دسته: آموزش های هنری

  • انواع سازهای زهی از نظر شیوهٔ نواختن

    انواع سازهای زهی از نظر شیوهٔ نواختن

    در نوشته‌های پیشین به سازهای زهی و ساختار آنها پرداختیم. با این حال، سازهای زهی خود به دسته‌های مختلفی تقسیم می‌شوند. در این بخش از وبلاگ آنبین، قصد داریم انواع سازهای زهی را از نظر روش نواختن معرفی کنیم. امیدواریم تا پایان این مطلب با ما همراه بمانید.

    انواع سازهای زهی از نظر شیوهٔ نواختن

    زهی‌ها، سازهای زهی هستند که با زخمه زدن به سیم‌هایشان نواخته می‌شوند.
    زهی‌ها، سازهای زهی هستند که با کشیدن آرشه روی سیم‌هایشان نواخته می‌شوند.
    زهی‌ها، سازهای زهی هستند که با ضربه زدن روی سیم‌هایشان نواخته می‌شوند.

    ۱-  زهی زخمه‌ای

    این سازها به گونه‌ای نواخته می‌شوند که با کشیدن یا ضربه زدن انگشت یا مضراب روی بخشی که صدا ایجاد می‌کند، صوت تولید می‌شود.
    بسیاری از سازهای زهی که با ضربه یا کشیدن نواخته می‌شوند، در دسته‌ی سازهای بربط‌گونه قرار می‌گیرند. برخی از آن‌ها عبارتند از:

    گیتار،
    گیتار بیس،
    سی‌تار،
    بالالایکا،
    بانجو،
    ماندولین.

    در اینجا می‌توانید اطلاعات کامل‌تری درباره آشنایی با ساز صندلی، کاخون یا کاخن بیابید.

    در کنار این سازها، گاهی در سازهای آرشه‌ای نیز به جای استفاده از آرشه، سیم‌ها با انگشت اشاره کشیده یا ضربه می‌خورند. به این شیوه، نواختن به روش زخمه‌ای یا پیتزیکاتو گفته می‌شود.
    در برخی موارد، از ناخن برای ضربه زدن به سیم استفاده می‌شود که به آن پیتزیکاتوی ناخنی می‌گویند.
    همچنین نوعی دیگر از اجرای زخمه‌ای وجود دارد که در آن سیم با نیرو به سمت بالا کشیده می‌شود و هنگام رها شدن به دسته‌ی ساز برخورد می‌کند. این روش را پیتزیکاتوی شلاقی یا پیتزیکاتوی بارتوک می‌نامند.
    نوع دیگری از زخمه نیز با انگشتان دست چپ اجرا می‌شود و به آن زخمه‌ی دست چپ گفته می‌شود.
    سرش زخمه‌ای هم روشی است که در آن هم‌زمان با زخمه‌زدن دست راست، دست چپ روی دسته‌ی ساز به سمت بالا یا پایین حرکت می‌کند.

    ۲ –  آرشه ای یا کمانه ای:

    • ویولن:

      این ساز کوچک‌ترین عضو در خانواده خود است و صدای آن از همه زیرتر می‌باشد. نواختن آن نیازمند مهارت و دقت است.
      از آنجا که کوک کردن ویولن باید با حساسیت زیادی انجام شود و برای جلوگیری از ناصافی صدا، دقت بالایی لازم است، بهتر است آموزش آن از سال‌های کودکی آغاز گردد.
      ویولن را روی شانه چپ می‌گذارند و با آرشه‌ای که در دست راست گرفته می‌شود، می‌نوازند. ویولن به دو گونه ساخته می‌شود.

      برای گسترش دانش خود، مقاله خواص درمانی کاسه تبتی را مطالعه کنید.

      ویولن آکوستیک

    • ویولن الکتریک

    • ویولا

      این ساز از خانواده ویولن و در گروه سازهای آرشه‌ای جای می‌گیرد. صدای آن نسبت به ویولن، پایین‌تر و بم‌تر است. به همین دلیل، سیم‌های آن کلفت‌تر و سنگین‌تر است و آرشه آن نیز وزن بیشتری دارد.

      ویولنسن

      از نظر ساختاری بسیار شبیه به ویولن و ویولا است. اصلی‌ترین تفاوت آن در اندازه بزرگ‌تر و وزن بیشتر آن است. این ساز صدایی غنی و دلنشین دارد و معمولاً در موسیقی کلاسیک و جاز به کار می‌رود.

      کمانچه

      این ساز یکی از کهن‌ترین و اصیل‌ترین سازهایی است که با آرشه نواخته می‌شود و در طول زمان از ساز رباب تکامل یافته است. شکل اصلی آن یک کاسه گرد و توخالی است که قلب و بخش مرکزی ساز به شمار می‌رود.

      ۳- سازهای زهی ضربه ای یا کوبه ای

      در این سازها، نوازنده با کوبیدن یا ضربه زدن بر روی سیم‌ها، صدا تولید می‌کند.

      سنتور

      از شناخته‌شده‌ترین و خوش‌آهنگ‌ترین سازهای کوبه‌ای، سازی است که دو چوب نازک مخصوص دارد. نوازنده با زدن این چوب‌ها بر سیم‌های ساز، صدای زیبای آن را پدید می‌آورد.

      پیانو

      این ساز با فشردن کلیدهایش صدا ایجاد می‌کند. گستره صدایی آن نزدیک به هفت اکتاو است که در مقایسه با سازهای معمول، وسیع‌ترین محدوده صوتی را دارد و همچنین جعبه صوتی بسیار بزرگی در آن به کار رفته است.

      رباب

      این ساز یکی از سازهای قدیمی و بومی نواحی شمال شرق ایران است. نوعی ساز زهی به شمار می‌رود که با ضربه نواخته می‌شود. ساختمان آن از چهار بخش اصلی تشکیل شده: سر، شکم، سینه و دسته.
      ویژگی متمایز رباب در نحوه قرارگیری پرده‌ها روی دسته آن است که آن را از سایر سازها جدا می‌کند. این ساز در مجموع دارای سه جفت سیم می‌باشد.

      این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه معرفی ساز دهل.

  • مراحل کوک کردن سنتور

    مراحل کوک کردن سنتور

    در نوشته پیشین، روش‌های کوک سنتور در دستگاه‌های گوناگون را بر اساس نت‌ها مرور کردیم. در این بخش از وبلاگ آنبین، قصد داریم گام‌های کوک کردن سنتور را به ترتیب و به صورت مرحله‌ای به شما بیاموزیم. بنابراین خواهشمندیم تا پایان این مطلب همراه ما بمانید.

