دسته: موسیقی

کالیمبا یک ساز کوچک و محبوب است که به سادگی در دست جای می‌گیرد. یادگیری اصولی این ساز نیاز به آموزش دارد، اما با آشنایی با نت‌های آن و روش نواختن، می‌توانید به راحتی با آن موسیقی بنوازید. اگر علاقه‌مند هستید تا نواختن کالیمبا را بیاموزید، در ادامه این مطلب از وبلاگ آنبین، روش آسانی برای شناخت نت‌های این ساز را دنبال کنید.

توصیه می‌شود به مطالعه مقاله آشنایی با ساز شنگ ،ساز سنتی چینی ادامه دهید.

در اینجا می‌توانید اطلاعات کامل‌تری درباره موسیقی کانتری چیست ؟ بیابید.

اطلاعات جامع‌تری در مورد این موضوع را در آشنایی با استاد محمد نوری، خالق ترانه های ماندگار ایرانی پیدا کنید.

آهنگ زدن با کالیمبا

کالیمباهای ۱۷ تیغه‌ای، هفده نت مختلف تولید می‌کنند. نت اصلی و پایه این ساز، نت «دو» است که تیغه آن در مرکز قرار گرفته است. با حرکت از مرکز به سمت چپ و راست، صداهای تیغه‌ها به تدریج بم‌تر می‌شوند. به این ترتیب، زیرترین صدا متعلق به نت «می» است و بم‌ترین صدا مربوط به نت «دو» می‌باشد.

روش ساده برای شناخت نت های کالیمبا

کالیمبا دارای محدوده‌ای معادل دو و نیم اکتاو است. به این معنی که در این ساز سه نت «دو» در اکتاوهای گوناگون وجود دارد.
نت‌های موسیقی — که هفت عدد هستند — معمولاً از چپ به راست خوانده می‌شوند.

این هفت نت، زمانی مفهوم کامل پیدا می‌کنند که روی پنج خط موازی و با فاصله‌های برابر قرار بگیرند. این خطوط، «خطوط حامل» نامیده می‌شوند زیرا وظیفه دارند نت‌های موسیقی را روی خود و در میان خطوط نگهداری و نمایش دهند. به همین دلیل است که به آنها خطوط حامل می‌گویند.
بنابراین، برای نواختن یک قطعه با کالیمبا، باید توانایی خواندن این نت‌ها روی خطوط حامل و همزمان ضربه زدن به تیغه مربوطه را داشته باشید.

نکته مهم این است که حتماً به علامت ابتدای خطوط حامل توجه کنید. اگر این علامت «کلید سل» باشد، نت‌ها به شکلی که در نمودار زیر می‌بینید خوانده می‌شوند و اگر در ابتدا «کلید فا» قرار گرفته باشد، ترتیب نت‌ها متفاوت خواهد بود.

نت عددی کالیمبا

بسیاری از مردم علاقه دارند از سنین کم شروع به یادگیری خوانندگی کنند. اما یک پرسش رایج که اغلب پیش می‌آید این است که آیا صدای افراد با گذشت زمان و افزایش سن تغییر می‌کند؟ همچنین، بهترین زمان برای شروع آواز خواندن چه سنی است؟ در این نوشته از وبلاگ آنبین به این پرسش‌ها می‌پردازیم.

اطلاعات جامع‌تری در مورد این موضوع را در بیوگرافی گوستاو ماهلر ،عاشق دلشکسته دنیای موسیقی پیدا کنید.

آواز خواندن از چه سنی مناسب است؟

برای شروع خوانندگی، سوالات زیادی پیش می‌آید: آیا صدای خوب با بالا رفتن سن به دست می‌آید؟ خوانندگان در چه سنی به بهترین حالت صدای خود می‌رسند؟ آیا بلوغ روی صدا و خواندن تاثیر دارد؟ و پرسش‌های دیگر.

اطلاعات جامع‌تری در مورد این موضوع را در بیوگرافی یانی ، نابغه روانشناس پیدا کنید.

پاسخ این است که صدای انسان تحت تاثیر عوامل گوناگونی دگرگون می‌شود. رشد سن، تغییرات جسمی و بلوغ از جمله این عوامل هستند که همگی بر صدا اثر می‌گذارند. اما این به معنای آن نیست که باید آموزش را به تاخیر انداخت.

مقاله آشنایی با استاد کیوان ساکت منبع بسیار خوبی برای یادگیری بیشتر است.

اطلاعات جامع‌تری در مورد این موضوع را در ماجرای آهنگ یکشنبه غم انگیز چیست؟ پیدا کنید.

توصیه می‌کنیم حتماً مقاله چرا هنگ درام گران است؟ را مطالعه کنید.

صدای ما در طول زندگی به شکل‌های مختلفی تغییر می‌کند و نمی‌توان زمان دقیقی برای رسیدن به اوج کیفیت صدا یا شروع خوانندگی مشخص کرد. زمان بلوغ در همه افراد یکسان نیست و برای هر کس متفاوت است. پس می‌توان گفت سن ایده‌آل برای شروع خوانندگی حرفه‌ای در افراد مختلف، فرق می‌کند. زیرا افراد با کسب تجربه و انجام تمرین‌های مستمر در سال‌های مختلف، صدای خود را بهبود می‌بخشند. این تجربیات همچنین به استعدادهای ذاتی هر فرد بستگی دارد و همین امر باعث می‌شود که سن مناسب برای خوانندگی حرفه‌ای از شخصی به شخص دیگر متفاوت باشد.

