دسته: موسیقی

  • آشنایی با مفهوم سکته یا سنکوپ در موسیقی

    آشنایی با مفهوم سکته یا سنکوپ در موسیقی

    دنیای تئوری موسیقی پر از واژه‌ها و مفهوم‌های گوناگون است. یکی از این اصطلاحات مهم که به ریتم و ضرب‌های موسیقی مربوط می‌شود، سکته یا سنکوپ نام دارد. برای این که ریتم موسیقی را به خوبی درک کنید، یادگیری این مفهوم ضروری است. در این نوشته از وبلاگ آنبین، می‌خواهیم سنکوپ در موسیقی را به زبان ساده برایتان توضیح دهیم.

    سنکوپ در موسیقی چیست؟

    برای درک مفهوم سکته یا سنکوپ در موسیقی، ابتدا باید با خط اتحاد آشنا باشید. وقتی دو نت هم‌نام پشت سر هم قرار می‌گیرند، با یک خط منحنی به هم وصل می‌شوند. این خط که زیر یا روی نت‌ها کشیده می‌شود، آن‌ها را به هم پیوند می‌دهد.

    حالا برویم سراغ سنکوپ. در موسیقی، هر میزان از قسمت‌های قوی و ضعیف تشکیل شده است. مثلاً در میزان دو ضربی، ضرب اول قوی و ضرب دوم ضعیف است. در میزان سه ضربی، ضرب اول قوی، ضرب دوم ضعیف و ضرب سوم نیمه‌قوی است. در میزان چهار ضربی هم به ترتیب ضرب اول قوی، دوم ضعیف، سوم نیمه‌قوی و چهارم ضعیف است.

    وقتی با خط اتحاد، ضرب ضعیف یک میزان را به ضرب قوی میزان بعدی وصل کنیم، یک حالت خاص به وجود می‌آید. در این حالت، تأکید از روی ضرب قوی برداشته شده و به ضرب ضعیف منتقل می‌شود. به این جابجایی تأکید و ایجاد کشش غیرمنتظره، سکته یا سنکوپ می‌گویند.

    انواع سنکوپ

    در موسیقی دو گونه سنکوپ وجود دارد: ساده و شکسته. در ادامه هر دو را برای شما شرح می‌دهیم.

    نوع اول: اگر دو نتی که با خط اتحاد به هم وصل شده‌اند، ارزش زمانی یکسانی داشته باشند، به آن سنکوپ ساده می‌گوییم.

    نوع دوم: وقتی دو نت که با خط اتحاد به هم متصل شده‌اند، ارزش زمانی متفاوتی داشته باشند، این حالت را سنکوپ شکسته می‌نامند.

  • چرا این ۱۰ شهر پایتخت موسیقی جهان هستند؟

    چرا این ۱۰ شهر پایتخت موسیقی جهان هستند؟

    برخی از شهرهای جهان به دلیل حضور موسیقیدانان بزرگ و امکانات عالی، نقش بسیار مهمی در پیشرفت موسیقی داشته‌اند. این شهرها ادعا می‌کنند که می‌توانند پایتخت موسیقی جهان نام بگیرند و هر یک به نوبه خود شایستگی این عنوان را دارند! در این نوشته از وبلاگ آنبین، می‌خواهیم ۱۰ شهر مهم دنیا را که به عنوان پایتخت موسیقی شناخته می‌شوند به شما معرفی کنیم. با ما بمانید.

    ۱۰ پایتخت موسیقی جهان

    ۱. وین، اتریش

    این شهر به عنوان مرکز اصلی موسیقی کلاسیک در جهان و پایتخت موسیقی اروپا شناخته می‌شود. آهنگسازان بزرگ و نامداری همچون موتزارت و بتهوون بخش مهمی از زندگی خود را در این شهر گذرانده‌اند. علاوه بر این، شمار زیادی از آهنگسازان برجسته، ارکسترهای معتبر و سالن‌های مشهور اپرا و تئاتر در این شهر فعالیت دارند.

    ۲. منچستر، بریتانیا

    بریتانیا همیشه در تاریخ موسیقی جهان جایگاه ویژه‌ای داشته است. به عنوان نمونه، گروه بیتلز در شهر لیورپول شکل گرفت و لندن نیز به عنوان برترین شهر اروپا برای اجرای زندهٔ موسیقی شناخته می‌شود. همچنین منچستر در دهه ۸۰ میلادی با حضور گروه‌های بزرگی مانند اسمیتز و استون رز، تأثیر شگرفی بر صحنهٔ موسیقی بریتانیا گذاشت.

    ۳. لندن، انگلستان

    استودیوی ابی رود که از مشهورترین استودیوهای ضبط موسیقی در سراسر جهان به شمار می‌رود، در شهر لندن واقع شده است. بسیاری از خوانندگان و گروه‌های بزرگ موسیقی، آهنگ‌های ماندگار خود را در این استودیو ضبط کرده‌اند. برای نمونه، بیتلز و پینک فلوید برخی از مهم‌ترین کارهای هنری خود را در همین مکان ثبت کردند. علاوه بر این‌ها، گروه‌های معروف دیگری مانند کوئین، لد زپلین و رولینگ استونز نیز از جمله هنرمندانی هستند که در این استودیو فعالیت داشته‌اند.

    ۴. آستین، تگزاس، ایالات متحده آمریکا

    آستین به عنوان پایتخت موسیقی زنده در جهان شناخته می‌شود. این شهر حدود ۲۵۰ محل مختلف برای اجرای موسیقی دارد که از کافه‌ها و رستوران‌ها گرفته تا سالن‌های بزرگ کنسرت را شامل می‌شود. نکته‌ای که آستین را از دیگر شهرهای مشابه متمایز می‌کند، تنوع بسیار زیاد سبک‌های موسیقی در آن است. در این شهر می‌توانید انواع مختلفی از موسیقی از جمله فولک، جاز، بلوز، راک و بسیاری سبک‌های دیگر را بشنوید.