    مراحل کوک کردن سنتور

    برای تنظیم ساز سنتور، به یک کوک‌کننده نیاز دارید. این کوک‌کننده می‌تواند یک دستگاه الکترونیکی مخصوص یا یک برنامه روی تلفن همراه شما باشد. همچنین لازم است یک آچار مخصوص کوک داشته باشید تا با آن گوشی‌های سنتور را بچرخانید و صدای آن را دقیق کنید. این آچار معمولاً هنگام خرید سنتور در اختیار شما قرار می‌گیرد.

    نحوه استفاده از آچار کوک و تیونر

    تیونر وسیله‌ای است که به شما کمک می‌کند سیم‌های ساز خود را دقیق کوک کنید. این دستگاه فرکانس هر سیم را اندازه می‌گیرد و نشان می‌دهد که آیا نت آن درست است یا خیر. شما می‌توانید از یک تیونر فیزیکی یا نرم‌افزار مخصوص آن روی تلفن همراه استفاده کنید. پس از روشن کردن تیونر، باید فرکانس مورد نظر خود را انتخاب کنید. معمولاً فرکانس استاندارد برای کوک، ۴۴۰ هرتز است و بیشتر تیونرها به طور پیش‌فرض روی این عدد تنظیم هستند. البته بعضی از نوازندگان ترجیح می‌دهند ساز را با فرکانس‌های کمی بالاتر یا پایین‌تر کوک کنند.

    آچار کوک یک ابزار فلزی مخصوص برای تنظیم گوشی‌های سنتور است. در یک سر این آچار، حفره‌ای وجود دارد که دقیقاً روی گوشی سنتور قرار می‌گیرد. باید آچار را طوری روی گوشی بگذارید که کاملاً در جای خود ثابت شود تا بتوانید به راحتی و با چرخاندن آچار، گوشی را بچرخانید و سیم را کوک کنید.

    شروع کوک کردن ساز در خرک اول

    تیونر را روشن کنید و آن را در مجاورت ساز بگذارید.
    آچار کوک را روی گوشی‌های مربوط به سیم‌های سفید ردیف اول خرک قرار دهید. از پایین‌ترین گوشی شروع کنید.
    با پشت مضراب به سیمی که آچار کوک روی گوشی آن است ضربه بزنید تا صدای سیم توسط تیونر شناسایی شود.
    به نشانه روی تیونر دقت کنید. اگر نت‌های پایین‌تر از می (مثل ر یا دو) نشان داده شد، گوشی را به آرامی در جهتی بچرخانید که سیم سفت‌تر شود تا به نت می کرن برسد. اگر نت‌های بالاتر از می کرن (مثل فا یا سل) نمایش داده شد، گوشی را در جهت شل شدن سیم بچرخانید.
    علامت نت می در تیونر حرف E است. اما نت‌های کرن معمولاً روی تیونر نشان داده نمی‌شوند. برای کوک کردن نت می کرن، ابتدا سیم را روی می بمل (Eb) تنظیم کنید، سپس آن را کمی بیشتر سفت کنید تا نشانگر روی عدد ۵۰+ در کنار Eb قرار گیرد. این حالت، همان نت می کرن است.
    هر چهار سیم سفید ردیف اول خرک را به همین ترتیب روی نت می کرن کوک کنید.
    سیم‌های زرد ردیف اول خرک نیز دقیقاً مانند سیم‌های سفید روی نت می کرن کوک می‌شوند، با این تفاوت که باید یک اکتاو بم‌تر کوک شوند. برای تشخیص اکتاو، معمولاً یک عدد کنار نت نمایش داده می‌شود. برای سیم‌های سفید این عدد ۴ و برای سیم‌های زرد عدد ۳ است که نشان‌دهنده بم‌تر بودن به اندازه یک اکتاو است.

    کوک کردن سیم های پشت خرک

    سیم‌های سفیدرنگی که پشت خرک قرار دارند، با جابجا کردن خود خرک کوک می‌شوند. خرک را به نرمی و به چپ یا راست حرکت دهید تا صدای این سیم‌ها دقیق و درست شود. این کار را خیلی آهسته انجام دهید، چون حتی جابجایی کوچک خرک هم روی کوک سیم‌های پشت آن اثر می‌گذارد.

    معمولاً اگر صدای سیم پشت خرک با صدای سیم سفید اصلی یکی نباشد، لازم است خرک را جابجا کنید. به طور مثال، برای کوک ساز در دستگاه شور، معمولاً خرک سیم‌های بخش چهارم را کمی به سمت راست حرکت می‌دهند.

    پس از یک بار تنظیم درست خرک، معمولاً دیگر نیاز به تغییر آن نیست، مگر اینکه بخواهید ساز را برای دستگاه یا مقام دیگری کوک کنید.

    برای بقیه خرک‌ها و سیم‌های دیگر هم همین روش را دنبال کنید تا ساز در دستگاه مورد نظر شما کوک شود.

    نکات مهم هنگام کوک کردن سنتور:
    آچار کوک را آرام بچرخانید تا سیم‌ها بیش از حد سفت نشوند؛ چون ممکن است پاره شوند.
    هنگام کوک کردن، دست و صورت خود را نزدیک سیم‌ها نگیرید تا در صورت پاره شدن سیم، آسیبی نبینید.
    اگر سیم‌های ساز کهنه هستند، قبل از کوک کردن، آن‌ها را تعویض کنید.
    ساز را در جای خیلی سرد یا خیلی گرم قرار ندهید، چون این کار باعث می‌شود ساز از کوک خارج شود.

  • شش نکته مهم برای یک تنظیم بهتر

    شش نکته مهم برای یک تنظیم بهتر

    تنظیم موسیقی یک کار فنی و تخصصی است. تنظیم‌کننده با دانش و هنر خود، قطعه موسیقی را جذاب‌تر و کامل‌تر می‌کند. اگر شما هم دوست دارید در این زمینه به صورت حرفه‌ای کار کنید، پیشنهاد می‌کنیم ادامه این نوشته را در وبلاگ آنبین بخوانید. در این مطلب، شش نکته کلیدی برای تنظیم بهتر موسیقی را برایتان جمع‌آوری کرده‌ایم. با ما بمانید.

    اگر سوالاتی دارید، مقاله کوک استاندارد گیتار چیست؟ به شما کمک خواهد کرد.

    توصیه می‌کنیم حتماً مقاله تاریخچه گرامافون را مطالعه کنید.

    شش نکته مهم  برای یک تنظیم بهتر

    یک اصل تجربی در موسیقی می‌گوید: هرچه زمان بیشتری را برای آماده‌سازی پیش از شروع ضبط صرف کنید، نتیجه نهایی کارتان کیفیت بالاتری خواهد داشت.
    این موضوع درباره مرحله تنظیم موزیک نیز کاملاً صادق است.
    تنظیم، یکی از مهم‌ترین توانایی‌های یک تهیه‌کننده موسیقی برای ارتقای یک قطعه است، چون بر همه چیز اثر می‌گذارد؛ از میکس نهایی آهنگ گرفته تا چگونگی تحقق ایده‌ای که در ابتدا الهام‌بخش شما بوده است. در ادامه، شش راهکار کلیدی برای تنظیم بهتر را با شما در میان می‌گذاریم:

    برای اطلاعات بیشتر، به مقاله آشنایی با موسیقی جنوبی (بندری) مراجعه کنید.

