شباهت زیادی به داب‌اسمش هم دارد، در واقع نوعی پانتومیم موزیکال است. در این حالت، خواننده تمام توجه خود را به حرکات دست، سر و حالت لب‌هایش معطوف می‌کند.
    معمولاً در جشن‌های سازمانی، مراسم مختلف یا برنامه‌های شاد، حداقل یک نمونه از این خواننده‌ها دیده می‌شود. امروزه تقریباً بیشتر افراد می‌توانند تفاوت بین پلی‌بک واقعی و لب‌خوانی ساده را تشخیص دهند.
    البته کیفیت این اجراها تا حد زیادی به مهارت خود خواننده بستگی دارد. هر چقدر که خواننده بتواند حس بهتری در لب‌خوانی خود منتقل کند، تأثیرگذاری کارش بیشتر خواهد بود؛ اما حقیقت این است که این نوع اجرا معمولاً حالتی مصنوعی دارد و باورکردنی به نظر نمی‌رسد.
    شاید دلیل اصلی این کار، کم‌رویی، عدم اعتماد به نفس یا نداشتن تسلط کافی برای اجرای زنده باشد. جالب اینجاست که حتی بعضی از خوانندگان مشهور هم گاهی در کنسرت‌هایشان از این روش استفاده می‌کنند.

  • پاپ فیلتر چیست؟

    پاپ فیلتر چیست؟

    در هنگام ضبط صدا، کیفیت و وضوح آن بسیار اهمیت دارد. یکی از مشکلات رایج در ضبط، صداهای ناگهانی و انفجاری است که هنگام تلفظ برخی حروف ایجاد می‌شود. برای جلوگیری از این صداهای ناخواسته، از وسیله‌ای به نام پاپ فیلتر یا محافظ صدا استفاده می‌شود. در ادامه این مطلب از وبلاگ آنبین، بیشتر با پاپ فیلتر آشنا خواهید شد.

    صدای انفجاری چیست؟

    اغلب، صداهای انفجاری همانهایی هستند که هنگام ادای حروفی مثل «پ» و «ب» در صحبتهای روزمره به وجود میآیند. برای نمونه، فرض کنید یک شمع روشن را نزدیک دهان خود نگه دارید و شروع به صحبت کنید؛ این صداها باعث لرزش و تکان خوردن شعلهٔ شمع میشوند.
    اگر هنگام ضبط صدا، دهان شما به میکروفون نزدیک باشد، این صداهای ترقهمانند بیشتر و قویتر میشوند. این نوع صداها روی دیافراگم میکروفون تأثیر میگذارند و یک سیگنال خروجی ایجاد میکنند.
    یک محافظ یا فیلتر پاپ مانند یک مانع بین این صداها و میکروفون قرار میگیرد تا نویزها و صداهای ناخواسته در ضبط نهایی حذف شوند.

    رفع صداهای انفجاری در هنگام ضبط

    چه در یک کابین مخصوص خوانندگی صدای خود را ضبط کنید و چه در یک استودیوی کاملاً حرفه‌ای، احتمالاً با آن صداهای ناگهانی و تق‌مانند هنگام ضبط مواجه شده‌اید. پاپ‌فیلترها و نحوه قرار دادن میکروفن، دو عامل بسیار مهم برای جلوگیری از ایجاد این صداهای ناخواسته در هنگام ضبط صدا هستند.

    پاپ فیلتر

    پاپ فیلتر برای میکروفون چه کاری انجام می دهد؟

    پاپ فیلترها وسایل بسیار مفید و ضروری محسوب می‌شوند. وقتی که در حال ویرایش صدای ضبط‌شده‌اید، با کمک این فیلتر می‌توانید مشکلات صدا را برطرف کنید و در نتیجه، یک فایل صوتی بهتر برای آزمون‌ها، نمونه کارها یا پروژه نهایی خود داشته باشید.