    ۵. نشویل، ایالات متحده آمریکا

    نشویل را پایتخت موسیقی آمریکا می‌نامند. از همان قرن هجدهم که مردم در کنار رودخانه کامبرلند زندگی می‌کردند، ساز می‌زدند و آواز می‌خواندند. به همین دلیل، طبیعی است که موسیقی هنوز هم قلب تپنده این شهر است. اگرچه این شهر به سبک‌های گوناگون موسیقی معروف نیست، اما به عنوان پایتخت جهانی موسیقی کانتری شناخته می‌شود.

    ۶. برلین، آلمان

    برلین را می‌توان پایتخت جهانی موسیقی الکترونیک دانست. شکل‌گیری این سبک موسیقی در برلین، پس از سال ۱۹۸۹ و فروریختن دیوار این شهر آغاز شد. در آن دوره، یک تحول و شکوفایی فرهنگی بزرگ در شهر به وجود آمد. امروزه نیز فستیوال‌های جذاب و کنسرت‌های زنده‌ی بسیاری در برلین برگزار می‌شوند که بسیار مشهور هستند.

    ۷. کینگستون، جامائیکا

    کینگستون یک شهر کوچک در یک جزیره سه‌میلیون‌نفری است، اما ادعاهای بزرگی در دنیای موسیقی دارد! این شهر خود را خاستگاه شش سبک موسیقی می‌داند: اسکا، راک استدی، داب، منتو، دنس‌هال و رگی. علاوه بر این، موزیسین‌های جامائیکایی نقش بسیار مهمی در رشد و پیشرفت موسیقی جهانی امروز ایفا کرده‌اند.

    ۸. بوگوتا، کلمبیا

    شهر بوگوتا در طول هر سال، میزبان بیش از ۶۰ جشنواره گوناگون است. همچنین این شهر دارای بالای ۱۰۰ سالن و محل برای برگزاری کنسرت و اجرای موسیقی به صورت زنده می‌باشد. معمولاً سبک‌های موسیقی مانند هیپ‌هاپ، سالسا، راک و رگِتون در این مکان‌ها اجرا می‌شوند.

    ۹. ملبورن، استرالیا

    اگر معیار ما برای انتخاب، تعداد کنسرت‌ها و برنامه‌های زنده موسیقی باشد، قطعاً ملبورن پایتخت بی‌همتای موسیقی جهان به شمار می‌رود و هیچ شهر دیگری حتی به پای آن نمی‌رسد.
    در سال ۲۰۱۸، این شهر میزبان بیش از ۷۳ هزار اجرای زنده بود و تقریباً دو برابر بیشتر از رقیب بعدی خود برنامه‌ی موسیقی برگزار کرد.

    ۱۰. هاوانا، کوبا

    در خیابان‌های هاوانا، نوای موسیقی به بخشی همیشگی از زندگی روزمره مردم تبدیل شده است. همچنین در بیشتر کافه‌ها و رستوران‌ها، چه کوچک و چه بزرگ، همیشه یک نوازنده تنها یا یک گروه موسیقی در حال نواختن هستند. موسیقی در این شهر از تنوع زیادی برخوردار است و عموماً از سبک‌های آفریقایی و اسپانیایی الهام می‌گیرد.

  • بیوگرافی حشمت سنجری | رهبر ارکستر سمفونیک تهران

    بیوگرافی حشمت سنجری | رهبر ارکستر سمفونیک تهران

    حشمت سنجری یک موسیقیدان، آهنگساز، رهبر ارکستر و نوازنده اهل ایران بود. او برای مدت‌های طولانی، رهبر اصلی ارکستر سمفونیک تهران بود. این هنرمند علاوه بر این، به عنوان رهبر میهمان با ارکسترهای معروفی در شهرهای مختلف از جمله بوستون، شیکاگو، کلمبیا، ترکیه، لهستان، رومانی، اتحاد جماهیر شوروی پیشین، تاجیکستان، بلغارستان و یوگسلاوی همکاری کرد. اگر علاقه‌مندید با سرگذشت این چهره سرشناس موسیقی ایران بیشتر آشنا شوید، در ادامه این نوشته از وبلاگ آنبین همراه ما بمانید.

    تولد، کودکی و نوجوانی حشمت سنجری

    حشمت سنجری در نوزدهم اسفندماه ۱۲۹۶ در تهران به دنیا آمد. خانواده‌اش به هنر علاقه‌مند بودند. پدرش، حسین سنجری، نوازنده‌ی شناخته‌شده‌ای در نواختن تار بود و نزد استادانی مانند علینقی وزیری، درویش خان و مرتضی نی‌داوود آموزش دیده بود. مادرش نیز با نواختن تار آشنا بود.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه زایلوفون یک شروع عالی موسیقی کودک.

    حشمت از چهارسالگی نزد پدرش تار یاد گرفت. علاوه بر این، در کلاس‌های گروهی آواز کودکان هم شرکت می‌کرد. بعدها، ویولن را شروع کرد و ردیف‌های موسیقی ایرانی را نزد روح‌الله خالقی و ابوالحسن صبا آموخت.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه آموزش موسیقی کودک.

    او در کنار موسیقی، به تحصیلات معمول خود ادامه داد و در سال ۱۳۰۳ وارد مدرسه دارالفنون شد. شش سال بعد، در سال ۱۳۰۹، به دبیرستان دارالفنون رفت و پس از گرفتن دیپلم ادبی، برای سربازی به دانشکده افسری اعزام شد.

    بعد از اتمام خدمت سربازی در سال ۱۳۱۷، او تمام وقت خود را صرف موسیقی کرد. در دبیرستان هنرستان موسیقی ثبت‌نام کرد و نواختن ویولن را نزد یک استاد روس به نام سرژ خوتسیف ادامه داد. همچنین رهبری ارکستر و آهنگسازی را نزد پرویز محمود فرا گرفت.