    برای گسترش دانش خود، به مقاله چرا گیتار از کوک خارج می شود؟ سر بزنید.

    توصیه می‌کنیم این مطلب چه سازهایی در موسیقی جاز نواخته می‌شوند؟ را حتماً بخوانید.

    برای مطالعه بیشتر، به بیوگرافی علی مولایی سری سر بزنید.

    ۱ – یک تنظیم خوب تنظیمی است که در آن آهنگ خیلی زود تمام شود.

    این بدان معناست که طولانی بودن آهنگ می تواند باعث خستگی و دلسردی شنونده شود بنابر این بهتراست به جای این که یک ثانیه به آن اضافه کنید تا آهنگ طولانی تری داشته باشید، آهنگ را با یک ثانیه زودتر تمام کنید.

    مطمئناً دوست دارید شنونده‌تان بارها آهنگ شما را گوش دهد و نمی‌خواهید با پخش بیش از حد، از آن خسته شود.
    پس قطعات خود را کوتاه‌تر، ساده‌تر و منسجم‌تر بسازید.

    مقاله آیا جنس چوب گیتار بر صدای ساز تاثیر می گذارد؟ حاوی اطلاعات جامعی است.

    ۲-  به موسیقی های دیگر مراجعه کنید. این کار می تواند کمک شایانی به شما کند.

    ۳ – از سطوح مختلف شدت صدا برای حرکت بین بخش‌های آهنگ استفاده کنید.
    عبور از یک بخش کنترل‌شده و آرام به یک بخش پرشور و قوی، تأثیر بسیار بیشتری دارد تا اینکه همه چیز از همان ابتدا بلند و پرحجم باشد. رعایت این تغییرات در شدت صدا، تنظیم قطعه شما را جذاب‌تر خواهد کرد.
    تغییر حجم صدا بین بخش اصلی (verse) و بخش تکرارشونده (chorus) یکی از ساده‌ترین و در عین حال طبیعی‌ترین روش‌ها برای ایجاد هیجان و حرکت بیشتر در موسیقی است.
    به طور معمول، بخش‌های تکرارشونده (chorus) بلندتر و پرانرژی‌تر از بخش‌های اصلی (verse) اجرا می‌شوند.
    درامرها می‌توانند در بخش اصلی با ضربه‌های کناری روی سنج اسنیر بنوازند و در بخش تکرارشونده، ضربه‌های کامل و محکمی به اسنیر وارد کنند.
    گیتاریست‌ها می‌توانند در بخش تکرارشونده ریتم‌های قوی و تمام‌آکورد بزنند و در بخش اصلی به نواختن آرپژ یا ملودی‌های ظریف بپردازند. نوازندگان کیبورد نیز می‌توانند در بخش تکرارشونده نت‌های بیشتری در هر آکورد جای دهند.
    روش‌های بسیار زیادی برای ایجاد این تغییرات در شدت صدا وجود دارد که اغلب با افزودن یا تغییر سازها در بخش‌های مختلف آهنگ انجام می‌شود.

    برای گسترش دانش خود، به مقاله مسابقه یلدایی آنبین سر بزنید.

    ۴ – از ریسک کردن نترسید و ریسک کنید این باعث می شود که چیز های جدید را امتحان کنید و در حق خودتان لطف خواهید کرد.

    این ریسک می تواند طراحی صدا برای انتقال، روش جدید استفاده از سینتی سایزر یا یک افکت باشد. … شاید این تنها راه برای تازه و جالب نگه داشتن تنظیمات تان نباشد، ولی راهی برای ایجاد انگیزه ؛ درگیر شدن و به چالش کشیدن شما درطی روند نوشتن است.

    ۵- تکرار می‌تواند روشی دیگر برای بهتر کردن نوشته‌هایتان باشد، پس از آن به سود خود بهره ببرید.
    به یاد داشته باشید که با تکرار کافی، هر چیزی می‌تواند به ملودی یا درون‌مایه اصلی یک آهنگ تبدیل شود.
    تکرار یکی از نیرومندترین، ساده‌ترین و در عین حال کمتر به کار گرفته‌شده‌ترین ابزارها در ساختن موسیقی است. تا جایی که می‌توانید یک بخش را تکرار کنید.
    بهتر است این تکرار را با تغییر کوچکی یا با سازهای گوناگون انجام دهید.
    این کار باعث پدید آمدن نوعی تکرار به سبک پرسش و پاسخ می‌شود.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، حتماً زندگی کوتاه جرج گرشوین ،پیانیست مشهور آمریکایی را بخوانید.

    ۶- آهنگ شما برای شنونده علاوه بر جذابیت باید انگیزه بارها گوش کردن را ایجاد کند ؛ در نظر گرفتن رویداد های مقطعی برای علاقه مند نگه داشتن شنونده و ایجاد لحظات خاص  ؛ حس بهتر و خاطره انگیز در طول تنظیم ضروری است.

    این رویداد ها می توانند وکال چاپ های یک دفعه ای، اجرای خشن درام، تاخیر رنجیره ای در صداگذاری و… باشد.

    در نظر داشته باشید که گزینه ها بی پایان هستند. چیزی را پیدا کنید که مناسب آهنگتان باشد و به جزئیات آن توجه ویژه ای داشته باشید.

    یک تنظیم موفق، تنظیمی است که راه خودش را برود تا مفهوم آهنگ شما بهتر دیده و شنیده شود.
    ممکن است مجبور شوید چندین بار آن را اصلاح و دوباره‌سازی کنید تا به نتیجه درست برسید. این تکرار و تمرین، می‌تواند نتایج بسیار خوب و ارزشمندی برای کار شما داشته باشد.
    با این حال، اگر هدفتان ساده‌سازی و خلوت‌کردن تنظیم باشد، راه درستی را انتخاب کرده‌اید. رسیدن به یک تنظیم مناسب نیاز به تمرین و مهم‌تر از آن، ساختن آهنگ‌های متعدد دارد. این کار به شما کمک می‌کند تا به حس درونی خود اعتماد کنید و با سرعت و اطمینان بیشتری پیش بروید.

  • چرا دانستن گام ها در آواز مهم هستند؟

    چرا دانستن گام ها در آواز مهم هستند؟

    برای موفق شدن در هر کاری، ابتدا باید اصول و پایه‌های آن را یاد بگیرید. خوانندگی هم مانند هر مهارت دیگری نیاز به آموزش دارد و لازم است قواعد آن را به خوبی بشناسید و بفهمید. در این قسمت از وبلاگ آنبین، قصد داریم به این سوال پاسخ دهیم که چرا یادگیری گام‌ها در آواز اهمیت دارد؟! پس تا پایان این نوشته با ما همراه باشید.