    برخی از گویندگان به طور کامل به پاپ فیلترها متکی هستند و بدون آن اقدام به ضبط صدا نمی‌کنند. با این حال، این خود شما هستید که باید تشخیص دهید چه چیزی برای کارتان مناسب‌تر است.

    مزایای پاپ فیلتر ها

    پاپ فیلترها گزینه‌ای عالی برای ضبط صدا در محیط‌های باز هستند.
    این وسیله مشکلات صوتی را در پروژه‌های ساده تا حرفه‌ای رفع می‌کند و ویرایش صدا و حذف فرکانس‌های ناخواسته را ساده‌تر می‌سازد.
    پاپ فیلترها صدای ناگهانی و ترقه‌ای ناشی از برخورد سریع هوا با میکروفون را حذف می‌کنند.
    همچنین شدت صدای انفجاری حروفی مانند «پ» و «ب» را کاهش داده و در کم کردن صدای سوت‌مانند حرف «س» نیز مؤثرند.
    علاوه بر این، پاپ فیلترها از میکروفون در برابر رطوبت محافظت می‌کنند و به این ترتیب به افزایش عمر آن کمک می‌کنند.

  • کریستوفوری؛ مخترع اولین پیانو

    کریستوفوری؛ مخترع اولین پیانو

    وقتی صحبت از آلات موسیقی پرطرفدار می‌شود، بی‌شک نام پیانو در میان آنها دیده می‌شود. اما این ساز را چه کسی اختراع کرد و داستان پیدایش آن چیست؟ در ادامه با بارتولومئو کریستوفوری، کسی که اولین پیانو را ساخت، آشنا خواهید شد.

    پیانو

    همانطور که می‌دانید، پیانو یکی از سازهای کلاویه‌ای است و از همهٔ آنها شناخته‌شده‌تر است. صدای پیانو از برخورد چکش‌های کوچک به سیم‌های فلزی داخل جعبه چوبی آن به وجود می‌آید. وقتی کلیدهای پیانو را فشار می‌دهید، این چکش‌ها به حرکت درمی‌آیند. سیم‌های ساز نیز به صفحه‌ای به نام «صفحه صدا» وصل شده‌اند که باعث تقویت و رساتر شدن صدای آنها می‌شود.

    توصیه می‌شود به مطالعه مقاله اردشیر کامکار ،رونق دهنده هنر کمانچه نوازی معاصر ادامه دهید.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه بهترین کلاس آواز در شرق تهران.

    پیانو در میان سازهای معمول — به جز ارگ کلیسا — بیشترین گسترهٔ صوتی را دارد. این ساز در شکل کنونی‌اش معمولاً هشت اکتاو دارد و می‌تواند فرکانس‌هایی از حدود ۲۷ تا ۴۱۸۶ هرتز تولید کند. در مقایسه، ساز ویولن تنها حدود پنج اکتاو صدا دارد و حتی بهترین خواننده‌های جهان فقط در محدودهٔ حدود سه اکتاو توانایی خواندن دارند.

    کریستوفوری؛ مخترع اولین پیانو

    بارتولومو کریستوفوری، فردی ایتالیایی، سازنده اولیه پیانو شناخته می‌شود، البته دیگران نیز در شکل‌گیری آن نقش داشتند. او که در سال ۱۶۵۵ به دنیا آمد و در سال ۱۷۳۱ درگذشت، در ابتدا نوعی پیانوی میزی ساخت و سپس با استفاده از دانش خود درباره سازهای کلیدی، به تدریگ آن را بهبود بخشید.

    تاریخ دقیق ساخت نخستین پیانو هنوز مشخص نیست، اما بررسی‌ها نشان می‌دهد که در سال ۱۷۰۰، اولین نمونه‌های آن در خانه یکی از خانواده‌های ثروتمند دیده شد. بر این اساس، گمان می‌رود که پیانو حدود سال ۱۶۹۸ برای اولین بار ساخته شده باشد. کریستوفوری سه عدد پیانو از خود به جای گذاشته که هنوز موجود هستند و مربوط به سال ۱۷۲۰ می‌شوند.

