دسته: موسیقی

  • منظور از اورتور در موسیقی چیست؟

    منظور از اورتور در موسیقی چیست؟

    اورتور در واقع مقدمه و شروع یک قطعه موسیقی است. این بخش ویژگی‌های منحصر به فردی دارد که آن را از دیگر قسمت‌های اثر متمایز می‌کند. در این نوشته از وبلاگ آنبین، بیشتر درباره‌ی اورتور و نقش آن در موسیقی می‌خوانید.

    برای مطالعه بیشتر، به ریورب چیست؟ سری سر بزنید.

    مقاله نحوه نگهداری از ساز کالیمبا منبع بسیار خوبی برای یادگیری بیشتر است.

    در اینجا می‌توانید اطلاعات کامل‌تری درباره بهترین آموزشگاه برای آموزش کالیمبا بیابید.

    منظور از اورتور در موسیقی چیست؟

    به قسمت اول یک قطعه موسیقی که معمولاً ملودیک و بدون کلام است و در آغازِ آهنگ پخش می‌شود، اورتور می‌گویند.
    اورتور معمولاً تنها با ساز اجرا می‌شود و بدون آواز و خواننده است.
    در موسیقی ایرانی، از اواخر دوره قاجار، برای نخستین بار توسط درویش خان، قطعه‌ای به نام پیش‌درآمد پیش از درآمد اجرا شد.
    فرهنگستان زبان و ادب فارسی، واژه “پیش‌نوا” را به عنوان معادل اورتور پیشنهاد کرده است.

    در صورت علاقه‌مندی، مطلب نحوه تشخیص سازدهنی مناسب برای خرید را از دست ندهید.

    اگر سوالاتی دارید، مقاله نکات مهم در نظافت گیتار الکتریک به شما کمک خواهد کرد.

    پیش درآمد به زبان ساده

    پیش‌درآمد، در واقع مقدمه و شروع یک قطعه موسیقی بزرگ مانند سمفونی است.
    به زبان ساده، پیش‌درآمد مانند یک معرفی‌نامه است که شنونده را برای ورود به فضای اصلی یک دستگاه موسیقی یا اجرای ارکستر سمفونیک آماده می‌کند.
    هر اثر ارزشمندی معمولاً یک راهنمای مختصر دارد که حال و هوا و موضوع اصلی آن را نشان می‌دهد.
    برای درک راحت‌تر، می‌توانیم از دنیای سینما مثال بزنیم. پیش‌درآمد نقش یک تریلر یا پیش‌نمایش فیلم را بازی می‌کند. این بخش به بیننده می‌گوید که فیلمی که قرار است ببیند چه حس و حالی دارد، در چه سبکی است و چه انتظاری می‌تواند از آن داشته باشد.

    اگر سوالاتی دارید، مقاله نکات جالب درمورد کالیمبا به شما کمک خواهد کرد.

    پیش در آمد

    پیش‌درآمد، قطعه‌ای از موسیقی است که پیشتر توسط استادان و دانایان ردیف موسیقی ساخته شده تا در آغاز یک برنامهٔ موسیقی نواخته شود.
    همان‌طور که از نامش برمی‌آید، این قطعه پیش از بخش اصلیِ درآمد اجرا می‌شود.
    حال و هوایی تقریباً حماسی دارد و معمولاً در وزن شش‌چهارم — یعنی ریتمی منظم و موزون — نواخته می‌گردد.
    پیش‌درآمد در حقیقت مقدمه‌ای برای شروع یک دستگاه است و سرعت اجرای آن اغلب آرام و کند می‌باشد.
    (البته پیش‌درآمدهایی با ریتم تندتر نیز ساخته شده که علی‌اکبر شهنازی و رکن‌الدین مختاری از پیشگامان این شیوه به شمار می‌روند.) محور اصلی اجرا بر عهدهٔ نوازندگان است و در آن جایی برای خواننده یا آواز انسانی وجود ندارد.
    پس از دوران مشروطه و بازتر شدن فضای اجتماعی موسیقی، جلسات خصوصی و خودمانی، جای خود را به اجراهای گروهی و ارکستری در تالارها و جمع‌های عمومی دادند.
    مشکلی که در این میان وجود داشت این بود که تا آن زمان، قطعه‌ای رسمی و از پیش طراحی‌شده به نام پیش‌درآمد یا مقدمه در موسیقی مرسوم نبود.
    این موضوع برای ارکسترها یک دشواری به حساب می‌آمد.
    زیرا گاهی ناچار بودند برای آماده کردن فضا و ذهن شنونده، به تکنوازی و بداهه‌نوازی نوازندگان تکیه کنند.
    از همین رو، موسیقی سنتی نیاز داشت تا برای این منظور، از الگوهای منسجم و از پیش ساخته‌شده استفاده کند.

  • تفاوت‌های آواز سنتی و آواز پاپ

    تفاوت‌های آواز سنتی و آواز پاپ

    در دنیای خوانندگی، سبک‌های گوناگونی وجود دارد. از میان این سبک‌ها، آواز سنتی و آواز پاپ دو گونه‌ی مهم و پرطرفدار هستند. در این نوشته از وبلاگ آنبین، قصد داریم تفاوت‌های این دو سبک آوازی را برای شما شرح دهیم. امیدواریم تا پایان این مطلب با ما همراه باشید.

    برای گسترش دانش خود، مقاله ویژگی های پوست مناسب برای ساز تار را مطالعه کنید.

    در این مقاله مصاحبه آموزشگاه الهام با علیرضا فیروزیان، مدرس فلوت اطلاعات مفیدی آمده است.

    آواز سنتی

    در موسیقی ایرانی، به مجموعه‌ای از نغمه‌ها که معمولاً با هم و جدا از دستگاه‌های اصلی نواخته می‌شوند، «آواز» می‌گویند.
    آوازهای شناخته‌شده در ردیف موسیقی ایرانی معمولاً این‌ها هستند: ابوعطا، دشتی، افشاری، بیات ترک و اصفهان (که بیات اصفهان هم نامیده می‌شود).
    در بعضی روایت‌های ردیف، از آواز بیات کرد و آواز شوشتری نیز نام برده شده است.
    در تقسیم‌بندی رایج، ردیف موسیقی ایرانی شامل هفت دستگاه و پنج آواز است. در بیشتر موارد، آوازهای ابوعطا، دشتی، افشاری و بیات ترک را بخشی از دستگاه شور می‌دانند و آواز اصفهان را وابسته به دستگاه همایون به شمار می‌آورند؛ البته برخی، اصفهان را نیز به دستگاه شور مرتبط می‌کنند.

    برای گسترش دانش خود، به مقاله همه چیز در مورد بالشتک ویولن سر بزنید.

    آواز پاپ

    آواز پاپ به سبکی از خوانندگی گفته می‌شود که در قالب موسیقی پاپ اجرا می‌شود. همانطور که می‌دانید، موسیقی پاپ یک گروه کلی از انواع موسیقی است که وجه مشترک همه آنها محبوبیت و همه‌پسندی است. این سبک موسیقی معمولاً در مقابل موسیقی محلی و کلاسیک قرار می‌گیرد و طوری ساخته شده که برای طیف گسترده‌ای از مردم جذاب باشد.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، حتماً بیوگرافی پیر بولِز،یکی از بنیان‌گذاران سبک سریالیسم را بخوانید.

    در اینجا می‌توانید اطلاعات کامل‌تری درباره تفاوت ساز ویولن و ویولا بیابید.

    اطلاعات جامع‌تری در مورد این موضوع را در بیوگرافی استاد حبیب الله بدیعی پیدا کنید.

    برای گسترش دانش خود، به مقاله موزه موسیقی اصفهان، نمونه ای زیبا از یک موزه موسیقی سر بزنید.