    سرانجام در سال ۱۳۲۰ دیپلم موسیقی خود را گرفت و در سال ۱۳۲۸ با اجرای کنسرتو ویولن بتهوون به همراه ارکستر سمفونیک تهران، موفق به دریافت مدرک لیسانس خود شد.

    آغاز و پایان فعالیت حرفه‌ای حشمت سنجری

    بلافاصله پس از پایان تحصیلات دانشگاهی، حشمت سنجری به عنوان رهبر ارکستر هنرآموزان هنرستان و معلم ویولن مشغول کار شد. پس از سفر مرتضی حنانه، رهبر آن زمان ارکستر سمفونیک تهران، به ایتالیا، سنجری در سال ۱۳۳۴ به سمت رهبری این ارکستر انتخاب شد. او در سه دوره مختلف، یعنی سال‌های ۱۳۳۶–۱۳۳۴، ۱۳۵۱–۱۳۳۹ و ۱۳۶۸–۱۳۵۸، هدایت ارکستر سمفونیک تهران را برعهده داشت؛ اما بین سال‌های ۱۳۳۶ تا ۱۳۳۹ برای ادامه تحصیل به اروپا سفر کرد. او در این سفر آموزشی در شهرهای وین، بروکسل (در کلاس‌های پروفسور هانس اسواروسکی)، هیلورسوم هلند (در کلاس‌های فرانکو فرارا) و پروجا در ایتالیا دانش خود را گسترش داد و مدارک معتبر زیادی دریافت کرد. برای نمونه می‌توان به دریافت دیپلم رهبری ارکستر سمفونیک، اپرا و همچنین دیپلم آهنگسازی در سال ۱۳۳۶ از آکادمی موسیقی وین اشاره کرد.

    در سال ۱۳۵۱، سنجری رهبری ارکستر را کنار گذاشت و این مسئولیت را به فرهاد مشکات سپرد. از آن زمان تا سال ۱۳۵۷، او به عنوان مشاور وزیر فرهنگ و هنر و سرپرست تالار رودکی، چندین اپرا، باله و کنسرت با ارکستر مجلسی رادیو و تلویزیون ملی را رهبری کرد. یک سال پس از انقلاب، دوباره از او دعوت به کار شد و به مدت ۱۰ سال رهبری ارکستر سمفونیک تهران را پذیرفت؛ اما در سال ۱۳۶۸ به بیماری سختی دچار شد و پس از آن تنها به تدریس خصوصی پرداخت. در نهایت، این هنرمند برجسته در ۱۴ دی ۱۳۷۳ به دلیل بیماری دار فانی را وداع گفت.

    اگر سوالاتی دارید، مقاله چگونه بهترین آموزشگاه موسیقی را انتخاب کنیم ؟ به شما کمک خواهد کرد.

    آثار

    در انتظار دیدار تو هستم

    همراه با همه رنگ‌های زندگی

    پیروزان قاره کهن

    نغمه‌هایی از هنر ایرانی

    سرودی حماسی با آهنگ‌های پهلوانی و چکامه‌های شاهنامه

  • آشنایی با انواع نت نقطه دار در موسیقی

    آشنایی با انواع نت نقطه دار در موسیقی

    به عنوان یک موزیسین یا خواننده، احتمالاً متوجه نقطه‌های کوچکی در کنار بعضی از نت‌ها شده‌اید. اما این نقطه‌ها چه معنایی دارند؟
    در واقع، این علامت‌ها به «نت‌های نقطه‌دار» معروف هستند و یکی از موضوعات پایه‌ای و مهم در یادگیری تئوری موسیقی به شمار می‌روند.
    ما در وبلاگ آنبین هر هفته درس‌های آموزشی دربارهٔ مبانی موسیقی ارائه می‌دهیم. در این نوشته هم می‌خواهیم به طور کامل به سراغ نت‌های نقطه‌دار برویم و همه نکات مربوط به آن‌ها را با زبانی ساده برایتان توضیح دهیم.
    پس تا پایان این مطلب با ما همراه باشید.

    برای مطالعه بیشتر، به ساز سرخپوستی یا ساز پن فلوت با نوایی حزین و رویایی سری سر بزنید.

    نت نقطه دار چیست؟

    نت نقطه‌دار به نوتی گفته می‌شود که در سمت راست آن یک یا چند نقطه قرار گرفته است. این نقطه‌ها می‌توانند در کنار سکوت‌های موسیقی نیز ظاهر شوند. از نظر تئوری، تعداد این نقطه‌ها می‌تواند زیاد باشد، اما در عمل بیشتر آهنگسازان از یک تا سه نقطه استفاده می‌کنند. کار اصلی این نقطه‌ها این است که مدت زمان کشش نت را بیشتر کنند.

    برای اطلاعات بیشتر، به مقاله آیا آموزش ویولنسل یا چلو سخت است؟ مراجعه کنید.

    نت تک نقطه

    وقتی یک نقطه در کنار یک نت یا سکوت قرار می‌گیرد، باید به اندازه نصف مدت زمان آن نت یا سکوت، به طولش اضافه کنیم. برای درک بهتر، یک مثال می‌زنیم: اگر کنار نت سفید یک نقطه بگذاریم، باید معادل یک نت سیاه به آن اضافه کنیم، چون نت سیاه نصف ارزش نت سفید است. در این حالت، نت سفید نقطه‌دار به اندازه‌ی مجموع یک نت سفید و یک نت سیاه، یا به عبارتی برابر با سه نت سیاه، کشیده می‌شود.

    نت دو نقطه

    همانطور که گفتیم، گاهی اوقات ممکن است دو نقطه یا بیشتر در کنار یک نت دیده شود. وقتی با مفهوم نت یک نقطه‌ای آشنا شدید، می‌توانید نت‌هایی با تعداد نقطه‌های بیشتر را هم اجرا کنید.
    نخستین نقطه‌ای که بعد از نت می‌آید، نصف ارزش زمانی نت اصلی به آن اضافه می‌کند. دومین نقطه هم یک‌چهارم ارزش نت اصلی را بیشتر می‌کند.
    به عنوان نمونه، یک نت سفید دو نقطه‌دار را در نظر بگیرید: نقطه اول معادل یک نت سیاه و نقطه دوم معادل یک نت چنگ به ارزش آن اضافه می‌کند.

