دسته: موسیقی

  • مهمترین پیانیست زنده در جهان

    مهمترین پیانیست زنده در جهان

    اگر بخواهیم مشهورترین نوازنده پیانو در دنیا را معرفی کنیم، بی‌تردید باید از مارتا آرگریچ یاد کنیم. در این نوشته از وبلاگ آنبین، با برجسته‌ترین پیانیست زنده جهان آشنا خواهید شد.

    مهمترین پیانیست زنده در جهان

    مارتا آرگریچ یکی از استعدادهای استثنایی و خارق‌العاده در دنیای موسیقی پیانو محسوب می‌شود. او در سن ۲۴ سالگی، در سال ۱۹۶۴، موفق به دریافت جایزه معتبر شوپن شد.
    در حال حاضر، او به عنوان برجسته‌ترین نوازنده پیانوی زنده جهان شناخته می‌شود و بلیت‌های اجراهای او در مدت زمان کوتاهی به طور کامل فروخته می‌شود. بسیاری او را در زمره بزرگترین نوازندگان پیانو در طول تاریخ می‌دانند.
    علاوه بر این، او موفق به دریافت جوایز مهم جهانی متعددی شده و مدال‌ها و عنوان‌های افتخار فراوانی را نیز به دست آورده است.

    برای گسترش دانش خود، مقاله آموزش موسیقی کودک را مطالعه کنید.

    بیوگرافی مارتا آرگریچ  (مارتا آرخریچ  )

    خانواده پدری او از سده هجدهم میلادی، از اهالی کاتالونیا در اسپانیا بودند که در شهر بوئنوس آیرس ساکن شدند. پدربزرگ و مادربزرگ مادری‌اش نیز یهودیانی مهاجر از امپراتوری روسیه بودند که در «کلونیا ویلا کلارا» در استان انتره ریوس سکنی گزیدند. این منطقه یکی از سکونتگاه‌هایی بود که بارون دو هیرش و انجمن استعمار یهود بنیان نهاده بودند.

    کودکی

    مارتا آرگریچ که از کودکی نابغه به شمار می‌آمد، یادگیری موسیقی را از دو سال و هشت ماهگی شروع کرد. روزی یکی از دوستان پنج‌ساله‌اش با ریشخند به او گفت که هرگز نمی‌تواند پیانو بنوازد. اما مارتا پس از شنیدن قطعه‌ای که معلمشان نواخته بود، همان قطعه را به درستی و بدون اشتباه اجرا کرد و همه را شگفت‌زده کرد.

    معلمش بلافاصله مادر مارتا را فراخواند و درباره استعداد خارق‌العاده دخترش با او صحبت کرد. به همین دلیل، آموزش رسمی پیانو را از سه‌سالگی برای او آغاز کردند. وقتی پنج سال داشت، نزد وینچنزو اسکاراموزا، معلم مشهور، رفت.

    او یک کودک اعجوبه بود و در هشت‌سالگی به صورت حرفه‌ای روی صحنه برنامه اجرا می‌کرد. در سال ۱۹۵۵ به اروپا سفر کرد و نزد استادان بزرگی مانند فردریش گولدا و آرتورو بندتی میکلانجلی آموزش دید.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه زایلوفون یک شروع عالی موسیقی کودک.

    در شانزده‌سالگی (سال ۱۹۵۷) در دو رقابت معتبر جهانی — مسابقه بین‌المللی موسیقی ژنو و مسابقه بین‌المللی پیانو فرروچو بوزونی — پیروز شد.

    اولین ضبط تجاری خود را در سال ۱۹۶۰ انجام داد که در آن آثار آهنگسازانی چون شوپن، برامس، راول، پروکوفیف و لیست را نواخت. این اثر پس از انتشار در سال ۱۹۶۱ با تحسین گسترده منتقدان روبرو شد.

    اطلاعات جامع‌تری در مورد این موضوع را در چگونه بهترین آموزشگاه موسیقی را انتخاب کنیم ؟ پیدا کنید.

    در سال ۱۹۶۵ نیز برنده مسابقه پیانو شوپن در ورشو شد و پس از آن در سراسر جهان به اجرای کنسرت پرداخت.

    او در طول زندگی هنری‌اش افتخارات و جوایز بسیاری کسب کرده است؛ از جمله سه جایزه گرمی (در سال‌های ۱۹۹۹، ۲۰۰۴ و ۲۰۰۵)، جایزه پریمیوم ایمپریاله از انجمن هنری ژاپن و نیز نشان طلوع خورشید از دولت ژاپن که در سال ۲۰۰۵ به او اهدا شد.

  • دلیل شباهت ربنای استاد شجریان و آواز ام کلثوم

    دلیل شباهت ربنای استاد شجریان و آواز ام کلثوم

    ربنای استاد محمدرضا شجریان با ماه مبارک رمضان پیوندی ناگسستنی دارد. هر سال با شروع این ماه، مردم ایران ناخودآگاه به یاد این اثر می‌افتند و بسیاری هنگام افطار یا در دیگر لحظات، به شنیدن آن می‌نشینند. اخیراً صحبت‌های زیادی درباره شباهت‌های ربنای استاد شجریان با آوازخوانی ام‌کلثوم، خواننده نامدار عرب، مطرح شده است. در این نوشته می‌خواهیم به این موضوع بپردازیم. با ما همراه باشید.

    برای اطلاعات بیشتر، به مقاله موسیقی، علم یا هنر؟! مراجعه کنید.

    ربنای استاد شجریان

    ربنای استاد شجریان برگزیده‌ای از چهار آیه قرآن است که از سوره‌های آل‌عمران، مؤمنون، کهف و بقره انتخاب شده‌اند. به جز آیه نخست، بقیه آیات نیز به صورت کامل خوانده نمی‌شوند. این آیات از نظر معنا به هم پیوند خورده‌اند و همگی سخن انسان با پروردگار است که در آن آمرزش، مهربانی، رحمت و شکیبایی درخواست می‌شود.

    ربنا یکی از کارهای محمدرضا شجریان است که چهار دعای قرآنی را در بر می‌گیرد و همه با کلمه «ربنا» شروع می‌شوند. این اثر در تابستان سال ۱۳۵۸ ضبط شد و برای سه دهه، بخشی ثابت از برنامه‌های رادیو و تلویزیون ایران بود.

    توصیه می‌شود به مطالعه مقاله بیوگرافی بلا ویکتور یانوش بارتوک ادامه دهید.