مقاله زندگینامه یوهان سباستیان باخ حاوی اطلاعات جامعی است.

آیا صدای خواننده ها با افزایش سن تغییر می کند

پیر شدن به خودی خود باعث بهتر شدن صدایتان نمی‌شود. آنچه واقعاً به کیفیت صدای شما کمک می‌کند، تجربه و تمرین مداومی است که در طول سال‌ها کسب می‌کنید و در نهایت صدایی رسا و دلنشین برای شما به ارمغان می‌آورد.

عوامل بسیاری بر صدای خوانندگی شما اثر می‌گذارند که یکی از کلیدی‌ترین آن‌ها سن است. سن نه تنها بر کارکرد تارهای صوتی شما تأثیر می‌گذارد، بلکه بر شیوه‌های خواندن و توانایی‌های اجرایی شما نیز مؤثر است. برای درک بهتر **سن مناسب شروع خوانندگی**، باید به موضوع مهمی به نام بلوغ توجه ویژه‌ای داشته باشیم.

معمولاً صدای شما در دوران بلوغ (ابتدای بزرگسالی) دگرگون می‌شود؛ اما این تنها تغییر صدای شما در طول زندگی نیست. با افزایش سن، تجربه و مهارت شما در خوانندگی نیز بیشتر می‌شود و همین موضوع به بهبود تدریجی صدایتان منجر خواهد شد. با گذشت زمان و افزوده شدن تجربه، یادگیری روش‌های جدید آواز، اجراهای محکم‌تر و… نیز به دست می‌آید. دوران بلوغ یا اوایل بزرگسالی یک مرحله‌ی تعیین‌کننده محسوب می‌شود، زیرا در این دوره صدای شما به طور کامل شکل می‌گیرد.

نتیجه

پس می‌توان گفت بهترین زمان برای شروع خوانندگی، پس از دوران بلوغ است. به بیان دیگر، یکی از دوره‌های مناسب برای ورود به این حرفه، اوایل بزرگسالی است. با این حال، یادگیری و آموزش خوانندگی را می‌توان از هر سنی شروع کرد. با تمرین مداوم و افزایش آگاهی و مهارت‌های خود، می‌توانید به تدریج به نتایج بهتری دست پیدا کنید.

محمد اصفهانی از خوانندگان شناخته‌شده امروز است. او در رشته پزشکی تحصیل کرده و پس از آن به دنیای موسیقی راه یافته است. در این نوشته از وبلاگ آنبین، زندگی‌نامه دکتر محمد اصفهانی را مرور می‌کنیم.

بیوگرافی محمد اصفهانی

محمدمهدی واعظی که با نام محمد اصفهانی شناخته می‌شود، یک خواننده و آهنگساز ایرانی در سبک‌های پاپ و سنتی است. او همچنین دارای مدرک درجه یک هنری در خوانندگی موسیقی سنتی ایران می‌باشد. پدر او اهل اصفهان و مادرش متولد تهران است.

وقتی پدر محمد اصفهانی، صدای زمزمه‌وار او را در کودکی شنید و دریافت که او استعداد خواندن دارد، کوشید با راهنمایی و هدایت وی به سمت قرآن کریم، به خواندنش شکل و جهت درستی ببخشد.

محمد اصفهانی از همان سال‌های نخست زندگی، قرائت قرآن کریم را به سه روایت نزد استادان زمان خود فراگرفت و از روش‌های گوناگون این هنر، به ویژه شیوه استاد “مصطفی اسماعیل” بهره برد. تا به امروز، در بسیاری از محافل مهم از حضور دکتر اصفهانی برای تلاوت قرآن استفاده شده است.

تحصیلات محمد اصفهانی

محمد اصفهانی پس از کسب رتبه ۱۷۶ در کنکور، تحصیل در رشته پزشکی دانشگاه تهران را آغاز کرد و در نهایت در سال ۱۳۷۶ در مقطع دکترای پزشکی عمومی فارغ‌التحصیل شد. او از طریق دایی خود که فردی هنردوست و علاقه‌مند به موسیقی بود، به محمدرضا شجریان معرفی شد. استاد شجریان پس از شنیدن صدای او، گفتند که این صدا استعداد آوازخوانی دارد. مدتی بعد، محمد اصفهانی با فریدون شهبازیان آشنا شد و همین آشنایی، مسیر او را به سمت موسیقی پاپ هدایت کرد.

آغاز فعالیت هنری محمد اصفهانی

محمد اصفهانی نخست اصول موسیقی ایرانی را با الهام از شیوه محمدرضا شجریان و علی جهاندار فرا گرفت. سپس از دانش استادانی مانند همایون خرم، فریدون شهبازیان و بابک بیات در زمینه‌های تصنیف‌خوانی، ترانه و زیبایی‌شناسی نغمه‌های موسیقی ایرانی بهره برد. او کار خوانندگی را با اجرای آهنگ‌هایی بر روی شعرهای شاعران معاصری مانند فریدون مشیری و همچنین خواندن تیتراژ مجموعه‌های تلویزیونی آغاز کرد.

همکاری با ارکستر ملی

با رهبری فریدون شهبازیان بر ارکستر ملی ایران، محمد اصفهانی به عنوان خواننده اصلی این ارکستر انتخاب و معرفی شد.