    چرا دانستن گام ها در آواز مهم هستند؟

    گام‌ها در موسیقی، پایه و اساس تن و رنگ صوتی هستند و این دو مفهوم به هم پیوسته‌اند و جدا از هم معنی ندارند. این ارتباط در تقریباً همه سبک‌های موسیقی دیده می‌شود. پس اگر شناخت خوبی از گام‌ها پیدا کنید و توانایی خود را در این زمینه افزایش دهید، می‌توانید آهنگ‌های مختلف را با تن و رنگ درست و دقیق بنوازید.

    توصیه می‌کنیم حتماً مقاله سبک موسیقی مینیمال به چه سبکی گفته می شود؟ را مطالعه کنید.

    برای درک عمیق‌تر این موضوع، مطلب ژانر موسیقی به چه معناست ؟ را بخوانید.

    نکته : تفاوت گام و تونالیته

    گام به مجموعه‌ای از صداها یا نت‌های پشت سر هم گفته می‌شود که به ترتیب و پیاپی در محدوده یک اکتاو قرار می‌گیرند. به بیان دیگر، گام مانند یک ردیف منظم از صداهاست که از یک نت مشخص شروع می‌شود و با طی کردن قدم‌های متوالی و منظم، به نت هشتم (اکتاو) می‌رسد. به عنوان نمونه، گام دو باید از نت دو آغاز شود و با پیمودن درجات پشت سرهم و منظم، در پایان به نت دو در اکتاو بعدی برسد.

    تفاوت گام و تونالیته

    اما مایه یا تنالیته از این قاعده پیروی نمی‌کند و به مجموعه‌ی منظم یا نامنظم نواهای یک گام گفته می‌شود. در نتیجه، هر آهنگ در یک مایه یا تنالیته‌ی معین ساخته می‌شود؛ برای نمونه، مایه‌ی دو، مایه‌ی لا و مانند این‌ها.

    تنالیه دو

    اساتید آواز در همه جای دنیا با هم توافق دارند که تمرین گام‌های موسیقی می‌تواند به شکل‌های زیر برای مهارت خوانندگیتان مفید باشد:

    – محدوده صوتی شما را به میزان زیادی گسترش می‌دهد
    – کیفیت و وضوح صدایتان را بهبود می‌بخشد
    – قدرت تشخیص و شنوایی موسیقایی شما را تقویت می‌کند
    – به شما کمک می‌کند هنگام خواندن، زیر و بم صدا را دقیق رعایت کنید
    – کنترل تنفس شما را به شکل چشمگیری افزایش می‌دهد
    – دانش شما را درباره مبانی موسیقی برای ساختن ملودی و ترانه گسترش می‌دهد

    در اینجا می‌توانید اطلاعات کامل‌تری درباره بیوگرافی منوچهر چشم آذر بیابید.

    پس اگر می‌خواهید در خوانندگی پیشرفت کنید، ابتدا شناخت خود از گام‌ها را بیشتر کنید و با تمرین مداوم، این دانش را عملی کنید تا توانایی‌هایتان رشد کند.

    آموزش آواز در آنبین

    اگر به دنبال یادگیری اصولی خوانندگی و انجام تمرین‌های درست هستید، آنبین با بهره‌گیری از بهترین مدرسان آواز می‌تواند با آموزش صحیح و تمرین‌های مناسب، به بهتر شدن صدای شما و کیفیت اجرایتان کمک کند و تا رسیدن به موفقیت، همراه شما باشد.

  • موسیقی می تواند اعتماد به نفس شما را تقویت کند!

    موسیقی می تواند اعتماد به نفس شما را تقویت کند!

    یادگیری موسیقی فواید بسیار زیادی دارد که در نوشته‌های قبلی هم به آن‌ها اشاره کرده‌ایم. یکی از نکات مهمی که هنگام یادگیری موسیقی می‌توانید روی آن کار کنید، افزایش اعتماد به نفس است. در این نوشته از وبلاگ آنبین می‌خواهیم ارتباط بین موسیقی و اعتماد به نفس را با هم مرور کنیم.

    موسیقی می تواند اعتماد به نفس شما را تقویت کند

    موسیقی می‌تواند قدرت خلاقیت و هوش را افزایش دهد. به همین خاطر، پژوهشگران به خانواده‌ها پیشنهاد می‌کنند که از سنین پایین، فرزندانشان را با موسیقی همراه کنند.
    علاوه بر این، مطالعات نشان داده‌اند که موسیقی می‌تواند اثرات درمانی روی برخی بیماری‌ها مانند پارکینسون، اسکیزوفرنی و آلزایمر داشته باشد.
    امروزه با نگاه علمی به نقش موسیقی در بهبود بیماری‌ها، شاخه‌ای مستقل به نام موسیقی‌درمانی شکل گرفته و به عنوان روشی تکمیلی در کنار درمان‌های معمول پزشکی استفاده می‌شود.
    یادگیری موسیقی فایده مهم دیگری نیز دارد: کمک به رشد اعتماد به نفس در افراد.

    موسیقی و اعتماد به نفس

    همان‌طور که در هر کار تازه‌ای، به محض آشنا شدن با روش انجام آن، اعتماد به نفس شما بیشتر می‌شود، در مورد نواختن سازهای موسیقی هم همین اتفاق می‌افتد.
    هر چقدر در یادگیری موسیقی جلوتر بروید و شناخت و تسلط شما بر ساز بیشتر شود، به طور طبیعی به توانایی‌های خود ایمان بیشتری پیدا خواهید کرد. کسانی که به این مرحله می‌رسند، درمی‌یابند که هر زمان اراده کنند، می‌توانند به تنهایی مهارتشان را افزایش دهند و روزبه‌روز بهتر شوند.

    نواختن ساز در محیط عمومی

    نواختن ساز در جمع، به شما کمک می‌کند تا هنگام نمایش توانایی‌های خود در فضاهای غیردرسی و حتی در موقعیت‌های آزمون و سنجش، آرامش و اطمینان بیشتری داشته باشید.

    علاوه بر این، یادگیری موسیقی احساس رضایت و کامیابی بزرگی در شما ایجاد می‌کند. هیچ چیز مانند اجرای بدون اشکال یک قطعه دشوار، لذت‌بخش نیست. این حس پیروزی می‌تواند انگیزه‌ای برای رسیدن به موفقیت‌های بیشتر در زندگی شما شود!

  • کاخن از کجا می آید؟

    کاخن از کجا می آید؟

    کاخن یک ساز کوبه‌ای جالب است که شبیه به یک جعبه چوبی می‌باشد و نوازنده روی آن می‌نشیند و با دستانش بر روی سطح آن می‌کوبد. این ساز داستان پیدایش جالبی دارد که در این نوشته قصد داریم آن را مرور کنیم. همراه ما بمانید تا ببینیم کاخن اصلاً از کجا آمده است.