    برای گسترش دانش خود، مقاله رازهایی از زندگی شخصی بتهوون ، نابغه ناشنوا را مطالعه کنید.

  • معرفی ساز بوق | ساز محلی مردم بوشهر

    معرفی ساز بوق | ساز محلی مردم بوشهر

    هر منطقه از ایران سازهای محلی و باارزش خود را دارد که شناختشان برای علاقه‌مندان به موسیقی ضروری است. در این نوشته از وبلاگ آنبین، همراه هم به جنوب ایران می‌رویم تا با یکی از سازهای محلی استان بوشهر به نام ساز بوق آشنا شویم. اگر می‌خواهید بدانید این ساز چگونه ساخته می‌شود و چه کاربردهایی دارد، تا پایان این مطلب با ما بمانید.

    ساز بوق چه کاربردی دارد؟

    بوق یکی از قدیمی‌ترین سازهای شناخته‌شده در تاریخ بشر است. امروزه این ساز بیشتر در مناطق بوشهر و جاهایی مانند هلیله، خواجه‌ها، بندرگاه و امام‌زاده دیده می‌شود. از بوق معمولاً در مراسم مذهبی و آیین‌های سوگواری در بوشهر استفاده می‌شود. به همین دلیل، بعضی از این بوق‌ها نزد مردم از ارزش معنوی و احترام بالایی برخوردارند. در مسجد بهبهانی بوشهر یک بوق با سری نقرهای نگهداری می‌شود که ساخت کشور هندوستان است و روی آن قلم‌زنی شده است.

    بوق معمولاً همراه با سنج و دمام نواخته می‌شود و نقش اصلی را در هدایت این گروه دارد. صدای بوق بسیار بلند است و در گذشته از همین ویژگی برای اطلاع‌رسانی و دادن خبر استفاده می‌کردند، چون نیازی به بلندگو یا وسیله تقویت صدا نداشت. امروزه هم گاهی، البته به ندرت، از بوق در قطعات موسیقی ارکستری استفاده می‌کنند.

    ساختار این ساز چگونه است؟

    یک نمونه غربی شبیه به ساز بوق، نوعی ساز آفریقایی به نام ساید بلون هورن (side blown horn) است. این ساز در آفریقا از شاخ گوزن درست می‌شود، درست مانند بوق که در گذشته از شاخ گوزن یا بز کوهی ساخته می‌شد. اما امروزه برای محافظت از حیوانات و محیط زیست، بدنه این ساز را از شاخ مصنوعی می‌سازند. طول این ساز تقریباً ۸۲ سانتی‌متر است و در سرِ باریک آن سوراخی وجود دارد که نوازنده در آن می‌دمد. نوازنده با کم و زیاد کردن شدت دمیدن خود می‌تواند دو تا چهار نت مختلف تولید کند. اگرچه این ساز نمی‌تواند ملودی‌های پیچیده و گوناگون بنوازد، اما صدای خاص آن در میان سازهای کوبه‌ای جلوه‌ی زیبایی دارد و ترکیب جذابی را پدید می‌آورد.

    در اینجا می‌توانید اطلاعات کامل‌تری درباره تاریخچه نسل های موسیقی کانتری بیابید.

    برای یادگیری پیشرفته، به انواع پیکاپ های اکتیو و پسیو مراجعه کنید.

    برای اطلاعات بیشتر، به مقاله پیکاپ مگنتیک چیست ؟ مراجعه کنید.

  • ۵ روش علاقه مند کردن کودک به موسیقی

    ۵ روش علاقه مند کردن کودک به موسیقی

    موسیقی می‌تواند تأثیرات بسیار خوبی روی کودکان بگذارد؛ اما برای اینکه یک کودک موسیقی را یاد بگیرد، مهم‌ترین چیز علاقه و اشتیاق خود اوست. بسیاری از پدر و مادرها این سؤال را دارند که چطور می‌توانند این علاقه را در فرزندشان به وجود آورند. در این نوشته از وبلاگ آنبین، می‌خواهیم چند راه ساده و عملی برای جذب کودکان به موسیقی را با شما در میان بگذاریم. اگر فرزند خردسال دارید، با کمک این روش‌ها می‌توانید کمک کنید تا او بیشتر با دنیای موسیقی ارتباط برقرار کند و به آن دل ببندد.

    روش‌های علاقه مند کردن کوک به موسیقی

    1. الگوی خوبی باشید!

    همانطور که می‌دانید، در سال‌های اولیه زندگی، پدر و مادرها مهم‌ترین الگو برای بچه‌ها هستند. شما باید به کودک نشان دهید که موسیقی چقدر در زندگی شما اهمیت دارد. می‌توانید یادگیری یک ساز را شروع کنید؛ البته لازم نیست حتماً نوازنده یا خواننده‌ی ماهری باشید. اگر در طول روز ترانه‌های ساده برای فرزندتان زمزمه کنید و به موسیقی‌های مختلف گوش دهید، همین هم توجه او را به موسیقی جلب می‌کند. وقتی زندگی‌نامه‌ی موسیقی‌دانان بزرگ جهان را می‌خوانیم، می‌بینیم که بسیاری از آن‌ها در خانواده‌هایی متولد شده‌اند که به موسیقی علاقه داشته‌اند یا در این زمینه فعالیت می‌کرده‌اند.