    برخی کوشیدند جلوگیری از پخش ربنای شجریان را به مسائل سیاسی مرتبط کنند. سال‌هاست که پخش این اثر در تلویزیون متوقف شده و با وجود خاطره‌انگیز بودن آن برای مردم و درخواست‌های مکرر هر ساله در آستانه ماه رمضان، تلویزیون همچنان بر تصمیم خود پایدار مانده است.

    توصیه می‌شود به مطالعه مقاله تاریخچه  سیاه بازی ادامه دهید.

    محمدرضا شجریان گفته است که ربنا مال او نیست، بلکه متعلق به مردم است. این اثر بخشی از زندگی و احساسات مردم شده و هیچ‌کس حق ندارد آن را از ایشان بگیرد. او به عنوان خالق این اثر نیز تأکید کرده که ربنا را هرگز از مردم دریغ نکرده است.

    پس از سال ۱۳۸۸، متأسفانه مردم امکان شنیدن صدای روح‌بخش ربنای استاد شجریان، هنرمند نامدار ایران و جهان اسلام، را از رسانه ملی از دست دادند.

    علت شباهت بخشی از ربنای شجریان با آواز ام کلثوم

    آوا مشکاتیان، که نواده استاد شجریان و فرزند پرویز مشکاتیان است، در یک پست اینستاگرامی به توضیح درباره قطعه «ربنا» پرداخت. او به شایعاتی مبنی بر شباهت این اثر با آواز ام کلثوم، خواننده نامدار مصری، پاسخ داد و همچنین درباره پخش نشدن این اثر از تلویزیون سخن گفت. مشکاتیان در صفحه خود نوشت:
    “دوست داشتم چند خطی درباره «ربنا» بنویسم. نه اینکه مطلب جدیدی باشد، بلکه شاید از این طریق کسانی که این نکات را ندیده‌اند، آنها را بخوانند.

    این روزها دوباره برخی شروع به انتشار ویدیوی قدیمی بانوی بزرگ موسیقی عرب، اُم کلثوم (از خوانندگان مورد علاقه پدربزرگم) کرده‌اند تا ادعا کنند بخشی از «ربنا» از آن اثر برداشت شده است! در حالی که اهل موسیقی می‌دانند همانطور که موسیقی ایرانی بر پایه دستگاه‌ها و مقام‌هاست، تلاوت قرآن نیز هفت مقام اصلی دارد
    { صبا – نهاوند- عجم- بیات- سه گاه- حجاز و رَست(راست) }
    و همچنین گوشه‌ها و حالت‌های بسیار زیاد. اشتراکات این مقام‌ها و حالت‌ها که از اصول اجرا هستند، باعث تکرار و شباهت می‌شود، نه اینکه کپی باشد!
    من اطلاعات عمیقی درباره قرائت قرآن ندارم، اما مطالعه کرده‌ام و کمی می‌دانم؛ «ربنا» در مقام‌های رَست (همان راست) و عَجَم اجرا شده و بخشی که بانوی بزرگ اُم کلثوم در آن ویدیو می‌خواند نیز در مقام عجم است.
    در پایان، بخشی از توضیحاتی که در ویکی‌پدیا درباره اجرای «ربنا» آمده را به این نوشته اضافه می‌کنم: محمدرضا شجریان «ربنا» را در دستگاه سه‌گاه خوانده و با مرکب‌خوانی (مدولاسیون یا تغییر مقام) به دستگاه‌ها و آوازهای دیگر ردیف موسیقی ایرانی، از جمله آواز افشاری و گوشه عراق (صبا) سری می‌زند و سپس به سه‌گاه بازمی‌گردد.”

  • میکروفن های مناسب برای ضبط صدا و ساخت استودیوی خانگی

    میکروفن های مناسب برای ضبط صدا و ساخت استودیوی خانگی

    اگر شما هم دوست دارید در منزل خود یک فضای مناسب برای ضبط صدا ایجاد کنید، این نوشته را دنبال کنید تا با انواع میکروفن‌های کاربردی برای ضبط‌های خانگی و راه‌اندازی یک استودیو کوچک آشنا شوید.

    میکروفن های مناسب برای ضبط صدا و ساخت استودیوی خانگی

    با کوچک‌تر شدن تجهیزات موسیقی، ضبط صدا در خانه نیز آسان‌تر و رایج‌تر شد. این روند به‌جایی رسید که استودیوهای خانگی پدید آمدند. در ابتدا تصور می‌شد این استودیوها فقط برای ساخت موسیقی‌های ساده و شخصی مناسب باشند، اما به مرور تبدیل به محل خلق بسیاری از آثار موفق و جهانی شدند.

    با این حال، برای دستیابی به کیفیت مناسب در ضبط صدا، به مهارت، دانش، ابزار و روش‌های خاصی نیاز است؛ به ویژه در محیط خانه. بنابراین، یکی از مهم‌ترین قدم‌ها، انتخاب درست این ابزارها و به ویژه شناخت و انتخاب میکروفن مناسب است.

    اگرچه هنوز بسیاری از متخصصان صدا در جهان بر این باورند که یک اثر حرفه‌ای باید در استودیویی حرفه‌ای ضبط شود، اما نمونه‌های فراوانی وجود دارد از آهنگ‌هایی که در خانه ساخته شده‌اند، بسیار موفق بوده‌اند و حتی جوایز معتبری را کسب کرده‌اند.

    معرفی

    در ادامه این نوشته از وبلاگ آنبین، چند مدل از این میکروفن‌ها را به شما معرفی می‌کنیم. اگر شما هم می‌خواهید صدای خود را در استودیوی خانگی‌تان با بهترین کیفیت ضبط کنید، پیشنهاد می‌کنیم تا پایان این مطلب همراه ما بمانید.

    انواع میکروفن ها

    میکروفون‌ها در شکل‌ها و مدل‌های گوناگونی تولید می‌شوند و هر نوع برای کاربرد خاصی طراحی شده است. دو نمونه از رایج‌ترین میکروفون‌ها، میکروفون داینامیک و میکروفون کاندنسر نام دارند.
    میکروفون‌های مناسب برای ضبط صدا و راه‌اندازی یک استودیو ضبط خانگی معمولاً از این دو نوع انتخاب می‌شوند.