    آواز پاپ نسبت به سایر سبک‌های خوانندگی انعطاف بیشتری دارد و ریتم و ملودی، بخش‌های اصلی و مهم آن هستند. شاید به نظر برسد که محتوا و مفهوم در این نوع آواز کمرنگ‌تر است؛ باید گفت این ویژگی بخشی از ماهیت آن است و اغلب جنبه تجاری و سرگرمی آن پررنگ‌تر می‌باشد.

    توصیه می‌شود به مطالعه مقاله آشنایی با فواصل موسیقی ایرانی ادامه دهید.

    برای درک عمیق‌تر این موضوع، مطلب سه‌ تار الکتریک ،اولین ساز الکتریک ایرانی را بخوانید.

    تفاوت‌های آواز سنتی و آواز پاپ

    قالب آواز سنتی مشخص است و با یادگیری و تمرین می‌توانید دستگاه‌ها یا گوشه‌های آن را تشخیص دهید. اما برای آواز پاپ نمی‌توان تعریف ثابت و مشخصی ارائه کرد. در آواز پاپ همواره امکان خلق قطعه‌های جدید وجود دارد که ممکن است مورد استقبال مردم هم قرار بگیرد.
    همان‌طور که از نامش پیداست، موسیقی سنتی و آواز سنتی قدمتی بیشتر از موسیقی پاپ دارند. آواز پاپ شکل ساده‌شده‌ای از آواز کلاسیک غربی است و در آن از تکنیک‌ها و تحریرهای آواز سنتی ایرانی استفاده نمی‌شود.
    سازهایی که معمولاً برای آموزش آواز پاپ به کار می‌روند، اغلب سازهای غربی اصلی مانند گیتار و پیانو هستند. در حالی که در آموزش آواز سنتی، این نقش بر عهده‌ی سازهای اصیل ایرانی است.
    این‌ها مهم‌ترین تفاوت‌های میان آواز سنتی و آواز پاپ بودند. آیا شما تفاوت دیگری بین این دو سبک آواز می‌دانید؟ می‌توانید دیدگاه‌های خود را در بخش نظرات بنویسید.

  • آشنایی با اصطلاح مایه در موسیقی

    آشنایی با اصطلاح مایه در موسیقی

    در دنیای موسیقی، واژه‌ها و مفهوم‌های گوناگونی به کار می‌رود که هر یک در بخش ویژه‌ای از موسیقی معنا پیدا می‌کنند. آشنایی با این واژه‌ها و معانی آن‌ها به ما کمک می‌کند تا موسیقی را بهتر بفهمیم و از آن لذت بیشتری ببریم. یکی از این مفهوم‌های مهم، “مایه” در موسیقی است که در این نوشته از وبلاگ آنبین قصد داریم درباره آن صحبت کنیم. امیدواریم تا پایان این مطلب با ما همراه بمانید.

    آشنایی با اصطلاح مایه در موسیقی

    اصطلاح مایه در موسیقی

    مایه یا تنالیته در موسیقی، به چینش منظم یا نامنظم نُت‌های یک گام گفته می‌شود. بر این اساس، هر قطعه موسیقی در یک مایه مشخص ساخته می‌شود. به عنوان نمونه، یک آهنگ ممکن است در مایه «لا» باشد؛ یا به بیان دیگر، گام آن آهنگ «لا» در نظر گرفته می‌شود.

    به زبان ساده، وقتی یک نت مرکزی وجود داشته باشد و بقیه صداها به آن وابسته باشند، مایه یا تنالیته شکل می‌گیرد. این نت اصلی که پایه و اساس تنالیته است، نت پایه نامیده می‌شود.

    تنالیته در موسیقی

    در موسیقی، هر گام یک نت مرکزی و پایه دارد که جایگاه آن ثابت است.
    به بیان ساده، گام موسیقی بر اساس یک نت اصلی شکل می‌گیرد که دیگر نت‌ها از آن فاصله گرفته و در نهایت به سمت آن بازمی‌گردند.
    وجود این نت پایه، مفهومی ساده اما بسیار اثرگذار است که درک ما از موسیقی را شکل می‌دهد. این عامل بر چیدمان نتها، ساختار آکوردها و همچنین مسیر حرکتی قطعه موسیقی تأثیر مستقیم دارد.

    زیر و روی یک مایه :

    عبارت‌هایی مانند «زیر یک مایه را خواندن» یا «بم آن مایه را خواندن» در واقع به همان نت آغازین و پایانی یک گام موسیقی اشاره دارند. این نت از نظر زیر و بمی (فرکانس) در ابتدا و انتهای مسیر آواز ثابت و یکسان است.

    مایه های چپ و راست :

    مایه‌های گوناگون از نظر زیر و بمی صدا به دو گروه «راست» و «چپ» بخش‌بندی می‌شوند. این دسته‌بندی بر پایه‌ی ویژگی اولیه‌ی مایه و جنس نت آغازین گام انجام می‌گیرد.

    به بیان دیگر، در طبیعت تفاوت زیر و بمی میان صدای مردان و زنان وجود دارد و در عمل، صدای مردان و زنان به اندازه‌ی یک اکتاو (هشت نت) با هم اختلاف دارد.

    به مایه‌هایی که بانوان با توجه به طبیعت و ساختار صدای خود انتخاب می‌کنند، «مایه‌های چپ» (چپ‌کوک) گفته می‌شود و به مایه‌هایی که مردان برمی‌گزینند، «مایه‌های راست» (راست‌کوک) می‌گویند.

    پس در نتیجه: به صدای نازک (زیر) مردان و زنان «چپ‌کوک» و به صدای کلفت (بم) مردان و زنان «راست‌کوک» گفته می‌شود.

    مطلوبیت تنالیته مایه ها :

    همه‌ی مایه‌ها از نظر زیروبمی و کیفیت صوتی، مناسب و دلنشین نیستند و انتخاب بعضی از آن‌ها از لحاظ ارتفاع صدا، ناپسند و نامطلوب است.

    نامطلوب بودن مایه‌ها به طور مستقیم به گستره و محدوده‌ی صوتی خوانندگان بستگی دارد.

    تعداد پرده‌های سازهای مضرابی توسط علینقی‌خان وزیری و بر پایه‌ی محاسباتی افزایش یافت.
    پس از آن، این امکان به وجود آمد که بتوان هر یک از نت‌های موجود روی ساز (مانند تار و سه‌تار) را – چه پرده، چه نیم‌پرده و چه ربع‌پرده – به عنوان شروع یک مایه در نظر گرفت.

    به این ترتیب، برای هر یک از دستگاه‌ها و آوازهای ایرانی بیش از ۴۰ مایه ایجاد شد.
    در مجموع، با توجه به هفت دستگاه و پنج آواز موسیقی ایرانی، بیش از ۵۰۰ مایه به دست می‌آید که بسیاری از آن‌ها رایج و معمول نیستند.

    از بین مایه‌های زیادی که روی ساز وجود دارد و می‌توان برای آن‌ها یک گام در نظر گرفت، بسیاری از نظر زیروبمی و کیفیت صوتی مناسب و خوشایند نیستند.

  • تعریف ارکستراسیون یا سازآرایی

    تعریف ارکستراسیون یا سازآرایی

    آرایش سازها یا ارکستراسیون، یکی از درس‌های مهم در رشته آهنگسازی به شمار می‌رود. اما معنای دقیق آن چیست و در عمل چگونه استفاده می‌شود؟ برای آشنایی بیشتر با این موضوع، ادامه این نوشته را در وبلاگ آنبین دنبال کنید.

    تعریف ارکستراسیون یا سازآرایی

    سازآرایی یا سازبندی، یکی از بخش‌های اصلی آهنگسازی است. این فرآیند شامل نوشتن قطعه‌ای موسیقی برای ارکستر یا گروه‌های نوازندگان مختلف می‌شود.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، حتماً بیوگرافی علی مولایی را بخوانید.

    برای مطالعه بیشتر، به قمرالملوک وزیری، ام کلثوم ایران سری سر بزنید.