    2. کودک را به اجراهای زنده موسیقی ببرید

    نمایش‌های موزیکال مخصوص کودکان، برنامه‌های موسیقی در مدرسه یا حتی کنسرت‌های عادی می‌توانند تأثیر زیادی در جذب بچه‌ها به دنیای موسیقی داشته باشند. در چنین فضاهایی، کودک این فرصت را پیدا می‌کند تا سازهای مختلف را از نزدیک تماشا کند، صدای هر کدام را بشنود و در همان لحظه، یک ارتباط زنده و مستقیم با موسیقی برقرار کند. به ویژه در کنسرت‌های ویژه کودکان، فرزند شما می‌بیند که هم‌سن‌وسالانش در حال نواختن ساز هستند و این صحنه برایش بسیار الهام‌بخش و مشوق خواهد بود.

    3. به فعالیت‌های موسیقی کودک علاقه نشان دهید

    یکی از روش‌های ساده برای جذب بچه‌ها به دنیای موسیقی، این است که به کارها و حرف‌هایشان در این زمینه توجه مثبت نشان دهید و آن‌ها را تشویق کنید. می‌توانید خودتان صحبت را شروع کنید و از فرزندتان بپرسید که چه آهنگی یا چه سازی را بیشتر دوست دارد. همچنین اگر فرزندتان ترانه یا آهنگ تازه‌ای یاد گرفته، از او بخواهید که آن را برای شما اجرا کند یا به شما هم یاد بدهد.

    4. تلاش او را تحسین کنید

    پدر و مادرهایی که فرزند خود را در کلاس موسیقی نام‌نویسی می‌کنند، معمولاً بیشتر به دنبال جلب علاقهٔ کودک به موسیقی هستند. چرا که روند یادگیری ساز، مدت‌زمان زیادی طول می‌کشد و نیازمند شکیبایی و حوصلهٔ بچه است.

    برای این که کودک در میانهٔ راه خسته و ناامید نشود، باید کارهای کوچک و تلاش‌هایش را مورد توجه قرار دهید و از او قدردانی کنید. در آغاز یادگیری هر سازی، معمولاً سختی‌هایی وجود دارد و ممکن است صداهای ناخوشایندی از ساز شنیده شود؛ اما در همین شرایط هم باید کودک را تشویق کنید و برای پیشرفت‌های کوچکش ارزش قائل شوید.

    5. اسباب‌بازی‌های موزیکال بخرید

    به جای اینکه فرزندتان را مستقیماً به کلاس موسیقی بفرستید، می‌توانید با خریدن اسباب‌بازی‌های صدادار، او را به دنیای موسیقی علاقه‌مند کنید. بیشتر این اسباب‌بازی‌ها قابلیت پخش صدا دارند و به کودک کمک می‌کنند تا ریتم‌ها و آهنگ‌های گوناگونی را تجربه کند. اگر دنبال راه کم‌هزینه‌تری هستید، می‌توانید با کمی خلاقیت در خانه یک ساز ساده درست کنید و از این کار لذت ببرید؛ مثلاً با چند نی یک فلوت و با یک سطل یک درام بسازید.

  • کوچک ترین سازهای دنیا + عکس

    کوچک ترین سازهای دنیا + عکس

    معمولاً هر وسیله‌ای که برای نواختن موسیقی ساخته می‌شود، باید اندازه‌های مشخصی داشته باشد تا صدای درست و استانداردی تولید کند. اما بعضی از سازندگان، گاهی از این قاعده پیروی نمی‌کنند و سازهایی بسیار بزرگ یا بسیار کوچک می‌سازند تا نامشان در کتاب رکوردهای جهانی ثبت شود.هدف از ساختن این سازهای غیرمعمول، فقط تولید موسیقی نیست؛ حتی برخی از آن‌ها اصلاً قابلیت نواختن ندارند. در واقع این سازها بیشتر برای نمایش هنر و مهارت سازنده ساخته می‌شوند تا رکوردی در جهان به نام خود بزنند.پیش از این در وبلاگ آنبین، بزرگ‌ترین سازهای جهان را معرفی کردیم (برای مطالعه اینجا کلیک کنید). حالا در این نوشته، می‌خواهیم شما را با کوچک‌ترین سازهای دنیا آشنا کنیم.

    توصیه می‌شود به مطالعه مقاله محبوب ترین سازهای سنتی ایرانی کدامند ؟ ادامه دهید.

    در این مقاله ۱۰ ساز محبوب غربی را بشناسید! اطلاعات مفیدی آمده است.

    ۱. کوچک ترین پیانوی دنیا

    همه ما پیانو را سازی حجیم و سنگین می‌دانیم؛ اما شرکت سگا تویز این باور را تغییر داد. این شرکت در سال ۲۰۰۶ پیانویی ساخت که تنها ۲.۴ کیلو وزن داشت. این پیانوی کوچک دارای ۸۸ کلید با ضخامت ۴ میلی‌متر است و قادر است به صورت خودکار بیش از ۱۰۰ آهنگ مختلف را اجرا کند.

    ۲. ریزجثه ترین ساکسیفون دنیا

    کوچک‌ترین ساز ساکسیفون در جهان، تقریباً ۳۰ سانتی‌متر طول دارد. این ساز کوچک در گروه سازهای پیکولو جای می‌گیرد. پیکولو در واقع نوعی فلوت کوچک است که صدای آن یک اکتاو از فلوت معمولی زیرتر و بالاتر است.

    ۳. کوچک ترین ساز دهنی دنیا

    کوچک‌ترین سازدهنی دنیا که به آن «خانم کوچولو» می‌گویند، توسط شرکت هونر ساخته شده است. این ساز مینیاتوری فقط ۵٫۸ سانتیمتر درازا و ۱٫۴ سانتیمتر پهنا دارد و از این نظر در میان کوچک‌ترین سازهای جهان جای می‌گیرد. نکته جالب این است که این هارمونیکای کوچک دقیقاً مانند یک سازدهنی مخصوص کودکان عمل می‌کند و می‌توان با آن یک اکتاو کامل، یعنی ۸ نت مختلف را نواخت.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه جایگاه مهم موسیقی در دوران هخامنشیان.