    ساز کاخن

    کاخن یک ساز محبوب و پرطرفدار است. این محبوبیت چند دلیل اصلی دارد. اول اینکه کاخن اندازه‌ای کوچک دارد و فضای زیادی را اشغال نمی‌کند. دوم اینکه جابه‌جایی آن بسیار راحت است و می‌توانید به آسانی آن را با خود ببرید. علاوه بر این، یادگیری نواختن کاخن هم ساده است؛ حتی با شناخت تنها دو صدای اصلی آن، یعنی سِنِر و بِیس، می‌توانید ریتم‌های گوناگونی را با این ساز بنوازید.

    کاخن از کجا می آید؟

    کاخن یک ساز موسیقی است که برای اولین بار در سده نوزدهم در کشور پرو دیده شد. با این حال، مدارکی وجود دارد که نشان می‌دهد این ساز حتی پیش از آن، یعنی در سده هفدهم نیز استفاده می‌شده است. در گذشته، بسیاری از بردگان آفریقایی که اجازه نداشتند درام بنوازند، از جعبه‌های میوه به عنوان ساز کوبه‌ای استفاده می‌کردند. همین جعبه‌ها به مرور به سازی تبدیل شد که امروزه آن را با نام کاخن می‌شناسیم.

    برای مطالعه بیشتر، به معرفی ساز آکاردئون ،نوستالژی موسیقی خیابانی سری سر بزنید.

    توصیه می‌شود به مطالعه مقاله بیوگرافی استاد ابوالحسن صبا ادامه دهید.

    مقاله آشنایی با استاد جواد معروفی منبع بسیار خوبی برای یادگیری بیشتر است.

    این ساز نخستین بار توسط پاکو د لوچا، گیتاریست سرشناس اسپانیایی، به رسمیت شناخته شد و او بود که شکل امروزی کاخن را به دنیا معرفی کرد. پس از این رویداد در اواخر دهه ۱۹۷۰، در دهه ۱۹۹۰ کاخن در شبکهٔ ام‌تی‌وی ظاهر شد و این حضور باعث شد تا این ساز در میان موزیسین‌ها از محبوبیت ویژه‌ای برخوردار شود.

    ساز کولک

    اگرچه این ساز امروزه بسیار پرطرفدار است، اما برخی بر این باورند که نواختن آن در حالت نشسته، از ارزش و اصالتش کم می‌کند و به همین دلیل چندان به آن علاقه‌ای ندارند.
    همین مسئله باعث شد تا یک هنرمند ایرانی، ساز کولک را طراحی و ایجاد کند. برای شناخت بیشتر ساز کولک می‌توانید روی این پیوند کلیک کنید.
    شما چه نظری درباره این ساز دارید؟

  • نکات مهمی که باید در مورد کاخن بدانید

    نکات مهمی که باید در مورد کاخن بدانید

    اگر به ساز کاخن علاقه‌مند هستید، پیش از هر تصمیمی این نوشته از وبلاگ آنبین را مطالعه کنید. در اینجا نکات کلیدی و ضروری درباره کاخن بیان شده تا بتوانید انتخابی درست‌تر و مناسب‌تر داشته باشید.

    نکات مهمی که باید در مورد کاخن بدانید

    ابعاد معمول کاخن به طور کلی ۴۸ در ۳۰ در ۳۰ سانتی‌متر است.
    این ساز بیشتر از چوب‌های چندلایه توس یا راش ساخته می‌شود.
    برای ساخت مدل‌های بسیار لوکس و گران‌قیمت کاخن، از چوب‌های محکم‌تر و بادوام‌تری استفاده می‌کنند.

    مقاله بهترین آموزشگاه آموزش هنگ ‌درام حاوی اطلاعات جامعی است.

    کاخن های متداول کدام ها هستند؟

    این ساز عموماً در دو نوع اصلی ساخته می‌شود: کاخن با سیم (String Cajon) و کاخن با تله (Snare Cajon).
    در مدل‌های کاخن سیم‌دار، معمولاً دو یا چهار سیم در داخل ساز نصب می‌شود که کیفیت صدای تله (Snare) را بهبود می‌بخشد.
    صدای این کاخن‌ها بسیار شفاف و خشک است و در اسپانیا تولید می‌شوند.
    اگر به دنبال کاخنی هستید که بتوانید با آن ریتم‌های درام‌مانند و جذاب را بنوازید، بهتر است کاخن‌های نوع Snare Cajon را در نظر بگیرید.
    این سازها به کمک سیم‌های تله‌ای که در پشت خود دارند، صدایی فوق‌العاده و پرطنین ایجاد می‌کنند.
    شرکت Sela با ایجاد تغییراتی در طراحی کاخن‌های Snare، تنوع بیشتری در این مدل‌ها به وجود آورده است.
    همچنین کاخن‌های Schlagwerk Super Agile این قابلیت را به شما می‌دهند که با تنظیم یا حتی برداشتن سیم‌های تله، صدای متفاوت و خاصی تولید کنید.
    نوع سوم، کاخن‌هایی با طراحی متفاوت هستند.
    این ویژگی باعث شده تا این مدل طرفداران کمتری داشته باشد.
    این کاخن‌ها به روش سنتی ساخته می‌شوند؛ یعنی در آن‌ها از هیچ سیم یا تله‌ای استفاده نشده و شما صدای خالص و طبیعی چوب را می‌شنوید.
    این نوع کاخن‌ها در سبک موسیقی فلامنکو از محبوبیت ویژه‌ای برخوردارند.

    انواع کوچک تر ، مناسب برای کودکان و یا قابل حمل

    در سال‌های اخیر، سازندگان کاخن اندازه کلی این ساز را کمی تغییر داده‌اند.
    این تغییر باعث شده تا کاخن‌هایی مناسب‌تر برای کودکان ساخته شود.
    همچنین، بسیاری از افراد دیگر نیز می‌توانند با این کاخن‌های کوچک‌تر به راحتی موسیقی بنوازند و جابه‌جایی آن‌ها نیز ساده‌تر از قبل شده است.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه مراحل کوک کردن سنتور.

    اطلاعات جامع‌تری در مورد این موضوع را در انواع سازهای زهی از نظر شیوهٔ نواختن پیدا کنید.

    Hybrid Cajon

    یک نوع جدید از ساز کاخن که این روزها ساخته می‌شود و نوازندگان زیادی از آن استفاده می‌کنند، کاخن‌های هیبریدی نام دارد.
    طراحی این کاخن‌ها به شکلی است که در داخل ساز، حسگرهایی نصب شده که به نیروی ضربه حساس هستند.
    شما می‌توانید این مدل کاخن را به سیستم‌های صوتی وصل کنید یا از همان حسگرها برای ضبط صدای ساز استفاده نمایید.