    به بیان ساده‌تر، سازآرایی دانش انتخاب و ترکیب سازهاست. در این دانش، چگونگی ایجاد تعادل میان بخش‌های مختلف سازها برای خلق یا تنظیم یک قطعه موسیقی ارکستری آموزش داده می‌شود. این مفهوم به طور خاص به سازهایی اشاره دارد که در یک ارکستر کنار هم قرار می‌گیرند.

    یادگیری سازآرایی به آهنگساز اجازه می‌دهد تا از رنگ‌های صوتی متنوع و ترکیبات بی‌شماری از آن‌ها استفاده کند. برای نمونه، آهنگساز یاد می‌گیرد که چگونه یک آکورد را به شکلی متوازن بین بخش‌های ارکستر پخش کند، چگونه به صدایی یکدست و منطقی برسد و اگر لازم بود، چگونه ملودی را نسبت به بخش‌های دیگر پررنگ‌تر و برجسته‌تر کند.

    همچنین، این دانش نشان می‌دهد که چگونه می‌توان از سازها و رنگ‌های گوناگون ارکستر بهره برد و بخش‌های مختلف موسیقی را با آرایش‌های متنوع سازها در کنار یکدیگر چید.

    ارکستراسیون در نقاشی و یا موسیقی

    در مقایسه با نقاشی، می‌توان گفت ارکستراسیون مانند رنگ‌آمیزی یک تابلوی هنری است. البته همان‌طور که در نقاشی همیشه اینطور نیست که ابتدا طرح کامل شود و بعد رنگ‌ها اضافه شوند، در موسیقی نیز سازبندی و رنگ‌آمیزی صوتی لزوماً آخرین مرحله نیست. بسیاری از آهنگسازان از همان شروع کار، تصویری از سازها و رنگ موسیقایی اثر خود در ذهن دارند و آن را مشخص می‌کنند.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، آشنایی با علامت دیز، هشتگ نت ها را از دست ندهید.

    برای مطالعه بیشتر، به آشنایی با اصطلاح تحول مقام به دستگاه سری سر بزنید.

    بزرگان هنر ارکستراسیون

    هکتور برلیوز، ریچارد واگنر، ریمسکی کورساکف، موریس راوال و گوستاو مالر به عنوان استادان بزرگ و اوج‌های هنر آرایش موسیقی برای ارکستر در موسیقی کلاسیک شناخته می‌شوند.

    ارکستراسیون در رشته آهنگسازی

    همانطور که پیش‌تر اشاره شد، آموزش ارکستراسیون بخشی از برنامه درسی رشته آهنگسازی است. دانشجوی این رشته، بعد از یادگیری اصول چندصداسازی در موسیقی (مانند هارمونی و کنترپوان)، ابتدا باید با سازهای مهم و پرکاربرد، به ویژه آن‌هایی که در ارکسترهای مختلف حضور دارند، آشنا شود.

    اطلاعات جامع‌تری در مورد این موضوع را در مسابقه یلدایی آنبین پیدا کنید.

    در این مقاله بیوگرافی احمد ابراهیمی ،ردیف‌دان و مدرس آواز اطلاعات مفیدی آمده است.

    مقاله آشنایی با برخی از انواع پیکاپ های گیتار الکتریک و باس حاوی اطلاعات جامعی است.

    توصیه می‌شود به مطالعه مقاله پیتر سلیمانی پور را بیشتر بشناسید ادامه دهید.

    همچنین هنرجو باید بر این موارد تسلط پیدا کند:

    اگر سوالاتی دارید، مقاله آشنایی با موسیقی جنوبی (بندری) به شما کمک خواهد کرد.

    توصیه می‌شود به مطالعه مقاله نخستین خواننده مرد در رادیو ملی ایران که بود؟ ادامه دهید.

    * قابلیت‌های اجرایی هر ساز
    * نکات و مشکلات تکنیکی در نواختن هر ساز
    * تفاوت رنگ صوتی و حالت‌های بیانی هر ساز در مقایسه با سازهای دیگر
    * تفاوت در محدوده‌های صوتی (رجیسترها)
    * وسعت صوتی هر ساز و موارد مشابه دیگر

    اگر به این موضوع علاقه دارید، حتماً کلاویه در پیانو چیست ؟ را بخوانید.

    توصیه می‌کنیم این مطلب ویژگی های پیش درآمد در موسیقی سنتی چیست؟ را حتماً بخوانید.

    پس از این مرحله آشنایی، لازم است هنرجو در یک دوره تمرینی نسبتاً طولانی، بخش‌هایی مناسب از آثار آهنگسازان بزرگ را — یعنی بخش‌هایی از قطعاتی که برای پیانو، برای یک ساز به همراهی پیانو، یا برای گروه‌های کوچکی مانند کوارتت زهی یا تریوی بادی نوشته شده‌اند — برای یک ارکستر بزرگ بازنویسی و تنظیم کند.

  • آشنایی با تاریخچه موسیقی هرمزگان

    آشنایی با تاریخچه موسیقی هرمزگان

    برای درک بهتر هر سبک موسیقی، آشنایی با گذشته و ریشه‌های آن بسیار مفید است. دانستن تاریخچه یک موسیقی به ما کمک می‌کند تا مفهوم و احساس نهفته در آن را بهتر بفهمیم. در این نوشته از وبلاگ آنبین، قصد داریم به بررسی پیشینه موسیقی در استان هرمزگان و مناطق جنوبی ایران و همچنین سبک نوبان بپردازیم. امیدواریم تا پایان این مطلب با ما همراه بمانید.

    موسیقی هرمزگان

    ریشه‌های موسیقی هرمزگان به روزگاری بازمی‌گردد که کشتی‌های بازرگانی، با محموله‌ای از بردگان سیاه‌پوست، از خلیج‌فارس و دریای عمان می‌گذشتند تا انسان‌ها را بفروشند.
    گاهی برای فروش برده‌ها و گاهی به دلیل طوفان‌های سخت دریا و ناتوانی در ادامه سفر، این کشتی‌ها ناچار می‌شدند در یکی از بنادر جنوب ایران توقف کنند.
    در طول تاریخ، جزیره‌ها و شهرهای کرانه‌ی خلیج‌فارس پیوندهای فرهنگی گوناگونی با سرزمین‌های دیگر داشته‌اند.
    یکی از نخستین این پیوندها، آوردن غلامان و بردگان آفریقایی به این مناطق بود که سده‌ها پیش توسط بازرگانان ایرانی و خارجی انجام شد.
    سیاه‌پوستان برای تسکین دردها و رنج‌های خود، شب‌ها دور هم جمع می‌شدند و برپایه آیین سرزمین مادری خود، ساز می‌زدند و آواز می‌خواندند.
    این آواها به تدریج در فرهنگ و موسیقی هرمزگان رخنه کرد و با گذشت زمان، از محیط تازه‌ی خود الهام گرفت و رنگ‌و‌بوی محلی پیدا کرد. به این ترتیب، موسیقی بومی هرمزگان و در کل، موسیقی کرانه‌ی جنوبی ایران زاده شد.
    به مرور شمار سیاه‌پوستان بیشتر شد، تا جایی که در بندرعباس قدیم، منطقه‌ای به نام محله‌ی سیاهان شکل گرفت. این محله امروزه در محله‌ای دیگر به نام شمیل‌های بندرعباس ادغام شده است.

    ساز های اولیه

    سازهای قدیمی این منطقه را سازهای لیوا می‌نامیدند. این مجموعه معمولاً از دهل‌های بزرگ و یک ساز بادی تشکیل می‌شد. به نظر می‌رسد از این سازها در جشن‌های شاد و نیز در رقص‌های مخصوصی مانند خنجر‌بازی و رقص لیوا استفاده می‌کرده‌اند.

    با گذشت زمان، سازهای دیگری همچون کلم (قلم نی)، دهل، کسر و بعدها پیپه نیز به این موسیقی اضافه شد.

    موسیقی محلی استان هرمزگان با موسیقی مراسم زار و نوبان تفاوت‌هایی دارد، ولی به دلیل درهم‌آمیختگی فرهنگی، میان آنها شباهت‌هایی نیز دیده می‌شود.