    توصیه می‌کنیم این مطلب رهبر ارکستر، پدر بیان موسیقی را حتماً بخوانید.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، حتماً تاریخچه ساخت اولین پیانو را بخوانید.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، حتماً موسیقی، علم یا هنر؟! را بخوانید.

    طرح پیانوی کریستوفوری با پیانوهای امروزی تفاوت‌هایی دارد. او در ساز خود سیستمی طراحی کرد که وقتی چکش‌ها به سیم‌ها برخورد می‌کنند، امکان ایجاد تغییرات بیشتر در شدت صدا فراهم می‌شود.

    کریستوفوری؛ مخترع اولین پیانو

    کریستوفوری، فردی بود که برای اولین بار ساز پیانو را اختراع کرد. او با خلاقیت و دانش خود، ابزار موسیقی جدیدی ساخت که صدایی منحصر به فرد داشت. این ساز به مرور زمان پیشرفت کرد و به یکی از محبوب‌ترین سازهای دنیا تبدیل شد.

    برای یادگیری پیشرفته، به رابطه تغذیه و صداسازی مراجعه کنید.

    پیانو فورت

    ساز اصلی که کریستوفوری ساخت، پیانو فورت نام داشت. در زبان ایتالیایی به آن “clavicembalo col piano e forte” می‌گفتند، که معنی آن می‌شود: هارپسیکوردی که می‌تواند صدای نرم و قوی تولید کند. استفاده از نام “پیانو” از حدود سال ۱۷۳۲ بیشتر شد، چون در آن زمان تصمیم گرفتند نام کامل “پیانوفورت” را کوتاه کنند. اگرچه حدود پنجاه سال زمان برد تا مردم کم‌کم به استفاده از این نام کوتاه شده عادت کنند، اما وقتی این اتفاق افتاد، کلمه “پیانو” برای همیشه ماندگار شد.

    برای درک عمیق‌تر این موضوع، مطلب روش صحیح مضراب زدن در سه تار را بخوانید.

    برای مطالعه بیشتر، به بیوگرافی بلا ویکتور یانوش بارتوک سری سر بزنید.

    برای مطالعه بیشتر، به تاریخچه  سیاه بازی سری سر بزنید.

    محبوبیت پیانو در اروپا

    در اواخر قرن هجدهم، ساخت پیانو در کشورهای اروپایی بسیار متداول شد و هر منطقه سبک و طراحی خاص خود را برای این ساز به کار می‌برد. پیانوهای ساخت انگلستان معمولاً مکانیسمی سنگین‌تر و صدایی پرحجم‌تر تولید می‌کردند. در مقابل، پیانوهای اتریشی از مکانیسمی سبک‌تر و صدایی نرم‌تر و ظریف‌تر برخوردار بودند.

    اطلاعات جامع‌تری در مورد این موضوع را در داستان جالب خلق تنصیف سپیده پیدا کنید.

    برای مطالعه بیشتر، به آشنایی با سبک آلترنتیو راک سری سر بزنید.

    برای مطالعه بیشتر، به نخستین زنی که رهبر ارکستر ایران شد که بود سری سر بزنید.

    پیانوهای ونیزی نیز به خاطر قاب‌های چوبی‌شان بسیار محبوب بودند و چکش‌های آن‌ها از جنس چرم ساخته می‌شد. جالب اینجاست که ولفگانگ آمادئوس موتزارت، آهنگساز بزرگ، پیانوهای ونیز را بیشتر می‌پسندید؛ زیرا به باور او، صدای این پیانوها لطیف‌تر و ظریف‌تر از پیانوهای امروزی بود.

  • حسین علیزاده، نامزد دریافت ۳ جایزه گرمی

    حسین علیزاده، نامزد دریافت ۳ جایزه گرمی

    حسین محمد علیزاده، که بیشتر با نام حسین علیزاده شناخته می‌شود، یک هنرمند بزرگ در زمینه موسیقی است. او در نواختن سازهای تار و سه‌تار مهارت زیادی دارد و همچنین در زمینه آهنگسازی، آموزش موسیقی اصیل ایرانی و پژوهش فعالیت می‌کند. از دیگر افتخارات او، نامزدی برای دریافت سه جایزه معتبر گرمی است. در ادامه این نوشته، بیشتر با زندگی و کارهای این هنرمند ایرانی آشنا خواهیم شد.