    ۴. کوچک‌ ترین گیتار دنیا

    هارولد کریگهد و داستین کار، دو استاد دانشگاه کرنل در رشته فیزیک کاربردی و مهندسی، موفق شدند یک گیتار بسیار کوچک بسازند که اندازه‌اش تقریباً به اندازه یک سلول خونی و حدود ۱۰ میکرومتر است. هر کدام از شش سیم این گیتار تنها ۵۰ نانومتر پهنا دارد. این ساز را می‌توان با استفاده از نور لیزر نواخت و بدون شک می‌توان گفت که این گیتار، هم کوچکترین و هم احتمالاً گرانترین گیتار در سراسر جهان است.

    اطلاعات جامع‌تری در مورد این موضوع را در آیا پهلوان آواز ایران را می شناسید؟ پیدا کنید.

    ۵. ریز ترین ویولن دنیا

    در دنیای ویولن، رقابت برای ساختن کوچک‌ترین ساز بسیار جدی است. یک ویولنساز چینی، ویولنی ساخته که تنها ۹.۹ میلی‌متر اندازه دارد و ساخت آن هفت سال زمان برده است. این ویولن کوچک می‌تواند صدا تولید کند، اما نواختن آن کار آسانی نیست. این سازنده چینی پیش از این نیز دو ویولن دیگر با اندازه‌های ۱.۹ و ۳.۴ سانتی‌متر ساخته بود.

    برای یادگیری پیشرفته، به پدر پیانوی ایران کیست ؟ مراجعه کنید.

    یکی دیگر از کسانی که در این رقابت شرکت دارد، میخائیل ماسلوک است. او ویولنی به طول ۸.۸ میلی‌متر ساخته بود؛ اما بعداً نیکولای سریادیستی این رکورد را شکست و ویولنی ساخت که هفده برابر کوچک‌تر از ویولن ماسلوک بود. در حال حاضر، کوچک‌ترین ویولن جهان متعلق به نیکولای سریادیستی است که اندازه‌اش فقط ۰.۴ میلی‌متر است و از پنجاه قطعه مختلف تشکیل شده است!

    برای گسترش دانش خود، به مقاله کدام انیمیشن ها بهترین موسیقی متن را داشته اند؟ سر بزنید.

    ۶. کوچک ترین ویولن سل دنیا

    اریک مایسنر که یک سازنده ساز بود، در سال ۱۹۷۳ میلادی موفق به ساخت کوچک‌ترین ویولن‌سل جهان شد. اندازه این ساز تنها ۴ سانتی‌متر است. با وجود ابعاد بسیار کوچک، این ویولن‌سل دارای تمام قسمت‌های ضروری برای نواختن است و می‌تواند صدا تولید کند.

    ۷. میکرونیوم

    در سال ۲۰۱۰، گروهی از دانشجویان دانشگاه توئنته در هلند، یک تراشه الکترونیکی ساختند که قادر بود صدای تمام سازهای یک ارکستر سمفونیک را شبیه‌سازی کند.
    این تراشه در واقع از ۱۰۰ نانوتراشه تشکیل شده که همگی روی یک قطعه کریستال سیلیکونی قرار گرفته‌اند. هر کدام از این نانوتراشه‌ها می‌توانند صداهای مربوط به ۶ نت موسیقی اصلی را تولید کنند.
    این ابزار که “میکرونیوم” نام دارد، نخستین وسیله در ابعاد نانو است که انسان می‌تواند صدای آن را بشنود؛ البته به شرطی که به یک دستگاه تقویت‌کننده صدا متصل شود.

  • کامل‌ترین بیوگرافی مهدیه محمدخانی

    کامل‌ترین بیوگرافی مهدیه محمدخانی

    مهدیه محمدخانی یکی از خوانندگان زن در عرصه موسیقی ایران است و هدایت گروه موسیقی شهنوا نیز بر عهده اوست. در این نوشته از وبلاگ آنبین، می‌خواهیم زندگی‌نامه کامل این هنرمند را با شما به اشتراک بگذاریم. علاوه بر این، در وبلاگ ما می‌توانید سرگذشت دیگر زنان هنرمند موسیقی ایران را نیز مطالعه کنید و از خواندنشان لذت ببرید.

    بیوگرافی مهدیه محمدخانی

    علاقه به موسیقی در کودکی تا شروع جدی آواز در ۲۱ سالگی

    مهدیه محمدخانی در چهاردهم آذر سال ۱۳۶۵ در تهران به دنیا آمد. او از چهارسالگی با شور و علاقه‌ای طبیعی شروع به خواندن کرد و متن تمام ترانه‌هایی را که می‌شنید، به خاطر می‌سپرد. از آن زمان، آواز به سرگرمی محبوبش تبدیل شد و در تمام سال‌های تحصیل، آن را رها نکرد. در دوران نوجوانی، این علاقه به موسیقی باعث شد تا نواختن پیانو را بیاموزد؛ اما تا ۲۱ سالگی، وقتی کسی در اطرافش بود، از خواندن خجالت می‌کشید و کسی صدای او را نشنیده بود. بالاخره در سال ۱۳۸۷، همزمان با قبولی در رشته مهندسی معماری، به شکل جدی و اصولی آموزش آواز را شروع کرد. مهدیه برای یادگیری آواز ایرانی نزد غلامرضا رضایی رفت و در همان دوره، نواختن دف را نیز آموخت.

    دیدار مهدیه محمدخانی با استاد شجریان و آموزش زیر نظر استاد

    در سال ۱۳۹۰، مهدیه محمدخانی به همراه خانواده، دوستان و استاد آوازش، غلامرضا رضایی، برای دیدن کنسرت محمدرضا شجریان به ترکیه سفر کردند.
    در آن سفر، مهدیه توانست با استاد شجریان دیدار کند و از او درخواست کرد تا پس از بازگشت به ایران، نظر خود را درباره صدایش بیان کند.
    اما استاد شجریان پیشنهاد داد که او در همانجا قطعهای را بخواند.
    مهدیه محمدخانی تعریف کرده که به دلیل هیجان و اضطراب زیاد، تنها توانست دو بیت از آخرین درسی که خوانده بود ـ‌ که در دستگاه ابوعطا بود ـ‌ اجرا کند.
    پس از شنیدن صدای او، استاد شجریان به استادش، آقای رضایی، گفت: «صدایش حال‌وهوای خوبی دارد».
    همچنین او مهدیه محمدخانی را در کارگاه خود پذیرفت و پس از بازگشت به ایران، مهدیه در کلاس‌های استاد شجریان حاضر شد.