  • آشنایی با استاد کمانچه، کیهان کلهر

    آشنایی با استاد کمانچه، کیهان کلهر

    بدون شک، استاد کیهان کلهر یکی از نام‌های ماندگار در زمینه موسیقی سنتی ایران است که موفقیت‌های فراوانی در داخل و خارج از کشور به دست آورده است. در این نوشته از وبلاگ آنبین، بیشتر با زندگی و هنر این استاد موسیقی آشنا می‌شویم.

    توصیه می‌کنیم حتماً مقاله معرفی ساز دودوک ، ساز سخت ارمنی را مطالعه کنید.

    بیوگرافی کیهان کلهر

    کیهان کلهر در سال ۱۳۴۲ در شهر کرمانشاه به دنیا آمد. او در یک خانواده کرد که عاشق موسیقی بودند، چشم به جهان گشود.
    پدرش عباس حیدری کلهر، کارمند ارشد وزارت کشاورزی و نتیجه مهرعلی‌خان از بزرگان ایل کلهر بود.
    به دلیل شغل پدر، خانواده او به تهران نقل مکان کردند. بنابراین کیهان از سنین کم به همراه خانواده به تهران آمد و در آنجا، به اتفاق برادر بزرگش کامران کلهر، یادگیری موسیقی را شروع کرد.
    او یک موسیقی‌دان، آهنگساز و نوازنده کرد است.

    آشنایی با استاد کمانچه ، کیهان کلهر

    تحصیلات

    کیهان کلهر از همان سال‌های نخست زندگی با دنیای موسیقی آشنا شد.
    او مدتی با گروه موسیقی «شیدا» همکاری کرد، اما پس از آن تصمیم گرفت برای فراگیری آکادمیک موسیقی به خارج از کشور برود.
    سفر تحصیلی او ابتدا به ایتالیا و سپس به دانشگاه کارلتون در شهر اتاوا کانادا انجامید و در نهایت توانست مدرک کارشناسی ارشد خود را در رشته آهنگسازی از این دانشگاه دریافت کند.
    در زمانی که کیهان کلهر دور از وطن به سر می‌برد، خانه پدری او در تهران مورد اصابت موشک ارتش بعث عراق قرار گرفت و پدر، مادر و برادرش جان خود را از دست دادند.
    او پس از یک بازگشت کوتاه به ایران در سال ۱۳۷۳، بار دیگر در سال ۱۳۷۴ برای ادامه تحصیل در مقطع دکترا عازم کانادا شد.

    توصیه می‌شود به مطالعه مقاله معرفی سازسنج ادامه دهید.

    شروع کار هنری

    او از پنج سالگی به شکل آزاد موسیقی را دنبال می‌کرد، اما شروع حرفه‌ای‌اش در دوازده سالگی بود. در سیزده سالگی همکاری خود را با ارکستر رادیو تلویزیون کرمانشاه آغاز کرد.

    کلهر فعالیت جدی خود را نخست با گروه دستان پی گرفت. نتیجه این همکاری، برگزاری کنسرتی در تالار وحدت در اوایل دهه هفتاد با خوانندگی ایرج بسطامی بود که بعدها آلبوم این اجرا نیز منتشر شد.

    اما شهرت ویژه او با آلبوم “شب، سکوت، کویر” و با صدای استاد محمدرضا شجریان به دست آمد. تنظیم مناسب و ایده‌های نوآورانه‌ای که او در این اثر به کار برد، آن را به یکی از برجسته‌ترین و پرفروش‌ترین آلبوم‌های دو دهه گذشته تبدیل کرد.

    در صورت علاقه‌مندی، مطلب معرفی ساز تام تام را از دست ندهید.

    او در این کار از هنرمندان موسیقی مناطق مختلف ایران مانند زنده‌یاد حاج قربان سلیمانی، علی آبچوری و حسین ببی نیز بهره برد.

    کیهان کلهر

    بازگشت و شهرت با شجریان

    کلهر پس از بازگشت به کشور، فعالیت هنری منسجم خود را با همکاری گروه دستان شروع کرد. نتیجه این همکاری، برگزاری کنسرتی در تالار وحدت در اوایل دهه هفتاد به خوانندگی ایرج بسطامی بود.

    اما نقطه اوج شناخت عمومی از کلهر، با انتشار آلبوم “شب سکوت کویر” در سال ۱۳۷۷ رقم خورد که با صدای استاد محمدرضا شجریان همراه بود و محبوبیت فراوانی برای او به ارمغان آورد.

    کلهر، نوازنده سه تار و کمانچه

    کیهان کلهر مشهورترین نوازنده ساز تخصصی موسیقی سنتی ایران در سطح جهانی است. در کشور خودمان، بیشتر او را به عنوان استادی بی‌نظیر در نواختن کمانچه می‌شناسند.
    با این حال، از نگاه کسانی که با سازهای ایرانی به ویژه سه‌تار آشنایی دارند، کیهان کلهر در نواختن سه‌تار نیز مهارتی چشمگیر و استادی کم‌نظیر دارد.

    افتخارات

    کیهان کلهر از برجسته‌ترین موسیقی‌دانان ایرانی در سراسر جهان است که نقش بزرگی در شناساندن موسیقی ایرانی به جهانیان داشته است.
    او برای دو آلبوم «بی تو به سر نمی‌شود» و «فریاد» که با آهنگسازی حسین علیزاده و آواز محمدرضا شجریان ساخته شد، نامزد دریافت جایزه معتبر گرمی گردید.
    همکاری جهانی او در آلبوم «باران» با گروه «غزل» — که در آن کیهان کلهر کمانچه، شجاعت حسین خان سی‌تار و ساندیپ داس طبلا می‌نوازند — نیز نامزد جایزه گرمی در سال ۲۰۰۴ شد.
    در پنجاه و نهمین دوره مراسم گرمی، کیهان کلهر به همراه گروه جاده ابریشم به رهبری یویوما با آلبوم Sing Me Home برنده جایزه گرمی در بخش بهترین موسیقی جهانی شد.
    او همچنین در سال ۲۰۱۹ و در جشنواره بین‌المللی موسیقی وومکس به عنوان بهترین هنرمند سال جهان برگزیده شد و نخستین نوازنده ایرانی لقب گرفت که این جایزه معتبر جهانی را از آن خود می‌کند.

  • مدت زمان لازم برای یادگیری گیتار چقدر است؟

    مدت زمان لازم برای یادگیری گیتار چقدر است؟

    خیلی از کسانی که به نواختن گیتار علاقه دارند، می‌پرسند که یادگیری این ساز چقدر طول می‌کشد. همیشه به خاطر داشته باشید که فرآیند یادگیری نیازمند زمان، تمرین مداوم و صبر است. اما برای اینکه بتوانید برنامه‌ریزی بهتری برای آموزش گیتار داشته باشید، در این نوشته به این پرسش پاسخ می‌دهیم که معمولاً چه مدت زمانی برای یادگیری گیتار لازم است. پیشنهاد می‌کنیم تا پایان این مطلب با ما همراه باشید.

    انواع سبک های گیتار

    یادگیری گیتار در مقایسه با بسیاری از سازهای دیگر ممکن است زمان کمتری بخواهد، اما حتی اگر در بهترین آموزشگاه موسیقی و نزد برترین اساتید هم آموزش ببینید، بدون داشتن علاقه و استعداد شخصی، نمی توان مدت زمان یادگیری را به شکل قطعی پیش‌بینی کرد.
    در حقیقت، پایه و اساس یادگیری هر مهارتی، به ویژه در زمینه‌های هنری، علاقه و استعداد فرد است.
    اگر این علاقه و استعداد را در خود احساس می‌کنید، می‌توانید در بازه زمانی کوتاهی نواختن گیتار را بیاموزید.
    گیتار سبک‌های مختلفی دارد، اما به طور کلی دو سبک اصلی و مهم آن، کلاسیک و پاپ هستند که با توجه به انتخابتان، مدت زمان یادگیری می‌تواند متفاوت باشد.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، حتماً استفاده از ساز دیجیریدو در علم پزشکی را بخوانید.