    زندگی نامه حسین علیزاده

    حسین علیزاده در اول شهریور ماه سال ۱۳۳۰ متولد شد. پدر او اهل شهر ارومیه و مادرش متولد تهران بود. او دو فرزند به نام‌های صبا و نیما دارد. صبا کمانچه می‌نوازد و نیما با رباب و تار آشناست. هر دو فرزند او اکنون در گروه موسیقی «هم‌آوایان» فعالیت می‌کنند که زیر نظر پدرشان اداره می‌شود. علیزاده از بنیان‌گذاران و اولین مدیرعامل خانه موسیقی ایران بوده و در حال حاضر به عنوان سخنگوی شورای عالی این خانه موسیقی مشغول به کار است.

    مسیر هنری

    علیزاده از همان سنین کم، در مدرسه‌ای در تهران که هوشنگ ظریف در آن به بچه‌ها موسیقی آموزش می‌داد، به این هنر علاقه‌مند شد. هوشنگ ظریف که استعداد و اشتیاق زیاد او را دید، باعث شد تا علیزاده به هنرستان موسیقی معرفی شود.

    در اینجا می‌توانید اطلاعات کامل‌تری درباره بهترین آموزشگاه هنگ درام در شرق تهران بیابید.

    اطلاعات جامع‌تری در مورد این موضوع را در میکروفن های مناسب برای ضبط صدا و ساخت استودیوی خانگی پیدا کنید.

    در هنرستان، او نزد استادانی مانند حسین دهلوی و خود هوشنگ ظریف، دوره‌های موسیقی را گذراند و سپس بدون وقفه، در سال ۱۳۴۹ به دانشکده هنرهای زیبای دانشگاه تهران وارد شد. در دانشگاه نیز از آموزش استادان بزرگی مثل داریوش صفت، نورعلی خان برومند، حبیب الله صالحی، عبدالله خان دوامی و… بهره برد و ردیف موسیقی ایرانی را به خوبی فراگرفت و در نواختن تار و سه‌تار مهارت یافت. او در نهایت از این دانشگاه در رشته‌های نوازندگی و آهنگسازی فارغ‌التحصیل شد. علیزاده در سال ۱۳۴۷ به عضویت ارکستر رودکی درآمد.

    عضویت او در کانون چاووش، همراه با دیگر هنرمندان برجسته‌ای مانند محمدرضا لطفی و پرویز مشکاتیان، منجر به خلق آثاری ماندگار در قالب مجموعه آلبوم‌های چاووش شد. همچنین، با تدریس به هنرجویان جوان، نقش مؤثری در پرورش نوازندگان و موسیقی‌دانان پس از انقلاب ایفا کرد. بسیاری از ترانه‌های انقلابی آن دوره، از جمله تصنیف شهید با صدای شهرام ناظری، از ساخته‌های علیزاده در آن سال‌هاست.

     تحصیل در آلمان

    حسین علیزاده در آغاز دهه شصت خورشیدی برای ادامه تحصیل و تدریس به کشور آلمان سفر کرد. او در دانشگاه آزاد برلین به فراگیری دانش موسیقی پرداخت. در طول این دوران، اثری به نام «عصیان» را به عنوان پروژه پایانی تحصیلات خود خلق کرد.

    برای مطالعه بیشتر، به روش های کاهش نشت صدا در استودیوی خانگی سری سر بزنید.

    در صورت علاقه‌مندی، مطلب نت شاهد چیست ؟ را از دست ندهید.

    در اینجا می‌توانید اطلاعات کامل‌تری درباره آشنایی با ساز ترومبون،تاریخچه و کاربرد آن بیابید.