    توصیه می‌کنیم این مطلب بیوگرافی استاد فرهنگ شریف را حتماً بخوانید.

    برای گسترش دانش خود، مقاله چه سازهایی در سبک راک مورد استفاده قرار می گیرد؟ را مطالعه کنید.

    فعالیت‌های هنری

    مهدیه محمدخانی همیشه دوست داشت همراه با جمعی از هنرمندان خانم، در داخل و خارج از کشور کنسرت اجرا کند و هنرش را در قالب برنامه‌های موسیقی اصیل ایرانی و محلی به همگان نشان دهد. به همین خاطر، گروه موسیقی «شهنوا» را بنیان گذاشت.

    یکی دیگر از کارهای هنری او، ساختن آلبوم‌های موسیقی است. او اولین آلبوم خود را با نام «دریا دل» در سال ۱۳۹۰، پس از آشنایی با مجید درخشانی، منتشر کرد. بعدها در سال‌های ۲۰۱۳ و ۲۰۱۴، در تور کنسرت‌های اروپا و استرالیا، همکاری او با مجید درخشانی ادامه پیدا کرد.

    از دیگر آلبوم‌های مهدیه محمدخانی می‌توان به «در آغوش ماه»، «تار و پود» و «یک دریچه» اشاره کرد. همچنین، او ترانه‌های تک‌ای زیادی دارد؛ مانند «شوریده»، «خوشه‌چین»، «در سکوت میهن»، «آینه در آینه»، «مهرگیاه» و «از کفم رها».

    در پایان باید گفت که این هنرمند تا به امروز در کشورهای مختلفی از جمله استرالیا، اروپا و کانادا کنسرت‌های زیادی برگزار کرده است. بیشتر این کنسرت‌ها به رهبری حمید متبسم و مجید درخشانی و با همکاری گروه موسیقی دستان و گروه موسیقی ماه انجام شده‌اند.

    توصیه می‌شود به مطالعه مقاله بیوگرافی استاد حسن کسایی ادامه دهید.

  • با ۵ تفاوت ویولن سل و کنترباس آشنا شوید!

    با ۵ تفاوت ویولن سل و کنترباس آشنا شوید!

    گروه سازهای زهی شامل چهار ساز اصلی است: ویولن، ویولا، ویولن‌سل و کنترباس. در میان این سازها، ویولن‌سل و کنترباس در نگاه اول خیلی شبیه به هم به نظر می‌رسند، اما در واقع از نظر شکل و کاربرد تفاوت‌های زیادی دارند. اگر قصد دارید یکی از این دو ساز را انتخاب کنید و هنوز مطمئن نیستید کدام برای شما مناسب‌تر است، در ادامه این مطلب همراه ما باشید. در اینجا پنج تفاوت اصلی بین ویولن‌سل و کنترباس را با هم مرور می‌کنیم.

    تفاوت ویولن سل و کنترباس چیست؟

    ۱. ویولن‌سل در یکم پنجم و کنترباس در یک‌چهارم کوک می‌شود

    مهم‌ترین فرق بین ویولن‌سل و کنترباس، نحوه کوک کردن آن‌هاست. ویولن‌سل معمولاً روی نت‌های C2، G2، D3 و A3 کوک می‌شود که فاصله بین این نت‌ها پنجم است. اما کنترباس روی نت‌های E1، A1، D2 و G2 کوک می‌شود و فاصله بین نت‌های آن چهارم می‌باشد. البته باید گفت که امکان دارد گاهی ویولن‌سل را با فاصله چهارم و کنترباس را با فاصله پنجم کوک کنند، ولی این روش چندان معمول نیست. این تفاوت در کوک باعث می‌شود محدوده صوتی این دو ساز نیز با هم متفاوت باشد؛ به این صورت که ویولن‌سل می‌تواند تا پنج اکتاو صدا تولید کند، در حالی که این محدوده برای کنترباس حدود چهار اکتاو است.

    ۲. کنترباس صدای نسبتا بم و ویولن‌سل صدای زیر‌تری دارد

    با ساز ویولنسل می‌توانید نت‌هایی از C2 تا A5 را اجرا کنید. در مقابل، ساز کنترباس قادر است نت‌های E1 تا G4 را بنوازد. به بیان دیگر، کنترباس تقریباً یک اکتاو از ویولنسل بم‌تر است. محدوده صوتی ویولنسل در دستهٔ صدای تنور قرار می‌گیرد، در حالی که کنترباس در محدودهٔ صدای باس نواخته می‌شود.

    در اینجا می‌توانید اطلاعات کامل‌تری درباره نت c در موسیقی چیست؟ بیابید.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، تفاوت های ویلون با ویلونسل را از دست ندهید.

    در اینجا می‌توانید اطلاعات کامل‌تری درباره آشنایی با ساز فلوت آلتو بیابید.