    اطلاعات جامع‌تری در مورد این موضوع را در پوئم سمفونی «تختی» بیانگر زندگی جهان پهلوان تختی پیدا کنید.

    در اینجا می‌توانید اطلاعات کامل‌تری درباره آشنایی با طریقه کوک کردن سیم های تار بیابید.

    اطلاعات جامع‌تری در مورد این موضوع را در تاریخچه سرود ملی ایران پیدا کنید.

    لوازم اضافه ساز کاخن

    می‌توانید از کیف‌های مخصوص استفاده کنید تا سازهای خود را به راحتی جابه‌جا کنید.
    اگر در حال نواختن ساز دیگری با دست‌هایتان هستید یا می‌خواهید صدای استثنایی‌تری از کاخن خود بگیرید، پدال‌های کاخن گزینه مناسبی هستند.
    همچنین می‌توانید از ابزارهایی مانند هک‌استیک وان و کاخن کوباسا بهره ببرید.
    این وسایل به آسانی به کاخن شما وصل می‌شوند و به شما امکان می‌دهند صدای فوق‌العاده‌ای از ساز خود ایجاد کنید.
    برس‌های کاخن و شیکرها هم لوازم جانبی دیگری هستند که با به کارگیری آن‌ها می‌توانید صداهای جذاب و متنوعی تولید کنید.

  • بیوگرافی جیمزمارشال هندریکس

    بیوگرافی جیمزمارشال هندریکس

    جیمز مارشال هندریکس، که بیشتر با نام جیمی هندریکس شناخته می‌شود، در زمان فعالیت هنری خود و همچنین سال‌های پس از آن، الهام‌بخش بسیاری از موزیسین‌های سبک راک اند رول بود. نوآوری‌ها و سبک منحصربه‌فرد او در نواختن گیتار، راه را برای بسیاری از هنرمندان پس از خود باز کرد. در ادامه این نوشته، همراه ما باشید تا بیشتر با زندگی و آثار این موزیسین تأثیرگذار آشنا شوید.

    در این مقاله سازهای ابداعی استاد شجریان اطلاعات مفیدی آمده است.

    توصیه می‌کنیم این مطلب نانو گیتار ،کوچکترین گیتار جهان را حتماً بخوانید.

    برای مطالعه بیشتر، به کلاویه در پیانو چیست ؟ سری سر بزنید.

    برای یادگیری پیشرفته، به نخستین خواننده مرد در رادیو ملی ایران که بود؟ مراجعه کنید.

    بیوگرافی جیمزمارشال هندریکس

    جیمی هندریکس در ۲۷ نوامبر ۱۹۴۲ متولد شد. او یک نوازنده گیتار، خواننده و ترانه‌سرای آمریکایی بود.
    هندریکس نفوذ عمیقی بر موسیقی‌دانان سبک راک اند رول گذاشت. او نواختن گیتار را به تنهایی و بدون معلم یاد گرفت و اغلب با گیتار فندر استرتوکستر می‌نواخت.
    چون چپ‌دست بود، گیتار را برعکس در دست می‌گرفت.
    شهرت او ابتدا در انگلستان و سپس در سراسر جهان، پس از اجرایش در جشنواره پاپ مونتری در سال ۱۹۶۷، فراگیر شد.
    جیمی هندریکس یک موسیقیدان به‌یادماندنی است که در دوران خود استاد راک کلاسیک نامیده می‌شد.
    مهارت خارق‌العاده‌اش در نوازندگی گیتار و همینطور جست‌وجوی پیوسته‌اش برای کشف صداهای جدید، او را به یکی از درخشان‌ترین چهره‌های زمان خود تبدیل کرد.
    جیمی هندریکس که پیشروی بسیاری از تکنیک‌ها در موسیقی بود، درک مردم از سبک راک را گسترش داد و به یک اسطوره‌ی واقعی در این عرصه تبدیل شد.

    دوران سربازی اجباری و شروع یک تجربه جدید

    هندریکس اوضاع مالی خوبی نداشت. او دو بار به جرم دزدی ماشین دستگیر شده بود و با دو گزینه روبرو بود: یا دو سال به زندان برود یا به ارتش آمریکا بپیوندد.
    او خدمت در ارتش را انتخاب کرد و در تاریخ ۳۱ می ۱۹۶۱ به پایگاه فورت کمپل اعزام شد.
    در طول دوران خدمت، فرماندهانش گزارش می‌دادند که او اغلب در حین انجام وظایفش به خواب می‌رود و نیاز بود همیشه کسی مراقبش باشد.
    او در استفاده از سلاح مهارت چندانی نداشت. یکی از افسرانش حتی گفته بود: «مغزش هنگام مأموریت به جای تمرکز، مدام به گیتارش فکر می‌کرد».
    با این حال، همین دوره برای هندریکس بسیار سرنوشت‌ساز شد، زیرا در ارتش با سرباز دیگری به نام بیلی کوکس که نوازنده گیتار بیس بود آشنا شد. آنها بعدها در گروهی کوچک به نام The King Kasuals با هم همکاری کردند.
    در ۳۱ مه ۱۹۶۲، فرماندهان به این نتیجه رسیدند که هندریکس بهتر است ارتش را ترک کند، چون مشکلات زیادی ایجاد کرده بود. هندریکس نیز موافقت کرد و پس از تنها یک سال خدمت، از ارتش خارج شد.
    هندریکس بعدها تعریف کرد که دلیل ترکش از ارتش، شکستگی قوزک پایش در حین فرود از بیست و ششمین پرش با چتر نجات بود.
    او گفت که اصلاً خدمت در ارتش را دوست نداشت و با روش‌ها و قوانین آنجا کنار نمی‌آمد.

     “Hey Joe”

    این ترانه در سال ۱۹۶۷ به عنوان اولین تک‌آهنگ و آغاز فعالیت رسمی جیمی هندریکس در عرصه موسیقی منتشر شد.
    این اثر در انگلستان با استقبال گسترده‌ای روبرو شد و پس از آن، ترانه‌های معروفی مانند «Purple Haze» و «The Wind Cries Mary» نیز به بازار آمد.
    هندریکس با استعداد چشمگیرش در نوازندگی گیتار و صدای متمایزش، خیلی زود توانست توجه شمار زیادی از شنوندگان را جلب کند.
    در ژوئن ۱۹۶۷، او با اجرای خارق‌العاده‌اش در جشنواره مونتری پاپ، جایزه بهترین موسیقی آمریکا را از نگاه هواداران از آن خود کرد.

    این موضوع را بهتر بشناسید با مطالعه اعلام نتیجه مسابقه یلدایی آنبین.

    مرگ

    در هجدهم سپتامبر سال ۱۹۷۰، جسد جیمی هندریکس در زیرزمین هتل سمرقند کشف شد.
    مرگ او در نتیجه مصرف زیاد مشروبات الکلی و همچنین بلعیدن تعداد زیادی قرص خواب‌آور رخ داد. او در آن حالت دچار استفراغ شد و به دلیل بیهوشی و ناتوانی در واکنش، بر اثر خفگی ناشی از استفراغ جان خود را از دست داد.