    بازگشت به ایران

    حسین علیزاده پس از پایان تحصیلاتش در سال ۱۳۶۷ به ایران بازگشت و قطعات “شورانگیز” و “ترکمن” را اجرا کرد. نتیجه این فعالیت‌ها، گشودن راهی تازه در موسیقی سنتی ایرانی بود. در آغاز دهه هفتاد شمسی، او به عنوان رئیس هنرستان موسیقی انتخاب شد.

    از دیگر کارهای او می‌توان به موارد زیر اشاره کرد:
    تک‌نوازی و همکاری با ارشد تهماسبی،
    ضبط آثار شخصی،
    سخنرانی در داخل و خارج از ایران،
    اجراهای متعدد در ایران و دیگر کشورها،
    تهیه کتاب‌های آموزشی مانند «ده قطعه برای تار»،
    تولید نوارهای آموزشی،
    آموزش سازهای تار و سه‌تار،
    ساخت موسیقی برای فیلم،
    و اجرای ردیف موسیقی میرزاعبدالله فراهانی.

    همکاری با شجریان

    علیزاده در اواخر دهه هفتاد، همکاری گسترده‌ای را با استاد آواز ایران، محمدرضا شجریان شروع کرد. او به همراه همایون شجریان و کیهان کلهر، برنامه‌های هنری بی‌نظیری را در ایران و دیگر کشورهای جهان به روی صحنه برد.
    یکی از برنامه‌های بسیار معروف این دوران، کنسرت همنوا با بم است که برای تمام دوستداران موسیقی شناخته شده می‌باشد. این همکاری پربار بین علیزاده و شجریان، منجر به ساخت آلبوم‌های ماندگاری مانند فریاد، داد و بیداد، زمستان و چندین اثر دیگر شد.

    حسین علیزاده

    جوایز هنری

    علیزاده یکی از آهنگسازان بسیار برجسته برای موسیقی فیلم در ایران است.
    او با دریافت چهار سیمرغ بلورین برای فیلم‌های گبه، زشت و زیبا، آواز گنجشک‌ها و ملکه، به همراه مجید انتظامی و محمدرضا عقیلی، رکورددار کسب بیشترین تعداد سیمرغ بلورین در بخش بهترین موسیقی متن در جشنواره فیلم فجر است.
    یکی از بزرگ‌ترین دستاوردهای او، نامزدی در جوایز گرمی است. علیزاده تاکنون برای آلبوم‌های فریاد، بی‌تو به سر نمی‌شود و به تماشای آب‌های سپید در بخش بهترین آلبوم موسیقی جهانی، نامزد دریافت جایزه گرمی شده است. جایزه گرمی، معتبرترین مراسم تقدیر از آثار موسیقی در آمریکا و جهان به شمار می‌رود.

    برای مطالعه بیشتر، به آشنایی با ساز کوبه ای تانگ درام یا هپی درام سری سر بزنید.

  • گلیساندو در موسیقی به چه معناست؟ 

    گلیساندو در موسیقی به چه معناست؟ 

    آیا تاکنون با کلمه گلیساندو برخورد کرده‌اید؟ گلیساندو یک روش نوازندگی است که در نواختن برخی سازها به کار می‌رود. اگر دوست دارید بیشتر با این تکنیک آشنا شوید، پیشنهاد می‌کنیم ادامه این نوشته در وبلاگ آنبین را مطالعه کنید.

    گلیساندو، فنی در اجرای موسیقی

    گلیساندو که با نام‌های لَغْزه یا سُرش نغمه نیز شناخته می‌شود، یک روش اجرای موسیقی است. در این تکنیک، نوازنده به جای نواختن نت‌های جداگانه، انگشت یا کمانه را روی ساز می‌لغزاند. به این ترتیب، صدایی پیوسته و شبیه به سر خوردن از یک نت به نت دیگر ایجاد می‌شود و تمامی نت‌های موجود در آن محدوده به آرامی و پشت سر هم شنیده می‌شوند.