    – میکروفون های داینمیک:

    میکروفون‌های داینامیک معمولاً برای ضبط صداهای قوی و بلند مانند گیتار الکتریک یا درامز به کار می‌روند. دلیل این انتخاب آن است که این میکروفون‌ها می‌توانند صداهای پرقدرت را بدون مشکل دریافت کنند.
    علاوه بر این، برای ضبط صدای برخی از خوانندگان، به ویژه خوانندگان مرد، اغلب استفاده از میکروفون داینامیک پیشنهاد می‌شود.
    یکی از میکروفون‌های داینامیک محبوب و مقرون‌به‌صرفه، مدل Shure SM57 است. این میکروفون به‌طور گسترده در استودیوها برای ضبط گیتار الکتریک و اسنر درام استفاده می‌شود و به عنوان یک انتخاب استاندارد برای این کار شناخته می‌شود.

    – میکروفون های کاندنسر:

    میکروفون‌های خازنی معمولاً برای ضبط صداهای خواننده و سازهای آکوستیک (بدون استفاده از پیکاپ) به کار می‌روند. همچنین این میکروفون‌ها انتخاب خوبی برای ضبط صدای درامز از فاصله بالا و به ویژه برای ضبط سنج‌ها محسوب می‌شوند.

    اگرچه تا چند سال پیش میکروفون‌های خازنی برای استودیوهای خانگی گزینه‌ای گران قیمت بودند، اما امروزه شرکت‌هایی مانند بهرینگر مدل‌های مقرون‌به‌صرفه‌ای از این میکروفون‌ها تولید کرده‌اند که تفاوت چندانی با نمونه‌های گران‌تر برندهای معروف ندارند.

    نکته مهم دیگر درباره میکروفون‌های خازنی این است که برخلاف میکروفون‌های داینامیک، به منبع تغذیه خارجی نیاز دارند. هرچند بعضی از آنها با باتری کار می‌کنند، اما بیشتر میکروفون‌های خازنی برای تأمین برق خود به سیستم «فانتوم پاور» نیاز دارند. این سیستم روی بیشتر پیش‌تقویت‌کننده‌ها و میکسرها وجود دارد.

    پس اگر قصد استفاده از میکروفون خازنی دارید، توجه داشته باشید که به یک میکسر یا پیش‌تقویت‌کننده مجهز به فانتوم پاور نیاز خواهید داشت.
     

  • روش های کاهش نشت صدا در استودیوی خانگی

    روش های کاهش نشت صدا در استودیوی خانگی

    سر و صدا شاید برای ساکنان یک خانه عادی یا قابل تحمل باشد، اما برای کسانی که قصد دارند در خانه خود یک استودیو داشته باشند، مسئله‌ای مهم و چالش‌برانگیز است. اگر می‌خواهید راه‌کارهای کم کردن نفوذ صدا را یاد بگیرید، این نوشته از وبلاگ آنبین را ادامه دهید.

    کاهش نشت صدا در استودیوی خانگی

    برای کم کردن صدایی که از بیرون به اتاق ضبط شما می‌آید، نیازی به خرید تجهیزات گران‌قیمت نیست. با استفاده از چند وسیله ساده خانه و کمی ابتکار، می‌توانید با هزینه کم، تغییر بزرگی در فضای اتاق ایجاد کنید.

    مقاله آشنایی با انواع ساز ساکسیفون منبع بسیار خوبی برای یادگیری بیشتر است.

    توصیه می‌کنیم این مطلب آشنایی با مهفوم موسیقی فولکور را حتماً بخوانید.

    نکته کلیدی در کنترل صدای ناخواسته، انتخاب محل قرارگیری استودیوی خانگی شماست. پس باید برای کاهش این صداها چاره‌ای بیندیشید.

    به عنوان مثال، فرض کنید اتاق ضبط شما، یکی از اتاق‌های خواب یک آپارتمان معمولی در مرکز شهر است. در این حالت، بیشترین صدای بیرون از طریق درها، پنجره‌ها و کانال‌های هوا وارد می‌شود. بهترین راه برای جلوگیری از نفوذ صدا از پنجره، استفاده از پنجره‌های دوجداره است.

    اگر این کار برای شما ممکن نیست، می‌توانید با پوشاندن درزهای پنجره و نصب پرده‌های ضخیم نیز تا حد زیادی از ورود صدا جلوگیری کنید. برای درها نیز بهتر است از درهای چوبی یا فلزی استفاده کنید.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، حتماً سینتی سایزر ساز تولید کننده صداهای عجیب را بخوانید.

    گزفتن درز ها

    می‌توانید با بستن درزهای در و پوشاندن راه‌های ورودی کانال‌های هوا، جلوی ورود بسیاری از صداهای مزاحم به داخل اتاق ضبط را بگیرید.
    اگر استودیوی شما در طبقه‌ای پایین‌تر قرار دارد، باید برای کاهش صدای راه‌رفتن افراد در طبقه بالا چاره‌ای بیندیشید. یا می‌توانید زمان ضبط را طوری تنظیم کنید که در آن ساعت‌ها کسی در طبقه بالا نباشد.
    به خاطر داشته باشید که این صداهای ناخواسته فقط زمانی دردسرساز می‌شوند که مشغول ضبط صدای آواز یا سازهای آکوستیکی (مانند گیتار آکوستیک) هستید که صدای ملایمی دارند. هنگام ضبط سازهای پرصداتر مانند گیتار الکتریک یا درامز، معمولاً وجود این صداهای محیطی مشکل خاصی ایجاد نمی‌کند.
    وسایل خنک‌کننده مانند کولرهای آبی، فن‌کوئل‌ها و پنکه‌ها نیز از منابع تولید سر و صدای ناخواسته هستند که بهتر است هنگام ضبط خاموش باشند. یخچال‌ها هم امواج صوتی با فرکانس پایین تولید می‌کنند و بهتر است از اتاق ضبط خارج شوند.
     

  • نت شاهد چیست ؟

    نت شاهد چیست ؟

    در موسیقی ایرانی، نت شاهد همان نتی است که در یک ملودی بیش از بقیهٔ نت‌ها شنیده می‌شود. این نت، نقطهٔ کانونی و مرکزی ملودی به شمار می‌رود و در واقع، کل آهنگ حول این نت حرکت و گسترش پیدا می‌کند. برای مطالعهٔ بیشتر در این زمینه می‌توانید به وبلاگ آنبین مراجعه کنید.

    نت شاهد چیست

    نت شاهد یک ایده مهم در موسیقی دستگاهی است. قبل از اینکه مقام به دستگاه تغییر کند، اصطلاح «نت شاهد» استفاده نمی‌شد. با این حال، در موسیقی مقامی هم گاهی یک نت کارکردی مشابه نت شاهد داشت.