    انواع سبک های گیتار

    گیتار در شکل‌ها و سبک‌های گوناگونی ساخته می‌شود که هر کدام ویژگی‌های خود را دارند و برای نواختن نوع خاصی از موسیقی مناسب‌تر هستند.

    یکی از شناخته‌شده‌ترین انواع، **گیتار آکوستیک** است. این گیتار بدنه‌ای توخالی و معمولاً شش سیم فلزی دارد. صدای آن بدون نیاز به برق یا تقویت کننده، به صورت طبیعی و از طریق بدنه چوبی تشدید می‌شود. این گیتار برای موسیقی‌های فولک، کانتری و برخی ترانه‌های پاپ ایده‌آل است.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، حتماً ساز عجیب حلزونی را بخوانید.

    اگر سوالاتی دارید، مقاله آشنایی با بانو سیمین آقارضی به شما کمک خواهد کرد.

    نوع دیگر، **گیتار کلاسیک** است که شباهت زیادی به گیتار آکوستیک دارد، اما با این تفاوت که سیم‌های آن از نایلون ساخته شده‌اند. سه سیم پایینی نایلونی و سه سیم بالایی با نخ فلزی پیچیده شده‌اند. صدای آن نرم‌تر و گرم‌تر است و بیشتر برای نواختن موسیقی کلاسیک، فلامنکو و برخی از سبک‌های محلی به کار می‌رود.

    در صورت علاقه‌مندی، مطلب ناشر نخستین آلبوم راک اند رول انگلیسی ایران که بود؟ را از دست ندهید.

    **گیتار الکتریک** یا برقی، شکل و صدایی کاملاً متمایز دارد. بدنه آن معمولاً توپر و از چوب متراکم است و برای تولید صدا به آمپلیفایر (تقویت‌کننده) و سیستم صوتی نیاز دارد. این گیتارها تنوع بسیار زیادی در شکل و رنگ دارند و صدای آنها را می‌توان با افکت‌های مختلف تغییر داد. گیتار الکتریک قلب تپنده موسیقی راک، متال، بلوز و جاز است.

    در کنار اینها، **گیتار بیس** نیز وجود دارد که معمولاً چهار سیم کلفت دارد و نقش پایه و اساس ریتم و هارمونی را در یک گروه موسیقی ایفا می‌کند. این گیتار هم می‌تواند به شکل الکتریک باشد و هم آکوستیک.

    در این مقاله بیوگرافی لئونارد کوهن اطلاعات مفیدی آمده است.

    برای درک عمیق‌تر این موضوع، مطلب روحوضی یا سیاه بازی ،ترکیبی از نمایش و موسیقی را بخوانید.

    مقاله بهترین آموزشگاه دف در شرق تهران حاوی اطلاعات جامعی است.

    هر یک از این سبک‌های گیتار، دنیای صوتی منحصر به فردی را ایجاد می‌کنند و انتخاب آنها به سبک موسیقی و سلیقه شخصی نوازنده بستگی دارد.

    سبک کلاسیک

    سبک کلاسیک، شیوه‌ای از نواختن است که با گیتار کلاسیک اجرا می‌شود.
    ریشه‌های این سبک به دوره‌ی بین سال‌های ۱۷۵۰ تا ۱۸۲۰ میلادی بازمی‌گردد.
    آهنگ‌هایی که صدها سال پیش در این قالب ساخته شده‌اند، با گذشت سال‌ها ارزش هنری بیشتری پیدا کرده‌اند. این سبک توسط موسیقیدانانی غیر اسپانیایی پایه‌گذاری شده و بسیار ملودیک است و اجرای آن به طور دقیق بر اساس نت‌های نوشته‌شده انجام می‌گیرد.
    بعضی از افراد گمان می‌کنند که موسیقی گیتار کلاسیک، سبکی خشک و بی‌احساس است که این موضوع کاملاً به سلیقه‌ی شخصی بستگی دارد. نواختن ملودی و تکنیک آرپژ، دو بخش اصلی و اساسی در گیتار کلاسیک به شمار می‌روند.

    سبک پاپ

    موسیقی پاپ از کلمه‌ای به معنای “مردمی” گرفته شده است.
    در این سبک، حس‌ها و حالات به زبانی بسیار راحت و خودمانی به شنونده منتقل می‌شوند. موسیقی پاپ در اصل از دو بخش کلیدی شکل می‌گیرد:
    بخش نخست، ملودی یا نواست
    و بخش دوم، همراهی‌های هارمونیک (آکورد) است که پشتیبان ملودی اصلی هستند.
    نقش ریتم و خواندن همراه با گیتار در این سبک بسیار پررنگ است. برای اجرای گیتار در موسیقی پاپ، هم می‌توان با نوک انگشتان به سیم‌ها ضربه زد و هم می‌توان از مضراب برای این کار استفاده کرد.

    سبک فلامنکو

    سبت فلامنکو از دل موسیقی سنتی و اصیل اسپانیا بیرون آمده است.
    در آغاز، این سبک تنها شامل رقص و خواندن بود و گیتار تنها نقش همراهی کننده داشت. اما رفته رفته و در اوایل سده دهم، جایگاه گیتار در فلامنکو بسیار پررنگ‌تر شد تا جایی که قطعات سازیِ بدون کلام نیز برای گیتار فلامنکو ساخته شد.
    فلامنکو شیوه‌ای کاملاً تخصصی و پیشرفته است که یادگیری آن به تمرین بسیار زیاد و پشتکار نیاز دارد.

    مدت زمان لازم برای یادگیری گیتار چقدر است؟

    مدت زمان لازم برای یادگیری گیتار

    توصیه می‌کنیم حتماً مقاله گلپا ،پیشرو معرفی آواز و موسیقی ایرانی در سطح جهان را مطالعه کنید.

    در اینجا می‌توانید اطلاعات کامل‌تری درباره شباهت ها و تفاوت های ساز قانون و سنتور بیابید.

    زمان لازم برای آموزش سبک پاپ

    در آموزش سبک پاپ، تمرکز اصلی بر نواختن قطعات، یادگیری ریتم‌ها و آکوردهاست و مدرسان، این سبک را بر همین اساس آموزش می‌دهند.
    برای فراگیری گیتار پاپ، معمولاً در مرحله اول به سه تا شش ماه زمان نیاز دارید.
    در این مدت، اصول اولیه موسیقی، نام نت‌ها، درک زمان‌بندی و موارد مشابه به هنرجو یاد داده می‌شود. همچنین در همین دوره، تعدادی آهنگ بر روی ساز نیز آموزش داده می‌شود.
    در مرحله دوم آموزش گیتار پاپ، کار کمی تخصصی‌تر می‌شود و تکنیک‌های ویژه این سبک، همراه با آموزش پیشرفته‌تر ریتم و آکورد در برنامه قرار می‌گیرد.
    مدت زمان یادگیری این دوره معمولاً بین شش تا نه ماه است.

    زمان لازم برای آموزش سبک کلاسیک

    در روش کلاسیک، تمرکز اصلی بر آموزش اصول و مبانی دقیق موسیقی است و به هنرجو، درک عمیقی از زبان موسیقی ارائه می‌شود. فراگیری درست موسیقی، علاوه بر نوازندگی، در زمینه‌هایی مانند ساختن ملودی و پرورش خلاقیت موسیقایی نیز بسیار مهم و تاثیرگذار است.
    پس از پایان این دوره‌ها، هنرجو نه تنها به مهارت فنی در نواختن گیتار دست می‌یابد، بلکه بینش و شناخت خوبی از موسیقی پیدا می‌کند.
    مدت زمان معمول برای یادگیری این سبک، حدود یک سال و نیم تا دو سال برآورد می‌شود.
    البته این زمان‌ها به میزان تمرین و پشتکار هنرجو بستگی دارد و ممکن است دوره‌ی آموزشی بسته به شرایط، کمی طولانی‌تر یا کوتاه‌تر شود.