    اجرای تکنیک گلیساندو

    برای اجرای این تکنیک روی ساز، نوازنده انگشت خود را به آرامی در امتداد سیم از بالا به پایین یا برعکس می‌کشد. در این حالت، صداها به گونه‌ای پشت سر هم نواخته می‌شوند که هر نُت به نت قبلی یا بعدی خود کاملاً متصل باشد. این روش که در نوازندگی سازهای مختلف کاربرد دارد، گلیساندو نامیده می‌شود.

    در واقع، گلیساندو یک حرکت لیزانی و پیوسته در موسیقی است. این واژه ریشه در زبان فرانسوی دارد و به معنای “سر خوردن” است.
    به بیان دقیق‌تر، گلیساندو در موسیقی به معنای اجرای سریع و بدون وقفهٔ یک رشته صدا است که روی سازهایی مانند پیانو با لغزاندن انگشت روی کلیدها، یا در سازهای زهی مانند گیتار و ویولن با حرکت انگشت روی دستهٔ ساز ایجاد می‌شود. در سازهای بادی نیز این حالت با تغییر تدریجی و پیوستهٔ صدا تولید می‌گردد.

    نحوه نگارش گلیساندو

    با کشیدن یک خطِ گاهی موج‌دار بعد از نت اولیه، حرکت glide (که معمولاً به اختصار gliss نشان داده می‌شود) مشخص می‌گردد. گاهی اوقات هم، به جای خط، نت‌های مقصد به صورت دقیق نوشته شده و کنار آن کلمهٔ glissando درج می‌شود.

    برای گسترش دانش خود، به مقاله نکات مهم برای شروع آواز یا خوانندگی سر بزنید.

    برای گسترش دانش خود، به مقاله آشنایی با ساز ماندولین سر بزنید.

    گلیساندو گلیساندو

    آیا تکنیک گلیساندو فقط در پیانو اجرا می شود؟

    شاید در ابتدا فکر کنید که این روش فقط برای یک ساز خاص قابل استفاده است، اما باید بدانید که تکنیک گلیساندو در همه‌ی انواع سازها — از جمله سازهای کوبه‌ای، مضرابی، آرشه‌ای و غیره — کاربرد دارد.

    برای مطالعه بیشتر، به معرفی ساز کنترباس سری سر بزنید.

  • استاد جلال ذوالفنون، نوازنده بی بدل سه تار

    استاد جلال ذوالفنون، نوازنده بی بدل سه تار

    وقتی صحبت از ساز سه‌تار به میان می‌آید، بی‌تردید نام استاد جلال ذوالفنون در خاطر ما زنده می‌شود.
    ایشان از چهره‌های تأثیرگذار و سرشناس در عرصه نوازندگی سه‌تار هستند و در این نوشته از وبلاگ آنبین، قصد داریم بیشتر با ایشان آشنا شویم.
    تا پایان این مطلب همراه ما بمانید.

    بیوگرافی استاد جلال ذوالفنون

    جلال ذوالفنون، موسیقیدان و نوازنده چیره‌دست سه‌تار، در شانزدهم اسفندماه سال ۱۳۱۶ در شهر آباده از استان فارس به دنیا آمد.
    پدرش تار می‌نواخت و برادرش نیز با ویولن آشنا بود. همین فضای موسیقایی در خانواده، باعث شد او از سنین کم به موسیقی علاقه‌مند شود.
    در کودکی به همراه خانواده به تهران نقل مکان کرد و از ده‌سالگی نواختن سه‌تار را آغاز نمود.
    ذوالفنون برای ادامهٔ تحصیل به هنرستان موسیقی ملی رفت. از آنجا که در آن زمان سه‌تار در برنامهٔ درسی هنرستان جایگاه چندانی نداشت، به ناچار تار را به عنوان ساز اصلی خود انتخاب کرد و با سازهایی مانند ویولن نیز آشنا شد. او ویولن را نزد برادرش محمود ذوالفنون فراگرفت، اما در کنار تار و ویولن، هرگز سه‌تار را رها نکرد و به نوازندگی آن ادامه داد.
    در هنرستان، از راهنمایی‌های موسی معروفی برای بهبود تکنیک نوازندگی سه‌تار بهره‌مند شد.