موسیقی در قالب‌های گوناگونی ارائه می‌شود که هر کدام حال و هوای خاص خود را دارند و هر سبک نیز خود به شاخه‌های کوچک‌تری تقسیم می‌شود. به طور کلی، نوع موسیقی هر منطقه ارتباط نزدیکی با فرهنگ، روحیات مردم و حتی شرایط آب و هوایی و جغرافیایی آنجا دارد. در این نوشته از وبلاگ آنبین می‌خواهیم سبک هیپ هاپ را به شما معرفی کنیم. اگر به این سبک موسیقی علاقه‌مند هستید، با ما همراه باشید.

سبک موسیقی هیپ هاپ

هیپ‌هاپ که گاهی به آن سبک رپ هم گفته می‌شود، یکی از شاخه‌های موسیقی است که همگام با فرهنگ هیپ‌هاپ شکل گرفته و گسترش یافته است. این سبک موسیقی عمدتاً از دو بخش اصلی تشکیل می‌شود:

خوانندگی رپ (اِم‌سی)
و میکس و اسکرچ دی‌جِی.

واژه هیپ‌هاپ برای اولین بار توسط رابرت کیث ویگیگنز، یکی از اعضای گروه “Grandmaster Flash and the Furious Five” استفاده شد. او برای شوخی با دوستی که به تازگی به ارتش آمریکا پیوسته بود، عبارت “hip/hop/hip/hop” را به صورت ریتمیک و شبیه به موسیقی رژه نظامی به کار برد. بعدها او همین واژه را روی صحنه و در حین اجراهایش نیز استفاده کرد.

هیپ‌هاپ فراتر از یک سبک موسیقی است: این یک جنبش فرهنگی گسترده است که موسیقی، شعر، رقص، هنر، مد و حتی دیدگاه‌های سیاسی و اجتماعی را در بر می‌گیرد. بسیاری از افراد واژه‌های رپ و هیپ‌هاپ را به جای هم به کار می‌برند، اما به طور دقیق، هیپ‌هاپ به کل این فرهنگ اشاره دارد (که موسیقی بخشی از آن است)، در حالی که رپ یک شیوه خاص خوانندگی است که اغلب در موسیقی هیپ‌هاپ از آن استفاده می‌شود.

تاریخچه هیپ هاپ

هیپ‌هاپ هم به شکل یک سبک موسیقی و هم به عنوان یک فرهنگ اجتماعی، از دهه ۱۹۷۰ میلادی پدید آمد. در آن سال‌ها، مهمانی‌های خیابانی یا همان بلاک پارتی‌ها، به‌طور گسترده‌ای در محله‌های نیویورک رواج داشت؛ به ویژه میان سیاهپوستان آمریکایی و جوانان ساکن منطقه برانکس این شهر.

با این حال، تا پیش از سال ۱۹۷۹، آثار هیپ‌هاپ به طور رسمی برای پخش از رادیو یا تلویزیون ضبط و منتشر نمی‌شد. یکی از دلایل این موضوع را می‌توان در محتوای متفاوت و گاه خام این سبک جستجو کرد که در آن زمان برای شنوندگان دیگر شهرها و مناطق چندان آشنا و پذیرفته‌شده نبود.

ساختار ریتم هیپ هاپ چیست؟

موسیقی هیپ هاپ معمولاً در وزن چهار چهارم ساخته می‌شود. با این حال، آهنگسازان گاهی اوقات از وزن‌های دیگری مانند دو چهارم، سه چهارم، شش هشتم و موارد مشابه نیز برای ساخت قطعات خود استفاده می‌کنند.

هیپ هاپ دارای چهار مشخصه می باشد:

– رپ یک شیوهٔ خواندن است که بر ریتم و کلام تکیه دارد و معمولاً ملودی در آن وجود ندارد. به همین دلیل، بیشتر از آنکه شبیه آواز باشد، شبیه گفتارِ آهنگین است. با گسترش فرهنگ هیپ‌هاپ، معنای واژهٔ «رپ» محدودتر و مشخص‌تر شد. امروزه رپ به عنوان یکی از ویژگی‌های بارز موسیقی هیپ‌هاپ شناخته می‌شود.

– تِرْنِیتِیبِلیزم یا دی‌جِیینگ: روشی برای ساختن موسیقی با استفاده از دستگاه پخش است. دی‌جی با به کارگیری آهنگ‌های ساخته‌شده توسط دیگران، قطعات را با هم ترکیب می‌کند، صداها را درمی‌آمیزد و با تغییر در موسیقی، اثر جدیدی خلق می‌کند.

– بریک‌دنسینگ یا بی‌بویینگ/بی‌گرلینگ: یک سبک رقص نمایشی و آکروباتیک است. بریک‌دنس از همان آغاز، بخش مهمی از فرهنگ هیپ‌هاپ بود، اما به دلیل دشواری یادگیری، نتوانست به اندازهٔ دیگر بخش‌های هیپ‌هاپ محبوبیت عمومی پیدا کند.

– هنر خیابانی یا گرافیتی: یک هنر بصری است که معمولاً با رنگ‌های اسپری و به شیوه‌ای پویا و چشمگیر خلق می‌شود. البته همهٔ دیوارنویسی‌ها با فرهنگ هیپ‌هاپ مرتبط نیستند، اما جنبش هیپ‌هاپ سبک ویژه‌ای از گرافیتی را پدید آورد که به سرعت قابل تشخیص است.

سیما بینا از پیشگامان زن در ایران است که با پشتکار فراوان برای زنده نگه داشتن موسیقی محلی و حفظ این گنجینه ارزشمند تلاش کرد و به همین دلیل جایگاه مهمی در تاریخ موسیقی کشورمان دارد. در این نوشته از وبلاگ آنبین، بیشتر با این هنرمند ارجمند آشنا خواهیم شد.