    بهترین آموزشگاه گیتار

    بهترین آموزشگاه گیتار

    اگر سبک مورد علاقه خود را انتخاب کرده‌اید، آموزشگاه موسیقی آنبین به عنوان بزرگترین آموزشگاه موسیقی در شرق تهران، با بهره‌گیری از بهترین مدرسان گیتار، آماده است تا هنرجویان مشتاق را در یادگیری این ساز همراهی کند. علاوه بر این، می‌توانید از مشاوره رایگان ما برای انتخاب مسیر هنری مناسب‌تر بهره‌مند شوید.

  • علت محبوبیت گیتار در بین سایر آلات موسیقی چیست؟

    علت محبوبیت گیتار در بین سایر آلات موسیقی چیست؟

    گیتار یکی از محبوب‌ترین سازهاست، به ویژه در میان کسانی که به موسیقی و آواز علاقه دارند. اما دلیل این همه محبوبیت چیست و چه چیزی گیتار را تا این حد ویژه کرده است؟ در این نوشته از وبلاگ آنبین، بیشتر درباره دلایل این محبوبیت با شما گفتگو می‌کنیم.

     تاریخچه ساخت گیتار

    تاریخچه گیتار

    توصیه می‌کنیم این مطلب بیوگرافی همایون شجریان را حتماً بخوانید.

    اگر سوالاتی دارید، مقاله ۵ موسیقی برتر تاریخ سینمای جهان به شما کمک خواهد کرد.

    در طول تاریخ، نوازندگان بیشماری گیتار را به عنوان ساز اصلی خود برگزیده‌اند و دلیل این انتخاب را جذابیت منحصر به فرد آن دانسته‌اند.
    درباره پیشینه گیتار داستان‌های گوناگونی نقل شده است.
    برخی باور دارند که خاستگاه گیتار کشور مصر است و برخی دیگر معتقدند این ساز از سیتارای یونانی-آشوری (Greek Assyrian Cithara) ریشه گرفته که رومی‌ها آن را به اسپانیا بردند.
    به بیان دیگر، می‌توان گیتار را فرآورده دگرگونی ساز لوت در قاره اروپا دانست.
    ساز لوت خود نیز از تکامل عود (که در عربی به معنای چوب است) و بربط پدید آمده.
    بر اساس اسناد تاریخی، فردی به نام زریاب عود را به منطقه اندلس برد و پس از آن، این ساز در اسپانیا و دیگر سرزمین‌های اروپایی رواج یافت.
    در دوران حکمرانی مسلمانان بر بخش‌هایی از اروپا، ساز گیتار توسط زریاب دارابگردی و چند تن از شاگردانش به سرزمین آندلس برده شد.
    در آن زمان به این ساز، کیتارا یا قیتارا می‌گفتند و نام امروزی گیتار نیز از همان نام گرفته شده است. در حقیقت، بخش «تار» در نام گیتار می‌تواند نشانه‌ای از ایرانی بودن این ساز باشد. اما در این باره هنوز نظر قطعی وجود ندارد.

    برای گسترش دانش خود، مقاله معرفی ساز یوکللی یا اوکله له را مطالعه کنید.

    علت محبوبیت بالای گیتار در بین سایر آلات موسیقی چیست؟

    همانطور که پیش‌تر هم گفته‌ام، گیتار یک ساز زهی است که می‌توان آن را هم با انگشت و هم با پیک نواخت.
    از آنجا که صدای آن از لرزش سیم‌ها تولید می‌شود، در دسته‌ی سازهای کوردوفون قرار می‌گیرد.
    این ساز گذشته‌ی پرباری دارد، هم در ساختار و هم در شیوه‌های نواختن، و در طول زمان همراه با دگرگونی‌های موسیقی غرب پیشرفت زیادی کرده است.
    به همین دلیل انواع مختلفی از آن پدید آمده و امروز جایگاه مهمی در موسیقی جهان پیدا کرده است.
    پسندیده شدن گیتار در میان دوستداران موسیقی همواره چشمگیر بوده است.
    دلایل این محبوبیت بسیارند، اما مهم‌ترین آن‌ها را می‌توان به صورت زیر دسته‌بندی کرد:

    علت محبوبیت گیتار

    گیتار سازی است که در میان مردم سراسر جهان از محبوبیت بسیار زیادی برخوردار است. دلایل این محبوبیت گسترده را می‌توان در چند ویژگی کلیدی آن جستجو کرد.

    نخست، گیتار سازی قابل حمل و نسبتاً کم‌حجم است. برخلاف بسیاری از سازهای دیگر، به راحتی می‌توان آن را حمل کرد و در هر جمع و مکانی حاضر شد. این ویژگی، گیتار را به همراهی ایده‌آل برای دورهمی‌ها، سفرها و اجراهای غیررسمی تبدیل کرده است.

    دوم، یادگیری اصول اولیه نواختن گیتار برای شروع، ساده‌تر از بسیاری از سازها به نظر می‌رسد. یک فرد مبتدی می‌تواند با یادگیری چند آکورد ساده، ترانه‌های بسیاری را بنوازد و از همان ابتدا لذت همراهی با آواز را تجربه کند. این دسترسی آسان، انگیزه زیادی به نوآموزان می‌دهد.

    سوم، گیتار در گستره وسیعی از سبک‌های موسیقی — از پاپ و راک و فلامنکو گرفته تا کلاسیک و فولک — کاربرد دارد. این ساز انعطاف‌پذیر، می‌تواند صدای ملودی، ریتم و هارمونی را به تنهایی تولید کند و مانند یک ارکستر کوچک عمل نماید.

    در نهایت، قیمت نسبتاً مناسب برای یک گیتار مبتدی، آن را در دسترس طیف گسترده‌ای از علاقه‌مندان قرار می‌دهد. مجموعه این ویژگی‌ها — قابلیت حمل، سهولت نسبی شروع، تنوع صوتی و قیمت مناسب — دست به دست هم داده‌اند تا گیتار به یکی از محبوب‌ترین سازهای جهان تبدیل شود.

    تنوع

    یکی از چیزهایی که گیتار را این همه محبوب کرده، تنوع بالای آن است.
    این ساز در اندازه‌ها و مدل‌های گیلی مختلفی ساخته می‌شود.
    به طور کلی، گیتارها به دو دسته‌ی اصلی الکتریک و آکوستیک تقسیم می‌شوند. با هر کدام از این دو نوع می‌توان سبک‌های موسیقی متفاوتی را اجرا کرد و تقریباً هر سلیقه‌ای را با آن‌ها برآورده ساخت.

    قابلیت حمل

    با نگاهی به ویژگی‌های ظاهری این ساز، اندازه و وزن آن مناسب است. در حقیقت، قابلیت حمل آسان گیتار را می‌توان یکی از دلایل اصلی محبوبیت آن دانست.
    برخلاف سازهایی مانند پیانو یا درام که سنگین هستند و جابه‌جایی آنها دشوار است، گیتار را به راحتی می‌توان به هر مکانی برد.
    این ویژگی باعث می‌شود تا نواختن ساز در دل طبیعت یا در جمع دوستان، انگیزه‌ی بیشتری برای یادگیری آن ایجاد کند.

    قیمت مناسب

    یکی از مزیت‌های خوب گیتار، قیمت مناسب آن در مقایسه با سازهایی مثل پیانو است. این موضوع باعث می‌شود افراد بیشتری به خرید و یادگیری گیتار ترغیب شوند.
    اگرچه گیتارهای باکیفیت و حرفه‌ای قیمت بالایی دارند، اما برای شروع یادگیری می‌توان از مدل‌های مقرون‌به‌صرفه استفاده کرد. این امکان برای کسی که تازه می‌خواهد نواختن یک ساز را آغاز کند، بسیار مهم و کمک‌کننده است.