    ورود به دانشکده هنرهای زیبا

    پس از راه‌اندازی رشته موسیقی در دانشکده هنرهای زیبا، او نیز به این دانشکده رفت و با استاد فقید نورعلی برومند و دکتر داریوش صفوت آشنا شد. این آشنایی، درک تازه‌ای از موسیقی اصیل ایران و قابلیت‌های گسترده ساز سه‌تار به او داد و از سال ۱۳۴۶ تمام تمرکز خود را روی این ساز گذاشت. او در ادامه مسیرش، از راهنمایی استادان بزرگی مانند ابوالحسن صبا و ارسلان درگاهی نیز بهره برد.
    پس از فارغ‌التحصیلی، در همان دانشکده و همچنین در مرکز حفظ و اشاعه موسیقی ملی، به آموزش سه‌تار مشغول شد. شیوه نوازندگی استاد ذوالفنون در نواختن سه‌تار، کاملاً ویژه و بی‌نظیر است.
    او توانست سه‌تار را از تنهایی بیرون بیاورد و برای نخستین بار، گروه‌های نوازندگی سه‌تار را تشکیل دهد. استاد ذوالفنون در کنار دیگر هنرمندان بزرگ، در بسیاری از کنسرت‌ها و جشنواره‌های داخلی و خارجی حاضر شده است.

    جلال ذوالفنون

    اجرای سبک نوینی در نوازندگی گروهی سه تار

    جلال ذوالفنون در دو آلبوم به نام‌های «گل صدبرگ» و «آتش در نیستان» که با صدای شهرام ناظری همراه بود، شیوه‌ی تازه‌ای در نواختن گروهی سه‌تار و خواندن آهنگ‌های عرفانی به وجود آورد. او همچنین قطعه‌ای به نام «شرح فراق» را با همکاری حسام‌الدین سراج اجرا کرد.

    این هنرمند در آلبوم «سرمستان» با صدای علیرضا افتخاری، همراه با هابیل علی‌اف به نوازندگی پرداخت. علاوه بر این، در آلبوم‌های «نیلوفرانه»، «میهمان تو»، «شب عاشقان» و «خنده بارون» نیز هنرنمایی کرد. بداهه‌نوازی استاد ذوالفنون در آلبوم «مستانه» با صدای علیرضا افتخاری بسیار قابل تحسین است.

    از آثار نوشتاری او می‌توان به چهار جلد کتاب با عنوان «تدریس سه‌تار» و نیز کتاب «گل صدبرگ» اشاره کرد. او سال‌های طولانی به پژوهش در زمینه‌ی موسیقی پرداخت و تلاش کرد تا جوانان را با این عرصه آشنا کند. پس از پژوهش، آموزش مهم‌ترین فعالیت او به شمار می‌رفت. جلال ذوالفنون نخستین فردی بود که کتاب آموزشی ویژه‌ای برای سه‌تار تألیف کرد.

    در پایانِ بیست و هفتمین جشنواره‌ی بین‌المللی موسیقی فجر، که در سی‌ام بهمن‌ماه سال ۱۳۹۰ برگزار شد، از وی قدردانی شد.

    وفات

    جلال ذوالفنون

    استاد جلال ذوالفنون در ۲۸ اسفند سال ۱۳۹۰، به دنبال یک عمل قلب باز و بر اثر خونریزی داخلی، در بیمارستان البرز کرج چشم از جهان فروبست. پیکر او صبح روز چهارشنبه، دوم فروردین‌ماه ۱۳۹۱، از جلوی تالار وحدت تهران بدرقه شد و مطابق وصیت خود او، در گورستان امامزاده طاهر کرج، در میان جمعی از بستگان و علاقه‌مندانش به خاک سپرده شد.

    روحش شاد و یادش گرامی