اگر به این موضوع علاقه دارید، متن آهنگ ” آخ تو شب یلدای منی” را از دست ندهید.

بیوگرافی سیما بینا

سیما بینا در چهاردهمین روز از دی ماه سال ۱۳۲۳ در شهر خوسف، از استان خراسان جنوبی متولد شد. او هنرمندی چندوجهی است که به عنوان نوازنده، نقاش، آهنگساز و خواننده‌ی ترانه‌های محلی ایرانی شناخته می‌شود و در میان مردم از محبوبیت فراوانی برخوردار است.

در صورت علاقه‌مندی، مطلب بیو گرافی امین بانی را از دست ندهید.

مادر او پوراندخت ایران‌نژاد نام داشت و پدرش احمد بینا اهل تفرش بود. سیما در دامان پدری پرورش یافت که خود استاد موسیقی سنتی، شاعر و نیز آهنگساز نخستین ترانه‌های او به شمار می‌رفت.

شروع حرفه  هنری

سیما بینا از ۹ سالگی به طور رسمی با رادیو ایران و برنامه کودک همکاری کرد. او از همان سنین کم، نزد استادان بزرگ موسیقی، ردیف‌های آواز و موسیقی سنتی را فراگرفت و مدتی نیز شاگرد استاد جواد معروفی و استاد زرین‌پنجه، دو چهره‌ی نامدار موسیقی ایران، بود.

مدتی بعد، در برنامه‌ی موسیقی ویژه‌ای به نام “گلها صحرائی” در رادیو ایران، به اجرای آهنگ‌های محلی پرداخت. صدای او در این برنامه، خاطراتی ماندگار برای نسل‌های مختلف مردم ایران ساخت.

برای گسترش دانش خود، مقاله مخترع گیتار کیست؟ را مطالعه کنید.

سیما بینا پس از پایان تحصیلاتش در رشته نقاشی از دانشکده هنرهای زیبای دانشگاه تهران در سال ۱۳۴۹، آموزش موسیقی ایرانی و ردیف را نزد استادان عبدالله دوامی و محمدابراهیم مالکی ادامه داد.

پس از سال ۱۳۵۷، او در کنار تدریس موسیقی و آواز، با همکاری محمدابراهیم مالکی به پژوهش و گردآوری ترانه‌های محلی ایرانی روی آورد و به بازسازی آهنگ‌های مردمی و روستایی، به ویژه موسیقی‌های زادگاهش خراسان، پرداخت. از آن زمان به بعد، علاوه بر اجرای پیوسته‌ی موسیقی و آواز سنتی، به تحقیق و گردآوری ترانه‌ها و آوازهای محلی نیز مشغول بوده است.

پژوهش و ارائه موسیقی خاص

سیما بینا برای نگهداری و معرفی این سرمایه‌های ملی، از دانش و تجربه موسیقایی خود استفاده کرده و با بازآفرینی و تنظیم مجدد آنها، در واقع با تحقیق و اجرای سبک ویژه خود، جایگاهی بی‌همتا در تاریخ موسیقی فولکلور ایران به دست آورده است.
او با سفر به دورترین مناطق در سراسر این سرزمین، مجموعه‌ای از ترانه‌ها و نغمه‌های نادر و تقریباً از یاد رفته را گردآوری کرده است. از سال ۱۳۷۲، سیما بینا برای عرضه گنجینه‌یافته‌های خود در موسیقی محلی ایران، به جشنواره‌های موسیقی در کشورهای مختلف دعوت شده است.
او نخستین زنی است که پس از انقلاب ۱۳۵۷ کلاس آموزش آواز دایر کرد. همچنین نخستین زنی بود که در تالار وحدت کنسرت اجرا کرد.
از سال ۱۹۹۳ میلادی تاکنون به جشنواره‌های جهانی دعوت شده و موسیقی محلی ایران را به گوش دوستداران موسیقی در سراسر جهان رسانده است. سال‌های اخیر زندگی او در رفت‌وآمد بین ایران و خارج از کشور سپری شده است.
دفتر کار او در شهر کلن آلمان قرار دارد؛ شهری که آن را به عنوان پایگاهی برای برگزاری کنسرت‌ها و مدیریت فعالیت‌های هنری خود انتخاب کرده است.
 

تنظیم کردن سازها برای بهبود کیفیت صدای آنها انجام می‌شود و راه‌های گوناگونی برای این کار وجود دارد. یکی از شیوه‌های قدیمی، روش فیثاغورثی است که در این نوشته از وبلاگ آنبین به معرفی آن پرداخته‌ایم. تا پایان این مطلب با ما همراه باشید.

مفهوم کوک

در موسیقی، واژه‌ی «کوک» دو کاربرد اصلی دارد:

برای گسترش دانش خود، مقاله آشنایی با استاد کیوان ساکت را مطالعه کنید.

۱. کوک کردن ساز: یعنی تنظیم ساز به گونه‌ای که هر نت به درستی و با صدای صحیح خودش شنیده شود.

۲. دستگاه‌های کوک: این‌ها سیستم‌هایی هستند که بر اساس آنها، زیروبمی یا ارتفاع هر نت موسیقی مشخص و تعیین می‌شود.