    اگر سوالاتی دارید، مقاله تفاوت سنتور یک مهر و دو مهر چیست؟ کدام بهتر است؟ به شما کمک خواهد کرد.

    به طور مشخص، گروه‌هایی از سه نت یا بیشتر تعریف می‌شدند که به آنها «جمع» می‌گفتند. در هر یک از این گروه‌ها، تمرکز اصلی روی یک نت خاص بود و حرکت ملودی حول آن انجام می‌شد. به این نت، «نغمه مفروضه» گفته می‌شد که گمان می‌رود کارکردی نزدیک به تعریف امروزی نت شاهد داشته باشد.

    در این مقاله مشکل تعدد مهر های ساز چیست؟ اطلاعات مفیدی آمده است.

    در این مقاله آشنایی با استاد احمد عبادی، مبدع روش کوک نوین برای سه‌تار اطلاعات مفیدی آمده است.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، مصاحبه آموزشگاه الهام با سینا صالحی، مدرس ویولن را از دست ندهید.

    نت شاهد در موسیقی ایرانی

    در موسیقی ایرانی، هشت نت پشت سر هم قرار می‌گیرند تا یک مقام را بسازند. نت هشتم، تکرار همان نت اول است اما در محدوده‌ای بالاتر که فرکانس آن دو برابر نت اول می‌شود. از میان این هشت نت، بعضی از آن‌ها اهمیت ویژه‌ای دارند و در آهنگ‌ها و ملودی‌ها بسیار به کار می‌روند. یکی از این نت‌های مهم، “نت شاهد” نام دارد.

    همان‌طور که از نامش پیداست، نت شاهد مانند شاهد و محور اصلی ملودی است. یعنی هسته و مرکزیت آهنگ حول این نت می‌چرخد. به عنوان نمونه، در گوشه حسینی، درجه پنجم بیات نقش محوری دارد؛ یعنی ملودی بیشتر اطراف این نت حرکت می‌کند و ما آن را بیش از بقیه نت‌ها می‌شنویم.

    نت شاهد، نتی است که در هر دستگاه یا آواز بیش از همه استفاده می‌شود و در ایجاد حس و حال خاص آن دستگاه نیز سهم بسیار زیادی دارد. معمولاً بیشتر گوشه‌ها با نت شاهد آغاز شده و با همان نیز پایان می‌یابند.

    در موسیقی غربی به این نت، درجه اول گام گفته می‌شود. یک نوازنده خوب کسی است که این نت را در هر دستگاه به درستی بشناسد و در جای مناسب از آن بهره ببرد.

    اطلاعات جامع‌تری در مورد این موضوع را در گلنوش خالقی، آغازگر رشتهٔ رهبری موسیقی بانوان در ایران پیدا کنید.

    نت های اطراف نت شاهد

    نت‌هایی که در مجاورت نت شاهد قرار می‌گیرند، به سمت آن کشش دارند و هر چه به این نت نزدیک‌تر شوند، این جذب و میل شدیدتر می‌شود. می‌توان گفت نت شاهد مانند یک آهنربا عمل می‌کند و نت‌های اطراف را به سوی خود می‌کشد.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه آهنگ های ساده برای نواختن گیتار.

    از سوی دیگر، نت شاهد در گوشه‌های مختلف یک دستگاه موسیقی ایرانی می‌تواند متفاوت باشد، حتی اگر گام آن‌ها یکی باشد. در ردیف موسیقی ایرانی، معمولاً گوشه‌ها بر اساس جایگاه نت شاهدشان از بم به زیر مرتب می‌شوند. برای نمونه، در دستگاه ماهور، درآمد بر پایهٔ نت پایه متمرکز است.

    سپس نت شاهد به درجه دوم منتقل می‌شود و گوشه‌های گوناگونی حول آن شکل می‌گیرد. پس از آن، نت شاهد به درجه سوم می‌رود که حالتی ناپایدار دارد، اما سپس به درجه چهارم حرکت می‌کند و گوشهٔ حصار پدید می‌آید. این جابجایی و شکل‌گیری گوشه‌های جدید در درجات بالاتر نیز ادامه پیدا می‌کند.

  • بیوگرافی کارن همایونفر

    بیوگرافی کارن همایونفر

    اگر هنگام تماشای پایان فیلم‌ها به اسامی سازندگان توجه کرده باشید، حتماً نام کارن همایونفر را دیده‌اید. او از چهره‌های شناخته‌شده در عرصهٔ ساخت موسیقی است. در ادامه، با این هنرمند توانا بیشتر آشنا خواهیم شد.

    برای درک عمیق‌تر این موضوع، مطلب آشنایی با اصطلاح تحول مقام به دستگاه را بخوانید.

    اگر سوالاتی دارید، مقاله مهارت خود را در نوازندگی پیانو بالا ببرید به شما کمک خواهد کرد.

    بیوگرافی کارن همایونفر

    کارن همایونفر در سال ۱۳۴۷ در تهران به دنیا آمد. او یک موسیقیدان و آهنگساز بسیار معروف است. کارن همایونفر تا به حال سه بار سیمرغ بلورین بهترین موسیقی متن را از جشنواره فیلم فجر دریافت کرده و همچنین پنج بار در جشن سینمای ایران، تندیس بهترین موسیقی را به دست آورده است.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، بیوگرافی احمد ابراهیمی ،ردیف‌دان و مدرس آواز را از دست ندهید.

    زندگینامه :

    کارن از هفت سالگی نواختن پیانو و یادگیری مبانی موسیقی را در خانواده‌اش آغاز کرد. او پس از پایان دبیرستان، برای ادامه تحصیل در رشته موسیقی ابتدا به انگلستان و سپس به ترکیه رفت.
    در انگلستان، در مدرسه موسیقی «بیلکنت» ثبت‌نام کرد و پس از آن، تحصیلات پیشرفته خود را در کنسرواتوار موسیقی «هاجِد تپه» آنکارا پی گرفت.
    در طول این سال‌ها، او همچنین به شکل خصوصی نزد استادان برجسته موسیقی کلاسیک ترکیه مانند «حیکمَت شیمشَک»، «کمال اَروغلو» و «انور توفان» آموزش دید و به یادگیری هارمونی، کنترپوان، فرم و همچنین تکمیل مهارت‌های نوازندگی پیانو پرداخت. همایونفر از سال ۱۳۷۳ تاکنون در زمینه ساخت موسیقی فیلم فعالیت دارد.

    برای درک عمیق‌تر این موضوع، مطلب پیتر سلیمانی پور را بیشتر بشناسید را بخوانید.