    ۳. معمولا ویولن‌سل در تک نوازی و کنترباس در صدای پس‌زمینه استفاده می‌شود

    سومین فرق بین ویولن سل و کنترباس، نحوه استفاده از آن‌ها در موسیقی است. ویولن سل صدایی گرم و رسا دارد و معمولاً به عنوان ساز تکنواز به کار می‌رود. به همین خاطر، در ارکسترها معمولاً در مرکز توجه قرار دارد. ارکسترهای سمفونیک بزرگ گاهی حتی ۸ تا ۱۲ نوازنده ویولن سل دارند.
    در مقابل، کنترباس صدایی بم‌تر و عمیق‌تر تولید می‌کند. این ساز در بسیاری از قطعات موسیقی غربی حضور دارد و اغلب به عنوان ستون و پایه‌ی گروه موسیقی شناخته می‌شود. با این حال، کمتر پیش می‌آید که کنترباس به تنهایی ملودی بنوازد یا نقش تکنواز را داشته باشد.
    با همه این تفاوت‌ها، صدای نرم و شفاف ویولن سل و صدای پرحجم و غلیظ کنترباس، در کنار هم مکمل یکدیگرند و هارمونی زیبایی می‌سازند.

    ۴. کنترباس بزرگ‌تر از ویولن‌سل است

    ویولن‌سل در زبان ایتالیایی به معنی “کنترباس کوچک” است. کنترباس، که بزرگ‌ترین ساز در گروه سازهای زهی به شمار می‌آید، ابعاد و وزنی قابل‌توجه دارد: طول آن نزدیک به ۱.۸ متر، عرض آن حدود ۶۶ سانتی‌متر و وزنش تقریباً ۱۱ کیلوگرم است. در مقابل، ویولن‌سل اندازه‌های کوچک‌تری دارد؛ طول آن حدود ۱.۵ متر، عرض آن ۴۳ سانتی‌متر و وزن آن تنها ۳.۶ کیلوگرم است.

    ۵. کنترباس ایستاده و ویولن‌سل نشسته نواخته می‌شود

    مهم‌ترین فرق بین ویولن سل و کنترباس، روش نواختن آن‌هاست. همان‌طور که گفتیم، کنترباس اندازه‌ی بزرگی دارد و سنگین است؛ به همین خاطر، نوازنده برای این که کنترل بهتری روی ساز داشته باشد و به همه‌ی نت‌ها به راحتی دسترسی پیدا کند، بهتر است در حالت ایستاده آن را بنوازد. معمولاً نوازنده‌ی کنترباس پاهایش را به اندازه‌ی عرض شانه‌هایش باز می‌کند تا بتواند ساز را در جای درستی نگه دارد. اما ویولن سل را می‌توان در حالت نشسته نواخت. نوازنده کافی است به صورت صاف روی یک صندلی بنشیند و با کمک زانوهایش، ساز را در جای خود ثابت و متعادل نگه دارد.

  • اتود در موسیقی چیست و چرا باید اتود بنوازیم؟

    اتود در موسیقی چیست و چرا باید اتود بنوازیم؟

    قطعه‌های موسیقی در شکل‌ها و سبک‌های مختلفی ساخته می‌شوند. یکی از شناخته‌شده‌ترین قطعه‌ها بین نوازندگان، به‌ویژه برای کسانی که تازه شروع کرده‌اند، اتود نام دارد. اگر کنجکاو هستید که اتود چه معنایی دارد، چه پیشینه‌ای دارد و چگونه استفاده می‌شود، پیشنهاد می‌کنیم تا پایان این نوشته با ما بمانید. علاوه بر این، در وبلاگ آنبین هر هفته مطالب تازه‌ای درباره مبانی موسیقی منتشر می‌شود که می‌توانید از آن‌ها استفاده کنید.

    اتود در موسیقی چیست؟

    اتود (Étude) در زبان فرانسوی به معنی “مطالعه” یا “تمرین” است. این قطعات موسیقی با هدف مشخصی ساخته می‌شوند: تقویت تکنیک، رفع نقاط ضعف و بالا بردن مهارت نوازنده. ایده ساخت اتودها در آغاز قرن نوزدهم و همزمان با گسترش محبوبیت ساز پیانو شکل گرفت.

    نکته کلیدی درباره اتودها این است که تمرکز اصلی آنها روی جنبه فنی است، نه لزوماً زیبایی ملودیک. بسیاری از اتودها اصلاً آهنگین نیستند و حتی ممکن است هنگام شنیدن، چندان خوشایند به گوش نرسند؛ چون هدف اصلی آنها حل مشکلات تکنیکی نوازندگان است. البته آهنگسازان دوره رمانتیک، اتودهایی خلق کرده‌اند که علاوه بر جنبه آموزشی، از زیبایی هنری نیز برخوردارند و اغلب توسط نوازندگان مطرح در برنامه‌های اجرایی استفاده می‌شوند.

    اتودهای اپوس ۲۵ شماره ۶، ۷ و ۱۰ اثر فردریک شوپن نمونه‌هایی از این قطعات زیبا و فنی هستند. با این حال، بیشتر اتودهای موجود قدیمی و مربوط به اروپای یک یا دو قرن پیش هستند و به همین دلیل، ممکن است هنرجویان ایرانی نتوانند به راحتی با آنها ارتباط برقرار کنند.

    چرا اتود نوازی برای تمام نوازنده‌ها بسیار مهم است؟

    تمرین‌های موسیقی (اتود) بر اساس سطح‌های مختلفی طراحی شده‌اند و با نواختن هر درس، مهارت نوازنده یک قدم بهتر می‌شود. به همین دلیل، باید همهٔ درس‌های کتاب اتود را بدون هیچ استثنایی یاد گرفت. نکتهٔ خوب این تمرین‌ها این است که استاندارد هستند و همهٔ نوازندگان، در هر سن و هر سطحی که باشند، می‌توانند آن‌ها را بنوازند.
    اگر نوازنده‌ها به خاطر این که بعضی اتودها تکراری یا کم‌زیبایی به نظر می‌رسند، از نواختن آن‌ها خودداری کنند، با بسیاری از تکنیک‌های مهم آشنا نمی‌شوند. اتودها در واقع مجموعه‌ای منظم و کامل از فنون نوازندگی هستند که نوازنده را برای اجرای هر قطعه‌ای آماده می‌کنند. با نواختن یک کتاب اتود، می‌توانید مطمئن باشید که مهم‌ترین مهارت‌های مربوط به ساز خود را یاد گرفته‌اید.