کوک کردن

کوک کردن فرآیندی است که در آن ارتفاع صداهای تولیدشده توسط یک ساز موسیقی به گونه‌ای تنظیم می‌شود که فاصله‌های بین نتها از یک الگوی معین پیروی کنند. معمولاً برای این کار از یک نت پایه استفاده می‌شود؛ به عنوان مثال، اگر نت «لا» را معادل ۴۴۰ هرتز در نظر بگیریم، بقیه نتها بر اساس آن محاسبه شده و ساز بر مبنای آن تنظیم می‌شود.

اطلاعات جامع‌تری در مورد این موضوع را در چرا هنگ درام گران است؟ پیدا کنید.

ساز ناکوک

ساز ناکوک به سازی گفته می‌شود که تعدادی از نت‌های آن، از حالت درست خود خارج هستند. یعنی برخی نت‌ها کمی زیرتر یا بم‌تر از حد معمول به صدا درمی‌آیند. همچنین ممکن است یک ساز به لحاظ داخلی کوک باشد (یعنی نت‌هایش با یکدیگر هماهنگ باشند) اما اگر با یک استاندارد مرجع همخوانی نداشته باشد، باز هم ناکوک محسوب می‌شود. به عنوان مثال، اگر نت «لا»ی ساز دقیقاً روی فرکانس ۴۴۰ هرتز قرار نگیرد، آن ساز ناکوک است.

برای مطالعه بیشتر، به ماجرای آهنگ یکشنبه غم انگیز چیست؟ سری سر بزنید.

کوک فیثاغورثی

کوک فیثاغورثی یک شیوه برای تنظیم سازهاست که زیرمجموعه‌ای از کوک دیاتونیک معمولی به شمار می‌رود. ویژگی اصلی این روش آن است که نت‌های مختلف با بالا بردن نسبت بسامد فاصله پنجم به توان اعداد طبیعی پشت سر هم به دست می‌آیند.
بسیاری از نظریه‌پردازان موسیقی در دوران ما، این شیوه کوک کردن را به فیثاغورث، فیلسوف یونانی سده ششم پیش از میلاد نسبت می‌دهند. البته فیلسوفان دیگری مانند بوئتیوس و اراتوستن نیز روی نسبت‌های مشابهی برای کوک سازها کار کرده بودند.
کوک فیثاغورثی در دوره رنسانس و تا آغاز سده شانزدهم میلادی، روشی پرکاربرد برای تنظیم سازها بود.
این روش به دلیل داشتن فواصل پنجم کاملاً خالص، ایده‌آل به نظر می‌رسید، اما فواصل سوم بزرگ در آن چنان ناهماهنگ بودند که آکوردها را ناخوشایند می‌ساختند.
کوک فیثاغورثی در حقیقت گونه‌ای خاص از سیستم کوک خالص است که در آن نسبت بسامد نت‌ها بر پایه تناسب ۳:۲ محاسبه می‌شود.
در همه نسبت‌های این کوک، صورت و مخرج کسرها فقط بر ۲ یا بر ۳ بخش‌پذیر هستند و هیچ عدد اول دیگری جز ۲ و ۳ در عوامل این اعداد دیده نمی‌شود. این کوک در دوران قرون وسطا و رنسانس از اهمیت زیادی برخوردار بود.
در روش فیثاغورثی، فواصل اصلی به سه گروه تقسیم می‌شوند:
۱ – لیما: معادل فاصله یک پرده است و نسبت بسامد آن ۹:۸ می‌باشد.
۲ – کاما: معادل فاصله نیم‌پرده دیاتونیک است (نیم‌پرده‌ای که بین دو نت غیر همنام قرار دارد، مانند فاصله می و فا) و نسبت بسامد آن ۲۵۶:۲۴۳ است.
۳ – و در پایان، نیم‌پرده کروماتیک یا آپوتوم که برابر است با تفاوت بین دو فاصله قبلی و نسبت بسامد آن ۲۱۸۷:۲۰۴۸ می‌باشد.

سبکی که این روزها خیلی مورد استقبال قرار گرفته، سبک نیو ایج نام دارد. این سبک به دلیل نوع موسیقی آرام و تأثیرگذاری که دارد، برای بهبود سلامت و ایجاد آرامش نیز استفاده می‌شود. در این قسمت از وبلاگ آنبین، بیشتر با این سبک آشنا می‌شوید.

سبک نیو ایج

موسیقی نیو اِیج که با نام‌های موسیقی عصر جدید یا عصر نو هم شناخته می‌شود، از سبک‌های پرطرفدار موسیقی است. هدف اصلی این سبک، برانگیختن حس هنری، ایجاد آرامش درونی و تقویت نگرش مثبت در شنونده است. مردم اغلب از این موسیقی برای تمرین یوگا، انجام مراقبه، هنگام مطالعه، برای کاهش تنش‌های روزمره یا برای داشتن فضایی آرام و دلنشین استفاده می‌کنند.

این سبک موسیقی با جنبش فکری عصر جدید و همچنین با اندیشه‌های طرفداران محیط زیست پیوند خورده است. در موسیقی نیو اِیج، هارمونی‌ها معمولاً از نت‌های پایین و تکرارشونده تشکیل می‌شوند که در بیشتر موارد، گونه‌های مختلفی از یک الگوی ثابت هستند. همچنین در بسیاری از قطعه‌های این سبک، از صداهای ضبط‌شده طبیعت مانند آواز پرندگان، صدای آب جاری، باران و مانند آن در آغاز یا در میانهٔ آهنگ استفاده می‌شود.