    آلبوم ها

    ایشان در سال ۱۳۹۰ آلبومی با عنوان «سرانجام» منتشر کردند که دربرگیرنده ساخته‌های ایشان برای موسیقی فیلم‌هایی مانند جرم، خاک آشنا، زادبوم، گزارش یک جشن، سوت پایان، قصه پریا، یکی از ما دو نفر و چند اثر دیگر است. سپس در سال ۱۳۹۲ آلبوم «گذشته، حال استمراری» را ارائه دادند که شامل موسیقی متن سریال‌های سفر سبز و حلقه سبز و همچنین فیلم‌های سلطان، آکواریوم، برف روی کاج‌ها، پل چوبی و … می‌باشد. این آلبوم توسط «موسسه آوا خورشید» منتشر شده است.

    برای اطلاعات بیشتر، به مقاله  راه های تقویت صدای ساز ویلون  مراجعه کنید.

    آلبوم «خاطرات مبهم» حاصل همکاری وی با رضا یزدانی است. همچنین موسیقی آلبوم «دوستت دارم» در چهار بخش، همراه با دکلمه و شعر احمدرضا احمدی، از دیگر آثار اوست که توسط «موسسه آوای باربد» به انتشار رسیده است. او برای بیش از صد فیلم و سریال موسیقی ساخته است. همایونفر همچنین موسیقی فیلم‌های بادیگارد و به وقت شام را به صورت مستقل و جداگانه عرضه کرده است.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه میکروفن‌ دینامیک چیست؟.

  • ماجرای نی نوازی که از ملکه انگلیس گردنبند گرفت

    ماجرای نی نوازی که از ملکه انگلیس گردنبند گرفت

    موسیقی ایران از دیرباز مورد علاقه بسیاری بوده است. این محبوبیت را حتی در روایتی تاریخی میان یک ملکه انگلیسی و یک نوازنده ایرانی می‌توان مشاهده کرد. اما داستان آن نوازنده نی که از ملکه انگلستان هدیه‌ای گران‌قدر دریافت کرد، چیست؟ برای آگاهی از جزئیات این روایت جالب، ادامه مطلب را در وبلاگ آموزشگاه موسیقی الهام مطالعه کنید.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، حتماً استفاده از ساز دیجیریدو در علم پزشکی را بخوانید.

    اگر سوالاتی دارید، مقاله گلپا ،پیشرو معرفی آواز و موسیقی ایرانی در سطح جهان به شما کمک خواهد کرد.

    ماجرای نی نوازی که از ملکه انگلیس گردنبند گرفت چه بود

    ناصرالدین‌شاه قاجار در سفر خود به انگلیس، نوازنده‌ی ماهری به نام نایب اسدالله اصفهانی را همراه برد. هدف او این بود که هم از نوای ساز او لذت ببرد و هم هنر ایرانی را به چشم اروپایی‌ها بیاورد. وقتی شاه به انگلیس رسید و با ملکه ویکتوریا دیدار کرد، در لندن جشنواره‌ای موسیقی در جریان بود. ملکه، شاه ایران را به این جشنواره دعوت کرد.

    مقاله ساز عجیب حلزونی حاوی اطلاعات جامعی است.

    در آن مراسم، ارکسترهای گوناگون و نوازندگان بسیار skilled اروپایی، چنان برنامه‌های جذابی اجرا کردند که ناصرالدین‌شاه را شگفت‌زده کردند. اما پس از پایان برنامه‌ها، شاه از ملکه درخواست کرد تا به نوازنده‌ی همراهش نیز فرصتی برای اجرا بدهد. سپس از استاد نایب اسدالله خواست تا نی بنوازد.

    نایب نی را از جیبش بیرون آورد و شروع به نواختن کرد. صدای ساز او چنان زیبا و گیرا بود که همه‌ی حاضران را مبهوت خود ساخت. حتی ملکه ویکتوریا نیز چنان تحت تأثیر این نوای دلنشین قرار گرفت که بدون فکر، گردنبند خود را از گردن باز کرد و آن را به گردن نایب انداخت. سپس رو به جمعیت گفت: “باید اعتراف کرد این مرد ایرانی با چوبی خشک که بیش از چند سوراخ در آن دیده نمی‌شود چنان غوغایی کرد که تمامی سازهای پیشرفته امروزی را منهدم ساخت”.

    بیوگرافی نایب اسد الله اصفهانی

    نایب اسدالله اصفهانی، پسر نایب حسین خان، استاد نامدار و نوازنده نی در میانه‌های دوره قاجار بود. بسیاری از استادان بزرگ مانند مرحوم حسن کسائی، با یک واسطه، شاگرد او محسوب می‌شوند. او در سال ۱۲۳۱ خورشیدی در شهر کهن اصفهان از مادری هنردوست به نام صاحب جم به دنیا آمد و دل‌های شیفتگان موسیقی اصفهان را برای همیشه اسیر نوای خود کرد. این هنرمند توانا، سال‌های کودکی و نوجوانی را نزد پدرش (نایب حسین خان) و استاد آقاباشی که هر دو از نوازندگان بنام نی بودند، سپری کرد و این ساز را آموخت و در زمانی کوتاه به مهارت چشمگیری دست یافت.

    نایب اسدالله، نوازنده مورد علاقه ناصرالدین شاه قاجار نیز بود. شاه به همه نوازندگان دربارش لقب «عمله طرب» می‌داد؛ ولی تنها نایب اسدالله بود که او را با احترام «آقا» صدا می‌کرد. نایب، پدیدآورنده گوشه موسیقی معروف به «بغدادی نایب» است و مشهور است که هرگاه نی را بر لب می‌گذاشت و نواختن را آغاز می‌کرد، گویی همه چیز به حرکت درمی‌آمد و هر شنونده‌ای، از انسان تا جانوران، محو و مجذوب نوای او می‌شد.

    تاریخ درگذشت این استاد بزرگ به طور دقیق ثبت نشده، اما بر سنگ مزار او در تخت فولاد اصفهان، سال ۱۳۰۴ هجری شمسی نوشته شده است.

  • آشنایی با متد آموزش ویولن به سبک سوزوکی

    آشنایی با متد آموزش ویولن به سبک سوزوکی

    دکتر شینیچی سوزوکی (۱۹۹۸-۱۸۹۸) یک نوازنده و مدرس ویولن اهل ژاپن بود. او بر پایه پژوهش‌های خود، شیوه‌ای تازه برای آموزش موسیقی ایجاد کرد که بنیان آن، بسیار شبیه به روش یادگیری زبان مادری است. در ادامه این نوشته از وبلاگ آموزشگاه موسیقی الهام، بیشتر با متد آموزش ویولن به سبک سوزوکی آشنا خواهید شد.