    در مورد مرگ هندریکس حدس‌وگمان‌های مختلفی وجود دارد. دوست‌دخترش که در زمان مرگ در کنار او بود، ادعا کرده است که وقتی هندریکس را به آمبولانس منتقل کردند هنوز زنده بوده است.
    اما پرسنل بیمارستان اعلام کردند که او پیش از رسیدن آمبولانس به بیمارستان فوت کرده بود.
    برخی نیز معتقدند که هندریکس در آن زمان زنده بود، اما امدادگران سر او را به درستی ثابت نگه نداشتند و همین باعث خفگی او بر اثر استفراغ در حالت بیهوشی شد.
    همچنین شعری غم‌انگیز در آپارتمان شخصی او پیدا شد که خودش نوشته بود و این موضوع باعث شد برخی احتمال خودکشی او را مطرح کنند.

    به نظر محتمل‌ترین توضیح این است که او در حالت مستی، مقدار زیادی قرص خواب مصرف کرده و سپس در خواب دچار استفراغ شده و خفه شده است.
    یک گمانه‌زنی دیگر نیز که اخیراً مطرح شده، حاکی از آن است که ممکن است او توسط مدیر برنامه‌اش به قتل رسیده باشد.

    در اینجا می‌توانید اطلاعات کامل‌تری درباره آشنایی با برخی از انواع پیکاپ های گیتار الکتریک و باس بیابید.

     دفن

    جیمی هندریکس در روز نخست ماه اکتبر سال ۱۹۷۰ در گورستان پارک گرین‌وود، واقع در شهر رنتون ایالت واشینگتن به خاک سپرده شد.

  • نحوه تشخیص سازدهنی مناسب برای خرید

    نحوه تشخیص سازدهنی مناسب برای خرید

    اگر به سازدهنی علاقه‌مند هستید، لازم است ابتدا با گونه‌های مختلف این ساز آشنا شوید تا بتوانید انتخاب درستی داشته باشید. در این نوشته از وبلاگ آموزشگاه موسیقی الهام، شما را با سازدهنی و روش‌های شناخت ساز مناسب برای خرید آشنا می‌کنیم.

    برای درک عمیق‌تر این موضوع، مطلب مصاحبه آموزشگاه الهام با علیرضا فیروزیان، مدرس فلوت را بخوانید.

    توصیه می‌کنیم این مطلب مفهوم آنسامبل در موسیقی را حتماً بخوانید.

    در این مقاله مفهوم رزونانس در موسیقی اطلاعات مفیدی آمده است.

    آشنایی با سازدهنی

    سازدهنی که با نام هارمونیکا هم شناخته می‌شود، یکی از سازهای بادی است و قدمت آن به آغاز قرن نوزدهم برمی‌گردد.
    این ساز با صدای ویژه‌ای که دارد، همیشه توجه افراد را به خود جلب کرده است. نواختن آن به تمرین، نفس‌گیری مناسب و مقداری مهارت نیاز دارد.
    صدای سازدهنی از لرزش تیغه‌های فلزی کوچکی به نام زبانه (Reed) ایجاد می‌شود. این زبانه‌ها از یک سر به بدنه ساز چسبیده‌اند و سر دیگرشان آزاد است. وقتی هوا از میان آنها عبور می‌کند، به لرزش درآمده و صدا تولید می‌کنند.
    سازهای دیگری مانند ملودیکا (Melodica)، کنسرتینا (Concertina) و آکاردئون (Accordion) نیز در همین خانواده جای می‌گیرند. ممکن است گاهی شباهت صدای سازدهنی و آکاردئون به گوشتان خورده باشد. این شباهت در رنگ صدا، به دلیل ساختار مشابه و روش یکسان تولید صوت در هر دو ساز است.

    مقاله ویژگی های پوست مناسب برای ساز تار منبع بسیار خوبی برای یادگیری بیشتر است.

    معرفی انواع ساز دهنی

    سازدهنی در مدل‌های گوناگونی ساخته می‌شود که هر کدام قابلیت‌ها و استفاده‌های خاص خود را دارند.
    وقتی قصد خرید یک سازدهنی را دارید، بهتر است ابتدا با انواع آن آشنا شوید تا بتوانید ساز مناسب خود را پیدا کرده و یادگیری را آغاز کنید.
    تفاوت اصلی بین سازدهنی‌های مختلف معمولاً در تعداد نت‌هایی که می‌دهند و همچنین کیفیت و رنگ صدا آن‌هاست.
    از مهم‌ترین انواع سازدهنی می‌توان به سازدهنی کروماتیک، دیاتونیک، ترمولو، اکتاو و ارکسترا اشاره کرد. هر یک از این مدل‌ها در اندازه‌های مختلف مانند ۶، ۱۰، ۱۲ و ۲۴ سوراخ نیز تولید می‌شوند.

    برای یادگیری پیشرفته، به مدت زمان لازم برای یادگیری گیتار چقدر است؟ مراجعه کنید.

    توصیه می‌شود به مطالعه مقاله بیوگرافی پیر بولِز،یکی از بنیان‌گذاران سبک سریالیسم ادامه دهید.

    اگر سوالاتی دارید، مقاله آشنایی با استاد کمانچه، کیهان کلهر به شما کمک خواهد کرد.

    برای اطلاعات بیشتر، به مقاله علت محبوبیت گیتار در بین سایر آلات موسیقی چیست؟ مراجعه کنید.

    در اینجا می‌توانید اطلاعات کامل‌تری درباره ۱۰ حقیقت جالب در مورد فلوت بیابید.

    نحوه تشخیص سازدهنی مناسب برای خرید

    قبل از هر چیز باید نوع و مدل ساز دهنی مورد نظر خود را از بین انواع سازهای گفته شده انتخاب کنید.

    برای شروع یادگیری ساز دهنی، ساز دهنی ترمولو گزینه مناسبی است. پس از کسب مهارت و تجربه بیشتر، می‌توانید نواختن با ساز دهنی کروماتیک را نیز بیاموزید.

    با توجه به سبک نوازندگی مورد علاقه خود ساز دهنی را انتخاب کنید.

    سبک‌های مختلفی برای نواختن ساز دهنی وجود دارد؛ مانند راک، جاز، پاپ، پاپ ایرانی، کلاسیک و غیره. حتی می‌توانید سبک مخصوص خود را ابداع کنید و شیوه نوازندگی منحصربه‌فردی خلق نمایید.

    برای اجرای آهنگ‌های پاپ، بلوز و قطعات ساده، معمولاً از سازهای ترمولو و دیاتونیک استفاده می‌شود و برای سبک‌های کلاسیک و قطعات پیچیده‌تر، ساز دهنی کروماتیک مناسب‌تر است.