سبکی برای بیان عواطف و احساسات درونی

سبک موسیقی نیو ایج بر بیان احساسات و عواطف درونی تمرکز زیادی دارد. این موسیقی اغلب فضایی آرام و تسکین‌دهنده ایجاد می‌کند. یکی از ویژگی‌های برجسته این آثار، توجه خاص به معنویت و مسائل روحانی است.

حتی برخی از قطعه‌های این سبک را می‌توان در زمینه‌هایی مانند موسیقی درمانی نیز استفاده کرد. آهنگسازان این سبک معمولاً دانش و مهارت بالایی دارند و به خوبی می‌توانند شنوندگان را با کارهای خود همراه کنند.

سبک موسیقی نیو ایج، بخشی از موسیقی الکترو آکوستیک است که با هدف کمک به مردم برای رهایی از اندوه و افسردگی پس از ویرانی‌های جنگ جهانی دوم شکل گرفت و توسط آهنگساز ژاپنی، کیتارو، به نقطه اوج خود رسید.

تاریخچه موسیقی نیو ایج :

هنرمندان زیادی با سبک‌های مختلف — مانند موسیقی محلی، مینیمال، الکترونیک و جاز — بر شکل‌گیری موسیقی نیو ایج تأثیر گذاشته‌اند. در دهه ۱۹۷۰ میلادی، گونه‌ها و تلفیق‌های متنوعی از موسیقی نیو ایج به وجود آمد که هم شامل قطعات الکترونیک و تجربی بود و هم قطعات آکوستیک؛ حتی موسیقی‌هایی با رنگ‌و‌بوی آسیایی مانند گیتارو و یلو مجیک ارکسترا نیز در این میان جای داشتند.

آلبوم «مجموعه طیف» اثر استیون هالپرن که در سال ۱۹۷۵ منتشر شد، معمولاً به عنوان نقطه‌آغاز و محرک اصلی جنبش موسیقی نیو ایج شناخته می‌شود. در سال‌های نخست، این سبک عمدتاً توسط ناشرهای مستقل تولید و عرضه می‌شد. آلبوم‌های نیو ایج در مکان‌هایی غیر از فروشگاه‌های معمول موسیقی نیز به فروش قابل توجهی دست می‌یافتند؛ مانند کتابفروشی‌ها، مغازه‌های فروش هدیه و فروشگاه‌های محصولات طبیعی و سالم.

در نوشته‌های قبلی، سبک موسیقی نیو ایج و تاریخچه آن را معرفی کردیم. حالا در این بخش قصد داریم درباره سازهای رایج و شاخه‌های مختلف این سبک موسیقی صحبت کنیم. بنابراین اگر به موسیقی نیو ایج علاقه‌مند هستید، پیشنهاد می‌کنیم این مطلب از وبلاگ آنبین را تا پایان دنبال کنید.

برای اطلاعات بیشتر، به مقاله ساز پن فلوت ،سازدهنی سرخ‌پوستان مراجعه کنید.

ساز ها و زیرشاخه های سبک نیو ایج

برخی سازهای مهم ژانر موسیقی نیو ایج (New Age) :

همانطور که می‌دانید، این سبک موسیقی بیشتر با فضای طبیعت و حس آرامش پیوند خورده و در زمینه‌های درمانی نیز کاربرد دارد. در این سبک معمولاً از سازها و ابزارهای مختلفی استفاده می‌شود مانند:
پیانو، سینتی‌سایزر، سمپلر، سیکوئنسر، سازهای زهی، صداهای طبیعی، سازهای محلی و قومی، گیتار، درامز، انواع فلوت و چنگ (هارپ).

ژانرهای مرتبط ژانر موسیقی نیو ایج (New Age) ؛

جنبش نیو ایج با سبک‌های موسیقی مانند امبینت، کلاسیک و جاز پیوند دارد. این نوع موسیقی، به آهنگ‌های اروپایی دوره قرون وسطی و نیز موسیقی کلاسیک ژاپن و دیگر سبک‌ها جان تازه‌ای بخشیده و به عنوان یک موسیقی جهانی شناخته می‌شود. علاوه بر این‌ها، سبک‌هایی مانند موسیقی اسپیس (space) و نئوکلاسیک نیز از گونه‌های نزدیک به آن به شمار می‌روند.

مقاله سبک اکاپلا ، صدا سازی با دهان منبع بسیار خوبی برای یادگیری بیشتر است.

برای درک عمیق‌تر این موضوع، مطلب دوتار ،سازی با فقط دو تار را بخوانید.

معرفی زیرشاخه های سبک نیوایج

۱ – نیو ایج فضایی : (space new age)

شایان ذکر است که سبک موسیقی نیو ایج یا «عصر جدید»، دستاوردی بزرگ و هم‌پایه پیدایش موسیقی سمفونیک محسوب می‌شود. پیش از پدید آمدن سمفونی، گوش انسان عادت داشت در هر لحظه فقط صدای یک ساز را بشنود. اما پس از دگرگونی‌ای که موسیقی سمفونیک به وجود آورد، بسیاری از مردم شهرنشین یاد گرفتند که چگونه همزمان به صداهای چندین ساز مختلف گوش دهند. به همین دلیل، افرادی که در مناطق روستایی زندگی می‌کنند و کمتر تجربه شنیدن همزمان سازهای گوناگون را دارند، معمولاً موسیقی سمفونیک را شلوغ و نامفهوم می‌دانند.