    متد آموزش ویولن به سبک سوزوکی

    روش سوزوکی یکی از شناخته‌شده‌ترین و کارآمدترین راه‌ها برای یادگیری موسیقی در جهان امروز است. این روش بر پایه اندیشه‌های شینجی سوزوکی، نوازنده چیره‌دست و نامدار ویولن، شکل گرفته است. او خود آموزش موسیقی را از دوران خردسالی و با راهنمایی یک استاد آلمانی آغاز کرد.

    این اندیشه، جرقه‌ای در ذهن سوزوکی ایجاد کرد و در نهایت به دیدگاهی تازه و فلسفه‌ای نو در روش آموزش مهارت‌ها به کودکان تبدیل شد.

    هدف اصلی او تنها یاد دادن نواختن یک ساز به کودکان نبود. او به این باور رسید که موسیقی می‌تواند نقش بی‌همتایی در کل فرآیند رشد و یادگیری کودکان ایفا کند.

     آشنایی با متد آموزش ویولن به سبک سوزوکی

    آموزش ویولن به روش سوزوکی، یک راه ویژه و شناخته‌شده در سراسر جهان برای یادگیری موسیقی است. این روش، بر پایه این ایده ساده بنا شده که کودکان زبان مادری خود را به‌راحتی و با گوش دادن و تکرار یاد می‌گیرند. درست مانند یادگیری زبان، در این متد نیز گوش دادن به موسیقی‌های زیبا و نواختن قطعات ساده، از همان ابتدا، بخش اصلی کار است.

    در این سبک، نوآموز — به ویژه کودکان — ابتدا با شنیدن و تقلید، نت‌ها و آهنگ‌ها را فرا می‌گیرند و پس از آن، خواندن نت‌های موسیقی را آموزش می‌بینند. تمرکز اصلی بر پیشرفت تدریجی، ایجاد انگیزه درونی و لذت بردن از موسیقی است. در این روش، خانواده و محیط خانه نقش بسیار مهمی دارند و پشتیبانی و همراهی والدین، کلید پیشرفت فرزند محسوب می‌شود.

    هدف نهایی این متد، تنها پرورش یک نوازنده ماهر نیست، بلکه ساختن فردی با شخصیت بهتر، با حساسیت بیشتر و با عشق به زیبایی‌ها است. در این راه، هر کودک با توانایی خودش پیش می‌رود و استعدادهایش در فضایی مثبت و تشویق‌آمیز رشد می‌کند.

    روش زبان مادری

    روش “زبان مادری” سوزوکی از شیوه‌ای که کودکان زبان یاد می‌گیرند، الهام گرفته و از همان اصول برای آموزش استفاده می‌کند.

    این اصول به شرح زیر هستند:
    – آموزش باید از سنین پایین شروع شود.
    – گوش دادن و شنیدن، بخش بسیار مهمی از این روش است.
    – باید از کودک به شیوه‌ای تشویق کرد که بر او تأثیر مثبت بگذارد.
    – پشتیبانی و همراهی والدین ضروری است.
    – تکرار مداوم لازم است تا آنچه کودک می‌شنود و می‌بیند، کاملاً در ذهن او جا بیفتد.
    – یادگیری همراه با دیگر کودکان و مشارکت در جمع، از ویژگی‌های این روش است.

    سوزوکی باور داشت همان‌طور که کودکان زبان مادری خود را به راحتی و در زمان کوتاهی یاد می‌گیرند، می‌توانند موسیقی را نیز از کودکی، مانند یک زبان و با تعامل با دیگران بیاموزند.
    او این قابلیت را “توان‌پروری” نامید؛ به این معنا که استعداد موسیقی ذاتی نیست، بلکه می‌توان آن را مانند زبان مادری در هر فردی پرورش داد.

    اهداف روش سوزوکی

    هدف‌های او این بود که همه جنبه‌های وجود کودک را پرورش دهد، استعدادهای لازم برای یادگیری را شکوفا کند و با همراهی پدر و مادرها در یک محیط آموزشی مناسب، بچه‌ها را به انسان‌های شاد و سالم تبدیل کند.

    سوزوکی در این روش قصد ندارد که یک هنرمند بزرگ و مشهور بسازد. بلکه می‌خواهد به همه کودکان کمک کند تا شادی و لذت نهفته در موسیقی را بچشند و درک کنند.

    روش شینیچی سوزوکی به بسیاری از کودکان امکان می‌دهد تا موسیقی را در سطحی عالی و با کیفیت بالا بنوازند. شمار زیادی از شاگردانی که با این روش آموزش دیده‌اند، به نوازندگان حرفه‌ای و بسیار توانمندی تبدیل شده‌اند.

    با این حال، هدف اصلی، تربیت نوازندگان حرفه‌ای نیست. بلکه تأکید اصلی در سرتاسر این روش، بر رشد همه‌جانبه کودک و پرورش او از راه آموزش موسیقی است.

    دکتر سوزوکی همیشه می‌گفت: همان طور که کودکان اول می‌شنوند و حرف زدن را یاد می‌گیرند و بعد سراغ خواندن و نوشتن می‌روند، در این روش نیز کودکان ابتدا مهارت شنیدن و تکنیک نواختن ساز خود را تقویت می‌کنند و پس از آن، شروع به یادگیری نت‌خوانی و شناخت فرم‌های اصلی موسیقی می‌نمایند.

    فلسفه آموزشی

    سوزوکی نام دستاورد خود را فلسفه گذاشت. او اعتقاد داشت هر معلمی باید با تکیه بر این فلسفه، اما با سبک و شیوهٔ شخصی خودش، موسیقی را آموزش دهد.

    پس از معرفی این روش و به کارگیری آن، به دلیل نتایج بسیار خوب و حتی تأثیر مثبت آن روی افراد با توانایی‌های محدود یا معلولیت‌ها، همه را متعجب کرد. سوزوکی روش خود را جایگزینی بسیار مناسب برای شیوهٔ قدیمی ارف دانست.

    امروزه در جهان و کشورهای پیشرفته، این روش به طور گسترده‌ای استفاده می‌شود. هر سال میلیون‌ها کودک نه تنها برای یادگیری موسیقی، بلکه برای افزایش اعتماد به نفس، تقویت مهارت کار گروهی و پرورش ذهن خلاق، از این روش بهره می‌برند.