    انواع گیتار

    انواع گیتار

    سرعت یادگیری بالا

    دلایل مهمی که باعث محبوبیت گیتار می‌شود در بالا گفته شد، اما اگر بخواهیم مهم‌ترین دلیل آن را نام ببریم، مدت زمان کوتاه یادگیری این ساز است. به دلیل ویژگی‌های منحصر به فرد گیتار و همچنین منابع آموزشی فراوانی که برای آن وجود دارد، می‌توان این ساز را در مدت زمان نسبتاً کمی آموخت.

    جذابت همراهی

    تصور کنید در یک جمع، کسی شروع به نواختن گیتار کند. دیگران نیز می‌توانند با او همصدا شوند و آواز بخوانند. این همراهی و مشارکت، باعث می‌شود محبوبیت گیتار بیشتر شود و افراد بیشتری به آن علاقه‌مند گردند.

    آموزش گیتار

    اگر این توضیحات، علاقه‌ای به ساز گیتار در شما ایجاد کرده یا دوست دارید نواختن آن را زیر نظر بهترین اساتید بیاموزید، می‌توانید در آموزشگاه موسیقی آنبین — که بزرگ‌ترین و برترین آموزشگاه در شرق تهران است — ثبت‌نام کنید. در این آموزشگاه، با بهره‌گیری از روش‌های آموزشی مدرن، به‌راحتی می‌توانید گیتار را یاد بگیرید، این ساز محبوب را در دستان خود بگیرید و بنوازید.

  • نت سفید و نت سیاه چیست؟

    نت سفید و نت سیاه چیست؟

    آشنایی با اصول موسیقی که گاهی به آن تئوری موسیقی هم می‌گویند، اهمیت زیادی دارد. یادگیری این اصول به شما کمک می‌کند موسیقی را بهتر بفهمید و همچنین بتوانید آن را درست‌تر و دقیق‌تر اجرا کنید. یکی از اولین چیزهایی که باید درباره موسیقی یاد بگیرید، شناخت نت‌ها و روش صحیح خواندن آن‌هاست. در این نوشته از وبلاگ آنبین، به بررسی مفهوم نت سفید و نت سیاه و چگونگی تقسیم‌بندی زمانی این نت‌ها می‌پردازیم.

    شناخت دقیق مفاهیم در موسیقی

    تئوری موسیقی در واقع اندیشه‌ها و روش‌های گوناگون را در قالب نوشته گرد هم می‌آورد تا بتوان این اندیشه‌ها را با دیگران تقسیم کرد. به زبان ساده‌تر، تئوری موسیقی راهی برای بیان و توصیف ساختار یک قطعه موسیقی است. پس می‌توان تئوری موسیقی را ابزاری برای درک زبان موسیقی به شمار آورد.

    نت‌ها را می‌توان سنگ‌بنای تئوری موسیقی و در حقیقت الفبای موسیقی دانست. بنابراین شناخت درست نت‌ها و چگونگی استفاده از هر یک، پایه و اساس موسیقی است.

    همانطور که می‌دانید، نت‌های موسیقی همیشه با نام‌های «دو»، «رِ»، «می»، «فا»، «سل»، «لا» و «سی» شناخته می‌شوند.

    در موسیقی لازم است این نت‌ها با زمان‌بندی درست نواخته شوند تا نتیجه مطلوب به دست آید. این زمان‌بندی با شکل‌ها و نام‌های ویژه‌ای نشان داده می‌شود.

    آشنایی با مفاهیم موسیقی

    تقسیمات زمانی در نت ها

    همان گونه که پیش‌تر بیان شد، یک قطعه موسیقی از حرکت و تغییر ارتفاع نُت‌ها پدید می‌آید. در حقیقت اگر هنگام اجرای نُت‌های گوناگون، سنجش و نظمی برای زمان وجود نداشته باشد، هرگز موسیقی شکل نخواهد گرفت. به همین دلیل، آشنایی با بخش‌بندی‌های زمانی و درک ارزش زمانی هر نُت، از اهمیت بسیار بالایی برخوردار است.

     ارزش‌گذاری زمانی نت ها

    در موسیقی، برای مدیریت دقیق زمان و اجرای منظم آهنگ‌ها، به هر نُت یک ارزش زمانی مشخص داده‌اند. به این صورت که ابتدا یک علامت به عنوان واحد زمان در نظر گرفته می‌شود و سپس ارزش زمانی بقیه نُت‌ها بر اساس آن سنجیده می‌شود.

    این واحد زمانی در موسیقی، نُت گِرد نام دارد و با علامتی به شکل یک دایره توخالی (مانند یک بیضی) روی خطوط حامل نوشته می‌شود.

    تقسیمات زمانی نت ها و نحوه شناخت نت سفید و نت سیاه

    نت سفید و نت سیاه

    نت سفید

    مدت زمان هر نت موسیقی، از تقسیم کردن نت گرد به دست می‌آید. وقتی یک نت گرد را به دو بخش مساوی تقسیم کنیم، به هر بخش آن یک «نت سفید» می‌گوییم. شکل نت سفید یک دایره‌ی خالی است که یک خط عمودی به آن متصل شده است.

    نت سیاه

    اگر یک نت سفید را از وسط به دو قسمت مساوی تقسیم کنیم، به هر قسمت آن یک نت سیاه می‌گوییم. شکل این نت به صورت یک دایره‌ی کاملاً پررنگ و سیاه است که یک خط عمودی به آن متصل شده است.

    نت چنگ

    با ادامه این روش، اگر یک نت سیاه را به دو قسمت مساوی تقسیم کنیم، به نت‌های کوتاه‌تری می‌رسیم که نام آن‌ها نت چنگ است. شکل نت چنگ یک دایره کوچک و توپر است که یک خط به آن متصل شده و این خط یک پرچم دارد. این خط، دم نت نامیده می‌شود.
    به این نت، یک لاچنگ هم گفته می‌شود. دلیل این نامگذاری این است که دم یا پرچم آن تنها یک عدد است.

    دولاچنگ

    نت بعدی که از تقسیم کردن نت لاچنگ به دو قسمت مساوی به دست می‌آید، دولاچنگ نام دارد. ظاهر آن شبیه به نت لاچنگ است، با این تفاوت که دم آن دو پر دارد.
    به همین روش، نت‌های سه‌لاچنگ و چهارلاچنگ نیز ساخته می‌شوند.
    ذکر این نکته لازم است که تقسیم‌های کوچکتر از چهارلاچنگ، در عمل قابل اجرا نیستند و چون کاربردی در موسیقی ندارند، در مباحث نظری نیز مورد بررسی قرار نمی‌گیرند.

    آموزش تئوری موسیقی

    آموزش تئوری موسیقی

    برای درک بهتر مفاهیم موسیقی و برقراری ارتباطی درست با این دنیا، می‌توانید در دوره‌های آموزش تئوری موسیقی آنبین شرکت کنید. این کلاس‌ها به شما کمک می‌کنند تا بهترین بازدهی را داشته باشید.

  • تاریخچه آموزش موسیقی کودک در جهان

    تاریخچه آموزش موسیقی کودک در جهان

    تحقیقات گسترده‌ای انجام شده که نشان می‌دهد یادگیری موسیقی چه تأثیر مهمی بر رشد کودکان و آینده آن‌ها دارد. در همه این پژوهش‌ها، فواید قابل توجه و مثبت آموزش موسیقی به کودکان ثابت شده است. به همین دلیل، اهمیت یادگیری موسیقی از سنین پایین بسیار زیاد است.
    کودکان دنیای ویژه‌ای دارند؛ بنابراین برای آموزش موسیقی به آن‌ها باید از روش‌های خاص و مناسب سنشان استفاده کرد. باید تمام ویژگی‌های کودکان را در نظر گرفت تا بتوان استعداد موسیقایی آن‌ها را به بهترین شکل پرورش داد. در ادامه این نوشته از وبلاگ آنبین، بیشتر با تاریخچه آموزش موسیقی به کودکان در جهان آشنا خواهید شد.