۲ – موسیقی سلتیک نیو ایج: (Celtic New Age)

موسیقی سلتیک یکی از سبک‌های موسیقی در گروه نیو ایج به شمار می‌رود. نام سلتیک از واژه سلت گرفته شده است. سلت‌ها گروهی از مردمان باستان بودند که حدود ۷۰۰ سال پیش از میلاد مسیح در مناطق مختلف اروپا زندگی می‌کردند.
بسیاری از ساکنان جزایر بریتانیا به ویژه مردم ایرلند و اسکاتلند، خود را ادامه‌دهنده نسل سلت‌ها می‌دانند و وارث فرهنگ کهن آنان از جمله موسیقی سلتیک هستند.
این موسیقی از زیبایی و جذابیت زیادی برخوردار است و سرشار از احساسات پرشور، عشق و طراوت است. به احتمال زیاد شما هم تا به حال نمونه‌هایی از موسیقی سلتیک را شنیده‌اید. برای نمونه می‌توان به موسیقی فیلم تایتانیک، موسیقی فیلم شجاع دل و بخش‌هایی از موسیقی فیلم ارباب حلقه‌ها اشاره کرد.

هنرمندان مهم و زمینه‌های موسیقی نیو ایج:
بین سال‌های ۱۹۶۸ تا ۱۹۷۳، نوازندگان آلمانی مانند ادگار فروزه، هولگار زوکی و گروه اشرا، آثاری را با بهره‌گیری از صداها و تجربه‌های نوآورانه خلق کردند. آن‌ها از سینث‌سایزر و سازهای آکوستیک و الکترونیک استفاده می‌کردند و سبک آنان بعدها کراوت‌راک نام گرفت.
این تجربه‌های موسیقایی، پایه مهمی برای پیدایش سبک‌هایی مانند امبینت و نیو ایج شدند. در پایان دهه ۱۹۷۰، آزمایش‌های موسیقایی برایان اینو در سبک امبینت، راه را برای شکل‌گیری هرچه بیشتر موسیقی نیو ایج در آثار افرادی مانند رابرت فریپ هموار کرد.

هنرمندان معروف ژانر موسیقی نیو ایج (New Age)

کیتارو، انیا، وانجلیس، آنیا، یانی، اولدفیلد، انیگما، ژان میشل ژار، ترون سیورسن، جیسون کوچاک، لارین مک‌نیت، دیوید آرکستون، جو هیسایشی، ران کورب، دیوید ویتو گریگولی، برایان انو

موسیقی و معماری همواره مورد توجه هنرمندان و علاقه‌مندان به هنر بوده‌اند و ترکیب‌های شگفت‌انگیزی از این دو رشته در سراسر جهان پدید آمده است. در این نوشته از وبلاگ آنبین، قصد داریم یکی از دیدنی‌ترین مکان‌های برگزاری برنامه‌های موسیقی و هنری را به شما معرفی کنیم. در ادامه می‌توانید با مشخصات و جنبه‌های منحصر به فرد خانه اپرای سیدنی آشنا شوید.

اگر سوالاتی دارید، مقاله کلاویه در پیانو چیست ؟ به شما کمک خواهد کرد.

خانه اپرای سیدنی

یکی از این آثار شگفت‌انگیز، ساختمان اپرای سیدنی است.
این بنا در شهر ساحلی سیدنی، در ایالت نیو ساوت ولز استرالیا و نزدیک به پل بندرگاه قرار دارد. اپرای سیدنی از شناخته‌شده‌ترین و مهم‌ترین سالن‌های نمایش در جهان به شمار می‌رود.

اگر به این موضوع علاقه دارید، آشنایی با برخی از انواع پیکاپ های گیتار الکتریک و باس را از دست ندهید.

برای درک عمیق‌تر این موضوع، مطلب نکات مربوط به نگهداری پوست تنبک را بخوانید.

این سازه یکی از مشهورترین و نوآورانه‌ترین ساخته‌های دست بشر در سراسر جهان است و همچنین از پربازدیدترین جاذبه‌های گردشگری استرالیا محسوب می‌شود.
در این مکان همیشه می‌توانید شاهد اجرای برجسته‌ترین و معروف‌ترین آثار هنری باشید و از زیباترین قطعات موسیقی، اپرا و نمایش‌ها لذت ببرید.
همه‌ی این ویژگی‌ها باعث شده‌اند اپرای سیدنی به مکانی دوست‌داشتنی برای علاقه‌مندان به هنر و معماری تبدیل شود.

در اینجا می‌توانید اطلاعات کامل‌تری درباره انواع پوست تنبک و مشخصات آن ها بیابید.

توصیه می‌کنیم حتماً مقاله نخستین خواننده مرد در رادیو ملی ایران که بود؟ را مطالعه کنید.

این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه نکات مهم در مورد پدال پیانو.

خانه اپرای سیدنی، نماد کشور استرالیا در چشم جهانیان است.

 آشنایی با معمار این بنای با شکوه

یورن اوتزان، معمار دانمارکی، در سال ۱۹۵۷ به شکل غیرمنتظره‌ای برنده رقابت طراحی اپرای سیدنی شد.
این ساختمان بزرگ که مساحتی نزدیک به ۵۷۹۸ هکتار دارد، در کشور استرالیا و در شهر ساحلی سیدنی، واقع در ایالت نیو ساوت ولز قرار گرفته است.
بلندی این سازه ۶۷ متر از سطح دریا است. کار ساخت آن در سال ۱۹۵۹ شروع شد و در روز ۲۰ اکتبر ۱۹۷۳ به طور رسمی توسط ملکه الیزابت دوم گشایش یافت.
یورن اوتزان به پاس این شاهکار معماری، در سال ۲۰۰۳ موفق به دریافت جایزه پریتزکر شد. این جایزه معادل جایزه نوبل در زمینه معماری به شمار می‌رود.
این بنای استثنایی، اکنون در فهرست آثار تاریخی جای دارد و در ژوئن ۲۰۰۷ نیز به عنوان یک اثر هنری باارزش، در فهرست میراث جهانی یونسکو ثبت شد.