    متد سوزوکی در آموزش موسیقی

    مادر از همان ابتدا با فرزندش حرف می‌زند. لبخند و محبت او در هنگام صحبت کردن، به رشد توانایی زبانی کودک کمک می‌کند.
    مادر هرگز با نوزادش با خشونت صحبت نمی‌کند و وقتی کودک هنوز نمی‌تواند حرف بزند، از او خشمگین نمی‌شود.
    کودکان با بازی کردن با همسالانشان، کلمات تازه‌ای یاد می‌گیرند و تشویق می‌شوند تا مهارت‌های خود را بیشتر کنند.
    تکرار و تمرین روزانه، کودک را برای پیشرفت آماده می‌کند تا کم‌کم در زبان مادری خود توانا شود.

    عناصر مهم رویکرد سوزوکی به آموزش موسیقی

    شروع یادگیری از سنین پایین (۳ تا ۴ سال در بیشتر کشورها معمول است)
    تأثیر مهم گوش دادن به موسیقی
    یادگیری نواختن ساز پیش از یادگیری نت‌خوانی
    همراهی و مشارکت والدین
    فضای آموزشی و تربیتی سازنده و تشویق‌کننده
    کیفیت بالای آموزش توسط مربیان مجرب و تحصیل‌کرده
    توجه به تولید صدای زیبا و سالم از ساز، به شیوه‌ای هماهنگ و طبیعی
    ارزیابی مستمر که توسط هنرجویان متد سوزوکی در جهان انجام می‌شود
    ارتباط و تعامل با دیگر کودکان: هنرجویان سوزوکی از همه جای دنیا می‌توانند به زبان موسیقی با یکدیگر ارتباط برقرار کنند

    در نتیجه، در روش سوزوکی، آموزش موسیقی کاری خسته‌کننده و دشوار نیست و کودک با اشتیاق شخصی خود مسیر یادگیری را طی می‌کند.
    این روش همچنین به شکوفایی استعدادهای پنهان کودک کمک می‌کند و یکی از دلایل تسلط هنرجو بر موسیقی در این متد، همین شیوهٔ آموزشی است.
    آموزشگاه الهام نیز برای افزایش علاقه و بازدهی در فرآیند یادگیری، از روش آموزشی سوزوکی در تدریس ویولن استفاده می‌کند.
     

  • مرصع خوانی چیست ؟

    مرصع خوانی چیست ؟

    مرصع‌خوانی در موسیقی ایرانی، هنری است که دو روش بداهه‌خوانی و مرکب‌خوانی را با هم ترکیب می‌کند. این سبک نشان می‌دهد که خواننده، شناخت ژرفی از فرهنگ غنی موسیقی ایران دارد. این شناخت شامل آگاهی از ردیف‌های گوناگون سازی و آوازی، شیوه‌ی به‌کارگیری گوشه‌ها و همچنین استفاده از تحریرها و نغمه‌های ویژه‌ی ساز و آواز است. در ادامه‌ی این نوشته در وبلاگ آنبین، بیشتر با این شیوه‌ی خوانندگی آشنا خواهید شد.

    مرصع خوانی چیست ؟

    مرصع خوانی به آوازی گفته می‌شود که در آن، شعر و موسیقی به شکلی هماهنگ و هم‌وزن در کنار هم قرار گیرند. توجه داشته باشید که این سبک با مرکب خوانی متفاوت است. مرکب خوانی به اجرای یک آواز در چند دستگاه یا مقام مختلف اشاره دارد، در حالی که مرصع خوانی به آوازی گفته می‌شود که در آن شعر، تحریرها و مقام آواز با دقت و ظرافت کامل انتخاب شده باشند.

    در صورت علاقه‌مندی، مطلب آشنایی با اصطلاحات پایه ای و اصلی موسیقی را از دست ندهید.

    در واقع می‌توان گفت که مرصع خوانی کاری است که هر کسی از عهده‌ی آن برنمی‌آید و به سال‌ها زمان و تمرین نیاز دارد تا توانایی اجرای آن به دست آید.

    برای اطلاعات بیشتر، به مقاله نت سفید و نت سیاه چیست؟ مراجعه کنید.

    برای گسترش دانش خود، به مقاله تاریخچه آموزش موسیقی کودک در جهان سر بزنید.

    بدون شک اگر در مرکب خوانی، اصول مرصع خوانی نیز رعایت شود، لطف و زیبایی و تأثیر کار خواننده بسیار بیشتر خواهد شد.

    یکی از مشهورترین خوانندگان سبک مرصع خوانی

    یکی از سرشناس‌ترین خوانندگان این سبک «رامبد صدیف» هستند و در کنار ایشان، آقای جلیل شهناز نیز نمونه‌ای دیگر از نوازندگان برجسته به شمار می‌روند.
    در آواز سنتی ایرانی، اصطلاح «مرصع‌خوانی» چندان رایج نیست و همان‌طور که پیش‌تر اشاره شد، هر خواننده‌ای توانایی اجرای آن را ندارد. البته این بیشتر بحثی درباره واژه‌ها و تعابیر است.
    واژه مرصع در زمینه‌هایی مانند صنایع دستی یا حتی آشپزی نیز به کار می‌رود. در واقع می‌توان مرصع‌خوانی را آوازی دانست که در آن شعر و موسیقی به شکلی زیبا و متعادل درهم تنیده شده‌اند و هم‌وزن و هماهنگ هستند. آوازی که در آن شعر، تحریر و مقام آواز با دقت و آگاهی کامل انتخاب شده باشد.
    از نمونه‌های قدیمی این سبک می‌توان به برخی از آوازهای زنده‌یاد تاج اصفهانی اشاره کرد. انتخاب شعر مناسب، فضای ملودیک گوشه آواز، تحریر درست و به‌جا، بیان واضح شعر و ویژگی‌هایی از این دست، از دیگر مشخصه‌های آواز مرصع به شمار می‌روند.

  • سوالات رایج در مورد سیم سنتور و زمان تعویض آن

    سوالات رایج در مورد سیم سنتور و زمان تعویض آن

    سنتور یک ساز اصیل و پرطرفدار ایرانی است که در گروه سازهای زهی جای دارد. بسیاری از نوازندگان درباره روش صحیح مراقبت از سنتور و همچنین زمان و شیوه تعویض سیم‌های آن پرسش‌هایی دارند. در این نوشته از وبلاگ آنبین، به پرسش‌های متداول درباره سیم سنتور و زمان مناسب برای تعویض آن پاسخ داده شده است. با ما همراه باشید.