    تاریخچه آموزش موسیقی کودک در جهان

    تأثیر موسیقی بر تقویت هوش واضح و انکارناپذیر است. دوران کودکی بهترین زمان برای پرورش و رشد ذهن است و به همین دلیل، امروزه در روش‌های آموزشی جدید، به موسیقی مخصوص کودکان اهمیت زیادی داده می‌شود. موسیقی کودک نوعی از موسیقی است که با تنظیم خاص، ملودی‌های ساده و جذاب ساخته می‌شود. این آثار معمولاً توسط آهنگسازان بزرگسال برای کودکان خلق می‌شوند و مخاطبان آن تا گروه سنی نوجوانان را نیز شامل می‌شوند.

    آموزش موسیقی کودک

    کلاس موسیقی کودک

    آموزش موسیقی به کودکان با آموزش به بزرگسالان تفاوت دارد. پس نباید توقع داشت که یک کودک با همان شیوه‌ای که بزرگسالان موسیقی یاد می‌گیرند، آموزش ببیند و به آن علاقه‌مند شود.

    در کلاس‌های موسیقی کودک، سازها و روش تدریس با در نظر گرفتن روحیه و ویژگی‌های کودکان انتخاب می‌شود. شیوه آموزش، روش و الگوی خاص خود را دارد.

    هدف اصلی از ساختن موسیقی برای کودکان، جنبه سرگرمی و آموزشی آن است. این موسیقی در تربیت کودک، شکل‌دهی رفتارها، افزایش آگاهی، یادگیری، تقویت مهارت‌ها، بازی‌ها، رقص و آشنا کردن او با فرهنگ محلی نقش مهمی دارد.

    این شاخه از موسیقی بسیار اهمیت دارد؛ زیرا در واقع پایه و اساس یادگیری موسیقی — چه به صورت شنیدن و چه به صورت اجرا — است.

    این بخش از موسیقی که در برخی کشورها مانند کشور ما جوان و تازه‌پاست، در کشورهای پیشرفته — به ویژه پس از جنگ جهانی دوم — ابعاد تازه‌ای به خود گرفته است.

    اولین کسی که به تنظیم روش‌های درست و کامل آموزش موسیقی پرداخت، یک پزشک ایتالیایی به نام “کلودید مونته سوری” است. حرفه اصلی او موسیقی نبود و اطلاعات زیادی در این زمینه نداشت.

    روانشناسی در موسیقی کودک

    موسیقی و بازی می‌توانند در بهبود برخی مشکلات عاطفی و روانی کودکان نقش مؤثری داشته باشند. استفاده از موسیقی به عنوان یک روش درمانی، می‌تواند بر روحیه و حال و هوای کودک تأثیر بگذارد و به بهتر شدن رفتارهای شخصی و اجتماعی او کمک کند. همچنین این روش می‌تواند در تقویت اعتماد به نفس، کاهش مشکل لکنت زبان و افزایش سطح هوش کودکان نیز مفید واقع شود.

    نحوه تدریس موسیقی کودک

    کلاس موسیقی کودک

    امروزه گروهی از متخصصان شامل پزشکان، روانشناسان کودک و مربیان موسیقی با یکدیگر همکاری می‌کنند. آنها از موسیقی به عنوان روشی کارآمد برای کمک به درمان برخی مشکلات مانند اوتیسم، بی‌قراری و بیش‌فعالی استفاده می‌کنند. موسیقی در این زمینه به عنوان یک ابزار درمانی مؤثر شناخته شده است.

    تاریخچه آموزش موسیقی کودک

    از آغاز سده بیستم، نوازندگان و استادان موسیقی به این فکر افتادند که روش‌های منظم و برنامه‌ریزی‌شده‌ای برای آموزش موسیقی به کودکان ابداع کنند. روش‌های اصلی که برای آموزش موسیقی به خردسالان مورد استفاده قرار می‌گیرند، شامل این موارد است:

    روش « مونته سوری »

    همانطور که پیش‌تر اشاره شد، او نخستین فردی بود که راه‌های آموزش موسیقی به کودکان را سامان بخشید. او یک پزشک زن ایتالیایی بود و کار اصلی‌اش موسیقی نبود.
    او در سال ۱۹۰۷ «خانه کودکان» را برای خردسالان ۳ تا ۷ ساله بنیان گذاشت و دشواری‌های آموزشی و پرورشی کودکان دارای معلولیت را مطرح کرد و از این راه به شیوه‌ای برای آموزش موسیقی به کودکان دست پیدا کرد.

     روش «امیل ژاک-دالکروز» ( ۱۸۶۵ تا ۱۹۵۰) :

    او یک موسیقیدان، نوازنده و معلم اهل سوئیس بود. باور داشت سال‌های کودکی، زمان بسیار مهمی برای پرورش مهارت‌های بنیادین موسیقی است و تقویت هوش و درک موسیقایی کودکان، یکی از پایه‌های اساسی در فرآیند آموزش و پرورش آن‌ها به شمار می‌رود.

    روش «کارل ارف» ( ۱۸۹۵ تا ۱۹۸۲ ) :

    او یک آهنگساز، آموزگار و نوازنده اهل آلمان بود. این شخص «مدرسه موسیقی و ورزش» را بنیان گذاشت. او بر نوآوری و ساختن قطعات موسیقی در لحظه، اهمیت زیادی می‌گذاشت و باور داشت که کار اصلی موسیقی، پرورش خلاقیت و پیدا کردن استعدادهای نهفته در کودکان است. در سال ۱۳۴۸ «سعید خدیری» که در آلمان در روش آموزشی ارف تحصیل کرده بود، برای نخستین بار این روش تدریس را در ایران معرفی کرد.

    روش «زولتان کدای»  ( ۱۸۸۲ تا ۱۹۶۷ ) :

    آهنگ‌ساز و معلمی اهل مجارستان بود. اگرچه نام روش آموزشی «کدای» از او گرفته شده، اما این شیوه را خودش به طور مستقیم ابداع نکرده است. بلکه ایده‌ها و باورهای او درباره آموزش موسیقی، پایه و اساس این روش قرار گرفته‌اند.

    روش «ادگار ویلمز» و «مارتینو»

    ادگار ویلمز اهل کشور سوئیس بود. او باور داشت که یادگیری موسیقی از زمانی که نوزاد در شکم مادر است آغاز می‌شود. در روش او، هم کودک و هم خانواده نقش بسیار مهمی دارند.

    روش «شینیچی سوزوکی  » ( ۱۸۹۸ – ۱۹۹۸  ) :

    شینیچی سوزوکی، یک معلم ویلن از کشور ژاپن بود. پس از پایان جنگ جهانی دوم، او تمام وقت و انرژی خود را صرف آموزش موسیقی به بچه‌ها کرد. نظر او این بود که مهارت در موسیقی، یک استعداد مادرزادی و ویژه نیست، بلکه مانند یک توانایی است که هر کودکی می‌تواند با آموزش درست آن را یاد بگیرد و رشد دهد.

    سیستم «منهتن » :

    در سال ۱۹۷۰ و پس از راه‌اندازی کالجی به نام «مانهاتان ویل» در آمریکا، آموزش موسیقی به شکل وسیعی در آن آغاز شد. این کار با هدف پیشبرد و رشد هنر و ادبیات در سراسر ایالات متحده انجام گرفت.

    انواع متد آموزش موسیقی کودک

    بهترین آموزشگاه موسیقی کودک

    از آنجا که شیوه آموزش موسیقی به کودکان و فضای یادگیری آن بسیار مهم است، ما در آموزشگاه آنبین به عنوان یکی از برترین و معتبرترین مراکز آموزش موسیقی در شرق تهران و محله نارمک، با راهنمایی بهترین استادان این زمینه و در محیطی کاملاً ایمن و شاد، این فرصت را برای خانواده‌ها و کودکان علاقه‌مند فراهم کرده‌ایم.