    هنگام خرید ساز حتماً با مربی یا استاد خود مشورت کنید و ساز را به او نشان دهید تا بتواند آن را به شکل تخصصی و دقیق‌تری بررسی کند.

    همچنین دقت کنید که بدنه ساز باید با دقت بازبینی شود و هیچ گونه ضربه، خط یا خش روی آن وجود نداشته باشد.

    تمامی سوراخ ها باید تست شوند که دقیقا روی کوک نت ها تنظیم شده باشند.

    سازهایی که به شکل متداول و رایج ساخته می‌شوند، معمولاً به این بررسی نیاز ندارند، زیرا در کارخانه‌های سازنده، کوک نت‌ها به دقت کنترل و تنظیم می‌شود.
    با این حال، گاهی پیش می‌آید که صدای بعضی از نت‌ها با استانداردهای معمول هماهنگ نیست و از کوک درست خارج شده است.

    دقت کنید که در هنگام خرید ساز دهنی کروماتیک باید شستی ساز تست شود.

    منظور این است که همه کلیدهای ساز باید نرم و روان حرکت کنند و به راحتی باز و بسته شوند و اصلاً سفت نباشند. اگر کلیدها سفت باشند، بعد از مدتی کوتاه در نوازندگی شما ایجاد مشکل خواهند کرد.

  • نکات جالب درمورد کالیمبا

    نکات جالب درمورد کالیمبا

    کالیمبا که گاهی به آن پیانوی انگشتی هم می‌گویند، سازی است که ریشه در فرهنگ آفریقا دارد. اگرچه این روزها نام آن بیشتر به گوش می‌خورد، اما تاریخچه آن به چندین هزار سال پیش بازمی‌گردد. در ادامه این نوشته از وبلاگ آنبین، با نکات جالب و خواندنی درباره ساز کالیمبا آشنا خواهید شد.

    آشنایی با نکات جالب ساز کالیمبا

    وضعیت تیغه ها

    به قطعه‌های فلزی روی ساز کالیمبا، تیغه می‌گویند. این تیغه‌ها عامل اصلی تولید صدا در این ساز هستند. صدای کالیمبا معمولاً آرام و لطیف است، اما همین صدای ملایم می‌تواند شنونده را به شدت جذب کند و برای او لذت‌بخش باشد.

    مقاله سینتی سایزر ساز تولید کننده صداهای عجیب حاوی اطلاعات جامعی است.

    اگر به این موضوع علاقه دارید، حتماً آشنایی با مهفوم موسیقی فولکور را بخوانید.

    جنس تیغه ها

    بسته به سطح توانایی شما در نواختن کالیمبا، از تیغه‌های گوناگونی استفاده می‌شود. اما به طور کلی، این تیغه‌ها از فلزهایی مثل: فولاد ضدزنگ، فولاد بازیافتی و فولاد فنری ساخته می‌شوند.
    اصطلاح “سنگ معدن” نیز به فلز خام و تصفیه‌نشده گفته می‌شود.
    با این وجود، تیغه‌های کالیمبا معمولاً از جنس “سنگ آهن”، “فلز سنگ معدن” یا “سنگ فلز” تولید می‌شوند.
    بیشتر کالیمباهای رایج امروزی ۱۷ تیغه دارند. البته نمونه‌هایی با ۱۰، ۱۲ یا ۱۵ تیغه نیز وجود دارد.
    مدل‌هایی با هفت یا هشت تیغه هم ساخته می‌شوند که معمولاً برای اجرای آهنگ‌های شناخته شده کاربرد ندارند، اما برای ایجاد موسیقی آرامش‌بخش مناسب هستند.

    سبک یا Styleکالیمبا توانسته در بین مخاطبان خود نظرات بسیار مثبتی را کسب نموده و به طور کل این ساز را جذاب و سرگرم کننده می‌دانند.

    اما نکته مهم در مورد کالیمبا، شیوه ساخت آن است.
    یکی از چیزهایی که می‌تواند توجه شنونده را جذب کند، شکل بدنه یا تیغه‌های متفاوت این ساز است. در واقع این شکل‌ها، نشان‌دهنده سبک خاص هر ساز محسوب می‌شوند. بسته به سبک و جنسی که برای ساخت آن به کار می‌رود، کیفیت صدای ساز تغییر می‌کند و در نتیجه صدای متمایزی تولید می‌شود.

    در این مقاله آشنایی با انواع ساز ساکسیفون اطلاعات مفیدی آمده است.

    جعبه های تشدید کننده

    جعبه‌های تشدید صدا، به ویژه انواعی که تیغه‌های کمتری دارند، صدای بلندتر و پرحجم‌تری ایجاد می‌کنند. در مقابل، کالیمباهایی که بدنه‌ی توپر و بدون حفره دارند، معمولاً صدای کم‌حجم‌تر و ملایم‌تری تولید می‌کنند.
    از آنجا که در ساخت کالیمباهای بدون جعبه‌ی توخالی از چوب کمتری استفاده می‌شود، وزن آن‌ها نیز کمتر است و سبک‌تر احساس می‌شوند.
    با این حال، بیشتر کالیمباهای رایج و استاندارد امروزی، مجهز به جعبه‌ی تشدید صدا ساخته می‌شوند.
    یکی از ویژگی‌های جالب جعبه‌های تشدید این است که به شما اجازه می‌دهند افکت «واه-واه» را که شاید هنگام نواختن کالیمبا شنیده‌اید، اجرا کنید. با پوشاندن و باز کردن سوراخ‌های پشت ساز، می‌توانید صدا را تغییر داده و آن را تقویت کنید.

    معرفی رایج ترین انواع چوب برای ساخت کالیمبا

    به طور کلی، کالیمباها از چوب ساخته می‌شوند. نوع چوبی که برای ساخت این ساز به کار می‌رود، نقش بسیار مهمی در کیفیت صدای آن دارد.
    می‌توان گفت هرچه چوب ساز سخت‌تر باشد، صدای آن رساتر و پرطنین‌تر خواهد بود. دلیل این موضوع آن است که در چوب‌های سخت، امواج صوتی به جای جذب شدن، بهتر بازتاب پیدا می‌کنند.

    رایج‌ترین چوب‌ ها

    در ادامه، برخی از پرکاربردترین انواع چوب را به شما معرفی می‌کنیم. این فهرست بر اساس درجه سختی تقریبی هر چوب مرتب شده است.
    • چوب رزوود (۱۷۸۰)
    • چوب صندل (۱۶۸۰)
    • چوب افرا (۱۴۵۰)
    • چوب بامبو (۱۳۸۰)
    • چوب کوا (۱۱۷۰)
    • چوب گردو (۱۰۱۰)
    • چوب کافور (۹۵۰)
    • چوب توس (۹۱۰)
    • چوب ماهون (۸۰۰)
    • چوب صنوبر (۷۰۰)