    برای یادگیری پیشرفته، به آشنایی با ساز ترومبون،تاریخچه و کاربرد آن مراجعه کنید.

    برای گسترش دانش خود، مقاله تاریخچه نسل های موسیقی کانتری را مطالعه کنید.

    برای درک عمیق‌تر این موضوع، مطلب انواع پیکاپ های اکتیو و پسیو را بخوانید.

    سوالات رایج در مورد سیم سنتور و زمان تعویض آن

    چه زمانی باید سیم های سنتور را تعویض کرد؟

    تمام سازها به مراقبت نیاز دارند و این موضوع برای سازهایی که سیم‌هایشان نقش اصلی در تولید صدا را دارد نیز صادق است. بنابراین لازم است بهترین زمان برای تعویض سیم‌های ساز را بشناسید تا از بروز مشکل در کیفیت صدای ساز جلوگیری شود.

    زمان تعویض سیم‌ها به عوامل مختلفی بستگی دارد؛ مانند مدت زمان تمرین روزانه، فشار دست نوازنده، کیفیت سیم، میزان رطوبت هوا و موارد دیگر. معمولاً پس از مدتی استفاده، سیم‌ها دچار مشکلاتی مانند زنگ‌زدگی، فرسودگی در محل تماس با پرده‌ها (بر اثر انگشت‌گذاری)، ناپایداری در کوک، ایجاد صدای اضافی یا صدای ناخوشایند می‌شوند که در این صورت باید تعویض شوند.

    اگر هنرجویان و نوازندگان سنتور به شکل معمولی و غیرحرفه‌ای از ساز خود استفاده می‌کنند، بهتر است هر دو سال یکبار سیم‌ها را تعویض کنند. اما نوازندگان حرفه‌ای که استفاده‌ی بیشتر و فشرده‌تری از ساز دارند، بسته به شرایط ساز و سیم‌ها، باید هر ۴ ماه تا یک سال نسبت به تعویض سیم‌ها اقدام کنند.

    برای گسترش دانش خود، به مقاله بهترین سن برای شروع موسیقی سر بزنید.

    آیا حتما باید سیم های سنتور را تعویض کرد؟

    وقتی که مشغول نواختن سنتور هستید، با دقت به ساز توجه کنید. خواهید دید که سیم‌ها در محل شیطانک و خرک، تحت فشار بسیار زیادی قرار دارند. به خاطر همین فشار زیاد و همچنین اصطکاک فلز با فلز در این نقاط، سیم‌های سنتور به مرور زمان فرسوده و خراب می‌شوند.

    برای درک عمیق‌تر این موضوع، مطلب معرفی ساز تار را بخوانید.

    برای مطالعه بیشتر، به با پدر سمفونی جهان آشنا شوید سری سر بزنید.

    در اثر این فشارهای مداوم، سیم‌ها رفته‌رفته ساییده شده و شکل اصلی خود را از دست می‌دهند. این فرسودگی و تغییر شکل سیم‌ها می‌تواند باعث شود که سنتور به خوبی کوک نشود یا نتوان کوک مناسبی برای آن پیدا کرد.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، بهترین آموزشگاه هنگ درام در شرق تهران را از دست ندهید.

    برای گسترش دانش خود، مقاله با یانی ،موسیقدان زنده جهان آشنا شوید را مطالعه کنید.

    علت سیاه شدن سیم‌های سنتور

    سیم‌های سنتور در برابر رطوبت هوا دچار اکسید شدن و تغییر رنگ می‌شوند. اما گاهی پیش می‌آید که دو سنتور در شرایط یکسان قرار بگیرند، ولی سیم‌های یکی از آن‌ها تیره‌تر و سیاه‌تر شود.
    این اتفاق به دلیل جابجایی الکترون‌ها بین مواد سازنده چوب و سیم رخ می‌دهد. برای تمیز کردن سیم‌ها می‌توان از سمباده نرم استفاده کرد.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، حتماً پیکاپ مگنتیک چیست ؟ را بخوانید.

    نحوه تعویض سیم سنتور:

    – حدود ۸۰ سانتی‌متر نخ قرقره را به دور گوشی می‌پیچیم. برای محکم شدن، می‌توانید آن را گره بزنید، کمی خیس کنید یا از مقدار کمی چسب استفاده کنید. این کار را در جهت مخالف حرکت عقربه‌های ساعت انجام دهید.

    – حدود ۱۲۰ سانتی‌متر از سیم را جدا کنید. دو سر آن را به شکل زنجیر به هم بتابانید. برای این کار، حدود ۵ سانتی‌متر از سر سیم را روی قسمت طولانی‌تر قرار دهید تا یک حلقه ایجاد شود. حلقه را با انگشت شست و اشاره نگه دارید و با دست دیگر شروع به پیچاندن سیم کنید. دقت کنید که سیم‌ها به صورت بافته‌شده و منظم دور هم پیچیده شوند، نه اینکه فقط یکی دور دیگری بپیچد.

    برای اطمینان از محکم بودن گره، بعد از درست کردن آن، دو طرف سیم را بکشید تا مطمئن شوید در حین نواختن باز نمی‌شود. همچنین توجه داشته باشید که هر جفت سیم در تار باید از یک قرقرهٔ جداگانه باشد.

    – سر حلقه‌ای سیم که گره‌اش ضعیف‌تر به نظر می‌رسد را به نخ قرقره گره بزنید. سر دیگر را که گره‌اش محکم‌تر و منظم‌تر است، در سیم‌گیر قرار دهید. سپس گوشی را در جهت مخالف عقربه‌های ساعت بچرخانید و همزمان با دست دیگر سیم را بکشید تا محکم و کشیده دور گوشی بسته شود. این کار مانع از شل شدن یا پیچ‌خوردن سیم روی گوشی می‌شود.

    اگر سوالاتی دارید، مقاله آشنایی با ساز کوبه ای تانگ درام یا هپی درام به شما کمک خواهد کرد.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه تاثیر انتخاب موسیقی مناسب برای ورزش.

    برای گسترش دانش خود، مقاله سازی عجیب با نام فلوت بینی را مطالعه کنید.

    در دورهای آخر بستن سیم، دقت کنید که سیم در راستای شیار شیطانک قرار گیرد تا از روی گوشی تا شیطانک کاملاً صاف و مستقیم بسته شود.