 سمبل استرالیا در جهان

ساختن این سازه با دشواری‌های فراوانی همراه بود، ولی در پایان، خانه اپرای سیدنی به نماد استرالیا در سراسر جهان تبدیل شد. همان‌طور که اوتزن گفته، این بنا تنها نشانه یک شهر نیست، بلکه نماد یک کشور و حتی یک قاره به شمار می‌رود.
بیش از نیمی از گردشگرانی که از آمریکا، چین، انگلیس و نیوزیلند به استرالیا می‌آیند، هدف اصلی سفر خود را تماشای خانه اپرای سیدنی بیان می‌کنند. این ساختمان هر سال حدود ۱.۴ میلیون نفر را به استرالیا جذب می‌کند.

استاد محمدرضا شجریان، از نام‌های ماندگار و بی‌همتای موسیقی ایرانی است. این هنرمند بزرگ، فرزندانی بااستعداد و هنرمند نیز پرورش داده است. در این نوشته از وبلاگ آموزشگاه موسیقی الهام، قصد داریم شما را با دختر شناخته‌شده استاد، مژگان شجریان، بیشتر آشنا کنیم. تا پایان این مطلب با ما همراه بمانید.

در اینجا می‌توانید اطلاعات کامل‌تری درباره گام در موسیقی چیست؟ بیابید.

توصیه می‌کنیم حتماً مقاله تار بهتر است یا سه تار؟ را مطالعه کنید.

توصیه می‌کنیم حتماً مقاله نکات مهم موسیقی که باید برای شروع به آن دقت نمایید را مطالعه کنید.

بیوگرافی مژگان شجریان

مژگان شجریان در بیست و هفتم اردیبهشت سال ۱۳۴۸ متولد شد. او یک طراح گرافیک، نقاش، خواننده و نوازندهٔ ساز سه‌تار است.
او یادگیری سه‌تار را در سال ۱۳۵۸ و با آموزش از محمدرضا لطفی و حسین علیزاده شروع کرد.
بعد از آن، در سال ۱۳۶۰ نزد پرویز مشکاتیان به آموختن ردیف‌های موسیقی پرداخت.
او سپس راه تحصیل خود را در دانشگاه هنر پی گرفت و در سال ۱۳۶۸، آموزش ردیف نوازی را نزد مهربانو توفیق ادامه داد.

گروه شهناز

محمدرضا شجریان در سال ۱۳۸۷ یک گروه موسیقی تأسیس کرد. او نام این گروه را به پاسداشت جلیل شهناز، استاد بزرگ تار، “گروه شهناز” گذاشت. محمدرضا شجریان به همراه دخترش، مژگان شجریان، با این گروه همکاری می‌کرد.

اگر سوالاتی دارید، مقاله گام در موسیقی چگونه نامگذاری می گردد ؟ به شما کمک خواهد کرد.

آلبوم ارغوان

نخستین آلبوم مستقل او با عنوان «ارغوان» در فروردین‌ماه سال ۱۳۹۸ روانه بازار شد.
سورنا صفاتی آهنگ‌ساز این مجموعه بود و در آن از سروده‌های شاعرانی مانند هوشنگ ابتهاج، محمدرضا شفیعی کدکنی و حافظ بهره گرفته شد.
مژگان در توضیح نام این آلبوم بیان کرده: «نام ارغوان حکایت‌گر آلام مردمان سرزمین ماست و نیز آنان که تن به کوچی اجباری داده ولی هرگز از سرزمین مادری ریشه برنکنده‌اند.»
با در نظر گرفتن موانع موجود برای پخش آلبوم‌های خوانندگان زن در ایران، مژگان شجریان در پیامی در شبکه‌های اجتماعی اعلام نمود:
«به دلیل قوانین ناعادلانه حاکم بر سرزمینمان امکان انتشار آلبوم ارغوان وجود ندارد و به همین دلیل ارغوان به‌طور رایگان در اینترنت در دسترس علاقه‌مندان در ایران قرار می‌گیرد.»

توصیه می‌کنیم حتماً مقاله بهترین کلاس تار در تهران را مطالعه کنید.

برای مطالعه بیشتر، به آشنایی با یکی از مفاخر موسیقی سنتی ایرانی، نصرالله ناصح پور سری سر بزنید.

مهاجرت

مژگان در سال ۲۰۱۲ به آمریکا نقل مکان کرد. او اکنون در جنوب کالیفرنیا زندگی می‌کند، در آنجا به اجرای برنامه می‌پردازد و همچنین به آموزش آوازهای سنتی ایرانی و نواختن ساز سه‌تار مشغول است.
او در کنار استاد برجسته موسیقی ایران، محمدرضا شجریان، در بیش از ۶۰ کنسرت در سراسر جهان حضور داشته است. این اجراها در جشنواره‌های معتبر بین‌المللی و سالن‌های شناخته‌شده در اروپا، آمریکای شمالی و استرالیا برگزار شده‌اند.